2024TIFA台灣國際藝術節即將於今年2月23日至5月11日盛大展開！邀請包括愛爾蘭、挪威、西班牙、德國、日本等來自13國的頂尖團隊與藝術家，為全亞洲最大國際藝術節之一，展演節目精彩且多元，共計158場的演出，呈現國內外音樂、舞蹈、戲劇等表演藝術節目，邀請大眾一同進入一場場漫遊故事的藝術嘉年華。

其中最引人矚目的無非是日本音樂大師坂本龍一MR混合時境作品《鏡：KAGAMI》、重返戲劇院的雲門鄭宗龍話題之作《毛月亮》、金馬影后桂綸鎂擔任說書人的臺法共製擴增實境展演《黑》等，其中2024TIFA台灣國際藝術節也特別推出限定的舞迷套票，節目包含：麥可．基根-多藍 ╳ 舞蹈之家《界》、亞倫．路西恩．奧文《一個說謊，一個說愛》、雲門舞集 鄭宗龍《毛月亮》、舞蹈空間 ╳ 海德堡舞蹈劇場 《火鳥．春之祭─異的力量》。

「舞迷限定」4檔節目盤點！

麥可．基根-多藍✕舞蹈之家《界》

《界》（MÁM）在蓋爾語中的意思是「山口」，指的是凱里蓋爾塔赫特的聖山，一種想像它是通向未知、神奇和美妙的入口。

編舞兼導演麥可．基根-多藍（Michael Keegan-Dolan）和手風琴演奏家Cormac Begley是凱里蓋爾塔赫特（Kerry Gaeltacht）的居民，凱里蓋爾塔赫特是愛爾蘭文化和語言依然充滿活力的七個縣之一。2019 年，兩人在多藍的公司Teaċ Daṁsa（舞蹈之家）的工作室里相遇，萌生了這個演出《界》，並聯手歐洲當代管弦樂團s t a r g a z e，以及舞蹈之家的12位舞者一起獨舞與合奏。

凱里蓋爾塔赫特古老蓋爾村的氛圍和傳統在舞台上栩栩如生，這是一個古老與現代、本地與世界融合的地方，描述生活中的兩極如何融合在一起，並找到解決之道。

「《界》是一個矛盾的詞：一條穿過某個地方的路線，否則無法通行，但仍然困難且危險。」——劇評家曼尚．馬根（Manchán Magan）

多藍被認為是當今最具創新性的現代舞編舞家和戲劇製作人，2016 年創立自己的舞團「舞蹈之家」，《界》為舞團第二部作品，於2019 年9月27日在都柏林劇場藝術節的首演大獲好評，獲得2020年奧利弗獎最佳新舞蹈作品提名及2021年英國國家舞蹈獎（UK National Dance Awards）兩項獎項提名。

「舞蹈之家」的舞團精神在於深化編舞家與自身文化的連結，亦即愛爾蘭原生的傳統、語言與音樂。團名Teac Damsa是「舞蹈之家」的古愛爾蘭語，不僅反映了基根-多藍持續開展的創作之路,也反映了他的作品及其起源地密不可分的關係。

亞倫．路西恩．奧文《一個說謊，一個說愛》

「令人顫顫不安卻又如溜冰般流暢，如世界上賣座舞作的美學，讓我想起克莉絲朵．派特織錦畫般精密繁複的動作和語言。」—英國媒體《Bachtrack》

七名舞者、七種截然不同的生命樣態，七個追尋擁抱卻疏離自我的靈魂，同樣在人與人的關係裡掙扎。當身體並不一定比語言誠實，言語亦非真心的載體，在這一套所有人都無法登出的說故事遊戲中，因為對愛渴望，用謊言釀一盅謎湯。這一場戲局，是否有真正的贏家？

來自挪威的藝術家亞倫．路西恩．奧文，舞蹈、戲劇雙棲甚至跨足電影創作，同時是碧娜‧鮑許烏帕塔舞蹈劇場（Tanztheater Wuppertal Pina Bausch）邀請的兩位客座編舞家之一，另一位為希臘幻象劇場大師迪米特里．帕派約安努（Dimitris Papaioannou）。亞倫與其團隊「冬季旅人」（winter guests）延續其反思社會的創作脈絡，《一個說謊，一個說愛》試圖詰問對「自我呈現」的終極追求，在認同與被認同中徬徨，如何讓個體逐漸崩解。

