在藝術家張簡士揚的畫中，古人們做著當代的事，他們騎摩托車、吃麥當勞、滑智慧型手機；幽默畫面配以鮮明色彩、流動線條，形成如真似幻的場景。像這樣的「穿越美學」，也成為他的創作標誌。

在全新個展《The Future Never Looked so Good》當中，張簡士揚提出了「窗」的概念，透過智慧型手機與手錶等「當代窗景」，延伸出跨越時代的人們與他者和世界互動、連結的生活方式。展覽即日起至2024年3月31日，於台北藝廊奇想會Whimsy Works展出。

讓古人穿越至當代，賦予當代日常古典意趣

身兼產品設計師、藝術家雙重身分，現為迪士尼（Disney）大中華區特聘藝術家的張簡士揚，無論創作載體為繪畫、平面視覺、產品等，都流露著古典氣質與現代元素交織的「穿越」美感。而這次他在奇想會舉辦的個展《The Future Never Looked so Good》，由繪畫做主角。

你是否曾有過這樣的經驗？當凝視著一支落單的衣架、一件牆角的花瓶、一團陌生的煙霧，或某個再平凡不過的日常碎片，思緒便墮入了另個維度，Déjà vu的感受瞬間襲來，或則想像開始馳騁。「記憶」成就了這些奇異的心念幻象，令我們懷疑這是曾發生過的虛擬現實？還是極可能成真的超未來時空？張簡士揚的創作動機便源自於此。

4點解析張簡士揚的創作觀

張簡士揚的繪畫主題，看似描繪日常生活情境，卻又以敏銳纖細的眼光，探討時空的游移與彈性，是日常生活和超現實想像的結合。關於這點，我們可以從張簡士揚描繪古人從事當代活動的一系列繪畫中看出端倪；在他的筆下，古人衝著浪、戴上耳機刷著碟、穿起泳衣彈吉他⋯⋯生活感與穿越美學在他的畫中揉合。

01 古人、太陽眼鏡、當代生活場景的意義

古人、太陽眼鏡、當代生活，經常出現在張簡士揚的作品當中，他對此解釋：「古人象徵打破時間是線性的觀念；太陽眼鏡則讓人看不出年紀與人種；當代生活是和現在生活連結的方式。」像是畫作〈switch tennis〉 背後創作的動機，就是隨機與線上的參與者一起打球，但對方是誰、來自哪裡一點都不重要。

02 以「窗」為題，串起古今與世界連結的生活模式

在這次奇想會個展《The Future Never Looked so Good》當中，張簡士揚提出了「窗」這個古典元素，且不再在意古今場景的界線消弭，反而更進一步，以當下人類所擁有的「日常科技能力」去擁抱時空的疆界。他首度釐清，「『穿越』並非是我創作的主軸，記憶與日常事物才是，透過窗景，我們能夠連結。」

窗引入了光源，框取了可見的視界，讓意識與想望延伸。在張簡士揚的新作當中，窗景改以手機、智能手錶等各種穿戴式屏幕呈現，這些畫面不單單只是創作者一人的觀看視角，還代表了當代人群於虛擬雲端的集體展演和分享，不管是直播、視訊、即時動態，雲端的即時呈現成了當代人文風情的載體。

03 電影《愛在黎明破曉時》激發靈感，人因過去而有如今的自己

人類意識與活動之間的觸發關鍵，亦是張簡士揚想透過繪畫探究的命題。經典電影《愛在黎明破曉時》（Before Sunrise）中，男主角一席關於他相信靈魂轉世並四散成碎片的發言，曾給了張簡士揚相當的既視感。

他認為每個人在這世界上，總會有機會遇到與自己特別投緣或獨具心電感應的瞬間，這些遭遇，很有可能是碎片與碎片的再度相遇；每一個當下的自己，也都與過去的自己有所連結，只不過在沒遇上之前，誰都沒料到這竟會成真。這份念想，得以從《跨時空交流》中見得，張簡士揚創作這系列畫作的起心動念，便是相信每個人的存在都是自己與過去的連結體。

