台北藝廊TAO ART用一場名為《biáng》的展覽，收束了中國藝術家王加加不同階段的創作心境，從年輕時「眼睛」系列拼貼出的張狂；近年「森林」系列探索自身根源，揉合東方筆觸、西方意象的繪畫語言；再到超越時序、直指內心柔軟的「鴨子」系列，讓人看見一位藝術家不停向外探索、也向內自省，擁抱未來、同時不忘傳統的創作旅程。

「眼睛」揭露強烈的表現欲望

一雙雙的「眼睛」，是許多藏家、藝術買手、觀眾看見王加加的起點。2020年啟動的「眼睛」系列是王加加目前發展得最為成熟的作品，其帶有強烈的拼貼風格，融合了數位圖像、抽象繪畫、絲網印刷，集結濃烈的色彩、鮮明的符號。王加加在數位輸出的影像上，用顏料層層堆疊直到畫中只留下「靈魂之窗」，表達出直接、深刻的情緒，同時讓眼睛成為觀者欣賞作品的引導——當虛擬（畫中）與現實（觀者）的眼睛對視，便一起墜入新的維度。

超現實「森林」由東西背景滋養

如果說「眼睛」系列強烈的取樣、拼貼，反映了王加加毫不掩飾、力求吸人眼球的表達欲望，那2022年起連載的「森林」系列，則可見他透過繪畫語言「尋根」的嘗試。王加加雖然三歲就隨家人移居英國，從小在倫敦長大，但因出生於中國畫世家，小時候就被父母訓練以線條畫樹、畫風景，表達對周遭環境的觀察，藝術路上仍深受中國文化影響，從「森林」系列作品最能看出端倪。

「森林」系列像是超現實版的山水，繽紛而瘋狂；畫的是自然，卻有都會的摩登和動感。其中一幅長、寬超過兩公尺的巨幅繪畫〈Roots〉，畫中筆觸像是書法中的狂草，極度奔放、洋溢著想破框而出的生命力；看著它，就能感受到活生生的、激烈的有機能量。

有趣的是，王加加在數不清的繪畫線條之間，特別藏了彩蛋——必須很仔細找（還可能找不到）的英文和中文字，讓觀者看畫看出尋寶的樂趣，也讓文字、線條與色彩相互搭配之下，仿若一件大尺幅的街頭塗鴉，隱約透露著英國蓬勃的街頭文化對他的影響。如果仔細觀察，更會發現畫中西方油畫顏料所刻劃出的線條，仍帶有中國畫的氣韻，這反映了王加加向內探尋，試著將傳承自家族的中國畫底蘊轉譯成西方油畫媒介的成果。

一起化身「鴨子」，回歸最真實的自我

展間中精巧、色彩恬淡的「鴨子」系列，就像是一片王加加創作倦怠時依賴的舒適區（comfort zone），在這裡他不必想太多，只管享受即興的樂趣，回歸作畫能夠不假思索、只為記錄當下情感的初心。畫中的鴨子個個像人，他們成對一起抽菸、或獨自釣魚，就像人類生活困頓、心煩時尋求出口一般，只想暫時放鬆、放空、放飛自我。不妨將「鴨子」系列視為王加加遞出的邀請，一起成為畫中的鴨子，回到最本真的自我。

獨家彩蛋！王加加現地創作壁畫訴說心境

這次王加加也特別在TAO ART留下現地創作，黑白壁畫盤根錯節的線條中藏了些字，其中 “FOMO NO MORE” 最能體現他的心情。「FOMO」是fear of missing out的縮寫，代表著人們因不在場、未能參與而生的焦慮和恐懼，不過，王加加為何焦慮？這得說回2020年，當年TAO ART首次邀請王加加舉辦個展，可惜當時礙於疫情，他沒辦法親自到場佈展，因只能遠端連線而感到焦慮；時隔4年，疫情平復，TAO ART正好再次拋出邀請，終於能親自飛來台灣佈展的他，因而在現場留下FOMO NO MORE的興奮心情。

為什麼以《biáng》命名？

話說回展名《biáng》（讀作ㄅㄧㄤˋ）。讀到「biáng」音，大多台灣人最先聯想到的或許是稱讚他人好棒、好優秀的「ㄅㄧㄤˋ」，不過王加加的命名靈感是來自中國西安傳統麵食「biáng biáng 麵」，其實「biáng」可以寫作中文字，只是電腦算不出來，不妨從展覽主視覺看看它的樣子：

寫起來極其複雜、筆畫能排進中文字前十多的「biáng」，一個字就包含了言、八、長、馬、心、月等字，甚至有首專屬歌謠提醒人們它該怎麼寫：

「一點上了天，黃河兩道彎，八字大張口，言字往進走，你一扭我一扭，你一長我一長，當中加個馬大王，心字底，月字旁，留個鈎搭掛麻糖，坐着車車逛咸陽。」

繁複的筆畫讓王加加聯想到自己畫中那些神秘難解的線條，所以決定為個展取名為《biáng》；英文展名《You Twist, I Twist Too》靈感則來自歌謠其中一句歌詞：「你一扭我一扭」，呼應著畫中有機不受限、彎曲蔓延的筆觸。

