一場關於臺灣的展覽，場內此起彼伏地圍繞著警笛、爆炸、突如其來的撞擊、節奏緩慢的中華民國國歌——它們是藝術家袁廣鳴不同作品中的聲音，充斥在防空演習、公民不服從運動，以及居家裡可能的場景。這是2024威尼斯美術雙年展臺灣館《日常戰爭》的現場寫照，發生在普里奇歐尼宮邸（Palazzo delle Prigioni）。

我們的「日常棲居之所」正逐漸瓦解？

《日常戰爭》探問社會轉型期間與現實動盪的不定時威脅下，人的生存處境為何？展出作品從一名臺灣藝術家的角度，突顯作為棲居的日常所在，正逐步地被分配不均的後資本主義、網路攻擊、氣候異常及族群紛爭等灰色衝突中被蠶食鯨吞。

「家」本該安定，為何流動而不穩定？

展覽以多件錄像、動態裝置呈現，敘事延續了袁廣鳴的創作脈絡。袁廣鳴的父親因政治及歷史因素而移居臺灣，因而他多數的錄像作品，幾乎都圍繞著對於「家」的概念，與之伴隨的流動性、不穩定的潛在意識有關。

「如同許多出生於1950年代以後的臺灣人，袁廣鳴的成長背景中縈繞著他父親對戰亂的創痛記憶與對於失根的深沉哀傷。私人空間在想像情境中遭受暴力入侵，投射出跨世代的憂懼；這不僅是在訴說袁廣鳴的個人掙扎，也呼應著臺灣社會對於危機隨時可能降臨的共同感受。」——策展人陳暢

6件作品串起袁廣鳴創作脈絡

《日常演習》（2018）設置於展場入口，佔據全場最大的牆面空間，以一股強烈的當前危機感為整個展覽定調。

另一件展覽同名作品《日常戰爭》（2023），則藉由一個在無預警轟炸攻擊中遭到摧毀的套房空間，呈現一個荒謬的現實，但這現實的荒謬，又是如此的可能。

現場也可見袁廣鳴早期的創作，其中《棲居如詩》（2014）以居家場景回溯藝術家在生活中無法消解的焦慮，並反映現實靜好背後所暗藏的毀滅不安；《預言》（2014）則透過裝置的突發巨響及桌面餐具碰撞聲，創造出直覺性的不適感。

《佔領第561小時》（2014）紀錄了「太陽花學運」撤場前夕的場景——畫面抽離了佔領議場的學生，只留中華民國國歌緩慢播送，立法院頓時成為學生追求明日美好願景的民主聖堂；而冷靜背後是關於地緣政治的探討，思辨著現代台灣人的困頓與憂懼。

首度公開的新作《扁平世界》，則是一件由Google全球街景資料庫（Google street view）構成的網路影音作品。以臺灣代表性的街景開始，例如城市、鄉鎮、高山、海邊等，到世界上類似的街景，藉由程式多項篩選及限定相同的中心點及透視，無縫接軌地創建了一個超時空縮時的道路序列影像。

在這彷若數位網路的「新公路電影」之中，整個世界的街景在無國界（全球化）的網路裡頓時成為「扁平的世界」，形成一個不斷往前的迴圈風景。

藏在詩意中的憂慮

袁廣鳴的作品總以一種預警式的微觀，放大了無預警的爆發，投射對於當前政治、社會環境的思慮，進而隱喻環繞太平洋島鏈及大陸間不穩定的地緣政治及衝突陰霾。

他對臺灣處境的觀察及刻劃，凸顯今日的戰爭概念已從「實際的砲火」，移轉到分配不均的後資本主義、疫情傳染、網路攻擊、宗教與不同族群間的歧視及壓迫……種種潛藏於日常中的戰爭，而這「戰爭的日常化」，似乎更漸趨為棲居的常態。

「處處都是外人」

策展人陳暢也強調，《日常戰爭》有力地回應本屆威尼斯雙年展由總策展人Adriano Pedrosa提出的策展命題：「處處都是外人」（Foreigners Everywhere）。袁廣鳴創作中描繪對這看似美好世界的懷疑及不安，暗喻著顛沛生命的人類境況；彷彿「理想的地方一定是在它方，而不是此地」。

2024威尼斯雙年展「台灣館」

 

展場｜

義大利威尼斯普里奇歐尼宮邸（Palazzo delle Prigioni, Venice, Italy）

 