04 儘管AI當道，人性才是最重要的

不只從電影延伸創作想法，法國電音團體Daft Punk成員Thomas Bangalter在解散之後所發表的看法：「我們一直都站在人性這邊，而非技術那一面......我最不想成為的就是機器人。」同樣也解答了張簡士揚繪畫中總是援古證今的姿態。

在AI與人性之間，張簡士揚選擇揣摩人們情感與依戀的出口，這點反映在他創作〈Human After All〉的過程中——在AI是否取代人的議題下，人性與科技應該有所區別，人性和情感才是最重要的。

與他者、時空共譜的童話寓言

綜觀《The Future Never Looked so Good》展出作品，各種穿戴式螢幕畫面的溝通方式，呈現了當代人的觀看方式和習慣，就好像以前的人開了一扇窗，為了讓視野與想法破框延伸；身在當代的你我，也透過科技產品和世界互動產生新的連結。

看張簡士揚的作品總會會心一笑、心生共鳴，因為他描摹的不只是自身獨有的私人經驗，而是與他者、時空所共同譜寫的童話寓言。

張簡士揚個展《The Future Never Looked so Good》

展覽期間｜2024.03.09－03.31

時間｜13:00－20:00（週二公休）

地點｜奇想會Whimsy Works（台北市大安區安和路一段21巷7號）

門票｜入場費為低消飲品一杯

從神話、民間傳說、殖民歷史等汲取靈感，菲律賓視覺藝術家李·帕赫（Lee Paje）藉繪畫探討複雜的性別議題，她常在畫中以「水」包裹人體形象，暗示性別的流動性；藉油彩銅板畫若隱若現的金屬光澤、摺頁書開展的扉頁等媒材及形式，象徵歷史的複雜性及迭代，並進一步揭露殖民主義如何鞏固異性戀規範的社會結構。即日起至2月15日，李·帕赫台灣首個展《失落與重現的樂園》於安卓藝術展出。

故事從哪說起？神話中一場摧毀社會的洪水

在《失落與重現的樂園》展覽中，李·帕赫重新探討性別與菲律賓殖民歷史之間的關聯，使歷史與神話交織並存。展覽名稱取自《靈魂之書》（The Soul Book）中記載的前殖民神話：一場洪水摧毀了社會，在故事中，「樂園」象徵豐收與人類與自然之間的和諧連結，並允許生命形態自由轉變。李·帕赫認為，這種轉變本質上蘊含「酷兒性」，並在作品中重新召喚這一概念，雖然洪水使樂園成為失落的場景，但「水」的流動仍回蕩於她的作品中。

畫中的性別流動意象：水流 X 金屬光澤 X 巴貝蘭文化

「水」常是李·帕赫作品視覺與隱喻的核心，並在《丈量、裁切，卻未曾分離》中達到視覺的巔峰；另在雙聯作《風吹開了天堂之門》中，身著教袍的牧師佇立在告解室，目光投向岸邊模糊的人影，且李·帕赫採用銅片作為創作媒材，其光澤與油畫層次也成為探討性別流動性的象徵。

李·帕赫以海潮幻化成的人形，暗示著他們獨特的身份與靈性，彷彿前殖民時期擔任巫師或祭司角色的群體——「巴貝蘭」（babaylan），其意指舊時擔任巫師或祭司角色的群體，這一身份可為順性別女性，也可為穿著並扮演女性的男性，突顯了菲律賓前殖民時期性別流動的特質，同時解釋李·帕赫作品中「水」所包裹的人體形象——水流是對性別流動性的視覺回應；衣飾般的紋理則代表人們社會表演的外衣，反映出信仰傳統、殖民主義及原住民文化如何縱橫交錯梳理與定義性別。

回到17世紀，藉藝術重構酷兒歷史

透過挖掘歷史檔案，李·帕赫藉《相擁》一作重新講述一則鮮為人知的故事：17世紀時，有一位來自台灣的中國官員——樓蘇，因頻繁出入西班牙殖民時期的馬尼拉華人區尋求性關係，最終因「雞姦罪」於1670年被判有罪；而樓蘇之後成功脫罪，部分原因是來自他與鄭經的親屬關係，西班牙當局因外交考量而未追究。