TAO ART 王加加個展《You Twist, I Twist Too》

展期｜2024年3月16日－4月27日

地點｜TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）

開放時間｜週二至週六，11:00－19:00

史上第一次，巴黎羅浮宮（Musée du Louvre）以「時裝」為題推出展覽《LOUVRE COUTURE – Art and fashion: statement pieces》，本展以時間為軸線，將45組時尚品牌及設計師的高級訂製服，與羅浮宮館藏共同陳列，探討時尚與藝術從古至今相互滋養的關係。羅浮宮裝飾藝術部總監兼策展人Olivier Gabet表示，這場展覽並不是要定義時尚是否為藝術，而是以時裝設計為稜鏡，為觀眾映照出欣賞裝飾藝術的嶄新視角，反之亦然。

史無前例的羅浮宮時裝展，為何而生？

沒有時裝收藏系列的羅浮宮，為何選擇辦一場以時裝為題的展覽？一來，服裝在藝術品中無所不在，如畫作中主角所穿戴的服飾、配件等，都是其身份、社經地位、人格特質的表徵，也為後人提供窺探畫作時代背景的線索，這點在羅浮宮鎮館之寶《蒙娜麗莎》就能得到印證，也正如策展人Olivier Gabet所說：「在羅浮宮，時尚並非被收藏，而是被穿戴的。」他也提到，時尚既是藝術表達的方式之一，也是流行文化的一部分，大眾能與時尚產生共鳴，期待藉這場展覽帶觀眾看見羅浮宮的另一面。

隨高級訂製服引領，一探數百年來的裝飾藝術之美

《LOUVRE COUTURE》的策展核心理念是，邀請訪客透過當代時裝設計師的視角、及其源自藝術品中的創意靈光，重新探索羅浮宮的文物，因此展覽各區根據館藏對應的歷史時期展開敘事，時空跨度從拜占庭帝國時期、中世紀，再到文藝復興，一路延伸至拿破崙崛起後的法蘭西帝國時期。

多達百件的高級訂製服、成衣與配件，來自45組經典時裝屋及新潮設計師：光是源於法國的品牌就包含擁有百年歷史的Louis Vuitton、Hermès、Chanel，二十世紀中趁勢崛起的Dior、Yves Saint Laurent，及近年備受名人及Z世代擁戴的Alaïa、Jacquemus等；歐陸乃至世界各地的美學、跨時代的思潮也交織其中，如英倫龐克的象徵Vivienne Westwood，義式風尚的藝術性、奢華、奔放及工藝由Schiaparelli、Versace、Dolce&Gabbana、Bottega Veneta各自表述，向來前衛的Balenciaga貢獻自創辦人Cristóbal Balenciaga至時任創意總監Demna之作，日本代表有山本耀司及高橋盾；當今最受矚目設計師執掌的品牌也在名單中，如Jonathan Anderson操刀的Loewe及個人品牌JW Anderson、善用科技實現超現實奇想的Iris van Herpen、玩轉色彩的魔術師Dries Van Noten、以半月印花掀起熱潮的Marine Serre等。

遊逛展間，可見羅浮宮收藏的掛毯、盔甲、櫥櫃、瓷器、珠寶等裝飾藝術品，與時裝和高級訂製服的靈感來源、視覺元素相呼應，如一件來自Dolce & Gabbana的水晶刺繡裙，靈感源自威尼斯托爾切洛島聖母升天聖殿中、自11世紀保存至今的馬賽克；「老佛爺」Karl Lagerfeld生前為Chanel設計的一件藍白色刺繡夾克，圖樣發想自18世紀巴黎櫥櫃製造商Mathieu Criaerd打造的華美箱子；飾有太陽王圖案的Dior真絲禮服，與太陽王路易十四肖像並列；Versace自1997年典藏至今的金屬晚禮服，可見拜占庭十字架刺繡、受古希臘服裝啟發的褶飾細節。

「法國版Met Gala」將於三月登場

透過這場展覽，Olivier Gabet企圖梳理成就藝術與時尚的共同方法：世代傳承的技術和知識、視覺文化與文獻間的交互作用等，這些元素貫穿了博物館的藏品目錄與時尚界的情緒版（moodboard），從未過時、歷久彌新。三月中，羅浮宮將為《LOUVRE COUTURE》舉辦一場盛大晚宴，屆時數百位時尚、藝術等領域嘉賓將齊聚於此，《CNN》以「法國版Met Gala」形容這場盛宴，值得期待。

資料來源｜Musée du Louvre、CNN

2025年2月15日在双方藝廊登場的當代藝術聯展《質譯》（Material Metamorphosis），集結彼得．亨特納（Peter Gentenaar）、塩田千春（Chiharu Shiota）、橫溝美由紀（Miyuki Yokomizo）、劉文瑄、黃裕智、徐永旭等六位國內外藝術家，展覽聚焦於傳統創作媒材的轉化與延伸，探索材質與外在的對話。