「跟演員或舞者（或是舞蹈演員）合作時，我總是讓彼此真誠相對，這也是我會在作品中加入個人經驗的部份原因，因為我們講的是自己『知道』的事情，要從真實出發。」— 亞倫．路西恩．奧文

《一個說謊，一個說愛》英文劇名「Story, story, die」源自源自團體說故事遊戲，編舞家與七名舞者共同交付生命故事，創作有戲劇文本的舞蹈作品，取用說故事遊戲的形式，用肢體接續呈現不同人對愛的渴求，無法接續者則出局。亞倫將其轉化為當代社會的隱喻，為了博取認同、關注與關愛而營造假象，在無形的監視與評價之中迫切地追求被愛，否則邁向「社死」。

舞作不僅由亞倫與英國劇作家／導演安卓‧魏爾領銜編寫劇作，更由七位表演者共同參與，交付自己的心，讓舞作本身成為一座心靈場域。演出形式以極簡的舞台設計，烘托舞者難度極高，結合肢體與語言的全面表達。舞者以肢體具現繁複思緒，搭配語言與聲響加強表現層次與力道，視聽體感交融，撞擊出其間之隱晦及矛盾。在赤誠與偽裝之間，有親密有疏離、有勇敢與恐懼──終結於愛與謊言。

雲門舞集 鄭宗龍《毛月亮》

「非凡的技藝，巧妙的變幻，舞蹈的壯麗與靈性並存。」 — 英國《衛報》The Guardian

雲門藝術總監鄭宗龍的狂野之作《毛月亮》2019年於國家戲劇院首演，大獲好評，國際邀約不絕，但因疫情取消巡演計畫，延至2023年才於海外首度亮相，去年12月登上「舞蹈聖殿」之稱的倫敦沙德勒之井劇院，座無虛席、好評滿滿。

這場充滿奇妙與美麗的身體寓言源於天文現象「月暈」，又稱「毛月亮」。當鄭宗龍第一次看到月亮周圍泛起銀白色光暈時，深深著迷。他心中想著，有一天要為它編一支舞。古語「月暈而風」，暗喻事物即將轉變的徵兆，睽違五年，《毛月亮》再度於舞台上映照虛實！

「舞者和影像互動令人驚嘆⋯⋯是場深邃、精緻且不安的夢。」 — 英國《每日電訊報》The Telegraph

鄭宗龍與冰島搖滾天團席格若斯Sigur Rós合作，將空靈既躁動的音樂橫跨在無盡舞台；獲路易威登（Louis Vuitton）藝術首獎的藝術家吳耿禎和世界劇場設計大獎的王奕盛，打造LED拼接的巨型螢幕，穿透在迷幻的音樂氛圍裡。八十片的螢幕像月亮牽引著浪潮般浮沉、翻轉或橫移，舞者以汗水、肌肉以及全身的力量與之對話，以原始純粹的身體動力，突顯身處這個時代的大哉問：「如果我們可以透過螢幕上的幾次輕觸，滿足各樣需求和慾望，那麼身體的目的是什麼？」這個問題只有身體本身能夠回答。

《毛月亮》仿若預言，大疫後肉體重新拓荒。這場交織人性、科技和身體的派對再次降臨。舞者化身為獸，姿態蟄伏，慾望呼之欲出，引領觀眾圍觀這座巨幅的身體地景，也藉著月光看照自身。

舞蹈空間✕海德堡舞蹈劇場《火鳥．春之祭─異的力量》

舞蹈空間35周年鉅獻！史特拉汶斯基的大膽音樂✕伊凡．沛瑞茲的狂放舞蹈，臺德20位舞者與簡文彬、長榮交響樂團磅礡共譜「異」的力量。

舞蹈空間35周年三度攜手原籍西班牙，旅居荷蘭與德國的「異鄉」編舞家伊凡．沛瑞茲，串聯作曲家史特拉汶斯基的革命性創作成為《火鳥．春之祭》，結合「異鄉人」力量與脆弱的極端衝突，從當代角度找尋「合拍順從」到「異中求變」的心路歷程，透過直指人心的調性與節奏，傳達將「異」滲入主流社會的重要。

