2023年3月，不畏挑戰電影配樂與聲音實驗、被樂迷暱稱「教授」的日本音樂巨匠坂本龍一終不敵病魔逝世。然而，他生命最後的演出卻被混合實境（MR）技術保留了下來，成為永恆。

2024台灣國際藝術節（TIFA）於2月23日～5月11日登場，《鏡：KAGAMI》也即將再現坂本龍一身影，而MR藝術工作室Tin Drum創辦人Todd Eckert親自解密，如何用48台同步攝影機與MR眼鏡施下科技的魔法。

拉丁文有一句格言Ars Longa, Vita Brevis（生命短暫，藝術恆久長存），深為坂本龍一所鍾情。他自2014年罹患咽喉癌，死亡如陰影隨行，可創作精神不滅。Tin Drum創辦人Todd Eckert回憶兩人合作機緣，或許早在2019年就展開了，那是在美國洛杉磯一場酒店的表演，坂本龍一非常有活力，演奏優雅依舊。

「到了2020年初時，他正在思考自己所能留下的遺產，以及這次演出延續他與觀眾之間關係的重要性。我不確定這是不是種（生命邁向盡頭的）預感，更可能是個很實際的原因——他已經經歷過一次激烈的癌症療程，無法不意識到自己有限的生命。」

拍攝於2020年底在東京進行，第一天一早坂本龍一看了腫瘤科醫生，確認癌症復發。Todd提到演奏當下他在情感上非常投入，「我記得他變得很削瘦，那絕不是虛弱，但作為導演，我不希望讓他過度疲憊。」而他在2023年3月下旬去世，隨後6月在美國紐約The Shed首演的《鏡：KAGAMI》，似乎也成為坂本龍一的預知死亡紀事，一場寧靜而優美的悼念。 

不是生命盡頭，而是音樂永存的精神

坂本龍一的作曲技巧早在Todd的龐克少年時代留下印記——他當然不只聽過《俘虜》（Merry Christmas, Mr. Lawrence）著名的電影同名配樂，最早可能是1981年的《左腕之夢》（左うでの夢）——熱愛音樂的他中學時代開始做音樂記者，接下來10年投身音樂和電影。他曾擔任英國搖滾樂隊Joy Division傳記電影《控制》（Control）的製片人，電影斬獲坎城影展、英國影藝學院電影獎等獎項。

「自童年以來，音樂對我就是一種神聖的藝術形式，因此我一直想要與音樂藝術家建立深刻的關係。」Todd分享坂本龍一對所有事物充滿好奇，似乎永遠活在當下，大多藝術家在拍攝空隙多會回到梳化間，可他樂於交流，與他談小時上學的故事、談自己的父母，「甚至像都會生活（urbanity）對他的意義等人生觀念，我們還談論建築家Frank Lloyd Wright的落水山莊和Andrei Tarkovsky的電影，簡直所有事情都聊。」 

《鏡：KAGAMI》的曲目包含著名作品〈Energy Flow〉 和〈Merry Christmas Mr. Lawrence〉，以及很少演奏的〈The Seed and the Sower〉等。當Todd問起坂本龍一是否有還未發表的曲子，他從包包中拿出註記為〈BB〉的樂譜，那是專為紀念精神上的父親、義大利名導貝托魯奇（Bernardo Bertolucci）而作，只有葬禮上導演的家人聽過，而這也成為表演末曲。

觀眾將戴著MR眼鏡，浸淫在優美的環繞音效之中，或能聞到特殊的香氣，在長達1小時與大師共遊的音樂旅程中，可以坐著看表演，或可自由漫步、探索。Todd說，「環景式的呈現擴大觀眾視角的潛力很吸引人，基本上很公平，沒有人會坐到不好的位置。」這種體驗既集體，又很是個人。

而「鏡」，正意味坂本龍一不老的虛擬鏡像。要說服觀眾眼前不只是虛假的電腦CG人物，Tin Drum必須透過容積擷取技術（Volumetric Capture），以48台攝影機每秒60格高規格同步錄影。

