大自然是很直接的，把最赤裸的原貌公平地攤給人們觀賞，只是每個人內在的私心，讓它在每雙眼裡生出不同形貌——有人唱「打開門就見山／我見山就是山」，喜歡簡單，不愛找自己麻煩；有人望山，卻彷彿能透視山壁，看出其中蜿蜒的路、彎流的水。中國藝術家曹吉岡的畫，正反映出了後者的樂趣。

曹吉岡畫山水，從中國傳統水墨，畫到源自西方文藝復興的「坦培拉」，主題總不離大自然；他用畫筆再現了自然，給了我們用不同視角再一次閱讀自然的機會。不妨造訪台北藝廊Bluerider ART《曹吉岡：天徑巡迴展》，看自己是瞧見扁平的抽象山脈，或是山裡摺疊的路？凝視平面，是否感受到藏在裡頭的立體感和深度？

濃縮曹吉岡40年創作路

《曹吉岡：天徑巡迴展》收錄了藝術家2023年新作及生涯不同時期的作品，首度完整呈現其40年的創作脈絡。科班出身的曹吉岡，從中國中央美術學院油畫系畢業後多年，再回校研修繪畫的材料表現，這段求學經歷也如實反映於他的創作旅程。

頹敗如廢墟的《長城》

爬梳曹吉岡作畫的40多年，他先是以純粹歐洲的油畫語言創作《長城》系列。有別於傳統完整呈現長城景觀的雄偉，他畫中的長城是片段式的，搭配罩染手法，氛圍頹敗而滄桑，猶如荒涼廢墟。

賦予山水不同氣韻，鉛筆與丙烯等媒材嘗試

《長城》之後，曹吉岡逐步探討將西方媒材、中國傳統山水畫結合的可能。他尤其喜歡中國詩人、畫家倪瓚山水畫中的意境，於是用鉛筆配合松香油暈染，將畫布調整為長條形構圖，仿古呈現高古水墨山水的磅礡氣勢；接著嘗試用丙烯（壓克力顏料）的油性特質，為風景帶入氤氳效果，產生水墨般的韻味，並將視野從低海拔向上提升，來到高山、高原的平遠和開闊。

改良西方古老「坦培拉」技法，色澤潔淨如象牙、溫潤如玉

著迷於各種繪畫材料表現的他，1980年代起深入研究、改良當代式微的「坦培拉」（Egg Tempera）技法，在西方畫法的堅固性、中國傳統水墨的流動性之間找平衡。

油畫當道之前，坦培拉曾盛行於14至16世紀的歐洲文藝復興世代，達文西、卡拉瓦喬、林布蘭等藝術大師都曾以坦培拉作畫。這種使用蛋黃、蛋清調和顏料繪成的「蛋彩畫」，相較於油畫突出的視覺感，更能表現內縮、後退的深度；同時擁有如瓷釉、玉一般溫潤的質感，半透明中彷彿透著光，仔細看還能窺見底部的色層細節，觀賞性無可取代，深深吸引著曹吉岡。

回望文藝復興時期，當時流行的是「木板坦培拉」，常見於聖像畫；來到當代，曹吉岡為了打破木板太大會過重、作品尺寸上的限制，改用「亞麻布坦培拉」作畫，不過布料具有纖維、表面不平整，因此需要比木板「打底」更多層，大約需要12層才能達到平整、色澤如象牙典雅、質地如玉般溫潤的境界。

藏在西方技法中的東方「無為」精神

傳統山水透過留白強調「無為」精神，而曹吉岡以坦培拉創作的畫中也可見到大面的白色，只不過是由他層層打磨而生。打磨的過程就像是修行，必須長時間保持專注，如此佔據心神的功夫，就像是以「有為」表現出虛無，一步一步邁向「無為」。其實「無為」本就不是要人們全無作為，而是如何以「無為」之心有所作為，「為」始終是必要的，坦培拉的創作過程彷彿印證了這樣的思維。

「走進」畫中山水繞行探尋

曹吉岡也與Bluerider ART策展團隊分享，畫風景的這些年，他始終親自前往各地觀察地形與陽光的互動，只不過下筆時從講求寫實，轉化為將風景的形貌「簡化」，甚至多了點幾何感，企圖探討現實、抽象的邊界究竟在哪裡？他也說，看自己過去的畫，裡頭是「沒有路徑」的；賞近期的畫，彷彿能走入其中繞行，深處有個得以抵達的遠方，與觀者的距離拉近了許多，不再高冷。

