從2023台灣設計週主視覺、MAD by Le Kief品牌識別、洪佩瑜首張專輯《明室》裝幀，到金車集團調酒品牌「Safari Club」logo，HOUTH的作品橫跨平面與立體，手法更是2D、3D、動態等表現交織。既有很商業的品牌案，又有很實驗的視覺案，私下也保持完全自我的純創作，彈性遊走各異設計。

設計師都有一個鮮少提及但實為重要的案子，那就是自己工作室的品牌案。為MixCode、miki w. studio、究境聯合建築師事務所等品牌操刀識別規劃的HOUTH，談起自己的品牌笑說，「有點恥，不敢說。但這一直還是我們的主要精神，想要突破框架，不斷挑戰可能性、模糊界線。」原來，HOUTH中間的OUT意指out of box，前後的H，剛好是共同創辦人黃紀滕（Hans）和何婉君的姓氏英文開頭。

初心之所以難以啟齒，或許就在於太過誠實，而他們也的確在職涯挑戰了各種可能後，才走到設計這條路上。Hans在大學念的是德文，之後接觸攝影師、課程企劃、雜誌編輯、選品店行銷企劃等工作；婉君雖出身視覺傳達系，但內心有著電影夢，畢業製作不是平面設計而是短片，還曾到導演工作室工作，直到進入品牌規劃公司後，才漸漸覺得自己進到設計領域，也對做品牌產生熱情。「我本來就喜歡蒐集東西，能把一個品牌做到有魅力、讓人想要獲得，我一直覺得很有趣。」

2013年，Hans因工作前往德國出差1個月，婉君也決定辭去工作一同前往。「我以前有一點強迫症，如果一件事情太過順利，就會想要逃離舒適圈。那時候上班工作很平穩，就覺得可以再做下一個挑戰。」搭著火車在歐洲四處逛，婉君在柏林的書店看到各種創意無極限，甚至超低成本亂印亂做的出版品，「柏林給我的感覺貧富差距很大，有魅力的是不用實質的富有，而是心靈上的富裕就可以過得很有自己的樣子。」她將這樣的刺激轉化成動力，嘗試自由接案一段時間後，也鼓勵想接攝影案但因工作難以抽空的Hans，於2014年一起創立HOUTH。

身為設計師的奇怪責任感

HOUTH的創意方向由兩人共同討論，之後婉君負責設計，Hans擔綱專案管理和客戶溝通。「所謂設計思考，不是只有設計，前端和後端的工作都是設計的環節。」Hans以品牌案來說，「前端必須有準備好的客戶，所謂準備好包含概念、預算、產品規劃；後端在品牌上市後，對內有沒有辦法營運，對外有沒有辦法符合識別規範系統做宣傳行銷。」

他提到曾有一個食品傳產想做品牌識別更新（rebranding），他們先了解客戶「為什麼需要重新做包裝？」原來是因為某些原料過剩，想要做成另外的加工食品來販售，「但要解決的問題應該是原料過剩，而不是做包裝。」Hans便將這項建議回饋給客戶，而這也是他們面對案子的起手式，會先釐清客戶真正的問題，並非照著對方需求給予服務。

「我們會有一些奇怪的責任感。」婉君說，負責的設計案推出後，如果市場反應不好，會感到非常失落。她也從設計端補充，「做品牌滿重要的是，我們都是以logo可不可以放10年的角度去思考。」

其實HOUTH也幫自己做過rebranding，從此亦能看出設計手法與喜好的進程，相對於現在的簡約，舊版logo將字體串在一起，較繁複且具裝飾性。婉君說，因為自己喜歡老物，有段時間偏愛裝飾風格的東西，隨著品牌案越做越多，更傾向一個簡單的符號，也符合HOUTH的實驗調性。

他們對設計案的責任感，也體現在針對大型活動案給出的「視覺識別系統規範書」。例如2023台灣設計週主視覺，HOUTH 呼應主題「彈性橋接」，以彈簧、線條等2D和3D圖像彼此混合銜接。除了給出主視覺，也給了一份視覺識別系統規範書，包括印刷和數位，CMYK和RGB兩種檔案都整理好，讓活動的線上線下宣傳延伸製作物，即便交由不同設計師接手，仍能保有一致的視覺語彙。

