巡迴世界各地的攝影藝術展《文明：當代生活啟示錄》於3月16日登台，Uncanny衛星展區也於5月18日揭幕，集結近百位藝術家攝影作品，從生產和消費方式、工作和娛樂、思考和創造、合作和衝突，紀錄和詮釋人類當代文明的發展面貌，引發對於現在和未來的反身思考。

《文明：當代生活啟示錄》（Civilization: The Way We Live Now）由忠泰美術館、攝影展覽基金會、韓國國立現代美術館跨國聯合製作，除了位於忠泰美術館展出外，5月18日起《文明：當代生活啟示錄》也於NOKE忠泰樂生活3樓Uncanny衛星展區，展出「逃離」、「孤獨相伴」2個主題，展期間也將陸續推出展覽系列專題講座、專家導覽等多元活動。

策展人威廉．尤因（William A. Ewing）表示：「此次展覽可以從兩種角度去觀看：第一個視角，這是一檔透過攝影之眼所呈現的文明主題展；另一個則是從攝影展角度，觀看藝術家們如何呈現文明議題。無論你是喜歡攝影還是喜歡文明議題，希望大家都能喜歡這檔展覽。」

以攝影打包當代人類文明

《文明：當代生活啟示錄》關注21世紀以來全球化下的人類集體生活樣態，自2018年在韓國國立現代美術館首度展出後，陸續巡迴至北京、墨爾本、奧克蘭、馬賽、弗利、倫敦等7座城市，策劃單位之一的攝影展覽基金會（Foundation for the Exhibition of Photography，FEP）執行總監塔德．布蘭多（Todd Brandow）這次也來到臺灣參加開幕。

《文明：當代生活啟示錄》透過主展區「蜂巢」、「流動」、「說服」、「控制」、「破裂」、「未來？」與衛星展區「逃離」、「孤獨相伴」共8個主題，記錄和詮釋人類當代文明的發展面貌，探問人類在集體生活浪潮下，心理與精神層面的狀態。我們正處於一個快速發展的時代，文明也以一種不可思議的力量進化、擴張和變異，而攝影如同鏡像，映照出人類集體努力下的成果，以及文明的複雜與矛盾。

展示於主展區一樓大廳窗戶的奧利維耶．克里斯蒂納特〈形態II〉，為整個展覽開啟序幕。作品中呈現各色各樣乘坐電扶梯的人們，是攝影師在同一地點、不同時間拍下的人們，令觀者反思自身文明，連結「集體孤獨」的概念。

⬭ 蜂巢｜居住之所

「蜂巢」一詞曾被形容紐約熱絡的社交生活，同樣也寓意著大型的人類聚集地；而當人類開發完一個新大陸，就會轉移焦點，前往探索另一個未知。帕布羅．洛培茲．盧茲（Pablo López Luz）的〈墨西哥城鳥瞰圖XIII〉以空拍俯視全球第六大巨型城市、擁有兩千兩百萬的城市人口的墨西哥城，放眼人類浪潮席捲眼前。

已故的麥克爾．沃爾夫（Michael Wolf）以拍攝香港等亞洲大城市而聞名，〈密集建築#91〉中城市的大規模住宅計畫、密集社會互動暗示著社會壓力，甚至是確切的危機。這些都市有機體不僅被動地承載著我們的日常生活，更主動地協助我們去學習、生產、思考。

⬭ 流動｜人事物的移動

無論是經由陸運、海運，還是空運，人員、貨物、原料、思想，都正在以過往難以想像的速度流動。攝影藝術家兼飛行員亞歷克斯．麥克林（Alex MacLean）從空中俯拍下〈貨櫃，樸茨茅斯，維吉尼亞州〉，從對角線拍攝的大量貨櫃傳達某種動態感；藝術家洪浩〈簿記–2007 B〉則從微觀的個人生活日常出發，觀察並紀錄時間推移下累積的消費與使用痕跡，讓人們在瞬息萬變的物質世界中，找到憑據與依靠。

⬭ 說服｜影響力

說服可以泛指廣告宣傳、行銷推廣、政治手段等。羅伯特．沃克（Robert Walker）的〈紐約時報廣場〉捕捉了全世界最繁華的商業街區，猶如一座閃亮的商業遊樂場，刺激著消費的慾望。

亞力克．索斯（Alec Soth）的〈巴黎大皇宮（卡爾．拉格斐）〉於2007年巴黎時裝秀週拍下「老佛爺」卡爾．拉格斐，將另一位從側面窺視的攝影師納入畫面，暗示觀眾：他並非獨自一人，而是在名人效應結構中的一份子。