《曹吉岡：天徑巡迴展》：40年生涯代表作 X 北京工作室場景

步入《曹吉岡：天徑巡迴展》，彷彿被時光的痕跡圍繞，周邊盡是淡泊而悠然的風景：《海拔4687》以朦朧意境表現西藏高原上的哨所，像是一片無人之境；《白色U形》以灰藍底色襯著坦培拉的溫潤光暈，柔和的弧度間透著詩意；《荒寒》系列展現了西方坦培拉與東方傳統繪畫中「氣韻」的連結性，擴大了傳統山水畫間的空靈，讓觀者彷彿身臨其境。

展覽一角也特別還原曹吉岡北京工作室一景，桌上擺著的木板聖母畫、畫紙、坦培拉畫具等，邀請觀眾一窺藝術家的創作幕後。

《曹吉岡：天徑巡迴展》領著我們走過曹吉岡漫長的創作過程，從長城廢墟到《廣陵散》的悲壯，從山水空寂到《荒寒》的沒有溫度，從超越地表的 《天徑》，感受道法自然、天人合一的最高意境。

《曹吉岡：天徑巡迴展》

展期｜即日起至 2024.05.02

地點｜

► Bluerider ART 台北．敦仁（台北市大安區大安路一段 101 巷 10 號 1F）

週二至週日 10:00－19:00

► Bluerider ART 台北．仁愛（台北市大安區仁愛路四段25-1號10樓）

週二至週六 10:00－18:00

臺中市立美術館（中美館）於2025年12月13日正式開館。這座與臺中市立圖書館共構的全新藝文場館——臺中綠美圖，坐落於中央公園綠地之中，由 SANAA事務所建築團隊以輕盈曲線與具通透性的擴張網打造，形成空間流動且多元，與周邊環境緊密連結的場域，透過結合閱讀、藝術、自然與城市生活，為人們提供多感官、跨領域的藝術體驗。

臺中綠美圖正式開館

綠美圖由普立茲克獎得主 SANAA 建築師妹島和世與西澤立衛設計，坐落於中央公園的廣闊綠地之中，形塑出介於公園景觀與城市紋理的新文化地景。周邊67公頃的公園環境中栽植近12,000棵原生樹種，形成城市中罕見的自然生態框架。「綠」意指向公園環境，更象徵著人、植物、動物與文化之間共伴而生的關係。

【編輯帶逛】臺中綠美圖試營運！7大亮點看SANAA在臺建築首作：與中央公園綠意共融，開放而流動的文化森林

創造跨領域的文化流動

在這個新型態場域中，中美館與中市圖雖以獨立機構運作，卻透過建築中的多重連通道、共享大廳、共融開放空間，創造出跨越領域的文化流動。視覺藝術、書籍閱讀、研究典藏與公共教育在此並置、交會，民眾隨意在公園漫步、展覽參觀與知識探索之間自由切換，開展更具深度與廣度的文化經驗。共構模式的綠美圖重新定義美術館、圖書館與生活環境的關係，更為跨學科策展、典藏思維與教育合作提供全新的可能。

中美館開幕首展「萬物的邀約」開展

中美館開幕首展「萬物的邀約」為中美館策展方向實踐的起點，由中美館策展團隊攜手臺灣策展人周伶芝、美國策展人艾蕾娜．克萊爾．費爾德曼（Alaina Claire Feldman），以及羅馬尼亞策展人安卡．繆雷．金（Anca Mihuleţ-Kim）四方共同策劃。從前身為臺中水湳機場的中央公園地景脈絡出發，延伸至人與自然、城市與記憶、跨物種與未來的多重關係。展出超過20國、70組藝術家、90多件作品，包含委託創作、中美館典藏及國際借件，涵蓋錄像、裝置、雕塑、繪畫、文獻及藝術家書籍等多元形式，打造從臺中出發、與世界共振的藝術旅程。

5大子題開展多重想像

策展團隊以5個子題：〈畫一道海岸線〉、〈幻生的寓言〉、〈摺疊的風景〉、〈擾動的記憶〉與〈萬物初聲〉，從跨文化、跨物種與跨世代的視角，映照城市治理自然、與環境共存的課題。藝術家們用多元媒材創作，回應環境與歷史的持續變化，也在城市與萬物的相互流動中，開展出關於自然感知、記憶痕跡與療癒修復的多重想像。

