步入愛馬仕（Hermès）2024米蘭家具展展間，目光不由自主被那片由原始材質構築的裝置吸引——磚、石、板岩、木材、夯土等互相拼接，形成馬術騎師服裝般的幾何圖樣。

這座以「材質」為主角的裝置，明白點出了愛馬仕2024家居系列的主題，創意總監Charlotte Macaux Perelman、Alexis Fabry專注於「材料」的本質，以「大地」為題，模糊過往與今日的時間界線，將家居新作、品牌檔案中的經典單品（archive）並列呈現，展現愛馬仕的工藝與創意如何不受時間、流行趨勢影響成為經典。

隨愛馬仕穿越時空，看材質如何堅守本質同時創新

利用工藝技術凸顯原材質的特性，在家居設計世界中並不難理解、也是時常被應用的概念；不過愛馬仕這次將「時間」納入主題，是有趣的點睛之筆，我們或許可以從兩個角度解讀。

首先，好的材料搭配好的工藝，足以讓物件無懼時間的流逝，長傳於世，而這就是愛馬仕一直以來在做的事。

另一方面，展覽將材質相呼應的新物、老物擺在一塊，裡頭都存在愛馬仕的經典符號，像是鏈環、馬術元素、編織技法等，讓觀者得以從中觀察，當類似的材質與符號在不同時代中反覆出現，創作者是如何保留本質同時賦予變化，讓人有種過去、現在和未來同時存在，時空交集的感受。

盤點8組老物 X 新作，看懂愛馬仕的設計理念

這麼說還是有點抽象，直接來看看愛馬仕如何配對老物和新作吧！這邊精選8組作品，解析愛馬仕這趟以材質搭起對話，串連過去與今日的時光旅行。

⬬ 2002 ➛ 2024｜項鍊 ➛ 椅子

誕生於2002年的「Timoure」銀項鍊，透過錘擊創造有機紋理，剛硬中帶點流動性。項鍊的錘擊紋樣被融入了全新扶手椅「Diapason d’Hermès」之中，呈現於底座的鋁製框架上；愛馬仕想為這張椅子呈現材質對比鮮明、輪廓簡潔俐落的正統現代主義風格，於是將無襯裡皮革覆在金屬框架上，形成座椅與靠背，營造出中性的優雅氣質。

⬬ 1980 ➛ 2024｜皮鞭 ➛ 燈具

這只1980年代的「狩獵鞭」，以編織牛皮打造的底座上，點綴鹿角鉤、銀色套圈等細節。搭配展出的新系列「VOLTIGE D’HERMÈS」燈具，細長燈桿用雙色編織皮革包覆，燈罩與底座分別以竹節亞麻、青銅兩種風格截然不同的材料，做出紋理與色彩上的對比，綜觀整體，材質巧妙與老件狩獵鞭呼應。

⬬ 1950 ➛ 2024｜錶帶 ➛ 餐瓷

來自1950年代的「細棉繩錶帶」，綴有精緻的皮革拼接、金屬扣環。一旁的展出拍檔是「TRESSAGES ÉQUESTRES」餐具組，27件陶瓷碗盤重現了錶帶的棉繩圖紋，以及薄荷綠、檸檬黃等清新色系的皮環裝飾；餐具壁面也看得到馬具上的金飾、編織圖案，象徵馬匹與騎士之間的連結。

⬬ 1950 ➛ 2024｜皮手套 ➛ 珠寶收納盒

這雙同樣來自1950年代的小山羊皮手套，帶有漂亮的刺繡細節，體現於指套的滾邊、指尖的圓點裝飾。愛馬仕將手套材質與「AMALTHÉE MYRIADE」鐘錶與珠寶收納盒連結，其整體以榆木打造，四周包覆了韁繩皮革，內裏則是柔軟的絨面小羊皮；畫家手工將墨水繪製在皮革上，以輕盈的筆觸描繪出線條和圓點，與手套的刺繡圖紋相稱。

⬬ 20世紀下葉 ➛ 2024｜騎士服 ➛ 床具與皮件

以製作馬術配件起家的愛馬仕，這次也以3件上世紀的「馬術騎士服」為發想，將服裝的明亮色彩、幾何圖形融入家飾當中。下圖這件誕生於1950年代的薄荷綠絲緞騎士服，前襟上長方形的亮黃色交叉圖樣，被轉化為「TARTAN DYE」床毯上垂直、水平線條構成的棋盤格，搭配高級時裝的褶皺浸染技術創造出古銅、陽光黃色調。

來自1960年代、果橘與草綠色拼接的絲巾騎士服，被轉化為「HIPPIQUE」貼花床罩的多彩幾何色塊，材質同樣沿用絲巾、搭配斜紋布縫製，綴以同色系的刺繡明線，凸顯愛馬仕工坊精湛的紡織技術。