展期與開放時間｜

2024.04.20－09.30・週二至週日 11:00－19:00

2024.10.01－11.24・週二至週日 10:00－18:00

週一休館，僅04.22、06.17、07.22、09.02、09.30、11.18特別開放

史上第一次，巴黎羅浮宮（Musée du Louvre）以「時裝」為題推出展覽《LOUVRE COUTURE – Art and fashion: statement pieces》，本展以時間為軸線，將45組時尚品牌及設計師的高級訂製服，與羅浮宮館藏共同陳列，探討時尚與藝術從古至今相互滋養的關係。羅浮宮裝飾藝術部總監兼策展人Olivier Gabet表示，這場展覽並不是要定義時尚是否為藝術，而是以時裝設計為稜鏡，為觀眾映照出欣賞裝飾藝術的嶄新視角，反之亦然。

史無前例的羅浮宮時裝展，為何而生？

沒有時裝收藏系列的羅浮宮，為何選擇辦一場以時裝為題的展覽？一來，服裝在藝術品中無所不在，如畫作中主角所穿戴的服飾、配件等，都是其身份、社經地位、人格特質的表徵，也為後人提供窺探畫作時代背景的線索，這點在羅浮宮鎮館之寶《蒙娜麗莎》就能得到印證，也正如策展人Olivier Gabet所說：「在羅浮宮，時尚並非被收藏，而是被穿戴的。」他也提到，時尚既是藝術表達的方式之一，也是流行文化的一部分，大眾能與時尚產生共鳴，期待藉這場展覽帶觀眾看見羅浮宮的另一面。

隨高級訂製服引領，一探數百年來的裝飾藝術之美

《LOUVRE COUTURE》的策展核心理念是，邀請訪客透過當代時裝設計師的視角、及其源自藝術品中的創意靈光，重新探索羅浮宮的文物，因此展覽各區根據館藏對應的歷史時期展開敘事，時空跨度從拜占庭帝國時期、中世紀，再到文藝復興，一路延伸至拿破崙崛起後的法蘭西帝國時期。

多達百件的高級訂製服、成衣與配件，來自45組經典時裝屋及新潮設計師：光是源於法國的品牌就包含擁有百年歷史的Louis Vuitton、Hermès、Chanel，二十世紀中趁勢崛起的Dior、Yves Saint Laurent，及近年備受名人及Z世代擁戴的Alaïa、Jacquemus等；歐陸乃至世界各地的美學、跨時代的思潮也交織其中，如英倫龐克的象徵Vivienne Westwood，義式風尚的藝術性、奢華、奔放及工藝由Schiaparelli、Versace、Dolce&Gabbana、Bottega Veneta各自表述，向來前衛的Balenciaga貢獻自創辦人Cristóbal Balenciaga至時任創意總監Demna之作，日本代表有山本耀司及高橋盾；當今最受矚目設計師執掌的品牌也在名單中，如Jonathan Anderson操刀的Loewe及個人品牌JW Anderson、善用科技實現超現實奇想的Iris van Herpen、玩轉色彩的魔術師Dries Van Noten、以半月印花掀起熱潮的Marine Serre等。

遊逛展間，可見羅浮宮收藏的掛毯、盔甲、櫥櫃、瓷器、珠寶等裝飾藝術品，與時裝和高級訂製服的靈感來源、視覺元素相呼應，如一件來自Dolce & Gabbana的水晶刺繡裙，靈感源自威尼斯托爾切洛島聖母升天聖殿中、自11世紀保存至今的馬賽克；「老佛爺」Karl Lagerfeld生前為Chanel設計的一件藍白色刺繡夾克，圖樣發想自18世紀巴黎櫥櫃製造商Mathieu Criaerd打造的華美箱子；飾有太陽王圖案的Dior真絲禮服，與太陽王路易十四肖像並列；Versace自1997年典藏至今的金屬晚禮服，可見拜占庭十字架刺繡、受古希臘服裝啟發的褶飾細節。

「法國版Met Gala」將於三月登場

透過這場展覽，Olivier Gabet企圖梳理成就藝術與時尚的共同方法：世代傳承的技術和知識、視覺文化與文獻間的交互作用等，這些元素貫穿了博物館的藏品目錄與時尚界的情緒版（moodboard），從未過時、歷久彌新。三月中，羅浮宮將為《LOUVRE COUTURE》舉辦一場盛大晚宴，屆時數百位時尚、藝術等領域嘉賓將齊聚於此，《CNN》以「法國版Met Gala」形容這場盛宴，值得期待。

資料來源｜Musée du Louvre、CNN

2025年2月15日在双方藝廊登場的當代藝術聯展《質譯》（Material Metamorphosis），集結彼得．亨特納（Peter Gentenaar）、塩田千春（Chiharu Shiota）、橫溝美由紀（Miyuki Yokomizo）、劉文瑄、黃裕智、徐永旭等六位國內外藝術家，展覽聚焦於傳統創作媒材的轉化與延伸，探索材質與外在的對話。

