花蓮石雕博物館現正展出《石況製造》常設展與《石事日常》特展，揭秘「石頭故鄉」花蓮的產地製造過程，呈現花蓮石材產業現況，並展出100+種石材的設計家居與藝術作品，包含藝術家李霽的大型蛇紋石藝術裝置《Touch》、石雕家許禮憲的《風》、劉金德的《展望》、本質創作室的蛇紋石花器「織器」、無氏設計的「編石」桌等，拉近石材與大眾的距離。

《石況製造》：揭開石頭故鄉的實況製造現場

1960年代，台灣東西橫貫公路開闢，帶動花蓮石材產業發展，高品質的大理石與蛇紋石更外銷到世界各地，令台灣獲得「石頭故鄉」的美名，並成為當時全球第二大、僅次於義大利的石材加工出口國。展覽依循相關產業的發展脈絡，從「石礦科普知識」、「石礦開採與產業發展史」、「當代石材的生活應用」、「民眾體驗互動學習」等四大面向，呈現石材產業的古往今來。

01｜認識6種花蓮特有石礦

《石況製造》以科普與教育為主軸，將花蓮石礦產業發展大事紀整理為時間軸，搭配珍稀歷史照片，呈現自日治一路至近代的歷史。同時也展出和平白、和仁灰、蛇紋石、玫瑰石、豐田玉、臺灣墨玉等6種花蓮特有的石礦樣本，介紹各種石材的特性、用途及加工方式；更網羅超過10家在地加工廠，展出橫跨60年製造歷史的石材產品，包括60年代的大理石工藝品，如煙灰缸、胡椒罐等，到近期結合新世代生活習慣的香氛、花器、醇酒玉等。

02｜從展場空間細節，還原石材工廠實況

本次《石況製造》展覽主視覺與空間，皆由「可以工作室COYI STUDIO」設計，運用石材加工廠常見的橘色「天車」（橋式起重機）為主色，透過真實的相片和鮮明色塊虛實對比，用堆疊、穿梭呼應「從產地到日常」。此外，展場空間也以工廠廠房、機械常用之橘、黃色標線為靈感，結合鷹架、石材板架等工業道具，重現石材加工廠實況。

03｜以設計驅動產業創新發展

下一個展區，則是由石資中心推動的「研石造物」設計工作營成果分享，展出近20家石材業者、60餘位國內外設計師串連開發創新產品，感受世代交替、永續傳承、材質創新等議題。另外也展出設研院「T22產地振興計畫」與4家花蓮在地工廠合作的「工廠見學改造」計畫，引領大家走進礦山，了解石材的魅力。

04｜互動體驗區，開啟石材五感體驗

最後，《石況製造》設置了一系列親子互動體驗區，啟發石材的五感體驗，包含可實際敲擊的「石頭打擊樂」、發揮創造力的「石材骨牌」、運用磁鐵礦墨玉來做表情的「墨玉畢卡索」，以及0403大地震後特別規劃的「祈願石」祈福牆專區，邀請觀眾寫下自己的願望，一同為花蓮加油。

《石事日常》：網羅花蓮特有「蛇紋石」的應用靈感

《石事日常》特展由擅長藝術文化轉譯、臺日文化交流的「寧淨國際」團隊策展，與以蛇紋石為靈感的設計品牌「VERDE」共同企劃，透過物件、人物採訪，探討自1950年代在花蓮壽豐鄉發現的「蛇紋石」，隨著時間演變出各種應用，展出橫跨10家石材加工業者、20家在地品牌，逾100個蛇紋石靈感物件。

01｜蛇紋石的100個靈感物件

《石事日常》大型展台區擺設超過20組品牌、藝術家的蛇紋石相關作品，來自花蓮在地石材工廠、設計文創新品牌、與日本埼玉縣博物館藏書，包含從早期由同達大理石出產的蛇紋石烤肉盤、鎮一大理石的桿麵棍，到近期新發展的薄板、水刀、波浪建材，與強調邊角料再生的永鉅石業設計的馬賽克磚與馬賽克拼花等。同時，也展出加入與藝術設計、異材質結合的招財盤器、造型花器、香氛產品、曲面鏡子等。

