大自然是很直接的，把最赤裸的原貌公平地攤給人們觀賞，只是每個人內在的私心，讓它在每雙眼裡生出不同形貌——有人唱「打開門就見山／我見山就是山」，喜歡簡單，不愛找自己麻煩；有人望山，卻彷彿能透視山壁，看出其中蜿蜒的路、彎流的水。中國藝術家曹吉岡的畫，正反映出了後者的樂趣。

曹吉岡畫山水，從中國傳統水墨，畫到源自西方文藝復興的「坦培拉」，主題總不離大自然；他用畫筆再現了自然，給了我們用不同視角再一次閱讀自然的機會。不妨造訪台北藝廊Bluerider ART《曹吉岡：天徑巡迴展》，看自己是瞧見扁平的抽象山脈，或是山裡摺疊的路？凝視平面，是否感受到藏在裡頭的立體感和深度？

濃縮曹吉岡40年創作路

《曹吉岡：天徑巡迴展》收錄了藝術家2023年新作及生涯不同時期的作品，首度完整呈現其40年的創作脈絡。科班出身的曹吉岡，從中國中央美術學院油畫系畢業後多年，再回校研修繪畫的材料表現，這段求學經歷也如實反映於他的創作旅程。

頹敗如廢墟的《長城》

爬梳曹吉岡作畫的40多年，他先是以純粹歐洲的油畫語言創作《長城》系列。有別於傳統完整呈現長城景觀的雄偉，他畫中的長城是片段式的，搭配罩染手法，氛圍頹敗而滄桑，猶如荒涼廢墟。

賦予山水不同氣韻，鉛筆與丙烯等媒材嘗試

《長城》之後，曹吉岡逐步探討將西方媒材、中國傳統山水畫結合的可能。他尤其喜歡中國詩人、畫家倪瓚山水畫中的意境，於是用鉛筆配合松香油暈染，將畫布調整為長條形構圖，仿古呈現高古水墨山水的磅礡氣勢；接著嘗試用丙烯（壓克力顏料）的油性特質，為風景帶入氤氳效果，產生水墨般的韻味，並將視野從低海拔向上提升，來到高山、高原的平遠和開闊。

改良西方古老「坦培拉」技法，色澤潔淨如象牙、溫潤如玉

著迷於各種繪畫材料表現的他，1980年代起深入研究、改良當代式微的「坦培拉」（Egg Tempera）技法，在西方畫法的堅固性、中國傳統水墨的流動性之間找平衡。

油畫當道之前，坦培拉曾盛行於14至16世紀的歐洲文藝復興世代，達文西、卡拉瓦喬、林布蘭等藝術大師都曾以坦培拉作畫。這種使用蛋黃、蛋清調和顏料繪成的「蛋彩畫」，相較於油畫突出的視覺感，更能表現內縮、後退的深度；同時擁有如瓷釉、玉一般溫潤的質感，半透明中彷彿透著光，仔細看還能窺見底部的色層細節，觀賞性無可取代，深深吸引著曹吉岡。

回望文藝復興時期，當時流行的是「木板坦培拉」，常見於聖像畫；來到當代，曹吉岡為了打破木板太大會過重、作品尺寸上的限制，改用「亞麻布坦培拉」作畫，不過布料具有纖維、表面不平整，因此需要比木板「打底」更多層，大約需要12層才能達到平整、色澤如象牙典雅、質地如玉般溫潤的境界。

藏在西方技法中的東方「無為」精神

傳統山水透過留白強調「無為」精神，而曹吉岡以坦培拉創作的畫中也可見到大面的白色，只不過是由他層層打磨而生。打磨的過程就像是修行，必須長時間保持專注，如此佔據心神的功夫，就像是以「有為」表現出虛無，一步一步邁向「無為」。其實「無為」本就不是要人們全無作為，而是如何以「無為」之心有所作為，「為」始終是必要的，坦培拉的創作過程彷彿印證了這樣的思維。