⬭ 控制｜權力與秩序

不同文明都有自我保護意識，不僅要抵禦外來者，也要處理內源性生存威脅。人類存續亦須仰賴「控制」，例如國家機器、軍隊等。盧純澤（Suntag Noh）在北韓拍下〈赤色之屋 I #13〉，畫面中整齊一致的隊伍，對內強化國民凝聚力，對外也成為北韓向世界展現國威的一張照片。

盧卡．札尼爾（Luca Zanier）的〈國際足球總會：執行委員會，蘇黎世〉揭開世界盃幕後決策團隊的會議空間，這群決策者聚集在地下會議室制定比賽規則，以及處理賽事前置申辦、組織和營運等工作。

⬭ 破裂｜衝突與失序

近年人類不斷面臨自然秩序被破壞、司法不彰、人權遭受侵犯、武裝衝突、產業停滯或迅速衰落等，該區展出的作品，迫使我們正視人類文明的盲點與失敗。台灣藝術家羅晟文〈布萊多普動物園，鹿特丹，荷蘭〉出自其知名創作《白熊計畫》系列，捕捉人造場景、北極熊、動物園參觀者等多方角色的搭配和視線，透露當前人類與自然環境的詭異關係；何兆南〈門戶開放III〉靈感則來自2014年歷經兩個多月，於香港發生的一系列公民抗議運動。

⬭ 未來？｜新世界

曾經只存在於科幻小說中的新科技，如今則在短時間內從實驗室開發出成品，迅速移到貨架上供人們消費，可預見的未來逐漸浮現。在米歇爾．納亞爾（Michael Najjar）的〈攀升入軌〉，一具火箭從太空中心發射，像是對未來外星生活的關注與思索；馬克斯．阿奎萊拉-赫爾韋格（Max Aguilera-Hellweg）的《人形機器人》系列中，栩栩如生的機器人頭部，代表人類不斷實驗和探索自己的角色與人體的能力。

⬭ 衛星展區｜逃離｜世外桃源

「逃離」一詞除了指離開一個地方，也被用來形容掙脫某種身體上或精神上的束縛。對於遭受戰爭與衝突摧殘的人們而言，「逃離」是實際行動的逃出危險場域，一如在忠泰美術館主展區展出的「破裂」主題作品呈現的戰爭、難民等議題；而對於生活在太平盛世的群體，「逃離」一詞則呈現擺脫一切、解放身心靈等積極多元的含義。

在衛星展區中，藝術家們透過觀察拍攝休閒娛樂產業的現況，紀錄並揭露產業背後的真相。馬西莫．維塔利（Massimo Vitali）〈拉莫斯公共海水浴場〉中人們抵達世外桃源，短暫遠離日常塵囂，似乎訴說著一種全球性的集體儀式；奧拉夫．奧托．貝克爾（Olaf Otto Becker）長期關注北極環境災難，〈Point 660，2，2008年8月，北緯67°09’04’’，西經50°01’58’’，海拔360公尺〉捕捉多位拍攝紀念照的遊客，而北極熊、海豹等早已不見蹤跡；羅傑．艾伯哈德（Roger Eberhard）《標準》系列拍攝同一連鎖飯店的房間與房外景色，雖然城市的文化風土有著極大差異，然而飯店客房卻如同複製貼上般雷同。

⬭ 衛星展區｜孤獨相伴｜人與人的連結

人類尋求各類社交生活的夥伴，卻也追求個體性的差異，盲目跟風抑或是特立獨行？我們孤獨地來到並離開這個世界，卻又過著集體生活。藝術家們透過攝影作品，同時展現並強化了人與人之間的相互依存。多娜．施瓦茨（Dona Schwartz）以父母與孩子為題，分別呈現兩個系列作品《準父母》與《空巢族》。《準父母》系列中捕捉著伴侶們期待著新生命到來的心境，《空巢族》系列則透過僅餘留父母在場的畫面，展現出父母如何逐漸接受成年子女離巢的事實。

拉里．蘇爾坦（Larry Sultan）〈莎朗．懷爾德〉中紀錄色情片演員幕後的模樣，在如同家的場景裡，演員獨坐在鏡頭前，暗示著他們如同我們般，都是為了謀生而努力工作的人；樊尚．福尼耶（Vincent Fournier）認為航太發展是多數人類的集體夢想，作品中太空人穿著有著管線的太空衣，似乎已經準備好飛離地球，然而他即將面臨外太空極端環境的封閉、孤獨，長時間與世隔絕的情境。