〈畫一道海岸線〉子題，對萬物的複態與多變提問，帶領觀者感受生命交織的狀態。台灣前輩藝術家陳幸婉近三十年來首次公開展出的《大地之歌 No.1》使用衣物布料與皮革，體現萬物的生命循環，對生命本質進行思索；美國行為與錄像藝術先驅瓊．喬納斯（Joan Jonas）《風中一線》藉由漂浮於空中的紙質風箏，引導觀眾以不同角度觀看叢林與風的意象。在〈幻生的寓言〉子題中，藝術家從風土與傳說、神話、寓言出發，重新織補世界的面貌。邁蘭德．康斯坦特（ Myrlande Constant）《La Sirène》從女性視角革新巫毒旗幟藝術，融合宗教與文化敘事，重塑海地藝術印象；人間國寶王清霜《佇聆孔雀》其精湛的漆藝技法，表現生動的孔雀形象；余欣蘭《我是女人，我是獵人》記錄母親走入山林狩獵的日常生活，逐步建構出人與生態、動物相互依存的關係。

〈摺疊的風景〉子題中，作品從地質、山林到城市更新，呈現人與土地互相塑造的記憶。洪天宇《中橫三闕 1900、1960、2000》不同時期的山景油畫呈現百年環境變遷；伊琳娜．波提亞．布坎（Irina Botea Bucan）與喬恩．迪恩（Jon Dean）使用刺繡與裝置呈現《未完成的文化中心》，提出「文化永遠在生成」的命題。在〈擾動的記憶〉子題中，聚焦於探索人與非人的關係。陳瀅如《聞山海》使用聲音與氣味重構山海經的多物種世界；林之助《秋果》為他創作脈絡中少見的馬賽克作品，展現對自然細節的細膩觀察及美學重構。

在〈萬物初聲〉子題中，以「聆聽」作為回應世界的方法。德國觀念藝術大師約瑟夫．波伊斯（ Joseph Beuys）《給20世紀細肢者的(兔型)背架》以治療性背架的形態指涉受創的身體，作品化為具象的象徵物件，其金屬質地進一步強調支撐與保護的意涵。王虹凱與查波帕（Bopha Chhay）邀請多位作家及理論家合作創作《我們的話語不再預示未來》，透過裝置與出版物探索聆聽非人類生命的方式；廖德政《殘照（觀音暮色）》用溫潤筆觸凝煉日暮光影，回應生命創傷與土地情感；患有腦性麻痺的藝術家文勝鉉（Seung Hyun Moon）新作《論薄而透明之物》藉由身體律動與具透明性的建築展開對話，嘗試以「身體療癒空間」。

以大型現地製作回應建築

「萬物的邀約」特別延伸展場範圍至綠美圖公共空間，多件大型現地製作回應建築本身。阿德里安．提爾提奧（Adrien Tirtiaux）《後博物館證據（探鑽）》以穿越展廳的結構揭示建築工程與勞動痕跡；鈴木悠哉（Yuya Suzuki）《在最後之物的世界》使用都市廢棄物構成，觀者可依自身所見，自行延伸故事；鄭素英（Soyoung Chung）《輪中之輪 I & II》則以可互動的橢圓雕塑象徵情緒循環。展覽期盼藉由副標「See you tomorrow, same time, same place」，不僅象徵與萬物的再次相遇，也帶有藉由藝術場館而啟動的彼此關懷的允諾訊息。

公共空間委託創作亮相

而「公共空間委託創作計畫」則呼應美術館作為公共文化場域的長期願景，邀請梁慧圭（Haegue Yang）與林明弘。梁慧圭於挑高27公尺大廳，打造在臺首件製作大型懸吊作品《流動奉獻–樹蔭三合》，向臺韓共有的老樹文化精神致敬；林明弘《再製》則以梅花花布符碼與錯位印刷，重塑建築空間的動態視覺體驗。

另外，開館同步推出教育計畫「角落任務 Play Space Plug-in」，以「外掛」概念將典藏、建築與藝術知識轉化為可在動線中發現的小型教具，分佈於綠美圖中的5個角落，讓親子透過動手操作，深入探索建築空間與藝術作品。