「我們不會只出一張圖。」Hans說，如果活動規模較小不需要出到規範書，Facebook、Instagram需要使用的橫式、直式、方形視覺，基本尺寸的調整都會親自操刀，客戶若有其他需求就能自行微調。「算是有點控制狂，畢竟是自己做的東西，會希望最後的成果是完整的。」婉君說。

從文字出發的思考和提案策略

其實在所有的設計案中，設計都只占了一小部分，怎麼透過提案策略和溝通技巧，讓設計師認為的好設計能被實現，亦是相當重要但常被忽略的一環。

「我們的案子都滿快有共識，比較沒有改來改去的問題。大部分設計師應該都有這種感覺，第一時間提出的東西都是最好的，有時候改到後來都已經不知道是什麼了。」婉君說，他們對於「第一次提案就是準備好的」這件事有堅持也有自信，Hans也在溝通策略下了不少工夫。

他會了解窗口個性或老闆喜好，再根據案件狀況提案。他以和《GQ》合作GD2調酒系列瓶裝設計為例，開會時發現對方有「中二魂」、喜愛惡趣味，提案就用盡各種中二梗，還在3種不同瓶身設計藏有漫畫《鋼之鍊金術士》的符號，表示「3瓶合在一起可以得永生」。

HOUTH沒有制式的提案格式，不做情緒板（mood board）也不給參考畫面（reference），Hans說，「進設計之前全部都是文字，如果有一些圖像、照片，都不會是設計的reference，而是品牌相關意象。」婉君說自己曾經也是很視覺導向的人，但她發現「視覺有時候很主觀，文字反而大家都可以理解。從概念或品牌核心精神的文字定義出發，再回推到視覺的時候，就有基底可以對應，能夠解釋為什麼要這樣做、呈現出來的感覺是什麼，都是有邏輯有原因的。」

她私底下看很多日本設計理論書，認為設計師的「直覺」非常重要，好比每個人對於「極簡」的定義都不同，設計師就得從生活經驗中累積，找到大家對極簡的共鳴，並以此感覺來做設計，「雖然直覺很抽象，但直覺其實是從很多事情的知識累積來的。」

做純創作，在自虐中回電

在高密度的商業案之外，HOUTH也一直保有純創作，婉君的植物創作系列《flo flow Flower project》已出到第4張。細觀HOUTH作品，不難發現用色存在著繽紛和雅緻的兩極，而婉君的個人創作則是比商業案的繽紛還更繽紛，「我滿喜歡用各種有趣的顏色，穿衣風格一 直都滿多彩。」她說，除了想玩色彩應用，也想嘗試一些視覺表現，2015年畫第一張的時候，覺得過程很像冥想，因為圖像很繁複，畫的途中要非常專注、一直做細節的調整。

「在設計案上，我不喜歡花很多時間去推疊一個東西，想要用很有邏輯、很聰明的方式做設計。可是在純創作，反而覺得可以自虐一 下。」而Hans也出版多本攝影書，最近一本是2023年的《For The Blank 風景照》。

他說，去年工作繁忙已無太多生活，「這時你會驚覺，在很緊湊的工作狀態下，偶爾的放空，才是最舒服最療癒的時候，空白也才是填滿內心的東西。」這讓他聯想到常被人認為「不就是風景照而已」的風景照，說不定才是內心最富足平靜的狀態，於是集結旅行中拍下的風景照出版成書。

過去透過平面創作的他們，今年更擴張到展覽的立體維度，6月將在朋丁舉辦HOUTH的10週年展覽。契機源於他們去年在日本看了設計雙人組KIGI的展覽，婉君直說「平面設計魂爆發」，再次被實體物件的魅力感動，也想到這10年不論是商業案還是純創作，產出了大量印刷製作物，希望能藉由辦展一次與大家分享。

「沒有多偉大的理由，我覺得是因為那個感動，讓我也想要把這個感動帶給別人。做到現在10年了，也想把自己整理一下。」不過實在好奇，工作這麼忙，他們是如何一直保持創作？他們笑說，「每年都會報藝術書市集，等於強迫自己一定要產出新東西，常常報名完又後悔，但已經沒有退路。」看來不管業主是他人或自己，在時間限制裡創作，設計師想必都很在行。