_{參展藝術家列表（依英文姓氏排列）
馬克斯．阿奎萊拉-赫爾韋格、安德蕾雅．阿爾維斯．德．奧莉薇拉、莫瑞．巴拉德、奧利沃．巴比耶里、曼迪．巴克爾、奧拉夫．奧托．貝克爾、瓦萊麗．貝林、丹尼爾．貝爾胡拉克、弗洛里安．波姆、米凱萊．波佐尼、普麗希拉．布里格斯、保羅．布爾蒂爾、亞力杭德羅．卡塔赫納、菲利浦．尚塞爾、奧利維耶．克里斯蒂納特、琳恩．科恩、拉斐爾．達拉波塔、謝爾蓋．多爾任科、納坦．德維爾、米區．愛普斯坦、安德魯．埃西博、亞當．福格森、樊尚．福尼耶、安迪．弗里柏格、安德烈亞斯．葛菲勒、克里斯托夫．吉倫、阿什利．吉爾伯特森、山繆．格拉塔卡普、勞倫．格林菲爾德、肖恩．赫默勒、米什卡．亨納、何兆南、坎迪達．霍佛、丹．霍爾茲沃思、洪浩、趙春萬、克里斯．喬丹、麥克．凱利、艾琳．孔、喬治．利霍夫斯基、莫里西奧．利馬、羅晟文、帕布羅．洛培茲．盧茲、亞歷克斯．麥克林、大衛．梅塞爾、愛德嘉．馬丁斯、傑佛瑞．米爾斯坦、Mintio、安德魯．莫爾、理查．莫斯、米歇爾．納亞爾、華特．尼德邁爾、盧純澤、西蒙．諾福克、卡拉．菲利浦斯、謝爾蓋．波諾馬列夫、西里爾．波切特、馬克．鮑爾、賈爾斯．普萊斯、萊納．里德勒、安德魯．羅瓦特、蓋爾科．德．魯伊特、維多利亞．桑布納里斯、高東滋、亞力克．索斯、亨利克．斯波勒、湯瑪斯．史特魯斯、艾瑞克．塞爾、達尼拉．特卡琴科、柴田敏雄、理查．德．察納、安德烈亞斯．切希奇、布萊恩．烏里希、卡洛．瓦爾塞基、卡斯奧．瓦斯康塞洛斯、雷金納德．范德維爾德、羅伯特．沃克、理查．沃爾班克、王慶松、派屈克．魏德曼、戴蒙．溫特、麥可．沃夫、帕奧羅．伍茲、加布里埃萊．加林伯蒂、盧卡．札尼爾、趙仁輝、弗朗切斯科．齊佐拉。}

文明：當代生活啟示錄 Civilization: The Way We Live Now

⬬ 主展區

展覽地點｜忠泰美術館（台北市大安區市民大道三段178號）
展覽期間｜2024.03.16至2024.06.30
開放時間｜週二至週日10:00-18:00（週一休館）

⬬ 衛星展區

展覽地點｜NOKE忠泰樂生活3F Uncanny  （台北市中山區樂群三路200號3樓）
展覽期間｜2024.05.18至2024.06.30
開放時間｜週日至週四11:00-21:30、週五至週六11:00-22:00 

雙展區聯票僅於klook線上販售，請見購票連結。

2025大阪世博將於4月13日開幕，除了各具特色的國家館外，主題館（Signature Pavilions）展區也不能錯過！共8座主題館分別由日本建築、設計、音樂、影視等各界大師領銜，切入生命的各個面向，用趣味的互動式探索體驗，引領觀眾反思人類、藝術、自然、科技間的緊密連結。

Better Co-Being（Resonance of Lives）

由建築師妹島和世與西澤立衛共同創立的建築事務所SANAA操刀、金澤21世紀美術館館長長谷川祐子擔任策展人。展館位於世博會場中央的一片寧靜森林，以無屋頂、無牆壁的設計，模糊室內與戶外的界限，傳遞開放性與共享的理念。

展館主題聚焦於多元社會中的資源共享、互相尊重與人際關係，將結合3D觸覺科技互動裝置與專屬體驗APP等創新技術與藝術，讓觀眾體驗深層情感共鳴。展覽共分為三個展區：「人與人之間的共鳴」以多媒體藝術表現情感交流的可能性，幫助人們重新挖掘彼此的連結；「人與世界的共鳴」以象徵多元價值的彩虹視覺呈現未來願景，鼓勵對平等與包容的深思；「人與未來的共鳴」通過互動裝置，展現環境與人類之間的動態變化，啟發對未來生活模式的想像。