6位藝術家突破對傳統材質的想像

當代藝術透過材質的轉化與創造，從繪畫、裝置到雕塑不斷延伸形式。《質譯》聯展中的藝術家們，以各自獨特的視角探索了材質、身體、空間與自然之間的關聯，展現藝術創造與觀念之間的豐富對話。 

▍劉文瑄

劉文瑄以開放自由的狀態進行創作，對「繪畫」與「繪畫性」重新認識與反思，專注於在平凡中挖掘抽象的詩意，並以細膩的物質性表現形體與媒材的可能性，體現當下的生命哲思。這次展出的作品延續了平面與空間結合的實踐，透過裁剪、折疊與黏貼等手工技術，將紙張從靜態的平面媒材轉化為結構豐富的藝術品。

作品《無聲的蜘蛛》靈感取自美國詩人華特·惠特曼的詩句，以生活中再普通不過的米粉為素材，將其細心拼接、編織成一張巨大的網，宛如蜘蛛耐心吐絲結網的過程。最終，這張網被塗上各種色彩，就像捕捉夢境的網一般，體現材質的轉化與情感的延展。

▍塩田千春

塩田千春（Chiharu Shiota）的作品以身體為核心，結合了行為藝術、身體藝術與裝置藝術。在創作過程中，塩田千春探索無形概念的意義，如記憶、創傷、死亡等，並透過這些跨越邊界的思考，試圖連結觀眾的情感，讓來自世界各地的人們都能產生共鳴。

本次展出的《State of Being》系列以層層交織的絲線構建出詩意〈Child’s Dress〉中的白色絲線包裹著一件白色洋裝，象徵純潔與開始，也暗示著結束與死亡；而〈Buddha〉則以黑色絲線環繞佛像，營造出如同記憶網絡般的靜謐空間，呈現出深刻的冥想氛圍。絲線的交織如同自然紋理，承載了時間的痕跡與生命的重量，將個體記憶轉化為宇宙性的沉思。 

▍黃裕智

黃裕智因喜愛多維造型在空間中舒展之態，突破工具與場域之限制，發展出「金屬編織」的表現手法，成為為個人創作語彙。堅硬的金屬因編織軟化身段，成為富有生命氣息之軟性雕塑，並與時間，與觀者產生多角互動之有機關係。

本次展出的作品同樣在細膩與強韌之間尋找平衡，看似柔軟輕盈的雕塑，實由金屬線多層交織而成，展現材質在剛與柔、輕與重的對話，構築出動態且充滿生機的空間氛圍。金屬在光線下微微閃爍，並隨著光影變化延伸至空間，仿若植物般自然生長，形成空間與觀者之間的有機互動，展現材質的柔韌與包容。

▍徐永旭

徐永旭強調身體與作品間的對話，以主體與身體融為一體的方式面對創作材質，藉由身體的知覺、觸覺與痛覺，透過按壓、捏塑等身體動作，賦予陶土有機的自由形態。經過不斷解構與建構，陶土表現出極為輕薄柔和的線條及形態，也形成了充滿反差的新觀點。

藝術家以絕對身體性的自發行為，轉化其生命經驗於作品中，材質經過身體性的轉移，彷彿一個生物的本能般，不斷交織與相疊，如同一種生之慾望的勃發，一種竄出與崢嶸的象徵。

▍橫溝美由紀

橫溝美由紀（Miyuki Yokomizo）擅長使用現成物製作極簡裝置，作品中往往可見時間、空間與光線的交互作用。近年來，她一直嘗試在平面畫布上結構出立體空間與裝置性，以此創造嶄新的視覺體驗。

透過雕塑化的繪畫手法，橫溝美由紀結合自然元素與藝術行為，展現出介於偶然與可控之間的張力。她在畫布上設置螺絲釘與細繩，將顏料以彈射的方式覆蓋，形成富有雕塑深度與光影流動的視覺效果，模糊了繪畫與雕塑的界限。

▍彼得．亨特納

彼得．亨特納（Peter Gentenaar）專注於植物纖維的自然特性，如麻、棉花和亞麻等。他研發出專門用來製作紙纖維的機器「Peter beater」，透過擊打纖維釋放出微小的纖維絲，當這些纖維絲在水中懸浮，並逐漸沉澱後，形成一張天然的紙張。

不同於傳統紙張的平整處理，亨特納讓材料保持其原有的植物纖維記憶，允許紙張纖維自然捲曲。他運用這樣的特性，以紙雕作品豐富的褶皺與紋理，模擬模擬自然界的地形與流水，突破了紙漿作為靜態媒材的限制，賦予其強烈的動態與生命感。 

《質譯》

展覽日期｜2025.02.15–2025.04.05
開放時間｜週二至週六12:00–18:00
展覽地點｜双方藝廊Double Square Gallery（台北市中山區北安路770巷28號）