「走進」畫中山水繞行探尋

曹吉岡也與Bluerider ART策展團隊分享，畫風景的這些年，他始終親自前往各地觀察地形與陽光的互動，只不過下筆時從講求寫實，轉化為將風景的形貌「簡化」，甚至多了點幾何感，企圖探討現實、抽象的邊界究竟在哪裡？他也說，看自己過去的畫，裡頭是「沒有路徑」的；賞近期的畫，彷彿能走入其中繞行，深處有個得以抵達的遠方，與觀者的距離拉近了許多，不再高冷。

《曹吉岡：天徑巡迴展》：40年生涯代表作 X 北京工作室場景

步入《曹吉岡：天徑巡迴展》，彷彿被時光的痕跡圍繞，周邊盡是淡泊而悠然的風景：《海拔4687》以朦朧意境表現西藏高原上的哨所，像是一片無人之境；《白色U形》以灰藍底色襯著坦培拉的溫潤光暈，柔和的弧度間透著詩意；《荒寒》系列展現了西方坦培拉與東方傳統繪畫中「氣韻」的連結性，擴大了傳統山水畫間的空靈，讓觀者彷彿身臨其境。

展覽一角也特別還原曹吉岡北京工作室一景，桌上擺著的木板聖母畫、畫紙、坦培拉畫具等，邀請觀眾一窺藝術家的創作幕後。

《曹吉岡：天徑巡迴展》領著我們走過曹吉岡漫長的創作過程，從長城廢墟到《廣陵散》的悲壯，從山水空寂到《荒寒》的沒有溫度，從超越地表的 《天徑》，感受道法自然、天人合一的最高意境。

《曹吉岡：天徑巡迴展》

展期｜即日起至 2024.05.02

地點｜

► Bluerider ART 台北．敦仁（台北市大安區大安路一段 101 巷 10 號 1F）

週二至週日 10:00－19:00

► Bluerider ART 台北．仁愛（台北市大安區仁愛路四段25-1號10樓）

週二至週六 10:00－18:00

史上第一次，巴黎羅浮宮（Musée du Louvre）以「時裝」為題推出展覽《LOUVRE COUTURE – Art and fashion: statement pieces》，本展以時間為軸線，將45組時尚品牌及設計師的高級訂製服，與羅浮宮館藏共同陳列，探討時尚與藝術從古至今相互滋養的關係。羅浮宮裝飾藝術部總監兼策展人Olivier Gabet表示，這場展覽並不是要定義時尚是否為藝術，而是以時裝設計為稜鏡，為觀眾映照出欣賞裝飾藝術的嶄新視角，反之亦然。

史無前例的羅浮宮時裝展，為何而生？

沒有時裝收藏系列的羅浮宮，為何選擇辦一場以時裝為題的展覽？一來，服裝在藝術品中無所不在，如畫作中主角所穿戴的服飾、配件等，都是其身份、社經地位、人格特質的表徵，也為後人提供窺探畫作時代背景的線索，這點在羅浮宮鎮館之寶《蒙娜麗莎》就能得到印證，也正如策展人Olivier Gabet所說：「在羅浮宮，時尚並非被收藏，而是被穿戴的。」他也提到，時尚既是藝術表達的方式之一，也是流行文化的一部分，大眾能與時尚產生共鳴，期待藉這場展覽帶觀眾看見羅浮宮的另一面。

隨高級訂製服引領，一探數百年來的裝飾藝術之美

《LOUVRE COUTURE》的策展核心理念是，邀請訪客透過當代時裝設計師的視角、及其源自藝術品中的創意靈光，重新探索羅浮宮的文物，因此展覽各區根據館藏對應的歷史時期展開敘事，時空跨度從拜占庭帝國時期、中世紀，再到文藝復興，一路延伸至拿破崙崛起後的法蘭西帝國時期。