Future of Life（Amplification of Lives）

由日本人形機器人權威石黑浩領銜，這座展館描繪未來五十年間科技可能如何影響並擴展人類的生活。展館內的互動展覽探討科技與社會融合的多樣可能性，像是科技與日本文化的關聯、科技為生活創造的便利、存在於科技中的生命（機器人）、千年後生命的形態等，啟發性地呈現未來生活藍圖，鼓勵觀眾重新審視人類與科技的共存關係。

Playground of Life: Jellyfish Pavilion（Invigorating Lives）

由音樂家中島幸子策劃的「Playground of Life」以「水母」為靈感，建築外觀採用半透明膜結構，呈現萬物生命的柔軟流動性。展館主打創造力與遊戲性，致力於打造一個結合藝術、音樂與互動體驗的夢幻空間。

館內，二樓的「遊戲山」結合原生植被的攀爬設施與滑梯，觀眾可以盡情地攀爬，喚起童年時期的純真與活力；一樓則是現場音樂的表演場域。該展館致力塑造一間「未來地球學校」，不為年齡設限，讓觀眾在玩樂中體會學習的樂趣。

null2（Forging Lives）

該展館的核心設計概念是重塑「鏡子」的象徵意義，利用互動裝置與數位科技讓觀眾探索超越現實的景觀，讓人感受到自然與建築的交融。走進展館，觀眾的身體將被數位化，與有機變形的自己互動。

DYNAMIC EQUILIBRIUM OF LIFE（Quest of Life）

根據熱力學第二定律「熵增定律」，有序只會朝無序的方向移動。然而，唯有生命才是無視這法則、尋求維持秩序的力量；只有生物才會主動地同時分解、重塑自己，而這種「動態平衡」就是生命本身的本質。

該展館內容由設計顧問公司Takram策劃，通過互動燈光裝置展現「生命的動態平衡」。展館巨大的屋頂以輕柔漂浮的形象，象徵生命的循環與流動，而館內展覽則佈滿流動的燈光與多重感官體驗。觀眾將在此感受身體轉化為粒子，溶解到環境之中，重新審視個體生命在整體生態中所扮演的角色，並重新思考生命的短暫與無限。

LIVE EARTH JOURNEY（Totality of Life）

設計師河森正治策劃的展館，聚焦在宇宙、海洋、陸地上所有生命的連結，從以人為本的思考轉變回以全生命為本，強調保護和培育生命的重要性。展覽共分為四個展區：沉浸式XR體驗整合虛擬與現實空間；五感音樂劇場展現生命的活力與熱忱；4公尺的巨幕投影出太空中所看見的地球，與雞蛋內的生命成長情形，是人類感官所無法捕捉的時空尺度；最後一個展間則放大微生物的生長動態，揭開平日視線之外的生命循環。

EARTH MART（Cycle of Lives）

「Earth Mart」由建築師隈研吾與設計師八木保共同打造，其靈感源自於農村生活。展館以里山常見的茅草屋頂建成，象徵過往鄉村生活的繁榮。

「Earth Mart」內部設計如同一座未來市集，而觀眾可以在此認識糧食的循環議題。展覽內容涵蓋未來飲食模式、傳統文化與新興科技的比較、當前社會的糧食挑戰與創新解決方案等，並邀請觀眾以趣味的形式踏上這趟探索之旅，重新塑造新時代的生活見解。

Dialogue Theater –sign of life–（Embracing Lives）

最後一個展館由導演河瀨直美策劃，是一座參與式的對話劇場，每日設定不同主題，隨機邀請參觀者與預先招募的對話者共同展開討論，藉由個人經驗交流、全球議題討論，激盪出更多互動火花。策劃團隊表示，發生在這裡的都是「一生中只有一次」的偶然對話，也無法被預見。展期間的每次對話都將被留存，將傳承給未來人類。

觀看作品時你會習慣先閱讀作品說明嗎？有時候，語言（文字）並不能完全表達藝術家的想法，試著用感覺來理解，而不僅是依賴語言的解釋，觀展過程中可能會有不一樣的發現。

台北當代藝術館（當代館）於2025年1月17日至5月4日推出「No Language」展覽，由黃彥穎擔任策展人，邀集14組臺灣中生代與新生代創作者，突破語言表達的束縛，透過視覺、觸覺與共同經驗的連結，帶領觀眾感受藝術純粹而直觀的力量，發掘日常生活中微小的不平凡。