1970年代這件佈滿油綠、嫩粉色菱格紋的騎士服，則跳脫了織品的框架，被轉譯成「DERBY」餐桌擺飾上的圖案，愛馬仕工匠透過Epsom小牛皮貼花技術，搭配馬鞍雙針縫製垂直接縫，做出撞色的皮革拼接。

⬬ 玩轉皮革的工藝實驗

值得一提的是，「DERBY」完全選用皮革製作，融入充分的馬具與皮革工藝技術，想藉此探索單一材質所能呈現的結構、比例、色彩與幾何形狀。同系列的籃子也從1970年代的小牛皮鏤空手環找到線索，由工匠將柔軟的彩色皮革條，透過手工穿孔、縫合後，盤繞成堅固的籃子，再以皮革鑲嵌上跳色的幾何圖形。

一場與地球合作、「腳踏實地」的展覽

愛馬仕表示這是一場「腳踏實地」的展覽，凸顯了自然材料的原始品質，而這些材料正是源自我們腳下的土地，無論石、木或土都是這座星球的自然饋贈，「地球是我們的根、我們的基礎，我們希望與地球合作。」兩位創意總監在接受美版《VOGUE》訪問時這麼說。

愛馬仕 @ 2024米蘭家具展

展期｜2024.04.16－04.21

地點｜Brera設計展區 La Pelota Jai Alai

資料、圖片提供｜愛馬仕

週日的一場細雨，為四月上旬為期一週的米蘭設計週畫下句點。在 La Vie 特約編輯走訪過 Rho Fiera 家具展主會場，並穿梭了城内大大小小的設計區域後，察覺到的正是業界正渴望的人性化的主導：從主會場的「以人為本的設計」，到城內 Brera 區域探索了「互聯世界」、Tortona 區散發著 「幸福感」、5VIE 區展現出「無形和諧」、甚至 Isola 區還直接表示 「設計是人性」等。但在那些炫技排場和人氣打卡熱點重重包圍中，本應是設計週主角的「家具」，又能如何突圍？

摩卡與毛茸茸兼容，帶來舒適感

不管是否乃從 Pantone 2025 年的「年度代表色」吸取靈感，或源自 1970 年代的風格回流，Rho Fiera 主會場的家具館内處處有「摩卡慕斯」（Mocha Mousse）蹤影。其原因，或許正如 Pantone 色彩研究所所形容：「這一種溫暖的棕色調，蘊含著內在的豐富質感，讓人聯想到可可豆、巧克力和咖啡的美味品質，滿足我們對舒適的渴望。顯然，「以人為本」的設計並不需要更大的宏願就能達成。

這股摩卡風的佼佼者，就非 Acerbis 品牌莫屬。旗下推出的兩件作品：Phillippe Malouin 設計的 Trench 以及新版的 Claudio Salocchi 小沙發 Palla，皆在摩卡色的包裹下散發著異曲同工之妙。前者以新比例做出近乎雕塑感的沙發和扶手椅，卻又因爲流暢的曲線而塑造出視覺上的輕盈感；後者則保留了 1960 年代時期追求的自由態度，將球體作解構，從而取得一體兩用的功能性。另外值得一提的還有 Yabu Pushelberg 為 Leolux 設計的 Sen，除了有摩卡色的包覆外，也因為有了放大版的羅紋表面，不禁讓人聯想到 70 年代盛行的燈芯絨布料。

其實，有些摩卡作品更是不失「人性」。像西班牙設計師 Jaime Hayon 今年的兩件作品：地毯品牌 Nanimarquina 的 Talk Talk 和 Wittmann 品牌的 KOLINAS 沙發就正好提供了示範。前者帶有設計師經典的面孔設計，不僅探索了藝術與設計之間的關係，也慶祝人與居家之間的對話和交流，讓人看了不禁會會心一笑。而沙發的波浪曲綫後背，則來自設計師對奧地利山脈的鍾情。他說，這樣的圓形、毛絨的形狀，正好能「給人一種慷慨舒適的感覺。」

談及毛茸茸，自然會立即聯想到地毯。而確實，不少的地毯品牌都讓它們的「毛」長出來——像由 Wild Animals 創始人 Rop van Mierlo 設計的 Grandma Patterns 地毯就因為「蓬鬆絨毛」的使用，成全了他想要的濕紙巾效果。當然，選擇該圖案的目的也為了頌揚「祖母」們舒適、溫馨的世界。還有更有趣的是，在 cc-tapis 的特展中還看見了該義大利品牌將一張金屬桌子包裹上淡藍色的毛茸茸裝飾，最終為展覽的視覺性帶來了反差，甚至引人觸摸一番。

