深入北美館《溺浮沉洄:許雨仁回顧展》!4個生命階段 X 12個創作關鍵字,認識用「水墨」抒懷的思想家

北美館《溺浮沉洄:許雨仁回顧展》

臺北市立美術館(北美館)現正展出《溺浮沉洄:許雨仁回顧展》,呈現台灣藝術家許雨仁1970年代至今橫跨50餘年的創作,超過300件展品涵蓋各時期的水墨、油畫、複合媒材、書畫作品,以及極少曝光的手稿、速寫與筆記,引人走進其繪畫發展的歷程,看見他充滿哲思的創作思考。

創作是發掘「真實我」、發展「個性我」的活動

談及藝術創作的意義,許雨仁說:「對我來說,創作的目的不在於畫技演練。而是在自由、解放的前提下,發掘『真實我』,發展『個性我』的一種原創活動;是一種建築結構狀態,或是一種內在生命能量的精神旅程。」回顧他從1970年代至今的創作,的確如此。

北美館《溺浮沉洄:許雨仁回顧展》
《溺浮沉洄:許雨仁回顧展》展覽現場。(圖片提供:臺北市立美術館)

許雨仁以水墨畫聞名,作畫50年來從不設色到引入色彩,不變的是持續開創「筆墨表現」手法、探究藝術原創性的精神。對他來說,筆法的開創不只是技藝的進步,也乘載了生命各階段對自己留下的影響,比如兒時祖母說話常用疊字,化為他畫中與圖像對話的韻文;大學時師從李仲生,打開他對創作思考的深究;八二三砲戰時赴金門當兵,促使他思考生命議題;2000年後到花蓮臨海的工作室創作,開啟他畫山海景觀、宇宙星體的新視野。

北美館《溺浮沉洄:許雨仁回顧展》
許雨仁。(圖片提供:臺北市立美術館)

4個階段 X 12個關鍵字 X 5個年份,回顧許雨仁的創作生涯

01/在學時

#李仲生 #創作思考 #原創性

從許雨仁的作品當中,可以明顯看見人生各個階段對他造成的影響。1970年代,許雨仁離開家鄉台南佳里,到國立臺灣藝術專科學校(今臺藝大)修讀國畫,求學時期他就執意走出屬於自己的路,拜啟發「東方畫會」成立的台灣現代藝術先驅李仲生為師。

北美館《溺浮沉洄:許雨仁回顧展》
許雨仁,《沒形的》,1973,墨、報紙,26.5×38.5 公分,藝術家自藏。(圖片提供:臺北市立美術館)

這段學藝時光對許雨仁來說不只是畫技的磨練,更重要的是「創作思考」的啟蒙,他深受自動性素描書寫的啟發,開始思考何謂藝術的「原創性」,也思索自身創作脈絡的發展。

北美館《溺浮沉洄:許雨仁回顧展》
許雨仁,《阿嬤的衫》,1974,水性顏料、蠟筆、墨、報紙,51.3×38.2公分,藝術家自藏。(圖片提供:臺北市立美術館)
北美館《溺浮沉洄:許雨仁回顧展》
許雨仁,《老師給我的分數》,1981、2000重製,墨、報紙,415×288公分,藝術家自藏。(圖片提供:臺北市立美術館)

02/當兵時

#金門 #戰爭 #生命

大學畢業後,許雨仁在1975年至1978年間赴金門服兵役,那時正值八二三砲戰共軍採「單打雙不打」的砲擊期間,促使他開始關注生命存有的議題。

北美館《溺浮沉洄:許雨仁回顧展》
許雨仁,《我在自然和宇宙間玩-1》,1975,廣告顏料、蠟筆、水彩、墨、紙,79.5×110公分,私人收藏。(圖片提供:臺北市立美術館)

03/初出社會時

#紐約 #文化衝擊 #隨筆速寫

隨後他於1979年在美國新聞處(臺北美國文化中心)舉辦個展,並在接下來的十年展開往返台灣、美國的生活,忙於生計的同時,他也持續以筆記、速寫,紀錄對生活與創作的觀察和想法,內容充滿自省和自我詰問;在紐約藝術與文化的衝擊下,更進一步展開對自我文化定位的探索。