02｜從人物誌看蛇紋石發展歷程

同時，為了讓觀眾更了解蛇紋石從開採、加工、到設計等完整過程，《石事日常》特別採訪10位在生命歷程與蛇紋石有互動的石材業者、學者、藝術家、設計師與旅宿業者等，如擅長將蛇紋石與改造空間結合的「硬式設計」吳透、商空室內設計師宋毅、「丘丘森旅」品牌總監陸念新等。另外也實地紀錄臺灣僅存的蛇紋石礦區「瑞欣石礦」現場，透過蛇紋石專門家、礦業技師蔡穗了解蛇紋石故事，道出蛇紋石的前世今生。

03｜攜手藝術家創作大型裝置

除了蛇紋石元件、建材、工藝品、石雕作品外，《石事日常》也邀請到質物霽畫主理人李霽，以堆疊方式創作大型蛇紋石藝術裝置《Touch》，呼應臨海的窗外景色，寓意石中迸出生命的意象；此外，石雕家許禮憲的《風》、德魯固族在地石雕家劉金德的《展望》創作的臺灣土狗，也於本次特展中現身。

04｜蛇紋石走入居家，是什麼模樣？

為了讓觀眾體驗石材與生活的結合，本次《石事日常》還與眠豆腐合作，以豆腐色「眠豆沙」搭配蛇紋石展場的綠色系，打造舒適柔和的居家生活氛圍，在通透的展場空間內眺望太平洋，感受更多石材靈感激盪。

《石況製造－從產地到日常》石材科普常設展

日期｜2024年4月13日起
地點｜花蓮縣石雕博物館 第二企劃室

《石事日常－蛇紋石與生活的100個靈感》蛇紋石特展 

日期｜2024年4月13日至6月30日
地點｜花蓮縣石雕博物館 大廳

高雄市立美術館年度特展《瞬間－穿越繪畫與攝影之旅》，展出英國泰德現代美術館與國巨基金會的精選藏品，包含畢卡索、安迪．沃荷、杉本博司、大衛・霍克尼等大師名作，引領人們探索繪畫與鏡頭之間的關係。本次展期到今（2024）年11月17日，可別錯過一次飽覽巨作的機會。

飽覽55幅經典之作

先前在英國泰德現代美術館展出的《瞬間》(Capturing the Moment)，不僅是其歷年展期最長的展覽，同時創下30萬人次觀展紀錄。而此次《瞬間》特展海外唯一展出站就在高美館，透過6大展區，精選的34件泰德美術館藏品，與國巨基金會收藏的21件現當代作品，審視近百年來繪畫與攝影的交織發展，一窺藝術家如何用鏡頭與畫筆來記錄瞬間，帶領觀者一同踏上穿越繪畫與攝影的旅程。

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在6大展區穿越繪畫與攝影的旅程

第一展區｜攝影時代的繪畫
綜觀20世紀，藝術家陸續透過攝影來創作，使得過去常以繪畫映照世界樣貌的概念，趨向複雜，於是畫家們也開始發展新的風格與視角，來回應攝影帶來的挑戰。本區除展出畢卡索(Pablo Picasso)〈水手〉、〈女子半身像〉及畢生代表作之一〈哭泣的女人〉，也能看到愛麗絲．尼爾(Alice Neel)以畫筆刻畫紐約工人階級的生活常態，寫實呈現芸芸眾生的樣貌；首次在台灣展出的多蘿西亞．蘭格(Dorothea Lange)〈移工母親〉作品，則呈現了鏡頭下的美國經濟大蕭條時期的生活。

第二展區｜拉鋸
當攝影師們忙於摸索相機的機械原理時，畫家們也持續處理著畫布表面的肌理與顏料的質地，讓媒材潛能能夠最大化發輝。而本區呈現藝術家們利用繪畫素材與技巧表現力，創造出層層交疊的構圖，像是在法蘭西斯．培根(Francis Bacon)的作品中，可見每一道筆觸中，所抒發的滿腔情感。