過去，長毛地毯（亦稱 Shaggy rugs）的「難洗」印象是臭名昭著的。但事到如今，當設計師將其附上家具時，又是否能改觀？有趣的是，色彩的應用就成了關鍵。像以 CACTUS® 仙人掌裝飾著稱的 Gufram 品牌，今年就特別為其換上「皮草大衣」，更名為 HOMMEMADE。全新的霓虹綠、藍和粉紅色就讓這原本就已經充滿超現實主義的作品更有「觸感」。而且難以想象的是，這一設計乃來自於著名嘻哈歌手 A$AP Rocky 。重點是，這一大衣還配有實用的拉鍊，所以也就不用擔心清理太麻煩。

從室内到室外，自然感燈具掀起熱潮

2025 年亦是兩年一度的 Euroluce （歐洲照明展）進行時。而有別於義大利家具業界參差不齊的排場，在 4 和 10 號展舘内，當地最知名的品牌——從 Artemide、Flos、Luceplan 到 Foscarini——都紛紛展現出強勁的市場力。尤其後者，仍持續對新生設計師投入心力：從米蘭衛星展覽出道的 Francesca Lanzavecchia（亦即 Lanzavecchia + Wai 雙人組成員之一）就設計了非常有機感的 Tilia 燈具。設計師稱，其靈感取材於自然規律，並將典型的吊燈做出了枝形的詮釋。設計所發展出的柔和的線條就栩栩如生地，將光線「蔓延」到空間的各角落。

相同地，讓人看見科技與詩意進行結合的還有 Luceplan 的 Posi。來自倫敦設計師 Umut Yamac 的作品，這是一組有趣且用途廣泛的發光莖系列。「唯有在使用者的主動下，花瓶才會『綻放』。這樣如插花般的儀式性，將能激發互動，從而創造出適合周圍空間和當下心情的雙重功能。」他解釋道。

這一股「Flower Power」也出現在 Slamp 和 Ferroluce 品牌的燈具系列中。前者的展廳内就充滿了不同類型的「花朵」設計：從 Marc Sadler 的  LaFleur 和 Tulip 到 Adriano Rachele 的 Clizia 和 Hamani 等。但最終，讓人驚喜的反而是來自 Ferroluce 的陶瓷壁燈 Phytia。那彷彿是俯瞰一朵花瓣構造般的設計，就在四種不同色澤的組合下，創造了如萬花筒的視覺性。

論及大（或說「資深」）品牌的主會場出列，當中的遺珠就屬逐漸强大的 Nemo 集團。起始於 1993 年成立的 Nemo 燈具品牌，該集團在近年來就收購了如 Fontana Arte（成立於 1923 年）、Reggiani（成立於 1953 年） 甚至還有家具業的 Driade（成立於 1968 年）。雖然策展重心仍到放到城内，但旗下唯一在主會場的展出品牌 ILTI Luce 則交由知名室内設計師 Fabio Santambrogio 打造，並成功帶出了今年的另一燈具趨勢：戶外燈具——特別是用於植物的照明。

其圓弧形的展廳内，不僅呈現了唯美的植物「牆柱」，塑造出唯美的自拍時刻，也在新燈具的呈現上提供了有趣的視覺性：像 Twig 這樣纖細且簡約的照明，就能低調地與環境進行微妙的互動。在完全不影響戶外與庭院設計的情況下，可優雅和諧地照亮植被和步道。

當然，談及戶外燈具，每回燈具展不容錯過的西班牙品牌 Vibia。今年以 Shaping Atmosphere 做主題，顯然藉由「沉浸式」的手法來設計情感與氛圍。在面對各種不同的戶外空間，靈活且輕便的燈具也將能隨時間推移進行位置的變化。像岩崎一郎（Ichiro Iwasaki）設計的 Closer 就以其容易攜帶特性提供了多功能解決方案。尤其當中的紅色款，在燈光透過鏤空燈罩散發出來後就瞬間有了柔和感，乍看就像是夕陽時。顯然，即使再小的空間，也能因此享受到處於自己的一片戶外景致。

或許，家具未必能百分百地滿足「設計」在本質上得「解決問題」的原則。但「以人為本」之意就在於人們可有憑藉家具來創造一個宜居的居所，來休息、來充電、以繼續（甚至永續地）面對世界的問題。所以，家具真正可以解決的反而是「人」這個問題。不是嗎？