最初Todd計畫請坂本龍一演奏只有加重按鍵的鍵盤進行拍攝，盡可能簡化樂器的體積、結構避免遮擋鏡頭，「當他想以一架真正的演奏會三角平台鋼琴錄製時，技術難度倍增，超過這領域中任何人曾嘗試過的，而實際上之後也還沒有人做到。」音樂家對演出的堅持讓Todd同意了，可5個月後取回拍攝資料時，他坦言心中一冷，形容一半的畫面中坂本龍一看起來「就像一顆裂開的栗子」，不過最後還是克服了，順利重現坂本龍一風雅、充滿生命能量的身姿。

以 MR 施下虛實交錯的幻覺魔法

技術並非一蹴可幾，在2016年創立Tin Drum之前，Todd曾在英國遊戲開發商Eutechnyx擔任北美區總監，參與美國NASCAR汽車競賽的遊戲製作。他獲取賽事許可，同時與Fox Sports建立合作夥伴關係，指導過場動畫、動作捕捉，就是在這時，他接觸到XR技術、產生了興趣。其後他又加入到Magic Leap的開發團隊之中，一個致力開發商用AR（擴延實境）、MR眼鏡的科技品牌——這成為Tin Drum現在使用的設備與技術基礎。

在人們印象中，AR、MR技術大多是透過螢幕（如手機、平板電腦）呈現，如同風靡一時的手機Pokémon GO遊戲，可他偏好能結合耳機聽覺的MR眼鏡。「我覺得螢幕過於主導人們理解世界的方式，它們中介了人的體驗，讓我們永遠無法完全沉浸其中。」

Tin Drum在2019年英國蛇形藝廊打造的《生命》(The Life)，「行為藝術教母」阿布拉莫維奇（Marina Abramović）表演以虛擬形象躍身展廳，一時轟動，甚至在2021年成為佳士得拍賣首部賣出的MR行為藝術作品。《生命》由32台攝影機錄製，製作自然沒有新作《鏡：KAGAMI》複雜、虛像活動範圍較小，卻也讓他們初探MR科技的表現性，奠定下基礎。

Todd也喜歡傳統電影，但觀眾並未能親自在場觀賞，2D表演影片不如在表演當下的演廳中感受即時，「MR與4D電影使我們有能力感受事件以及自己身在其中的現場。」此外，傳統電影中導演能事先決定作品呈現，但這不會在現場演出中發生，而XR技術更讓觀眾能移動視角，自由選擇觀看方向，「在表演當下任何事情都可能發生，從前無法讓觀眾與表演影音紀錄中的那一刻建立起真正的聯繫，但MR技術讓我們有這種可能性，對我與Tin Drum是勝過一切的刺激。」

可XR領域的眾多技術中也包含VR（虛擬實境），為什麼他獨愛融合AR與VR的MR？Todd解釋VR全然的虛擬世界剝除與現場的關係，不太吸引他，形容是「如此孤獨的體驗」。MR技術能含納實體空間，每場演出都是當下、獨特的互動，這次《鏡：KAGAMI》就將與國家戲劇院產生新的化學效應，他興奮地說，「當表演出現在舞台上，讓我們有機會進入彼此的世界，存在於觀眾的視野中與之共舞。」

讓觀眾與藝術的聯繫成為永恆

Todd說起創立Tin Drum的初衷，「我一直對創造藝術家和觀眾之間更深入連結的體驗感興趣，希望這些能夠長期存在於公共領域之中。」建築正是最與人們日常相關的藝術形式之一，Tin Drum導演Yoyo Munk在2021年倫敦設計節中與日本建築家藤本壯介合作《梅杜莎》（Medusa），將V&A博物館的拉斐爾展廳（Raphael Court）打造成虛擬作品與實體空間、現代與古代、自然與人造建物交會的場所，「我相信這件作品之所以產生如此深刻的意涵，是因為Yoyo Munk將藤本壯介的概念並置在不同時代的視野中。」這會是Tin Drum未來繼續深入研究的領域之一。

談起近期，他透露團隊導演Mary Hickson正進行新作，而英國近年代表性劇作家Simon Stephens也為他們撰寫一種全新形式的敘事劇場，並由劇場名導Sarah Frankcom執導。