所有語言的確都是抽象的，只不過某些語言比其他的來得更抽象。 —喬治．歐威爾（George Orwell）

策展人黃彥穎說明：「科學家可以告訴我們大象溜下滑梯的重力加速度，但他沒辦法告訴我們這為什麼好笑，我想『No Language』大概就是在說這個。這個展覽並非是一場藝術創作對抗語言系統分類的陳述過程，而是針對藝術家如何在物質中追求精神性、在詮釋中追求啓發性，以及在現實中追求超越性的身影。」

從日常的縫隙打開無窮的想像空間

入口處展出陳松志《奢侈的墮落》，展檯上畸形有機的口香糖團塊散發著人工香氣，藝術家將過往「咀嚼」的行為轉化為「踩踏｣，引發對感官秩序的深刻思考。

黃萱《隨著風》以樹枝和風扇表現風的動態，《一小部分的霧島》將撿拾的石頭嵌入二手鞋底，延續記憶的旅程，《Flat #3》探討變形物品帶來的陌生感，而《經過》則透過飛機雲的數位影像，將不同時空的日常經驗串聯。

蘇育賢的作品以日常生活的荒誕瞬間為出發點，將瑣碎記憶幻化為如夢般的景象，讓平凡生活散發浪漫光彩。

李婷歡《As the Light Went Through It》將燈光、物件與不同質地的影像進行錯置，透過光影與記憶的交疊，挖掘平凡景象中的感性張力。

日常景象與社會集體意識

江忠倫《很久很久以前》探索記憶、風景與物品之間的微妙關聯，以抽象的畫面和符號結構，帶領觀眾進入藝術家記憶中的電影場景。

劉文瑄擅長以細膩的物質性表現形體與媒材的可能性，展出的三件作品以紙張為主要媒材，巧妙地展現藝術家對自我不同階段的詮釋，其中《媽媽咪呀》是自2011年創作以來，首次公開展出。

陳萬仁《這不是一個幌子》擷取城市街道招牌使人眼花撩亂的印象，行人、腳踏車騎士在招牌間移動穿梭，反映當代社會資訊過載與視覺衝擊的現象，從而喪失對深度與細節的關注。

空間物件與感官的對話

吳聯吟《健身房》將健身器材視為現代身體的雕塑，以器材訓練局部肌肉的功能性加以延伸，重新佈署精神化的身體造型。

陳為榛《夾板實驗場：熱幾何》使用塑膠浪板、磁磚、木板等裝潢材料，建立裝潢工程中「內部」與「未完成」的視野，在冷峻形式的線條基礎上，將有機的路徑介入幾何造型的秩序。

黃海欣《動物園》系列以繪畫記錄動物園沒看到動物或動物正在睡覺的景象，用幽默而真實的方式呈現集體經驗與期待之間的落差。

何彥諺《席地而坐》源自藝術家在學運期間久坐於柏油路面，促使其重新觀察日常中未曾留意的地面質感，將腳底接觸的路面、木地板及球場地面材質轉化為壁面，邀請觀眾以觸覺或其他感官，探索身體如何感知情感與記憶的痕跡。

崔廣宇《系統生活捷徑─表皮生活圈：城市精神》用一系列荒謬的測試行動來挑戰都市空間中的隱形規範，提出不同的觀點重新呈現城市空間的使用方式，進而審視自身與周遭環境的關係。

黃立穎《轉折》以石墨、色鉛筆為媒材繪製於樓梯間，上下移動時能夠看見作品隨著光影進行變化，讓時間不再是線性概念，而是身體動態與空間感知的交織。

廖建忠《運転生活終點站3.0 K-us》用廢棄的冰箱、洗衣機、除濕機、電鍋、熱水瓶等多種家電改造為遙控車，幽默地批判現代消費文化及其隱藏的代價。

另外，展覽期間也將舉行藝術家面對面、工作坊與多場導覽活動，邀請觀眾透過不同互動式活動一同化身為自己的旁觀者，專注於那些平時忽略的細節，在生活中發掘全新的感受。各項活動訊息可至當代館官網查詢。

台北當代藝術館新年首展「No Language」
展覽時間：2025/01/17 （五）～05/04（日）
展覽地點：台北當代藝術館       
更多資訊可至展覽網頁查詢

_{資料提供｜台北當代藝術館、文字整理｜Adela Cheng}