6位藝術家突破對傳統材質的想像

當代藝術透過材質的轉化與創造，從繪畫、裝置到雕塑不斷延伸形式。《質譯》聯展中的藝術家們，以各自獨特的視角探索了材質、身體、空間與自然之間的關聯，展現藝術創造與觀念之間的豐富對話。 

▍劉文瑄

劉文瑄以開放自由的狀態進行創作，對「繪畫」與「繪畫性」重新認識與反思，專注於在平凡中挖掘抽象的詩意，並以細膩的物質性表現形體與媒材的可能性，體現當下的生命哲思。這次展出的作品延續了平面與空間結合的實踐，透過裁剪、折疊與黏貼等手工技術，將紙張從靜態的平面媒材轉化為結構豐富的藝術品。

作品《無聲的蜘蛛》靈感取自美國詩人華特·惠特曼的詩句，以生活中再普通不過的米粉為素材，將其細心拼接、編織成一張巨大的網，宛如蜘蛛耐心吐絲結網的過程。最終，這張網被塗上各種色彩，就像捕捉夢境的網一般，體現材質的轉化與情感的延展。

▍塩田千春

塩田千春（Chiharu Shiota）的作品以身體為核心，結合了行為藝術、身體藝術與裝置藝術。在創作過程中，塩田千春探索無形概念的意義，如記憶、創傷、死亡等，並透過這些跨越邊界的思考，試圖連結觀眾的情感，讓來自世界各地的人們都能產生共鳴。

本次展出的《State of Being》系列以層層交織的絲線構建出詩意〈Child’s Dress〉中的白色絲線包裹著一件白色洋裝，象徵純潔與開始，也暗示著結束與死亡；而〈Buddha〉則以黑色絲線環繞佛像，營造出如同記憶網絡般的靜謐空間，呈現出深刻的冥想氛圍。絲線的交織如同自然紋理，承載了時間的痕跡與生命的重量，將個體記憶轉化為宇宙性的沉思。 

▍黃裕智

黃裕智因喜愛多維造型在空間中舒展之態，突破工具與場域之限制，發展出「金屬編織」的表現手法，成為為個人創作語彙。堅硬的金屬因編織軟化身段，成為富有生命氣息之軟性雕塑，並與時間，與觀者產生多角互動之有機關係。

本次展出的作品同樣在細膩與強韌之間尋找平衡，看似柔軟輕盈的雕塑，實由金屬線多層交織而成，展現材質在剛與柔、輕與重的對話，構築出動態且充滿生機的空間氛圍。金屬在光線下微微閃爍，並隨著光影變化延伸至空間，仿若植物般自然生長，形成空間與觀者之間的有機互動，展現材質的柔韌與包容。

▍徐永旭

徐永旭強調身體與作品間的對話，以主體與身體融為一體的方式面對創作材質，藉由身體的知覺、觸覺與痛覺，透過按壓、捏塑等身體動作，賦予陶土有機的自由形態。經過不斷解構與建構，陶土表現出極為輕薄柔和的線條及形態，也形成了充滿反差的新觀點。

藝術家以絕對身體性的自發行為，轉化其生命經驗於作品中，材質經過身體性的轉移，彷彿一個生物的本能般，不斷交織與相疊，如同一種生之慾望的勃發，一種竄出與崢嶸的象徵。

▍橫溝美由紀

橫溝美由紀（Miyuki Yokomizo）擅長使用現成物製作極簡裝置，作品中往往可見時間、空間與光線的交互作用。近年來，她一直嘗試在平面畫布上結構出立體空間與裝置性，以此創造嶄新的視覺體驗。

透過雕塑化的繪畫手法，橫溝美由紀結合自然元素與藝術行為，展現出介於偶然與可控之間的張力。她在畫布上設置螺絲釘與細繩，將顏料以彈射的方式覆蓋，形成富有雕塑深度與光影流動的視覺效果，模糊了繪畫與雕塑的界限。

▍彼得．亨特納

彼得．亨特納（Peter Gentenaar）專注於植物纖維的自然特性，如麻、棉花和亞麻等。他研發出專門用來製作紙纖維的機器「Peter beater」，透過擊打纖維釋放出微小的纖維絲，當這些纖維絲在水中懸浮，並逐漸沉澱後，形成一張天然的紙張。

不同於傳統紙張的平整處理，亨特納讓材料保持其原有的植物纖維記憶，允許紙張纖維自然捲曲。他運用這樣的特性，以紙雕作品豐富的褶皺與紋理，模擬模擬自然界的地形與流水，突破了紙漿作為靜態媒材的限制，賦予其強烈的動態與生命感。 

《質譯》

展覽日期｜2025.02.15–2025.04.05
開放時間｜週二至週六12:00–18:00
展覽地點｜双方藝廊Double Square Gallery（台北市中山區北安路770巷28號）