於今年首次在臺灣呈現《火鳥》與《春之祭》的組合，舞蹈空間與海德堡舞蹈劇場總計20位舞者共同合作演出，特別邀請指揮家簡文彬，搭配國內交響樂團現場演出，在音樂與舞蹈相伴又相爭的過程中，走出每一個不從眾、不隨俗的「自由人」必經之路。

《火鳥》展現每個人社會化的成長歷程，藉由女性獨舞充分展現了可能基於宗教、國籍或價值體系差異所造成的偏見，因有了「不同」，也可被視為「他者」，而開始有了「刻板印象」，人性上的排除異己；而《春之祭》表現成長後的社會現況，在都會人際的聚合中，不同勢力形成更大的壓力與衝突，終自一個「被選者」在半推半就中成為平和社會的壓力出口。

《火鳥》與《春之祭》發展出新的演出型式，分別帶著革命性的觀點詮釋，帶領觀者共感音樂和舞蹈在形式與內容、編舞與戲劇性肢體語彙的交織，成為發人深省、具有意義的對話。

2024 TIFA台灣國際藝術節

演出期間｜2024/2/23（五）～2024/5/11（六）

舞迷套票｜

2023.12.8（五）起購買下列節目中3檔不同節目各1張（含）以上（不含最低票價），享85折優惠，並加送舞迷贈禮兌換券（2選1）。

麥可．基根-多藍 ╳ 舞蹈之家《界》
亞倫．路西恩．奧文《一個說謊，一個說愛》
雲門舞集 鄭宗龍《毛月亮》
舞蹈空間 ╳ 海德堡舞蹈劇場 《火鳥．春之祭─異的力量》

套票詳情與購買請洽購票網站

_{資料提供｜國家兩廳院
文字整理｜Sunnie Wang}

當「現代舞」舞出劇場，會發生什麼？與活生生的人和世界，能碰撞出什麼火花？14年來帶著舞作《1875 拉威爾與波麗露》巡演全台130場的周書毅，和創作之外持續在非典型場域帶大眾「到處跳舞」的舞團「微光製造」，聊聊跨出舒適圈，去到人群中起舞的困難與好玩、思考與軼事， 一路上給出與收穫的，又如何帶來如舞步般瞬間卻永恆的能量。

2006年，周書毅的舞作《1875 拉威爾與波麗露》誕生，於倫敦沙德勒之井劇院、紐約秋季舞蹈藝術節等現代舞殿堂得獎、演出後，回台轉向土地與人群，陸續以2010年起的「舞蹈旅行計劃」、2011年重啟的「波麗露在高雄」之名，與舞團「周先生與舞者們」上山下海、出城入市，從沿海的小港機場到茂林最深處的部落，3年來深入高雄38區，10月初，回到衛武營演繹劇場版最終場作為完美落幕。

另一頭，2019年舞者王宇光、李尹櫻成立舞團「微光製造」，從台東鹿野神社、崑慈堂的廟埕、墾丁南灣沙灘，跳到巡演途中的德國、日本，甚至疫情間的線上會議室，帶領全齡素人大眾探索肢體，11月底也在衛武營戶外劇場，和社區社團「省北舞藝」的媽媽們演繹《半島來跳舞》。跳了、編了一輩子舞的3人，認真相信肢體的力量，也用各自的方式大聲和世界分享。

Ｑ：最初，走出劇場跳舞的起心動念是？

 書毅 當初海外演出回來之後，還沒有找到其他機會，但又覺得這個作品還有一些可能——所以就上街了！2010年第一次在板橋火車站演出。其實最初就是想用一個較低成本的方式，讓作品還可以活下來。

 尹櫻 常常覺得自己很幸運，雖然學舞是辛苦的，可是當我有一些想像或生活的情緒在心裡時，都可以通過身體去表達出來。但每當邀請媽媽或長輩一起動身體，大家滿常會說「啊，我不會啦！那太難了」，好像「跳舞」是為了某一特定人群而存在，那時就想，能不能撐出一個空間，讓大家也可以在裡面很自在、什麼也不用想地，用自己的身體為自己說話？