多達百件的高級訂製服、成衣與配件，來自45組經典時裝屋及新潮設計師：光是源於法國的品牌就包含擁有百年歷史的Louis Vuitton、Hermès、Chanel，二十世紀中趁勢崛起的Dior、Yves Saint Laurent，及近年備受名人及Z世代擁戴的Alaïa、Jacquemus等；歐陸乃至世界各地的美學、跨時代的思潮也交織其中，如英倫龐克的象徵Vivienne Westwood，義式風尚的藝術性、奢華、奔放及工藝由Schiaparelli、Versace、Dolce&Gabbana、Bottega Veneta各自表述，向來前衛的Balenciaga貢獻自創辦人Cristóbal Balenciaga至時任創意總監Demna之作，日本代表有山本耀司及高橋盾；當今最受矚目設計師執掌的品牌也在名單中，如Jonathan Anderson操刀的Loewe及個人品牌JW Anderson、善用科技實現超現實奇想的Iris van Herpen、玩轉色彩的魔術師Dries Van Noten、以半月印花掀起熱潮的Marine Serre等。

遊逛展間，可見羅浮宮收藏的掛毯、盔甲、櫥櫃、瓷器、珠寶等裝飾藝術品，與時裝和高級訂製服的靈感來源、視覺元素相呼應，如一件來自Dolce & Gabbana的水晶刺繡裙，靈感源自威尼斯托爾切洛島聖母升天聖殿中、自11世紀保存至今的馬賽克；「老佛爺」Karl Lagerfeld生前為Chanel設計的一件藍白色刺繡夾克，圖樣發想自18世紀巴黎櫥櫃製造商Mathieu Criaerd打造的華美箱子；飾有太陽王圖案的Dior真絲禮服，與太陽王路易十四肖像並列；Versace自1997年典藏至今的金屬晚禮服，可見拜占庭十字架刺繡、受古希臘服裝啟發的褶飾細節。

「法國版Met Gala」將於三月登場

透過這場展覽，Olivier Gabet企圖梳理成就藝術與時尚的共同方法：世代傳承的技術和知識、視覺文化與文獻間的交互作用等，這些元素貫穿了博物館的藏品目錄與時尚界的情緒版（moodboard），從未過時、歷久彌新。三月中，羅浮宮將為《LOUVRE COUTURE》舉辦一場盛大晚宴，屆時數百位時尚、藝術等領域嘉賓將齊聚於此，《CNN》以「法國版Met Gala」形容這場盛宴，值得期待。

資料來源｜Musée du Louvre、CNN

2025年2月15日在双方藝廊登場的當代藝術聯展《質譯》（Material Metamorphosis），集結彼得．亨特納（Peter Gentenaar）、塩田千春（Chiharu Shiota）、橫溝美由紀（Miyuki Yokomizo）、劉文瑄、黃裕智、徐永旭等六位國內外藝術家，展覽聚焦於傳統創作媒材的轉化與延伸，探索材質與外在的對話。

6位藝術家突破對傳統材質的想像

當代藝術透過材質的轉化與創造，從繪畫、裝置到雕塑不斷延伸形式。《質譯》聯展中的藝術家們，以各自獨特的視角探索了材質、身體、空間與自然之間的關聯，展現藝術創造與觀念之間的豐富對話。 

▍劉文瑄

劉文瑄以開放自由的狀態進行創作，對「繪畫」與「繪畫性」重新認識與反思，專注於在平凡中挖掘抽象的詩意，並以細膩的物質性表現形體與媒材的可能性，體現當下的生命哲思。這次展出的作品延續了平面與空間結合的實踐，透過裁剪、折疊與黏貼等手工技術，將紙張從靜態的平面媒材轉化為結構豐富的藝術品。

作品《無聲的蜘蛛》靈感取自美國詩人華特·惠特曼的詩句，以生活中再普通不過的米粉為素材，將其細心拼接、編織成一張巨大的網，宛如蜘蛛耐心吐絲結網的過程。最終，這張網被塗上各種色彩，就像捕捉夢境的網一般，體現材質的轉化與情感的延展。