HOUTH 

2014年由黃紀滕、何婉君共同創立，位於台北專注於品牌策略與設計的創意團隊，領域包括品牌策略、藝術指導、 視覺設計等。商業案之外， 也以獨立出版計畫「HOUTH BOOKS」，不定期出版設計與攝影的純創作。作品曾入選東京TDC、台灣金點設計獎等。

^{文｜張以潔　攝影｜蔡耀徵
圖片提供｜HOUTH}

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跨足企業品牌形象、商品開發及產品包裝設計、藝術展演，甚至是教育節目藝術總監，你一定曾看過佐藤卓深植人心又歷久彌新的設計！今年是他自立佐藤卓廠牌的40週年，不形塑個人風格，不採取上對下的指導，持續活躍於設計一線。在5月受邀來台擔任青春設計節評審之際，La Vie與佐藤卓相約，聊設計也聊「不設計」的心法。

因應青春設計節的評審工作，初次造訪南台灣的佐藤卓說：「高雄所有的東西都好大！」包含天空都特別開闊，雖然行程緊湊，但不知不覺緩慢了時間流動。他分享此次看見台灣年輕設計師對自然環境的高度意識，並超脫業界設計師的大膽想像力構築新穎的脈絡與格式，讓他深感滿滿刺激與啟發。他特別提到，這個時代已不是把表面做得非常漂亮就可以獲得高評價，看見學生能探究到題目標的的本質、建立作品的邏輯，若能套入不同的元素產生新的連結，佐藤卓認為將會是非常有價值的事情。

「我常會在講座中分享，設計就是『連結』的工作。」以金澤21世紀美術館為例，連結的是美術館與外界的大眾，因此首要思考與深究的是美術館存在的意義。設計團隊必須各方各面了解與認識美術館、誠懇地梳理特色，他提到「任何一個『記號』都不是單獨存在的，其背後包含所屬的組織、建築物，甚至是策展方針內容等。」當設計可以將美術館的個性完整呈現，自然會形成具有代表性且令人印象深刻的品牌記號。

「我沒有想要去『創造』一個全新的東西！」佐藤卓輕描淡寫地敘述自己的工 作，只是從現存的內容中發現大家可能忽略的亮點，將之萃取後用另一方式呈現而已。就像金澤21世紀美術館讓人驚艷的logo設計，佐藤卓認為其建築物已將美術館的概念具象化了，「當我接到美術館的委託，一攤開建築圖面時，就覺得他們已經幫我做好設計了（笑），無需添加任何多餘的東西。」

BAO BAO ISSEY MIYAKE的品牌logo也是相同歷程，是將BAO BAO象徵性的三角片排列串聯拼出品牌名稱。他進一步說明，這或許也是大家對於TSDO出品的品牌記號感到印象深刻的原因，「因為設計的並不是我個人的意識或解讀，而是眾人對品牌本身的共感與認識。」

有時微調後的logo，連員工都無法察覺哪裡不同

佐藤卓曾在著作《塑思考》中提及：「做設計」時，會忽略其實「不做設計」及「不改設計」也是設計的選項，內容夠好的物件，往往不需太多設計的參與。

他信手捻來經手過不做設計、不改設計的實際案例，像是鏡頭公司SIGMA、齒科醫療機械公司NSK（NAKANISHI INC.），佐藤卓開玩笑說：「可能是連員工都無法察覺到的『新設計』！」他認為設計是生物，放置不管就會隨時間老化、甚至會死亡，而SIGMA與NSK都是營運超過數十年、行銷各國的大廠牌，原設計有一定程度的辨識度，同時也仍能代表品牌精神與未來走向，因此佐藤卓的目標是放在讓品牌識別代表的記號不要看起來落伍或老氣，僅在比例上做些微調整，做設計上最小的介入，比起做出一個華麗的全新記號，對品牌未來發展是更適切的選擇。