談到XR技術，自然聊到2021年Metaverse瘋潮，那以平行虛擬時空連起一切的未來想像，因XR技術還未成熟，價高、未能普及化而暫時褪去。

Todd分享現在作品已觸及數萬人，他正步步實踐Tin Drum連結人們的心意。技術限制始終存在任何創作之中，他認為這迫使創作者必須更有創意，「幻術一直存在人們周遭，特別是在劇場中透過光的亮與暗表現，這也能輕鬆藉由精巧的程式碼實現，所以無論是什麼機制，我只希望它能讓我們的觀眾有所感受。」

這也如同當今的AI，他認為面對一陣陣新科技的突破，不應恐懼，也不該過譽，「就像任何工具一樣，它們是否實用終將根據我們願意為作品付出的努力而定。」就如同《鏡：KAGAMI》之中，科技就是表演的載體，但他更重視藝術造就人們共感的作用。「所有科技的光采終將隨時間淡褪，但藝術是永恆的。」如同坂本龍一為這次表演幽默寫下：「跨越千年萬年的共情，啊！可惜電池撐不了那麼久。」

Todd Eckert

Tin Drum創辦人、執行長；《鏡：KAGAMI》導演。過往長年投入音樂、電影領域，2007年擔任電影《控制》（Control）製片人，獲國際殊榮無數。其後任英國遊戲製作公司Eutechnyx北美區總監，並於2012年起擔任MR科技公司Magic Leap內容創意總監。2016年成立MR藝術工作室Tim Drum，團隊代表作有2019年與Marina Abramović《生命》（The Life）、2021年與藤本壯介《梅杜莎》（Medusa）、2023年與坂本龍一《鏡：KAGAMI》。

_{文｜吳哲夫
攝影｜Luigi and Iango、Ryan Muir
圖片提供｜Tin Drum}

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當「現代舞」舞出劇場，會發生什麼？與活生生的人和世界，能碰撞出什麼火花？14年來帶著舞作《1875 拉威爾與波麗露》巡演全台130場的周書毅，和創作之外持續在非典型場域帶大眾「到處跳舞」的舞團「微光製造」，聊聊跨出舒適圈，去到人群中起舞的困難與好玩、思考與軼事， 一路上給出與收穫的，又如何帶來如舞步般瞬間卻永恆的能量。

2006年，周書毅的舞作《1875 拉威爾與波麗露》誕生，於倫敦沙德勒之井劇院、紐約秋季舞蹈藝術節等現代舞殿堂得獎、演出後，回台轉向土地與人群，陸續以2010年起的「舞蹈旅行計劃」、2011年重啟的「波麗露在高雄」之名，與舞團「周先生與舞者們」上山下海、出城入市，從沿海的小港機場到茂林最深處的部落，3年來深入高雄38區，10月初，回到衛武營演繹劇場版最終場作為完美落幕。

另一頭，2019年舞者王宇光、李尹櫻成立舞團「微光製造」，從台東鹿野神社、崑慈堂的廟埕、墾丁南灣沙灘，跳到巡演途中的德國、日本，甚至疫情間的線上會議室，帶領全齡素人大眾探索肢體，11月底也在衛武營戶外劇場，和社區社團「省北舞藝」的媽媽們演繹《半島來跳舞》。跳了、編了一輩子舞的3人，認真相信肢體的力量，也用各自的方式大聲和世界分享。

Ｑ：最初，走出劇場跳舞的起心動念是？

 書毅 當初海外演出回來之後，還沒有找到其他機會，但又覺得這個作品還有一些可能——所以就上街了！2010年第一次在板橋火車站演出。其實最初就是想用一個較低成本的方式，讓作品還可以活下來。

 尹櫻 常常覺得自己很幸運，雖然學舞是辛苦的，可是當我有一些想像或生活的情緒在心裡時，都可以通過身體去表達出來。但每當邀請媽媽或長輩一起動身體，大家滿常會說「啊，我不會啦！那太難了」，好像「跳舞」是為了某一特定人群而存在，那時就想，能不能撐出一個空間，讓大家也可以在裡面很自在、什麼也不用想地，用自己的身體為自己說話？