北美館《溺浮沉洄:許雨仁回顧展》
許雨仁,《NY Building》,1980,代針筆、紙, 25.8×17.5公分,藝術家自藏。(圖片提供:臺北市立美術館)
北美館《溺浮沉洄:許雨仁回顧展》
許雨仁,《自畫像》,1982,墨、報紙,59×72公分。藝術家自藏。(圖片提供:臺北市立美術館)

04/返鄉後的35

#筆法開創 #個人風格 #生命哲思

1989年,許雨仁回到台灣定居,將藝術實踐回歸家園,開展極具個人風格的藝術創作。整個1990年代到千禧年後十年,他持續發展水墨、油畫、複合媒材、書畫等類型作品,在東西方藝術的探索之中,對水墨的探究、筆墨表現的開創從未間斷。

北美館《溺浮沉洄:許雨仁回顧展》
許雨仁,《半屏山只剩兩個紅色的春秋閣》,1995,油彩、畫布,97.3×130公分,臺北市立美術館典藏。(圖片提供:臺北市立美術館)
北美館《溺浮沉洄:許雨仁回顧展》
許雨仁,《花與船》,2007,油彩、畫布,300×180公分,私人收藏。(圖片提供:臺北市立美術館)

以下我們以時間為索引,深入了解許雨仁各階段的筆法、畫風和創作心境:

⬭ 1996|以留白與片段風景,重現生命歷程

當年許雨仁首次以水墨作品發表個展,有別於之前油畫濃厚稠密的風格,他的水墨畫用筆清簡、畫面大量留白,將記憶中綿延無盡的自然景致,切割成零星的片段風景,藉此憶寫生命歷程並回應現實的環境變化,並透過紙幅、筆法、空間佈局、題字結構等形式,鬆動傳統筆墨規制,開展當代水墨的嶄新視角。

北美館《溺浮沉洄:許雨仁回顧展》
許雨仁,《堤內的水啊 路上的石啊 田裡的稻啊 山上的樹啊》,1996,墨、紙,104×73.4公分,臺北市立美術館典藏。(圖片提供:臺北市立美術館)

⬭ 2000|落地花蓮,在臨海之境探索自然和宇宙

延續對於人類與自然的敘事與思辨,許雨仁到花蓮臨海的工作室後,綻放另一番風貌,他以直式水墨畫的畫幅創作,開創表現山海景觀、涵納宇宙星體的《海洋書畫》系列作品,進一步表現細膩的造景寫意。

北美館《溺浮沉洄:許雨仁回顧展》
許雨仁,《墨墨水水 代代斷斷 水水墨墨山瀑著水 水瀑著山 石離開山 土離開山 石石滾滾 土土流流 滾滾石石 流流土土 流出了自然 在殘山裡 在流土石裡 找到了自己和自然》,2004,墨、紙, 180×70 公分,私人收藏。(圖片提供:臺北市立美術館)

⬭ 2006|筆法大突破,強調「線條的留白」

前往中國北京駐村近兩年,許雨仁發展與傳統山水畫密切對話的《細筆》系列——從「空間」的留白推展至「線條」的留白,並開創極具獨創性的「細筆斷續線」筆法,這個轉變既是筆法的開創,也是許雨仁對於留白觀念的實踐;也在此時,他發展了講究落筆快速、捕捉直覺意象的《粗筆》系列。

北美館《溺浮沉洄:許雨仁回顧展》
許雨仁,《粗筆系列之一一二》,2022,紙、墨, 136×73公分。(圖片提供:臺北市立美術館、采泥藝術)

⬭ 2010|引入色彩,融合多樣媒材

許雨仁一直以「不設色」的方式建構自己的筆墨世界,不過大約在2010年,他的水墨畫迎來色彩的加入。延續藝術家面對媒材不設限的態度,他將水墨、壓克力、油畫顏料交織使用於作品中,以當代的觀點執筆持墨,創新的同時也找尋與傳統的共鳴,探索不同媒材與載體的融合。

北美館《溺浮沉洄:許雨仁回顧展》
許雨仁,《彩墨系列之四十三》,2013,彩墨、紙, 137.5×69.5 公分,私人收藏。(圖片提供:臺北市立美術館)

透過《彩墨》、《彩筆》、《豆腐板》系列作品,及發表於20072008年的數件油畫,我們得以看見許雨仁用色的自由,並藉此領略他所體會:「我們對世界的觀看,是先看到色塊,再看到形象、輪廓。先透過顏色感受,接著才去辨識、分析。」