而在專門收藏日本畫的「山種美術館」，他則詮釋了不做設計也是好設計。山種美術館創始以來都只有以毛筆字所寫下的名稱作為對外形象，因此在50週年之際邀請佐藤卓設計全新品牌識別。但在佐藤卓的眼中，原先的毛筆字極具歷史意義與美術館的代表性，於是製作全新logo的同時，請館方找出毛筆字的原始檔，以現代高精密的技術重新掃描，完成線條更為俐落並帶有氣場的標準字。「我只有做這件事，」佐藤卓進一步說，「讓客戶既存的價值被保留並且持續流傳下去，是我很重要的工作。」

在眼下做出改變，眼中望向的是未來

現代設計師的角色必須考量得更全面，不再是只專注在美感、做出漂亮的設計就可以交付業主結案，企業或品牌的識別就是「顏面」，更應該要當成是對待真正的臉來謹慎行事。

佐藤卓會先聯想到設計記號會延伸應用在什麼情境或媒體平台，企業或品牌在接下來的時代想要扮演什麼樣的角色，「透過設計在當下做出的改變，會在未來帶來什麼樣的意義，或是呈現什麼樣的樣貌，我會和客戶一起思考現在應該要做些什麼，然後一起去做。」

佐藤卓說，他很常會跑到客戶的公司去跟各部門的員工聊天：「你對公司的印象如何？」、「你喜歡公司的logo嗎？」讓客戶端在專案過程中很有參與感，而不僅僅是參與最終決策，這也是佐藤卓做設計的 一大特點。當然也有遇過客戶設計意識較為低落、或有錯誤認知，他也會直率地指出，有時也會去給客戶上課、說明logo的意義，「當然我必須說得很有趣，讓客戶願意聽進去囉！」當客戶意識到設計是件這麼有趣的事，才可能聽得進去設計師的建議，雙方也才能達到有效溝通。

被問到是否有針對溝通受過什麼樣的訓練嗎？佐藤卓攤了攤手說：「其實我只是從小就很不擅長坐在書桌前，成天只想著找朋友玩，跟朋友一起玩是我最早開啟的人際關係。」因為朋友眾多，包含朋友的朋友，各自相處與溝通的方式也不太一樣，但為了可以把不同的朋友聚集在一塊兒，他總是不厭其煩嘗試各種溝通的方式，「我也是現在才敢說出來，當年可是每天被嘮叨：『快去念書啦！』」只能說，佐藤卓這無法阻擋的玩心，已耐心培養成強大的溝通能力了。

當人放棄選擇和參與之時，雋永的設計將不再存在

面對AI浪潮的來襲，無論是「文字AI」或「算圖AI」，都已在不同環節成為創意工作者的新工具。佐藤卓坦言目前還沒有實際使用AI的經驗、也尚未有機會深入了解AI的發展，他趕忙表示自己並非抗拒，對他而言AI是一個「人在使用的工具」，可以下指令先搜尋全球的logo標誌，進而分析和重新設計，短短數秒即可達成100個提案，「但是最終決策與判斷的還是人類，無論AI工具再怎麼進步、甚至發展出自己的個性，都還是要由『人』來決定採用。」

佐藤卓提出一個相當有力道的觀點：如果未來AI持續發展，到了人都可以不用去做選擇的地步，設計就會變成沒有責任歸屬的事。「沒有責任歸屬的東西會長遠留在地球上嗎？我認為不會。」他解釋，簡單做出來的東西亦會輕易地被捨棄，相反地，即便是AI 產出的logo，如果能邀請公司所有的社員一起來表決，將logo放入社員們的意識，經過自己心意所挑選的成果更容易產生共鳴與尊重，就不會被輕易拋棄——就像前面所提到，佐藤卓總會在接到委託後跑到客戶公司做員工採訪，也是這樣的原因。

如此這般，設計出來的logo較可能代代相傳，並加入隨時代演進的低設計介入微調，那麼無論AI甚至是其他工具如何發展，「人心」始終都會是設計可被長久傳承下去的主要因素。

佐藤卓（Taku Satoh）

1955年東京出生，日本平面設計師。1984年創立佐藤卓設計事務所（現更名為株式會社TSDO）至今。曾參與「NIKKA Pure malt 威士忌」商品開發，「LOTTE XYLITOL樂天木糖醇口香糖」、「明治好喝牛乳」產品包裝設計、「PLEATS PLEASE ISSEY MIYAKE」平面設計等，以及NHK《日本語遊戲》節目藝術總監、《啊！設計》綜合指導、21_21 DESIGN SIGHT總監等，跨足各領域。興趣是衝浪與拉丁音樂。