第三展區｜如畫的場景
當攝影與繪畫的界線逐漸模糊，傑夫．沃爾(Jeff Wall)也透過創作來對「攝影如實記錄真實世界」的概念提出質問，而在這件〈突如其來的一陣風〉作品，看似捕捉了凍結了一剎那，實則經過縝密的編排，其在構圖上擬仿了日本畫家葛飾北齋的作品，前後拍攝超過百張照片，之後將照片中的各式元素拼接，並透過數位技術疊加在一起，呈現出這幅創作。

第四展區｜凝視的詩意
如同藝術家在畫作中回應攝影帶來的影響，在攝影領域的新一代藝術家，也從傳統繪畫汲取養分，並提出新的觀看方式；以壯觀的大尺幅照片、工整構圖，觸發人們對觀看行為的反思。比如在托馬斯．施特魯斯(Thomas Struth)的攝影作品中，畫面裡的參觀者凝視著畫作，而畫作中的人們卻也反過來注視著你我；安德烈亞斯．古爾斯基(Andreas Gursky)以攝影探索影像製作的結構本質；杉本博司的《海景》系列作品，以長時間曝光技術來呈現各地的大海影像，顯現出攝影既是瞬間，同時也是時間積累的作品。

第五展區｜歷史取鏡 
在本展區中，展現出繪畫創作賦予攝影真實存在的意義，格哈德．里希特（Gerhard Richter）以拍攝的照片繪出〈兩支蠟燭〉；威爾漢姆．薩斯奈爾（Wilhelm Sasnal）的攝像繪畫中飽含歷史、新聞和記憶元素，顛覆傳統攝影與繪畫既定印象。

第六展區｜融合新境
本展區匯聚了藝術家們多方探索繪畫的創新嘗試，推翻繪畫至上的觀念，比如本區的名作安迪．沃荷（Andy Warhol）〈自肖像〉，便是透過絹版印刷工藝打破自畫像真實性的神話，呈現出最具代表性的普普藝術；約翰．柯林(John Currin)、恩吉德卡．阿庫尼利．克羅斯比(Njideka Akunyili Crosby)、麗莎．布萊斯(Lisa Brice)等藝術家從流行文化挪用攝影圖像，讓女性身體重新獲得應有的中心地位；麥可 · 阿米泰吉(Michael Armitage)、米里亞姆．卡恩(Miriam Cahn)透過畫作呈現肯亞的後殖民動盪與地中海地區的難民船難，以藝術來回應社會議題。

同場加映：《瞬間》特展系列活動
另外，高美館也推出一系列活動，6月至11月開展特展系列高美講堂，將引領觀者穿梭英倫博物館、藝術史、收藏拍賣、攝影聚焦等跨域主題；由高美館策展人講解的「專家導覽」場次，將於7月19日、7月26日登場；首度打造的「特展必修課」，8月11日由謝哲青深入解析泰德美術館與特展作品。

《瞬間－穿越繪畫與攝影之旅》特展
展覽期間｜2024.06.29-11.17
展覽地點｜高雄市立美術館101-103展覽室（高雄市鼓山區美術館路80號）
全票｜300元（ ibon售票系統、高美館售票中心現場、Kkday、Klook、Trip.com、易遊網同步販售）
高美館✕奇美博物館 雙美聯票700元（ibon獨家限量販售）
更多關於《瞬間》導覽／講座、教育推廣活動、小週末音樂會資訊，請見官網

2024第60屆威尼斯國際美術雙年展以《處處都是外人》（Stranieri Ovunque–Foreigners Everywhere）為題，有著「不論走到何處都會遇到外國人」、「無論身在何處都感覺像外人」等多重意涵。台灣館由藝術家袁廣鳴代表參加，在居家般的展間帶來一場《日常戰爭》。這場關於家與戰爭的故事要如何訴說？除了台灣館，本屆雙年展又有哪些國家館不可錯過？