2025 米蘭國際家具展兼米蘭設計週
展期｜2025 年 4 月 7 日～13 日

文字｜Yen 甄健恆

2025米蘭設計週，Saint Laurent絕對是跨足家居設計的時尚品牌中，最值得關注的對象之一。今年，Saint Laurent再現現代主義設計大師Charlotte Perriand的經典家具作品，全4件設計誕生於1943年至1967年間，過去或只存在於草圖、或停留在原型階段、或隱於私人典藏中，並未面向大眾；時隔半世紀，才由Saint Laurent精心復刻及製作，採訂製、限量的方式發行，讓此次計畫更顯獨特及珍貴。

Charlotte Perriand，現代主義設計的重要推手

作為20世紀最具代表性的女性設計師之一，Charlotte Perriand是現代主義家具的重要推手，她在1920年代與柯比意（Le Corbusier）及Pierre Jeanneret合作的「LC系列」，至今仍是經典，其形隨機能、模組化、結構倒置等設計邏輯，皆深深影響現代主義家具的發展。

現代主義 X 自然材質 X 東方美學，成就獨特創作風格

Perriand作品的特別之處還在於對木材、藤編等自然材質的應用，及東方美學與工藝的融入。這源自曾在亞洲生活多年的經驗，影響她開始在功能導向的設計內，融入詩意、富人文感的設計語彙，為現代主義的理性注入情感和靈性。

1940年代，Perriand受日本政府之邀，協助推動日本工藝現代化，目的是與西方現代設計接軌；在日期間，她深入研究日本傳統建築、工藝及生活方式，尤其受取材自然、「間（Ma）」講求的「有意義留白」概念影響。二戰期間，Perriand因故轉赴越南（當時為法屬印度支那）生活近3年，在此她學習當地木工、編織技術，探索當地材料與傳統手工藝與現代設計結合的可能，她在1943年設計的訪客扶手椅「Le Fauteuil Visiteur Indochine」就融入了泰式靠墊，結合現代主義及東南亞文化符碼。

細看「SAINT LAURENT－Charlotte Perriand」4件家具設計

▍巴黎日本大使館長椅，1967

1966年，建築師坂倉準三（Junzō Sakakura）受邀設計日本位於巴黎的新大使館，他與同為柯比意工作室出身的Perriand合作，分別負責建築、室內及家具設計。Perriand為主要接待空間設計了一款五人座泰絲沙發，線條富雕塑感、形體極具份量感。為了讓沙發看起來更輕盈，Perriand設計了約7公尺長的玫瑰木底座，並讓底座兩端的輪廓上揚、向外延伸，為作品創造如懸浮於空中的視覺效果。底座藏有藤編元素，體現她擅用自然材質的設計風格。

▍里約熱內盧書櫃，1962

1962年，Perriand在里約熱內盧為丈夫Jacques Martin打造這座書櫃，大小不一的格狀設計是為了讓藝術品、書籍能夠並陳展示。這件作品展現了Perriand取材當地自然及人文的設計手法，櫃體採用堅實的巴西玫瑰木打造，滑動門片則融入巴西傳統建築常見的手工藤編技術，融匯在地文化。書櫃原作為私人收藏，在Saint Laurent復刻之前，過去25年內只對外展出過3次。

▍千層桌，1963

設計於1963年的「千層桌」，過去只以模型形態存在Perriand的工作桌上，因製作難度極高，從未進入生產階段。桌面以櫻桃木、玫瑰木兩種木材，交錯堆疊十層，呈現深淺交織的千層效果，搭配中央內凹、邊緣斜削的設計，構成同心圓造型。每張「千層桌」都獨一無二，帶有天然木紋及壓模過程中所形成的獨特紋理。

▍印度支那訪客扶手椅，1943

在越南生活的三年間，Perriand為自己和丈夫設計多件家具，這張訪客扶手椅就是其一。可惜的是，原件已遺失多年，Saint Laurent靠著一張僅存的設計圖稿重現作品。這張椅子集結了Perriand標誌性的設計語彙：鍍鉻金屬管讓底座、扶手、靠背一體成型，十足體現現代主義極簡、屏除裝飾、重功能的特點；座椅結構以玫瑰木打造，引入自然氣息；座墊靈感則來自泰式靠墊，融入東南亞文化符號，展現援引在地文化的設計手法。

聖羅蘭先生也著迷的經典設計

Saint Laurent在兼顧時尚本業之餘，也長期推廣藝術文化、致力傳承文化資產，從近年於巴黎開設策展型書店「Babylone」、邀請爆破藝術家蔡國強在日本福島創作白日煙火《櫻花滿天的日子》，到2025米蘭設計週重現Charlotte Perriand經典家具作品等，都足以見得品牌及創意總監Anthony Vaccarello的投入。值得一提的是，Saint Laurent兩位創辦人都是Perriand設計的愛好者，其中聖羅蘭先生Yves Saint Laurent收藏作品、Pierre Bergé則是多場全球性回顧展的幕後支持者，讓這次合作更具紀念價值。