Ｑ：這些年下來，演出／教學模式如何確立？如何選擇跳舞的地點？

 書毅 「波麗露在高雄」沒有搭台、沒有燈光，每場演出半小時多，內容約20%會因場地變化，譬如服裝、走位、進場方式。最近一直有人跟我說這計畫很「永續」，但我覺得其實就是回到一個「比較簡單的溝通方式」。舞蹈的觀眾有很大的城鄉差距，台北以外的地方，比較少有機會能去進入所謂「現代舞蹈」或是「當代藝術」的思考，但不代表他們沒有這個想像力，所以就想從民眾生活中熟悉的場域切入，讓大家對於表演空間的理解不會很有距離感。

這些年，不少地方還是會期盼看到一個「形式」，有廟宇會說：下次早點講，我們就幫你準備舞台還有雷射燈啦（笑）！大家已經離開所謂「日常的藝術參與」很遠，公共空間有很多規定，不能有金錢交易、街頭藝人只能在特定一條街道⋯⋯，某種程度也違反了藝術表演的自由。所以我很強迫自己一定要去向公園處、路燈處、海港局等等申請很難的場地，去衝撞公共空間的自由度。地點上，我們會蒐集在地人的推薦、IG發問的回覆、舞者的兒時記憶，我騎摩托車一個個去場勘、拜訪，有餘力時也會先到在地學校或老人服務中心、原住民文化健康站教舞蹈課，要費很大力氣、許多溝通才能獲得一個表演空間，但是有趣、正向的。

 宇光 我們從好小開始、跳了好久的舞，一直都是在有架高和彈性的地板上、在鏡子前跳，這是很有安全感的模式，但也希望試試去戶外，透過身體來擾動一下場域和其中的人。每一次的形式完全不同，在衛武營，嘗試因應建築的弧度線條設計隊形或動作；在松山文創園區，一邊是古蹟，另一邊是誠品現代化的商場，我們就選在中間，讓人們因為我們而停下來觀看、甚至是參與；在淡水雲門劇場，當然有非常完整的排練場，但我們刻意不要在裡面，而是在夜晚和大家一起吹風、看夕陽落下來、在草地上打滾，雖然身在劇場，但是把在劇場裡面的事搬到外面做。

有時也會和我們的創作有關聯，試過在《捺撇》德國巡演時，演出前先請觀眾嘗試舞作中的雙人舞步，兩個人把重心依靠在彼此身上移動，透過觀察施力的模式，發掘自己是不是自我意識太高或太過小心等等，更加認識自己。

Ｑ：在戶外跳舞，天氣之外，最難的是什麼？

 書毅 找觀眾！我們說「跳舞給『你』看」，但那個「你」在哪裡？如果和左鄰右舍說「欸等一下那邊有抽獎」，大家都會去嘛，但如果說「那邊有舞蹈表演」，其實大家不一定會踏出門。我問了好多觀眾為何會來，多半都是因為有一些「關鍵人物」推薦，譬如老師、里長的廣播，廟和區公所的LED燈字卡，傳統海報對於社區也還是很有效，但不能貼在連鎖的喔，要找到在地人會吃的麵店、小吃攤，為此我不知道吃了多少紅豆餅（笑）。我們也突破了很多幾百人的社區LINE群組，還有混入一些臉書社團，「我是楠梓人」、「我是旗津人」，我已經當了很多種人。

 尹櫻 一開始真的會像「跟會仔」，慢慢往外擴散，要先找到在地一群有運動習慣的人，或許是打太極或跳廣場舞的阿姨叔叔，打聽他們什麼時候、會習慣聚集在哪個空間？然後大家真的非常習慣用LINE，會問能不能把資訊做成長輩圖比較好傳（笑）？因為對於用身體表達這件事不熟悉，大家習慣還是要找個伴一起。

Ｑ：如何消弭人們對舞蹈的距離感？

 書毅 跳舞本來就不遠，只是有沒有機會去試試看，那無論如何，我先創造「欣賞」的機會。我從來不會強調「環境劇場」之類的專有名詞，只是把那個「公共性」給喚醒，有人會自己帶椅子、野餐墊，有人站很遠，有人在他家2樓打開窗戶看——大家支持表演的自由，也是實現觀看的自由。