原本為監獄的普里奇歐尼宮邸（Palazzo delle Prigioni），在威尼斯雙年展台灣館展出之際，放入沙發、檯燈、沙灘椅等家具，竟浮現出家的感覺。但曾經，袁廣鳴認為自己不可能成家，「總覺得藝術家結婚就被綁住了，得乖乖做一個該死的中產階級上班族。」

這不是他第一次參展威尼斯雙年展，早在2003年就與李小鏡、鄭淑麗、李明維以聯展形式展出。回憶過往，他笑說當時和現在的太太熱戀中，想著展覽結束後要同遊水都。而也就在雙年展後的1、2年，兩人結婚了，「因為碰到對的人，就對婚姻不那麼懼怕。」

相隔近20年再度參展威尼斯雙年展，這次他獨挑大梁展出《袁廣鳴：日常戰爭》，身邊還多了太太與女兒。連他也沒想到，雙年展竟見證了生命與創作歷程的轉換。「成家之前，我的創作議題偏向個人自身的探討，而這一次關心跟探討的事情又更大更深。」

「假」的日常演習，到「真」的日常戰爭

《袁廣鳴：日常戰爭》展出5件錄像、1件動力裝置、1件素描作品，作品呈現了防空演習、公民不服從運動、居家襲擊，更探討後資本主義、網路攻擊、氣候異常及族群紛爭等議題。內容不僅關於台灣，更是世界的不安、焦慮與現實寫照。

隨著近年烏俄戰爭、以哈衝突等國際政治動盪，不難聯想是否意有所指？事實並非如此，此次計畫早於2019年末成形並定名《日常戰爭》，名字源自此次亦展出的作品《日常演習》，雖拍攝「假」的戰爭演習，但他當時有感世界局勢與台灣狀況正朝向「很壞的」方向，日常演習會成為「真」的日常戰爭。

原計畫舉辦個展的袁廣鳴，因接到臺北市立美術館邀約而參加威尼斯雙年展，也因此有策展人、舊金山亞洲藝術博物館的當代藝術主管和資深策展人陳暢（Abby Chen）的加入，讓這次展出「不只是一個袁廣鳴個展」。陳暢首先提出展場不要太暗、要有椅子等家居式家具，讓袁廣鳴聯想到可以展出有以客廳為場景的《棲居如詩》，並把2018年個展時《向光》的白色椅子搬來，還加入餐桌動力裝置《預言》。

而從藝術家的角度，新作必然是放在展場最醒目處，原本袁廣鳴規劃入口為正反兩面大螢幕，正面播《日常戰爭》、反面為《扁平世界》，但陳暢建議輪播《日常演習》和拍攝太陽花學運的《佔領第561小時》，一來《日常演習》的警報聲可以讓觀眾在步入展場前就聽到，營造展題的不安氛圍；二來《佔領第561小時》是此次唯一有人的影像，即便展覽沉重，但至少有那麼一件作品，傳遞人的溫度，且人有辦法憑自己的力量做出改變。

爆炸是毀滅與重建的一體兩面

此次帶來的兩件新作，正好窺見了袁廣鳴熟悉與嶄新的創作脈絡。《日常戰爭》在頂樓工作室打造1比1實景，呈現中產階級房間中發生的一場襲擊。爆炸在袁廣鳴的作品中並不少見，前作就有《棲居如詩》描述客廳午後莫名其妙爆炸、《明日樂園》炸毀形似迪士尼樂園的城堡。

他說《日常戰爭》是他決定做的「最後一次爆炸」，過去爆炸鏡頭皆固定不動，這次想開發單軸運動手臂，既然攝影機要運動，就得採實景拍攝，否則模型容易穿幫。再加上創作前就打定主意，要全部由自己完成，剛好也辦了研究休假，想要享受創作的快樂。既然全部要自己來，實景較好掌握，測試途中道具要是壞了，就再買一個一模一樣的即可。