北美館《溺浮沉洄:許雨仁回顧展》
許雨仁,《豆腐板書畫系列之四》,2015,豆腐板(木板)、壓克力、墨, 40×29×5公分。(圖片提供:臺北市立美術館)

⬭ 2020s|似書亦畫,表達對生命的感懷

近幾年,許雨仁以「慢然鬆生」的心境為創作之道,其中長達近26公尺的橫幅作品〈小島尾尾浪‧波的書焦墨寫〉,藉由筆刷行走的墨色濃淡,混融、鋪陳出「似書亦畫」的視覺意象,體現潛意識般的情感深意,映照著關於生命悠悠的詩篇。 

北美館《溺浮沉洄:許雨仁回顧展》
(圖片提供:臺北市立美術館)

「文字」也是許雨仁作品中風格獨具的存在,其作品經常見由疊字、短句構成的詞句,可以與圖像形成既記敘又互補的對應關係,有時候甚至成為作品的標題。原來在他的耳語記憶中,童年時祖母常用「疊字」描述生活中的事物,因此他透過文字層疊轉化語意,以隨筆或格言般的韻文,用圖像結合文字的韻律,表現自己對生命的感懷。

北美館《溺浮沉洄:許雨仁回顧展》
許雨仁,《書墨系列之十三》,2017,墨、紙,52×233公分。(圖片提供:臺北市立美術館)

走進《溺浮沉洄:許雨仁回顧展》,得以看見藝術家不停探究繪畫的各種表現,在原創的景致中,傳遞個人對於自然土地及生命境遇的哲思。

「慢然鬆生」等子題名稱,來自藝術家隨寫詞句

《溺浮沉洄:許雨仁回顧展》由北美館策展人廖春鈴、林宣君策劃,展覽標題以有關水的動態意象——溺、浮、沉、洄——命名,傳達許雨仁沈浸於創作中深究藝術的本質,映現藝術家泅泳於人生經歷的浮沉復返間,仍堅持創作的精神。

北美館《溺浮沉洄:許雨仁回顧展》
《溺浮沉洄:許雨仁回顧展》展覽現場。(圖片提供:臺北市立美術館)

展覽7個子題的命名也饒富巧思,各摘自許雨仁不同時期的筆記詞句、作品標題,包含:「從佳里到台北,從台北到紐約」、「雄山大水,誰知多少?」、「立在石堆裡的自畫像」、「不盡的山山水水石石」、「點、生出了斷點斷線」、「墨墨純純,色色生生」及「慢然鬆生」,試圖貼近藝術家的視角與心境,提點出其創作歷程及各階段的發展與突破,呈現許雨仁既是探索藝術、也是思辨人生的波動痕跡。

北美館《溺浮沉洄:許雨仁回顧展》
《溺浮沉洄:許雨仁回顧展》展覽現場。(圖片提供:臺北市立美術館)

許雨仁帶你逛《溺浮沉洄》、探索畫筆的可能

想要更了解許雨仁的藝術和生命是如何交互影響,不妨參與629日由藝術家本人、藝術研究者張芳薇主持的展覽漫遊,發掘藝術家筆下蘊藏的原創性和生命故事。若想汲取許雨仁開創筆法的經驗,則可參加810日的藝術家工作坊,他將引導大家探索畫筆的各種可能。

北美館《溺浮沉洄:許雨仁回顧展》
《溺浮沉洄:許雨仁回顧展》主視覺。(圖片提供:臺北市立美術館)

溺浮沉洄:許雨仁回顧展 HSU Yu-Jen: A Retrospective

展期|2024.05.1809.08

地點|臺北市立美術館二樓 2A&2B

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舊金山現代藝術博物館(San Francisco Museum of Modern Art,簡稱SFMOMA)成立於1935年,是美國西岸首座聚焦現代與當代藝術的博物館。其擁有豐富館藏與精彩的展覽規劃,是到灣區旅遊時不可錯過的藝文景點之一。

最初,博物館設立於舊金山戰爭紀念退伍軍人大樓的其中一層,而後逐漸擴張,並成立60週年之際(1995年),遷入由瑞士建築師Mario Botta所設計的全新建築,正式擁有自己專屬的據點。至今,SFMOMA收藏超過50,000件藝術品,涵蓋繪畫、雕塑、攝影、建築設計與新媒體藝術等,致力透過展覽和公共計畫連結藝術與社會,成為舊金山灣區的重要文化中心。