 尹櫻 每次在一些基本練習後，會引導大家找到身體可以「往外撐開」的空間，可能是手再往外劃一點、再跑更遠一點，或所有人共同去創造出一個自己完成不了的動作——「好玩」很重要，覺得有趣才有辦法更打開身體。然後不論前面玩得多瘋狂、多累、多髒，最後一定會選一首音樂，請大家閉上眼睛、為自己跳支舞。

 宇光 身體很容易成為一種「相對」，開始社會化後，我們的身體就不斷被比較、規範、限制、觀看跟被觀看——可在此之前，我們其實很用力地在很短的時間內，從一團肉體學會如何爬行，身體是我們的武器，是很重要的實驗、犯錯跟認識世界的方式。每次尹櫻請大家閉上眼睛，不論年齡、性別、文化背景，人們的表情總是非常吸引我，他們真的在享受自己的身體，沒有人評論你好不好看，你只跟自己的身體對話，那一刻是非常珍貴且「絕對」的。

Ｑ：這一切給不同場域的人群帶來什麼擾動？反過來對你們自身來說呢？

 書毅 有小朋友從3歲看到6歲、國中看到高中，跟著我們去過山上的那瑪夏、茂林，很多人都有因為這個計畫而移動到另一個不熟悉的區域，更認識自己出生的城市還有這座島嶼。10月在衛武營剛落幕的劇場版，很多看過的觀眾都回來了，高雄38區都有，連唯一因山陀兒颱風還沒去到的那瑪夏（編按：已於2024/12/11前往順利完成演出，至此，已完整波麗路在高雄的拼圖。）也有。那兩天加起來大概900位觀眾，其實不如有些戶外單場人數多，但我問誰是第一次買現代舞的票進劇場？超過1/3的人舉起手，已經非常感動。

 尹櫻 今年有到東部幾間學校分享舞蹈，很多隔代教養、或跟家裡關係不是那麼親近的孩子，上完課後家長們很開心在群組分享，孩子回去表演今天跳了什麼，舞蹈讓他們在日常對峙、凝滯的互動之外，有了不一樣的對話；還有上一堂課拒絕脫掉鞋襪、嚴肅的媽媽，下一堂課很開心拉了很多人來——找到跟身體的相處方式時，喜悅是會散發出來、想跟他人分享的。舞蹈好像就是這樣，因為有趣而一直往下滾動，看見每個人不同的樣子，對我自己來說也好像是一個不斷在換氣跟呼吸的過程。

 書毅 也有一天可能不會再有力氣，或發現這座城市已經不需要了，但「推廣」每個世代都不會停，也要靠不同藝術家發展自己的方式，像尹櫻、宇光就是很直接讓大家可以「參與」。作為一個移居者，我也一直很鼓勵在地人自己做，很開心高雄現在滿多人開始在做舞蹈公開課，不管收費與否，有多種讓民眾進入的機會，都會對未來的舞蹈打開更多選項。

 宇光  書毅當年在板橋車站的那場演出，我其實有作為粉絲在現場看（笑）。那時我想，哇～這個作品可以從紐約、倫敦，帶著這麼多舞者，回到一個沒有燈光、沒有舞蹈地板的車站大廳，非常了不起，從2010年到現在我都這樣認為，也持續思考，怎麼可以透過空間和場域去試探，把作品的更多樣貌、可能性不斷打開？微光的網站有做一個地圖，只要去過就會在地圖上釘一個圖釘，希望未來越來越多地方可以有「到處跳舞」的痕跡。

周書毅
編舞家、舞者。從身體出發，用舞蹈作為與世界溝通的語言，關注人與社會環境之間的關係。編創聚焦叩問生命的價值，提出「屬於亞洲的身體語彙」，並以劇場、非傳統劇場、舞蹈錄像等形式呈現，持續以移地移居創作的方式遊走各地。編創作品《Break & Break！無用之地》於2019年獲台新藝術獎表演藝術獎。2020年迄今受邀擔任衛武營首位駐地藝術家，移居南方。