Ｑ：這些年下來，演出／教學模式如何確立？如何選擇跳舞的地點？

 書毅 「波麗露在高雄」沒有搭台、沒有燈光，每場演出半小時多，內容約20%會因場地變化，譬如服裝、走位、進場方式。最近一直有人跟我說這計畫很「永續」，但我覺得其實就是回到一個「比較簡單的溝通方式」。舞蹈的觀眾有很大的城鄉差距，台北以外的地方，比較少有機會能去進入所謂「現代舞蹈」或是「當代藝術」的思考，但不代表他們沒有這個想像力，所以就想從民眾生活中熟悉的場域切入，讓大家對於表演空間的理解不會很有距離感。

這些年，不少地方還是會期盼看到一個「形式」，有廟宇會說：下次早點講，我們就幫你準備舞台還有雷射燈啦（笑）！大家已經離開所謂「日常的藝術參與」很遠，公共空間有很多規定，不能有金錢交易、街頭藝人只能在特定一條街道⋯⋯，某種程度也違反了藝術表演的自由。所以我很強迫自己一定要去向公園處、路燈處、海港局等等申請很難的場地，去衝撞公共空間的自由度。地點上，我們會蒐集在地人的推薦、IG發問的回覆、舞者的兒時記憶，我騎摩托車一個個去場勘、拜訪，有餘力時也會先到在地學校或老人服務中心、原住民文化健康站教舞蹈課，要費很大力氣、許多溝通才能獲得一個表演空間，但是有趣、正向的。

 宇光 我們從好小開始、跳了好久的舞，一直都是在有架高和彈性的地板上、在鏡子前跳，這是很有安全感的模式，但也希望試試去戶外，透過身體來擾動一下場域和其中的人。每一次的形式完全不同，在衛武營，嘗試因應建築的弧度線條設計隊形或動作；在松山文創園區，一邊是古蹟，另一邊是誠品現代化的商場，我們就選在中間，讓人們因為我們而停下來觀看、甚至是參與；在淡水雲門劇場，當然有非常完整的排練場，但我們刻意不要在裡面，而是在夜晚和大家一起吹風、看夕陽落下來、在草地上打滾，雖然身在劇場，但是把在劇場裡面的事搬到外面做。

有時也會和我們的創作有關聯，試過在《捺撇》德國巡演時，演出前先請觀眾嘗試舞作中的雙人舞步，兩個人把重心依靠在彼此身上移動，透過觀察施力的模式，發掘自己是不是自我意識太高或太過小心等等，更加認識自己。

Ｑ：在戶外跳舞，天氣之外，最難的是什麼？

 書毅 找觀眾！我們說「跳舞給『你』看」，但那個「你」在哪裡？如果和左鄰右舍說「欸等一下那邊有抽獎」，大家都會去嘛，但如果說「那邊有舞蹈表演」，其實大家不一定會踏出門。我問了好多觀眾為何會來，多半都是因為有一些「關鍵人物」推薦，譬如老師、里長的廣播，廟和區公所的LED燈字卡，傳統海報對於社區也還是很有效，但不能貼在連鎖的喔，要找到在地人會吃的麵店、小吃攤，為此我不知道吃了多少紅豆餅（笑）。我們也突破了很多幾百人的社區LINE群組，還有混入一些臉書社團，「我是楠梓人」、「我是旗津人」，我已經當了很多種人。

 尹櫻 一開始真的會像「跟會仔」，慢慢往外擴散，要先找到在地一群有運動習慣的人，或許是打太極或跳廣場舞的阿姨叔叔，打聽他們什麼時候、會習慣聚集在哪個空間？然後大家真的非常習慣用LINE，會問能不能把資訊做成長輩圖比較好傳（笑）？因為對於用身體表達這件事不熟悉，大家習慣還是要找個伴一起。

Ｑ：如何消弭人們對舞蹈的距離感？

 書毅 跳舞本來就不遠，只是有沒有機會去試試看，那無論如何，我先創造「欣賞」的機會。我從來不會強調「環境劇場」之類的專有名詞，只是把那個「公共性」給喚醒，有人會自己帶椅子、野餐墊，有人站很遠，有人在他家2樓打開窗戶看——大家支持表演的自由，也是實現觀看的自由。