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(圖片來源:Snøhetta)

Snøhetta負責翻新擴建

Mario Botta打造的這棟五層樓建築,在2016年交由Snøhetta進行翻新與擴建,保留既有的階梯式磚砌立面、頂部高聳的圓柱形塔樓和圓形天窗等,根據博物館藏品量身規劃展間,消除視覺混亂並保留空間簡潔。翻新後,博物館內部展示空間增加了近三倍,免費開放的空間也大幅增加,活動與展覽參觀人數也顯著成長,促進市民參與藝文發展。

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(圖片來源:Snøhetta)
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(圖片來源:Snøhetta)

SFMOMA必看當期展覽

▸ Afterimages: Echoes of the 1960s from the Fisher and SFMOMA Collections

展期|常設展

本展探討1960年代的文化浪潮與藝術運動如何持續影響當代藝術。1960年代的藝術運動與彼時社會、政治與科技的快速發展密切相關,展覽從普普藝術、概念藝術、極簡主義等子展區切入,展出包括Felix Gonzalez-Torres、Kerry James Marshall、Jenny Holzer、Andy Warhol,以及館藏最新收錄的Virginia Jaramillo、William T. Williams、Charlotte Posenenske等藝術家。

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(攝影:Lucinda Chen)
探索SFMOMA舊金山現代藝術博物館!由Snøhetta擴建翻新,集結草間彌生、安迪沃荷等經典作品
(圖片來源:SFMOMA)

▸ Yayoi Kusama: Aspiring to Pumpkin’s Love, the Love in My Heart

展期|2023年9月16日至2025年秋季

作為草間彌生長期以來的標誌性符號,南瓜自1940 年代便出現在她的繪畫、雕塑、裝置藝術與詩歌中;而象徵「自我消融」的圓點圖案,則是一種與宇宙合而為一的過程。這件南瓜雕塑為草間彌生近期的創作之一,為一顆龐大的五莖南瓜,呈現藝術家對於和平與喜悅的嚮往。

探索SFMOMA舊金山現代藝術博物館!由Snøhetta擴建翻新,集結草間彌生、安迪沃荷等經典作品
(圖片來源:SFMOMA)

▸ Yayoi Kusama: Dreaming of Earth’s Sphericity, I Would Offer My Love

2024年6月22日至2025年秋季

SFMOMA展出的另一件草間彌生作品,帶領觀眾進入藝術家萬花筒般的世界。這件沉浸式裝置以多彩光線宇宙為主題,表面鑲嵌大型透明壓克力圓點,內部則透過彩色窗戶的折射光線,營造出動態變化的重疊圓形圖案,搭配鏡面材質使整個空間呈現持續變化的視覺效果。

探索SFMOMA舊金山現代藝術博物館!由Snøhetta擴建翻新,集結草間彌生、安迪沃荷等經典作品
(攝影:Lucinda Chen)
探索SFMOMA舊金山現代藝術博物館!由Snøhetta擴建翻新,集結草間彌生、安迪沃荷等經典作品
(圖片來源:SFMOMA)

▸ Olafur Eliasson: One-way colour tunnel

展期|常設展

冰島-丹麥藝術家Olafur Eliasson作品,其為一座由三角形玻璃與壓克力面板組成的拱形隧道,位於SFMOMA最上層,橫跨建築中央的圓形挖空區域。當觀眾穿越其中時,色彩會不斷變化,帶來流動的視覺體驗。藝術家希望藉由此裝置邀請觀眾重新思考自身與周圍環境的關係:「花時間去感受空間,無論是在博物館內,或是外部世界。」

探索SFMOMA舊金山現代藝術博物館!由Snøhetta擴建翻新,集結草間彌生、安迪沃荷等經典作品
(攝影:Lucinda Chen)
探索SFMOMA舊金山現代藝術博物館!由Snøhetta擴建翻新,集結草間彌生、安迪沃荷等經典作品
(圖片來源:SFMOMA)