在《相擁》中，兩個人物臥於床上，水的形象流動於他們之間，地上散落的衣物及物件呼應了床頭畫中聖米迦勒大天使刺殺中國魔鬼的意象，據稱這類圖像象徵了西班牙傳教士對菲律賓華人居民的焦慮。儘管此作引用了樓蘇的故事，但它只是藝術家所揭示的酷兒壓迫微敘事之一，這些微敘事也成為重建酷兒歷史的努力。

探討性別表達自由，反思殖民歷史

在本次展覽中，李·帕赫以油彩繪於銅板與紙本裝置之上，書寫出一幅多層次的當代敘事畫卷，重新檢視性別流動性與菲律賓殖民歷史之間的交互關係，並通過歷史與神話的交織，揭示被忽視的文化與性別敘事。

菲律賓藝術研究學者Gianpaolo L. Arago指出，李·帕赫並未將性別與殖民歷史視為單純的變遷，而是揭示殖民主義如何鞏固異性戀規範的社會結構，若僅以「殖民者—原住民」或「異性戀—酷兒」的二元對立來解讀李·帕赫的作品，過於簡化；她透過多層次的語境，汲取前殖民時期的神話和被遺忘的歷史軼事，梳理出細膩且豐富的詮釋。「樂園或許失落，但李·帕赫將之重新尋回：無論是性別表達的自由，還是對後殖民主體的反思。於此，神話成為通往酷兒未來的一道可能之門。」

「失落與重現的樂園」李．帕赫

展期｜2025年1月4日－2月15日

地點｜安卓藝術（台北市內湖區文湖街20號1樓）

以台灣民間日常、在地文化為創作靈感的藝術家李明則，自2025年1月4日起於安卓藝術推出大型個展《走自己路的》（Walk Your Own Path），一次展出包含水墨畫作、複合媒材創作等的20組新作。

2009年至今首個大型個展

李明則出生於高雄，1980年代曾生活於台北，隨後又在1990年代返回故鄉。其創作雜揉生活所見所感、廟宇彩繪的圖法佈局以及章回小說的敘事氛圍，以神話般的手法展現常民文化豐富的層次深度。

1996年，李明則於台北市立美術館推出個展《台灣頭．台灣尾》，同年於台北雙年展《台灣藝術主體性─認同與記憶》展出，1997年前進威尼斯雙年展台灣館《台灣，台灣：面．目．全．非》，2009年於高雄市立美術館舉辦《我愛台灣．更愛南台灣》個展。而本次《走自己路的》是繼高美館大型個展後，李明則又一次結合繪畫、複合媒材與立體創作的大型展覽，同時也是安卓藝術15周年的首場活動。

《走自己路的》展覽同名新作發表

這次展出，觀眾將能見證李明則耗時三年籌備的20組新作，其中六聯屏的同名鉅作《走自己路的》寬達11公尺，融合藝術家一直以來吸納在地風情與紋理的空間表現，也刻劃他喜愛的江湖遊俠和卡通漫畫英雄人物，更融入近年曾熱議的話題如台海危機、黃色小鴨等。作品的構圖與技法延續了水墨畫的敘事傳統與線描法，以橫向的視線引導，傳遞時空交疊、虛實共生的世界，凸顯李明則獨特的創作性格。

以高雄道路命名為靈感的《一心》到《十全》

李明則擅長在有限畫幅內，創造出無盡想像的超時空旅程，《一心》到《十全》系列水墨畫也是如此。該系列以高雄道路命名典故為靈感，集結了各種水墨畫譜的技法，在源自傳統形式的描繪中透過拼貼式的構圖和手法翻轉出水墨的嶄新語彙和生命。雖然墨色單純，李明則仍能運用大量線條，創造出多面向的時空漫遊，一幅幅畫作彷彿任意門般，帶給觀者無盡的想像。

除了畫作，李明則也在本次展覽中發表數件全新的複合媒材創作，結合民俗故事的人物造型，在玻璃纖維材質上以紗布和紙黏貼覆蓋，再用拼接、黏貼的技法輔以焚燒的痕跡，處理出如補丁般的肌理，用獨特而風趣的視角展現舊時代的美好回憶。

李明則個展《走自己路的》

展覽日期｜2025年1月4日至2025年2月27日
開放時間｜週二至週六13:00–18:00
展覽地點｜安卓藝術（台北市內湖區文湖街20號1樓）