 尹櫻 每次在一些基本練習後，會引導大家找到身體可以「往外撐開」的空間，可能是手再往外劃一點、再跑更遠一點，或所有人共同去創造出一個自己完成不了的動作——「好玩」很重要，覺得有趣才有辦法更打開身體。然後不論前面玩得多瘋狂、多累、多髒，最後一定會選一首音樂，請大家閉上眼睛、為自己跳支舞。

 宇光 身體很容易成為一種「相對」，開始社會化後，我們的身體就不斷被比較、規範、限制、觀看跟被觀看——可在此之前，我們其實很用力地在很短的時間內，從一團肉體學會如何爬行，身體是我們的武器，是很重要的實驗、犯錯跟認識世界的方式。每次尹櫻請大家閉上眼睛，不論年齡、性別、文化背景，人們的表情總是非常吸引我，他們真的在享受自己的身體，沒有人評論你好不好看，你只跟自己的身體對話，那一刻是非常珍貴且「絕對」的。

Ｑ：這一切給不同場域的人群帶來什麼擾動？反過來對你們自身來說呢？

 書毅 有小朋友從3歲看到6歲、國中看到高中，跟著我們去過山上的那瑪夏、茂林，很多人都有因為這個計畫而移動到另一個不熟悉的區域，更認識自己出生的城市還有這座島嶼。10月在衛武營剛落幕的劇場版，很多看過的觀眾都回來了，高雄38區都有，連唯一因山陀兒颱風還沒去到的那瑪夏（編按：已於2024/12/11前往順利完成演出，至此，已完整波麗路在高雄的拼圖。）也有。那兩天加起來大概900位觀眾，其實不如有些戶外單場人數多，但我問誰是第一次買現代舞的票進劇場？超過1/3的人舉起手，已經非常感動。

 尹櫻 今年有到東部幾間學校分享舞蹈，很多隔代教養、或跟家裡關係不是那麼親近的孩子，上完課後家長們很開心在群組分享，孩子回去表演今天跳了什麼，舞蹈讓他們在日常對峙、凝滯的互動之外，有了不一樣的對話；還有上一堂課拒絕脫掉鞋襪、嚴肅的媽媽，下一堂課很開心拉了很多人來——找到跟身體的相處方式時，喜悅是會散發出來、想跟他人分享的。舞蹈好像就是這樣，因為有趣而一直往下滾動，看見每個人不同的樣子，對我自己來說也好像是一個不斷在換氣跟呼吸的過程。

 書毅 也有一天可能不會再有力氣，或發現這座城市已經不需要了，但「推廣」每個世代都不會停，也要靠不同藝術家發展自己的方式，像尹櫻、宇光就是很直接讓大家可以「參與」。作為一個移居者，我也一直很鼓勵在地人自己做，很開心高雄現在滿多人開始在做舞蹈公開課，不管收費與否，有多種讓民眾進入的機會，都會對未來的舞蹈打開更多選項。

 宇光  書毅當年在板橋車站的那場演出，我其實有作為粉絲在現場看（笑）。那時我想，哇～這個作品可以從紐約、倫敦，帶著這麼多舞者，回到一個沒有燈光、沒有舞蹈地板的車站大廳，非常了不起，從2010年到現在我都這樣認為，也持續思考，怎麼可以透過空間和場域去試探，把作品的更多樣貌、可能性不斷打開？微光的網站有做一個地圖，只要去過就會在地圖上釘一個圖釘，希望未來越來越多地方可以有「到處跳舞」的痕跡。

周書毅
編舞家、舞者。從身體出發，用舞蹈作為與世界溝通的語言，關注人與社會環境之間的關係。編創聚焦叩問生命的價值，提出「屬於亞洲的身體語彙」，並以劇場、非傳統劇場、舞蹈錄像等形式呈現，持續以移地移居創作的方式遊走各地。編創作品《Break & Break！無用之地》於2019年獲台新藝術獎表演藝術獎。2020年迄今受邀擔任衛武營首位駐地藝術家，移居南方。