王宇光、李尹櫻
曾任雲門2專職舞者，擁有十多年表演經驗，2019年共同創辦舞團「微光製造」，透過長年對身體的敏感度，專注當代舞蹈創作與藝術推廣，近作《捺撇》、《人之島》備受國際矚目，同時持續為素人與樂齡舉辦課程，推動與發展「到處舞蹈」長期藝術推廣計畫計畫，對身體探索、提問，讓藝術生活化，從認識自己的呼吸開始，透過身體製造微光。

_{採訪整理｜李尤　攝影｜Chang Chih CHEN陳長志、林育全、彭柏璋、周嘉慧
圖片提供｜衛武營國家藝術文化中心、微光製造、雲門}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/12月號《紙上策展術》

2024「北美館日」將於12月21日（六）登場，全日免票入場。本次將由舞蹈家古名伸創立的「古舞團」帶來舞蹈展演《漸見》，結合移動式舞台展演、科技藝術等手法，邀請觀眾在美術館多個角落邂逅藝術。「北美館循環計畫」亦發表新作——蒐集自《2023台北雙年展：小世界》的展覽回收材料，在台灣設計團隊UndergroundStudio的巧思之下，結合老師傅手工縫紉重生為限量「循環隨行包」，參與北美館日活動就有機會免費獲得。

漫步美術館，與舞蹈和科技藝術不期而遇

《漸見》長約90分鐘，由11位舞者共同呈現，以跨越式的蛻變與轉瞬即逝作為靈感來源——從個人的成長到科技的演進，從戰爭的隱喻到季節的更迭，企圖透過人物及動態影像共構當代舞蹈的創作語彙。演出將以北美館的多個樓層作為舞台，分散於各場域並同時進行多段內容，不同段落的表演者將隨機加入其他表演場域，形成「衛星式移動劇場」的關係互動。

此次古舞團與王連晟、葉廷晧、蔡奇宏、趙瞬文等科技藝術家攜手創作，一同打造肢體與新媒體展演的空間實驗。其中，甫於今年逝世的藝術家葉廷皓（1981－2024）在本次作品中負責〈前線〉與〈邊界〉兩個段落：在〈前線〉中，使用AI即時人形辨識與生成圖像，使表演者與影像形成虛實錯位；〈邊界〉段落則透過骨架偵測的分析技術，將肢體動作轉譯為節點、網格等幾何圖形，展現出數位圖景與實際身體之間的對話。而藝術家王連晟運用搭載攝影鏡頭的無人機，在與舞者的互動過程中，亦將投射無人機捕捉的畫面，創造出機器與受眾觀看的雙重視角辯證。

觀眾入場會得到一張演出地圖，在觀演時間內可依自由選擇觀賞順序，不僅打破傳統單一舞台的觀賞模式，每位觀眾也將獲得不同的理解脈絡和敘事。

《漸見》演出時間

12.14（六）13:30、16:30

12.15（日）11:00、15:00

12.21（六）13:30、16:30　*北美館日

12.22（日）11:00、15:00

《小世界》展覽用具搖身一變為限量商品

為呼應永續發展思潮，北美館逐步推行環境友善、環保再生計畫。今年館慶將推出「TFAM↔REUSE」（北美館循環計畫），以「Not Just Today, Upcycle for All」（循環再造，永續共好）為理念，與多組臺灣設計師進行材料分析、回收再製研究及測試，將展覽廢棄材料轉化為創意衍生品，亦試圖延續展覽的感受記憶，創造藝術走入生活的多種可能。

首波衍生品以《2023台北雙年展：小世界》回收的展覽宣傳帆布、路燈旗布為材料，打造美術館寄物專用的「循環觀眾包」（非賣品）及輕巧的「循環隨行包」（限量商品）。此波商品由專注於循環設計的UndergroundStudio操刀，透過臺灣老師傅的手工縫紉結合當代設計美學，悉心為館內卸除的每一吋廢棄材料注入新生命。

北美館日（12/21）當天，北美館也特別規劃「循環觀眾包」贈禮活動，當日活動分為9:30、13:00兩時段，前25名至1樓大廳服務櫃台使用「循環觀眾包」的觀眾，即隨機贈送當期展覽《喧囂的孤獨：臺灣膠彩百年尋道》中陳進《悠閒》或林之助《小閒》的彩色標籤貼一份。