至今採用了3次爆炸，不禁好奇他何以情有獨鍾？「會爆炸肯定和脆弱有關，也因為脆弱才會體現爆炸的威力。」相較於《日常戰爭》的爆炸明顯指向戰爭，《棲居如詩》則沒有政治象徵，可以是家庭主婦想把家炸毀的怨恨、地震摧毀家園的無情⋯⋯，不論哪種詮釋，都指向「家並不穩固」的概念。

他也說，「爆炸有毀滅和重建的意思，所以我使用到爆炸，一定都會用無縫循環（loop），讓爆炸有點像在夢裡面，可是又很真實。」若仔細觀看《日常戰爭》，會發現背景音是遊戲主在直播戰爭遊戲，影像裡的爆炸時而和聲音同步時而不同步，產生現實與夢境的游離，到底是現實還是遊戲場景？或許創作者本人也如遊戲主一般，嘻嘻哈哈地旁觀他人痛苦。

當代世界失去了距離來認識世界

另一件新作《扁平世界》以Google全球街景資料庫（Google Street View）將100個國家類似景貌的街景串接，製成10分鐘的「新公路電影」。每段影像皆由台灣開頭，再連接至世界各地，顯示在全球化、數位化的網路時代裡，世界竟是一個極度相似的「扁平世界」。

袁廣鳴從求學、任教到藝術創作，一直在處理技術與藝術的關係，也一直想著要做一件碰觸這個議題的作品。2006年他曾在台北當代藝術館策展《慢Slowtech》，內容是關於媒體及科技之中針對速度的「提問」或「反問」。「當代最主要的特徵就是速度，科技讓速度變快、生活變快，但我們卻失去了距離來認識世界。」他以米蘭．昆德拉的小說為例，當一 個人握上方向盤、踩下油門，在車子的狂駛速度中，身體就被拋棄了；反之在跑步時卻能深刻感受到身體。

套用至《扁平世界》，100個國家在10分鐘倏忽閃過，身體根本沒去過的國度，好似已經去過，漫漫網海資訊無垠，在家真能知曉天下事，「速度把距離刪除了，也把身體刪除了，但我們的古老身體其實是對於認識世界滿重要的一環。」他知道科技不會停止也並非反對進步，「對於所有的新媒體，只有以反身自省或批判的方式，才比較能進入新媒體的本質。」

不過，和爆炸無關的《扁平世界》也採用了無縫循環，袁廣鳴說，無縫循環是他很喜歡的播映方式。他在大一曾有電影夢，大二發現電影是工業後隨即幻滅，「轉向錄像後，做的很多事情都是在抵抗電影。不是說電影不好，而是動態影像是不是還有更多可能的實驗？」大學暑假曾一口氣看了450部電影系必看經典電影，他發現不論電影或錄像，如今的經典都是當初的前衛，因此要做正是抵抗現在的經典，才有可能突破。

無縫循環即是跳脫傳統觀影體驗，要從哪個時間點開始觀看，想看很多遍或看個幾秒就走，都是自由的。他坦言，台灣館入口大螢幕輪播《日常演習》和《佔領第561小時》，類似電影院輪播的感覺起初他相當抗拒，本想在兩部片中間夾雜10秒閃光，但怕對觀眾造成干擾，最後接受了策展人的說服。

越幸福就越脆弱

想來好奇，如今已成家的袁廣鳴，談起家庭總笑容不斷，為何反而不斷在作品傳遞出家的脆弱與不穩定？他談起2007年突然動念拍攝父親，創作《逝去中的風景－經過》，兩年後父親過世了，而也就在同年的4個月前，他迎來女兒出生。

「生和死每個人都會遇到，只不過我比較倒楣短時間湊在一起。越幸福的時候，其實會越擔心，因為我知道幸福其實是脆弱的。」這個心境或許在最初命名作品就已明瞭，「它不是逝去的風景，而是逝去『中』的風景。幸福來的時候，我們當然想慢慢地掌握，但這是不可能的，你就是眼睜睜看著它慢慢逝去。」