《萬物的邀約》（A Call of All Beings : See you tomorrow, same time, same place）
展期：2025年12月13日至2026年4月12日
地點：臺中市立美術館（臺中市西屯區中科路2201號）
時間：週二至週日9:00-17:00、週六9:00-20:00，國定假日照常開放。
更多資訊可至中美館官方網站查詢

_{資料提供｜臺中市立美術館、文字整理｜Adela Cheng}

奈良美智在台十年巡展「跟著朦朧潮濕的一天去旅行」，第5站將前進嘉義縣新港文化館25號倉庫，展期自2025年12月12日至2026年5月17日。本次除了延續前一站的繪畫、素描、攝影等作品，更首度展出奈良美智重新詮釋的經典畫作《凋謝的花（2020版）》。

奈良美智巡展前進嘉義縣

文化總會與奈良美智基金會共同主辦的「跟著朦朧潮濕的一天去旅行」10年巡展計畫，自2023年啟程，走過高雄、澎湖、屏東、金瓜石，第5站來到嘉義縣新港文化館25號倉庫，本次展覽共呈現72件作品，包含大型繪畫、攝影、陶器、奈良美智在台南隔離期間的創作，以及早年旅德時期的素描等，其中，以1994年同名作品為基礎，重新詮釋的《凋謝的花（2020版）》，更是奈良美智首次帶來台灣展出的大型畫作。

展覽選址農業興盛的嘉義縣，名稱巧妙運用「回家」和「回到嘉義」的雙重意涵，奈良美智形容：「以日本來說，就像是我出生長大的東北地方一樣。」據說青森縣生產的蘋果佔了日本六成比例，而且青森蘋果出口高達70%皆是運往台灣，「我想台灣的朋友，可能也都吃著我家鄉老爺爺、老奶奶辛勤種的蘋果！」

磚造老倉庫化身展場

展覽建築原為新港鄉農會所興建的第25號倉庫，奈良美智透露自己對這樣的空間格外有感，「因為我第一次在自己的故鄉青森縣辦的大型展覽，也是在磚造的老倉庫裡舉行的。」因為展場原本是倉庫，為了保留原本的使用意象，工作人員特別幫忙準備農業使用的遮光網，讓他覺得非常感動，「和前一站金水基地截然不同，展場裡的光線比較暗，觀展時可以有和作品一對一的對話的感覺。」

而此次展覽主視覺設計則延續「一起旅行」的核心概念，融合奈良美智為台灣創作的《朦朧潮濕的一天》女孩畫像與阿里山國家風景區太平雲梯的黃昏雲海，強調巡展各站的地方特色。

同步販售周邊商品

此外，展場附近也將設置周邊商品銷售點，由「跟著朦朧潮濕的一天去旅行」唯一指定周邊銷售單位大鴻藝術，帶來T恤、毛巾、襪子、玻璃杯、工具袋、銀色包袋等多款商品。

奈良美智巡展嘉義站如何預約？

「跟著朦朧潮濕的一天回嘉」採線上預約制，展期為2025/12/12至2026/5/17，參觀時間為週二至週三 12:00-17:00、週四至週日 9:00-17:00（每週一公休）。每月15日中午12點開放下個月份預約，2月因春節提前至13 日。週二、週三 9:00-12:00僅開放嘉義縣市高中職以下學校團體預約，團體預約請點此。更多展覽資訊請鎖定奈良美智特展、文化總會粉絲專頁。

ACCUPASS線上票券時間
2025/11/26 中午12:00 可申請 2025/12月份票券
2025/12/15 中午12:00 可申請 2026/1月份票券
2026/1/15 中午12:00 可申請 2026/2月份票券
2026/2/13 中午12:00 可申請 2026/3月份票券
2026/3/15 中午12:00 可申請 2026/4月份票券
2026/4/15 中午12:00 可申請 2026/5月份票券

跟著朦朧潮濕的一天回嘉 
展期｜2025/12/12 - 2026/5/17（每週一休館）
時間｜週二至週三 12:00-17:00／週四至週日 9:00-17:00
地點｜新港文化館 25 號倉庫（嘉義縣新港鄉登雲路 111 巷 2 號）

「跟著朦朧潮濕的一天回嘉」線上預約連結

_{資料提供｜文總、文字整理｜Adela Cheng}