王宇光、李尹櫻
曾任雲門2專職舞者，擁有十多年表演經驗，2019年共同創辦舞團「微光製造」，透過長年對身體的敏感度，專注當代舞蹈創作與藝術推廣，近作《捺撇》、《人之島》備受國際矚目，同時持續為素人與樂齡舉辦課程，推動與發展「到處舞蹈」長期藝術推廣計畫計畫，對身體探索、提問，讓藝術生活化，從認識自己的呼吸開始，透過身體製造微光。

_{採訪整理｜李尤　攝影｜Chang Chih CHEN陳長志、林育全、彭柏璋、周嘉慧
圖片提供｜衛武營國家藝術文化中心、微光製造、雲門}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/12月號《紙上策展術》

2024「北美館日」將於12月21日（六）登場，全日免票入場。本次將由舞蹈家古名伸創立的「古舞團」帶來舞蹈展演《漸見》，結合移動式舞台展演、科技藝術等手法，邀請觀眾在美術館多個角落邂逅藝術。「北美館循環計畫」亦發表新作——蒐集自《2023台北雙年展：小世界》的展覽回收材料，在台灣設計團隊UndergroundStudio的巧思之下，結合老師傅手工縫紉重生為限量「循環隨行包」，參與北美館日活動就有機會免費獲得。

漫步美術館，與舞蹈和科技藝術不期而遇

《漸見》長約90分鐘，由11位舞者共同呈現，以跨越式的蛻變與轉瞬即逝作為靈感來源——從個人的成長到科技的演進，從戰爭的隱喻到季節的更迭，企圖透過人物及動態影像共構當代舞蹈的創作語彙。演出將以北美館的多個樓層作為舞台，分散於各場域並同時進行多段內容，不同段落的表演者將隨機加入其他表演場域，形成「衛星式移動劇場」的關係互動。

此次古舞團與王連晟、葉廷晧、蔡奇宏、趙瞬文等科技藝術家攜手創作，一同打造肢體與新媒體展演的空間實驗。其中，甫於今年逝世的藝術家葉廷皓（1981－2024）在本次作品中負責〈前線〉與〈邊界〉兩個段落：在〈前線〉中，使用AI即時人形辨識與生成圖像，使表演者與影像形成虛實錯位；〈邊界〉段落則透過骨架偵測的分析技術，將肢體動作轉譯為節點、網格等幾何圖形，展現出數位圖景與實際身體之間的對話。而藝術家王連晟運用搭載攝影鏡頭的無人機，在與舞者的互動過程中，亦將投射無人機捕捉的畫面，創造出機器與受眾觀看的雙重視角辯證。

觀眾入場會得到一張演出地圖，在觀演時間內可依自由選擇觀賞順序，不僅打破傳統單一舞台的觀賞模式，每位觀眾也將獲得不同的理解脈絡和敘事。

《漸見》演出時間

12.14（六）13:30、16:30

12.15（日）11:00、15:00

12.21（六）13:30、16:30　*北美館日

12.22（日）11:00、15:00

《小世界》展覽用具搖身一變為限量商品

為呼應永續發展思潮，北美館逐步推行環境友善、環保再生計畫。今年館慶將推出「TFAM↔REUSE」（北美館循環計畫），以「Not Just Today, Upcycle for All」（循環再造，永續共好）為理念，與多組臺灣設計師進行材料分析、回收再製研究及測試，將展覽廢棄材料轉化為創意衍生品，亦試圖延續展覽的感受記憶，創造藝術走入生活的多種可能。

首波衍生品以《2023台北雙年展：小世界》回收的展覽宣傳帆布、路燈旗布為材料，打造美術館寄物專用的「循環觀眾包」（非賣品）及輕巧的「循環隨行包」（限量商品）。此波商品由專注於循環設計的UndergroundStudio操刀，透過臺灣老師傅的手工縫紉結合當代設計美學，悉心為館內卸除的每一吋廢棄材料注入新生命。

北美館日（12/21）當天，北美館也特別規劃「循環觀眾包」贈禮活動，當日活動分為9:30、13:00兩時段，前25名至1樓大廳服務櫃台使用「循環觀眾包」的觀眾，即隨機贈送當期展覽《喧囂的孤獨：臺灣膠彩百年尋道》中陳進《悠閒》或林之助《小閒》的彩色標籤貼一份。