▍塩田千春

塩田千春（Chiharu Shiota）的作品以身體為核心，結合了行為藝術、身體藝術與裝置藝術。在創作過程中，塩田千春探索無形概念的意義，如記憶、創傷、死亡等，並透過這些跨越邊界的思考，試圖連結觀眾的情感，讓來自世界各地的人們都能產生共鳴。

本次展出的《State of Being》系列以層層交織的絲線構建出詩意〈Child’s Dress〉中的白色絲線包裹著一件白色洋裝，象徵純潔與開始，也暗示著結束與死亡；而〈Buddha〉則以黑色絲線環繞佛像，營造出如同記憶網絡般的靜謐空間，呈現出深刻的冥想氛圍。絲線的交織如同自然紋理，承載了時間的痕跡與生命的重量，將個體記憶轉化為宇宙性的沉思。 

▍黃裕智

黃裕智因喜愛多維造型在空間中舒展之態，突破工具與場域之限制，發展出「金屬編織」的表現手法，成為為個人創作語彙。堅硬的金屬因編織軟化身段，成為富有生命氣息之軟性雕塑，並與時間，與觀者產生多角互動之有機關係。

本次展出的作品同樣在細膩與強韌之間尋找平衡，看似柔軟輕盈的雕塑，實由金屬線多層交織而成，展現材質在剛與柔、輕與重的對話，構築出動態且充滿生機的空間氛圍。金屬在光線下微微閃爍，並隨著光影變化延伸至空間，仿若植物般自然生長，形成空間與觀者之間的有機互動，展現材質的柔韌與包容。

▍徐永旭

徐永旭強調身體與作品間的對話，以主體與身體融為一體的方式面對創作材質，藉由身體的知覺、觸覺與痛覺，透過按壓、捏塑等身體動作，賦予陶土有機的自由形態。經過不斷解構與建構，陶土表現出極為輕薄柔和的線條及形態，也形成了充滿反差的新觀點。

藝術家以絕對身體性的自發行為，轉化其生命經驗於作品中，材質經過身體性的轉移，彷彿一個生物的本能般，不斷交織與相疊，如同一種生之慾望的勃發，一種竄出與崢嶸的象徵。

▍橫溝美由紀

橫溝美由紀（Miyuki Yokomizo）擅長使用現成物製作極簡裝置，作品中往往可見時間、空間與光線的交互作用。近年來，她一直嘗試在平面畫布上結構出立體空間與裝置性，以此創造嶄新的視覺體驗。

透過雕塑化的繪畫手法，橫溝美由紀結合自然元素與藝術行為，展現出介於偶然與可控之間的張力。她在畫布上設置螺絲釘與細繩，將顏料以彈射的方式覆蓋，形成富有雕塑深度與光影流動的視覺效果，模糊了繪畫與雕塑的界限。

▍彼得．亨特納

彼得．亨特納（Peter Gentenaar）專注於植物纖維的自然特性，如麻、棉花和亞麻等。他研發出專門用來製作紙纖維的機器「Peter beater」，透過擊打纖維釋放出微小的纖維絲，當這些纖維絲在水中懸浮，並逐漸沉澱後，形成一張天然的紙張。

不同於傳統紙張的平整處理，亨特納讓材料保持其原有的植物纖維記憶，允許紙張纖維自然捲曲。他運用這樣的特性，以紙雕作品豐富的褶皺與紋理，模擬模擬自然界的地形與流水，突破了紙漿作為靜態媒材的限制，賦予其強烈的動態與生命感。 

《質譯》

展覽日期｜2025.02.15–2025.04.05
開放時間｜週二至週六12:00–18:00
展覽地點｜双方藝廊Double Square Gallery（台北市中山區北安路770巷28號）