▸ Ragnar Kjartansson: The Visitors

展期|2022年11月5日至2025年9月28日

冰島藝術家Ragnar Kjartansson的影像裝置作品,以九個同步播放的螢幕,呈現一場沉浸式的音樂體驗。影片拍攝於紐約上州Rokeby,由藝術家本人與他的音樂家朋友們分別身處不同房間,透過各自的樂器與聲音,合奏出一首動人的歌曲。每個房間的場景與聲音彼此獨立,卻又在音樂中交織成一體,形成獨特的合奏效果。

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(圖片來源:SFMOMA)
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(圖片來源:SFMOMA)

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大阪世博「法國館」揭開法式生活藝術的養成之道!LV、Dior都參展,交織時尚工藝的自然劇場

大阪世博法國館

說到法國,你最先想到什麼?是浪漫,或是時尚?以上兩者都被巧妙融入2025大阪世博「法國館」當中!

法國館以「愛的頌歌」為題呈獻一座「自然劇場」,外觀如劇院舞台的場館內暗藏著蜿蜒廊道,揭開法國在藝文、時尚、科技等領域的精湛技藝,屋頂花園則重現法國自然風光,鼓勵人們與大自然建立聯繫。此外,由LVMH策劃的時尚內容亦值得關注,集團旗下時裝屋Louis VuittonDiorCeline及珠寶世家Chaumet,都將以工藝為切角,帶來結合日本文化與自然元素結合的展覽。

大阪世博法國館
2025大阪世博法國館。(圖片來源:Coldefy、CRA-Carlo Ratti Associati)

發想自日本紅線傳說的「愛」之敘事

日本流傳著「命運紅線」的傳說,意指命運註定被牽絆的兩個人,會透過小拇指上一條看不見卻堅韌、彷彿被施以魔法的紅線相互聯繫著。法國館浪漫地以紅線傳說延伸出「愛的頌歌」主題,讓愛的3種形式——「愛自己」、「愛他人」及「愛自然」——貫穿展館建築及展覽內容,講述法國在藝術文化、科技等領域的精湛技藝(savoir-faire),如何成就法式生活風尚;同時將法國自然地貌融入展館,揭示人類在生活中與自然連結的重要性。

大阪世博法國館
(圖片來源:Coldefy、CRA-Carlo Ratti Associati)

連結人類與非人類世界的「自然劇場」

法國館的位置非常理想,面向大阪世博主入口,訪客一出地鐵站遠遠就能看到。場館由法國、義大利建築及設計團隊ColdefyCRA-Carlo Ratti Associati攜手,以「自然劇場」(Theatrum Naturae)為概念,打造一處人類與自然共生的棲地,詮釋設計連結人類與非人類世界的力量,鼓勵觀眾重新發現與大自然之間的連結。

大阪世博法國館
(圖片來源:Coldefy、CRA-Carlo Ratti Associati)

來到法國館入口,迎面的是富現代感、向外開放的立面,正面像是一座面向公眾的劇院舞台,側面則完全被覆蓋,為後續「好戲」保留神秘感,吸引訪客入內一探究竟。場館路徑先引領訪客沿著蜿蜒樓梯向上,漫步觀景陽台般視野開闊的環形步道觀展,最後抵達屋頂花園,再緩緩步行返回地面。

大阪世博法國館
(圖片來源:Coldefy、CRA-Carlo Ratti Associati)
大阪世博法國館
(圖片來源:Coldefy、CRA-Carlo Ratti Associati)

屋頂花園,人類與自然共生的棲地

屋頂花園是法國館的一大亮點,這是一座歡迎所有生物棲息的樂園,景觀重現法國不同地區、從高山到海岸的自然風光,提醒人們時刻與自然保持聯繫。此外,完全被植物覆蓋的屋頂自成微氣候,能在炎熱夏日有效為場館內部降溫,有助於減少可能產生的城市熱島效應。

大阪世博法國館
(圖片來源:Coldefy、CRA-Carlo Ratti Associati)

深入探究法式工藝!LV、Dior、Celine、Chaumet齊聚法國館

雖法國館內容涵蓋藝術、文化、科技、生態等領域,但說到法國,怎能不提時尚?繼擔任2024巴黎奧運主要贊助商後,LVMH集團再度參與國家盛事,其旗下時裝屋、珠寶世家等都將呈獻精彩內容:Louis VuittonDior將策劃常設展(4/1310/13),CelineChaumet帶來快閃展覽(4/135/12),展現深厚的硬箱、時裝及珠寶工藝底蘊,呼應法國館展現法式精湛技藝(savoir-faire)的精神。以下帶看各展覽亮點:

▍Louis Vuitton,穿越時空的硬箱圖書館

2024年底開幕的紐約臨時旗艦店,Louis Vuitton再度與來自OMA的日本建築師重松象平(Shohei Shigematsu)合作,構思一場以「硬箱圖書館」為亮點的展覽。現場將集結85Louis Vuitton具代表性的硬箱作品,及日本新媒體藝術家真鍋大度(Daito Manabe)創作、畫面如夢幻晶洞的錄像裝置,展現品牌引以為傲的硬箱製作工藝;聲音場景也毫不馬虎,由法國媒體聲音研究中心(IRCAM)特別設計。

大阪世博法國館
(圖片來源:LVMH)
大阪世博法國館
非大阪世博展覽現場,僅示意。上圖左為Louis Vuitton曼谷概念店「LV The Place」的行李箱隧道;右為2022年於洛杉磯舉辦的《200 個旅行箱,200 位夢想家》展覽。(圖片來源:Louis Vuitton)

▍Dior,時裝到香氛、歷久彌新的法式優雅

展覽以呼應法國國旗藍、白、紅三色的經典「Dior Bar Jacket」揭開序幕,這款源自1947年的設計藉束腰剪裁凸顯女性身體線條,在二戰後掀起「New Look」時尚革命,傳承至今也由歷任創意總監延伸出多代版本。

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展覽以呼應法國國旗藍、白、紅三色的經典「Dior Bar Jacket」揭開序幕。(圖片來源:LVMH)

緊接時裝的是Dior香氛作品,Miss DiorJ’adore等名作一字排開,將與日本設計師吉岡德仁、攝影師高木由利子之作,一同在法國佈景設計大師Nathalie Crinière打造的佈景中閃耀光芒。

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非大阪世博展覽現場,僅示意。上圖為Dior 2024年於東京舉辦的《Miss Dior: Stories of a Miss》展覽。(圖片來源:Dior)

▍Celine,串連巴黎意象與日本傳統工藝

Celine從日本「漆器」(Urushi)切入,將其與自家經典標誌「Triomphe」串連,展現品牌與日本文化及工藝知識間的連結;現場也將展出視覺藝術家中村壯志(Soshi Nakamura)及致力推廣漆器工藝的「彦十蒔絵」之作

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Kaia Gerber與Danielle演繹Celine「Triomphe」包款。(圖片來源:Celine)

開展之前,先來認識「Triomphe」的有趣出身!故事得從1970年代說起,當時品牌創辦人Céline Vipiana的車子在巴黎凱旋門附近拋錨,等待支援時她意外發現圍繞凱旋門的鎖鏈是由雙C組成,恰巧呼應自家品牌,於是以鎖鏈為靈感設計出「Blazon Chaîne」圖樣;時間來到2018年,Hedi Slimane擔任品牌創意總監時為這經典圖樣取了新名「Triomphe」,並推出同名方包,風靡一時。究竟Celine會如何將「Triomphe」與漆器結合?令人期待。

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Celine「Triomphe」標誌靈感來自凱旋門的鎖鏈。(圖片來源:Celine)

▍Chaumet,以「蜂巢」為題的珠寶工藝饗宴

擁有兩百多年歷史、擅於將大自然之美轉譯為珠寶的Chaumet,將以自家最具代表性的「蜂巢」標誌為題,展現精湛珠寶工藝。為什麼是蜂巢?在拿破崙時代,Chaumet曾是皇家御用珠寶商,而蜜蜂是當時的皇室標誌之一,象徵著權力、忠誠與豐饒;蜂巢則蘊藏大自然的豐沛生命力,其六角形結構和繁複幾何線條不僅為珠寶造型注入無限靈感,也巧妙呼應著法國的國土輪廓,自那時起蜜蜂及蜂巢元素便常見於Chaumet的珠寶作品中,品牌備受歡迎的「Bee de Chaumet」系列即是以蜂巢為意象打造。

大阪世博法國館
Chaumet「Bee de Chaumet」珠寶系列作品。(圖片來源:Chaumet)
大阪世博法國館
Chaumet「Bee de Chaumet」珠寶系列作品。(圖片來源:Chaumet)

2025大阪世博「法國館」

展期|2025年4月13日至10月13日

更多資訊可至法國館官網查詢