_{企劃｜張以潔　文｜劉祥蝶 Show.D 　口譯｜詹慕如}

_{攝影｜ KRIS KANG、Satoshi Asakawa　圖片提供｜ TSDO 　場地提供｜駁二藝術特區} 

_{更多精彩內容請見 La Vie 2024/6月號《逛美術館的多重視野》}

從知名度漸增的曼谷設計週與清邁設計週，到各地皆精彩的藝術市集，再到各顯風格的建築與空間。泰國旅遊的魅力背後，設計的支撐必不可分。不過，創造這些設計的泰國設計師是誰？La Vie 5月號《泰國設計特搜》聚焦建築與空間、平面、產品、時尚、新媒體藝術、廣告6大領域，讓超過30組泰國設計師與團隊的名字與故事浮上檯面。封面邀請泰國插畫家meanlee操刀，充滿泰國設計物件的圖像，藏有專題內介紹到的設計師與品牌彩蛋等待讀者發掘！

根據台灣觀光局統計，2023年台灣赴泰旅遊人次達77.7萬，名列海外地區第6名；放眼國際，泰國觀光局和移民局最新數據指出，2024年截至4月初，赴泰國際旅客已突破1,000萬人次，與前期相比增長146%。

細究泰國知名景點，其實許多都與設計聯動。新落成的曼谷地標LV The Place Bangkok、建築到展覽都精彩的泰國創意設計中心（Thailand Creative & Design Center，TCDC），嘉佩樂（Capella）、四季（Four Seasons）等國際奢華酒店紛紛插旗泰國，The Standard亦聯手西班牙藝術鬼才Jaime Hayon打造設計旅宿The Standard, Bangkok Mahanakhon。活動更是百花齊放，從每年2月的曼谷設計週到12月的清邁設計週，再到曼谷ChangChui、清邁Baan Kang Wat等藝術聚落或市集，人們各時各地都能在泰國觸及創意。

6大領域、30+泰國設計師與團隊

然而，泰國設計很吸引人，但創造這些設計的泰國設計師是誰？這個直覺疑問引領著這次專題的誕生，聚焦建築與空間、平面、產品、時尚、新媒體藝術、廣告6大領域，讓超過30組泰國設計師與團隊的名字與故事浮上檯面。

La Vie 5月號雜誌《泰國設計特搜》▶即刻訂購！

專題中特別專訪到：LV The Place Bangkok立面建築團隊Onion、曼谷藝術書展創辦暨AGI成員Studio150、Netflix《轉學來的女生》主創暨廣告公司SOUR Bangkok、名導阿比查邦合作的藝術團隊DuckUnit、國際獲獎的產品設計工作室THINKK Studio，以及泰國明星Bright Vachirawit創辦的永續時尚品牌Astrostuffs。也邀請專攻泰國設計內容的粉絲專頁「雖然媽媽說那裡很危險」創辦人王賢慈，從泰國政府、企業、創作者的各自角色，分析當地設計現場。

泰國插畫家meanlee操刀封面

這次封面特別邀請泰國插畫家meanlee操刀，視覺充滿著泰國設計物件，也藏有專題內介紹到的設計師與品牌彩蛋等待讀者發掘！

這位從小便鍾情於繪畫，大學更在朱拉隆功大學傳播設計系深造的設計師暨插畫家，近年以標誌性的插畫及藝術作品受到藝文界關注。滑開meanlee的社群媒體，不難發現，在繽紛用色、生動線條之外，其作品中對於社會時事、政治情勢的關注與諷刺，更讓這位新生代創作者顯得獨樹一幟。她的創作領域並不只限於插畫，亦有品牌識別、動畫等產出。而在2022年被選為曼谷插畫展駐場藝術家之一後，她去年也與藝術家Heart於台北藝術空間121 ART SPACE中舉辦展覽《Thailented》，今年3月時更在曼谷舉辦首次個人展覽《(W)HOLE IN ONE》，讓更多人從她的作品中，看見泰國的此時此刻。

_{文｜張以潔、郭慧　圖片提供｜各單位}

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