身為外省二代，袁廣鳴從小父母離異，父親走了之後台灣就無親人。還好他結婚了，沒那麼孤單，不過太太是日本人、又住在廢墟改造的家，整修時看著遺留的物件，想像這戶人家以前最輝煌的樣子，不斷往返跳躍的時間線全部湧現，「對家的感觸很多，越幸福，就越脆弱。」但越脆弱，也越證明了幸福的得來不易，儘管無法停留於線性時間軸，卻可以定格在影像藝術，成為存在的提醒。

同場加映：不可錯過的5個國家館！

澳洲館《kith and kin》

威尼斯雙年展最高榮譽金獅獎，本屆雙雙獎落南半球原住民藝術家，主題館由4位紐西蘭毛利女性藝術家組成的Mataaho Collective奪下，國家館則頒給澳洲館。

黑白構成的靜謐展間是哀悼場所，中間水池平台上放置一落落澳洲原住民遭迫害的檔案。藝術家Archie Moore爬梳超過65,000年的家族親屬關係，用粉筆在四周牆面與天花板寫滿族譜，幽微傳遞原住民受迫害的歷史，同時印證不同族群的人類血親是如何彼此聯繫。評審團提及，族譜名字多達上千位，也提供了恢復原住民歷史的一絲可能。

盧森堡館《A Comparative Dialogue Act》 

通常人們的看展預期，都是要欣賞一檔「已完成」的展覽，但盧森堡館的展出，開幕後才正要開始。由音樂人暨藝術家Andrea Mancini、藝術團隊Every Island聯手策劃，展館為一座鋼製舞台，數場駐地表演將接連登場。

貫串演出的元素為「聲音」，且僅以聲音作為溝通媒介，每次藝術家在舞台上留下的聲音，均會交給下一位登場者改編運用。展場既是表演場域，亦是藝術家的工作現場，也引人思考個人創作與集體協作間的辯證。

波蘭館《Repeat after Me II》

烏俄戰爭爆發後，不少藝術家以創作回應或表述立場，波蘭館卻選擇了一個另類形式——卡拉OK。現場不會聽到流行音樂，而是槍聲、導彈、嚎叫和爆炸，致命槍械的描述也成了歌詞。

波蘭館參展藝術團體Open Group，由6位烏克蘭藝術家組成，作品分別拍攝於2022、2024年，讓戰爭目擊者試圖重現武器聲音等「戰爭配樂」。這些聲音既是創傷延續與擴大的證明，更是戰火下的新語言，烏克蘭人得具備辨認這些聲音的能力才能生存。 

馬爾他館《I WILL FOLLOW THE SHIP》

古老文明遇上最新AI科技將會如何？首位單獨代表馬爾他館的藝術家Matthew Attard，創作契機源於「還願供品」（ex-voto）的船隻塗鴉歷史圖像，這些圖像廣泛出現於馬爾他教堂外牆，據說是船員為求庇蔭所繪。

展名的「I」（我）在英文讀音與「eye」（眼睛）相同，他以現代眼動儀器作為繪圖工具，並和古老船隻圖像對比；現場亦有QR Code，觀眾可以掃描繪製自己的地圖。透過科技工具航行於資訊大海，相比古老技術甚至信仰，是更精準或迷航？ 

羅馬尼亞館《WHAT WORK IS》 

探討工作意義的展名，想必又是關於勞動議題的沉重內容？實際走進羅馬尼亞館，40幅繪畫與數個馬賽克建築模型，幽暗色調本以為如腦中所想，細看才發現畫中人物都在工作中打盹、打牌— 這不是工作場景，而是休息景象。

由羅馬尼亞藝術家erban Savu聯手比利時布魯塞爾設計工作室Atelier Brenda，在這些偏離傳統社會主義勞動敘事的作品中，爬梳工作與休閒的曖昧關係。儘管展名探問「工作是什麼？」或許種種作品指向的是另一種可能：工作也可以不是什麼。 

_{文｜張以潔
攝影｜Matteo de Mayda、Marco Zorzanello、Andrea Avezzù
圖片提供｜臺北市立美術館、La Biennale di Venezia} 

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