4月，桃園市兒童美術館（以下簡稱桃兒美館）正式營運，並帶來開館首檔展覽《探險未來！》。La Vie特邀資深看展父子檔——新媒體藝術家王宗欣及宙宙，一同穿梭這座「景觀化的建築、遊樂化的展館」，揭開其中的設計巧思，探索也探討美術館究竟能怎麼「玩」？

如果人有精力值血條，宙宙絕對是那種生來即滿血的玩家。

只要有空，王宗欣就會帶兒子出去放放電，而因為「職業病」加上在業界的好人緣，兩人最常有的行程就是一同走逛大小展覽。

看展之外，王宗欣也喜歡看兒子和世界的互動，近年親身跨足兒少領域的策展後，宙宙更是成為他最貼近的研究受眾。他發現，隨著孩子的生活經驗一天天豐富，有趣的行為也越來越多，「他有自己的規則，也會腦補很多情境，譬如在路上走磁磚，就會故意不走黑色只能走白色，說黑色是岩漿——尤其在美術館這種開放空間時，這件事會更明顯，很像他有一副自己的AR眼鏡，帶著它在看和體驗一切。」

然而，即便宙宙很能自得其樂，這種遊戲模式的開啟多少還是有前提的，除了硬體規劃上足夠開放的空間、流暢且不制式的動線，王宗欣認為更核心的，是策展內容背後的思維。

「有些展覽太想要教會小朋友什麼，那種填壓的狀態其實對他們來說是有負擔的。一些我們理解過比較好玩、宙宙也比較有感的展覽，往往具有某種創造性，不是以上對下，或『我想要教你什麼』的姿態，反而是跟小孩拉到一個平行的視野，讓他們能自己決定場域裡所有物件的遊玩方式，碰到混齡的狀況時，大家也可以一起討論出一個遊戲規則。」意即所謂「free play」（自由遊戲）的精神，也如同宙宙玩Switch時最愛的「沙盒遊戲」（sandbox game）。 

這次，初來到桃兒美館，父子倆完整走了一圈戶外綠地、總樓地板2,180 坪的室內及觀景平台，和蜿蜒3個層次的山丘坡道，宙宙沿路探險，王宗欣則沿路蒐集令他驚艷的細節巧思：全館上下符合孩童步伐高度的無障礙樓梯、視點高度都落在90～100公分的展品（常規的展覽約為140公分）、每行字都確實附註注音的展板說明⋯⋯。

而在分散4層樓的開幕首展《探險未來！》及國際藝術特展《長出一扇門的石頭》中，9件作品均透過互動性高兼具自由度的任務設計，帶領孩子在玩樂的過程中探索桃園在地的人文及地景；此外，展品使用的材料（material）多元，可觸摸的質地亦多樣，唯一禁止碰觸作品的展間「地圖城市」一旁還特別增設了遊戲區，舖掛可觸摸、並實際動手與之互動的毛線編織。

雖然作為「兒童」美術館，打造定位從一開始便很明確，但實際來到一個自己眼中「建築空間、硬體設計全都站在小朋友的視角思考，展覽內容也不偏往學術或流量定位去」的展館，王宗欣仍感到很受鼓舞，尤其他有感這樣的場域在台灣尚不多見。

「目前台灣文本型的展覽還是比較常見，涉及體感體驗的通常會被歸類到有那種公版球池的『親子館』，也有太多是展出只為期1、2週的短期特展——其實台灣有很多很棒的策展人，大家不太會做兒童內容，是因為沒有經驗參照。」同為策展人，王宗欣很期待「這些經驗和方法學可以逐漸被累積和落地，成為一個guideline傳承下去。」而在過程中，像桃兒美館這樣中長期營運的策展單位、空間的存在便顯得尤為重要，如同一座「練功場」，打開孩童和世界的互動，更讓大人練習與孩童溝通。

然而，回到單純的父親身分時，王宗欣其實頗為放手：「反正也沒有說看展覽就一定要學會什麼，但看多了就會是美學與想像的積累。」

於是，每每一起旅行到世界各地的美術館，除了適時提醒要遵守規則，其他王宗欣一律不干涉。他回憶起曾讓宙宙「玩瘋掉」的teamLab Planets，「入場要光腳踩，順著水流上坡，還有一個空間完全是用枕頭鋪起來的，根本走不穩，大人覺得緊張難走，可是對小朋友來說，這個不穩定感是好玩的，反而會比大人走得更輕鬆。」

就像當初宙宙想留長髮時，王宗欣一度也跟著留，讓兒子萬一在外面對側目時能說句「我爸爸也跟我一樣！」但後來，發現宙宙根本是對此毫不在意的「社交王」，他鬆了口氣——孩子總會長出自己應對世界的能力與風格。

宙宙帶路，探險未來！

 我們在森林裡緩緩相遇——跑！跑！大野丘｜劉文琪（1F戶外）

2019年桃園地景藝術節時，曾出現在八德大湳森林公園中的一組兩座大、小山。藝術家製作假山、體驗者追逐假山，引人重新思考人與自然間的關係。頂端停駐著小鳥的大山會循著軌道緩緩移動，內建感應裝置，遇到人時會自動停止。宙宙追山，也追山另一頭的老爸，父子追跑大戰圍繞大自然移動的隨機節奏開打。

 三山三水｜蔡坤霖（1F戶外）

唯一一件在桃兒美館周邊草坪上的作品，曲折的藍色與綠色水管，象徵桃園山的稜線、水文的曲線，水管的末端連接有揚聲器，可以聽到來自桃園三山（拉拉山、虎頭山、東眼山）與三水（石門水庫、桃園大圳、大漢溪）的聲響；同時也可以和站在作品兩側的人互相傳遞話語，但遇上宙宙這樣的瘋狂嘶吼派，王宗欣眼神偏無奈。

指尖小旅行互動區（2F）

三明治形狀的桃兒美館、遍布桃園的圓圓埤塘、硯台般的橫山書法藝術館和扇子形的棒球場，都化身柔軟可觸的毛線地景，還有木頭穿插其中，可以隨心用五顏六色的毛線纏繞、勾連，完整整幅圖景，動手又要用腦，是全館宙宙玩到最捨不得走的一區：「等我再拉完一條線～」王宗欣則驚嘆，原來有時意想不到的簡單媒材就足以讓孩子互動這麼久：「這招我要學起來！」

 種子城市｜三明治工（3F）

散落的抱枕象徵來自菲律賓、印尼、越南、泰國——4大桃園新住民原鄉——的種子，搭配代表台灣的台灣欒樹抱枕枝條，和象徵台灣灰藍色調建築的大小灰色方塊，讓孩子可以自由搭建出一座多元文化城市。

而宙宙走一個自導自演路線，到處蒐集抱枕後讓他們陸續出場：「這個豆子會長出一個豆莢，然後顏色變淺枯掉了，突然暴風雨了⋯⋯我們就多出一個青菜！」顯然處在自己的「AR眼鏡」中。

泡泡好厝邊｜李文政（1F）

本次特展中唯一的電動遊戲機台，以青埔的地景為場景蒐集禮物。不似面對館內其他實體物件，這是宙宙玩得最「規矩」的一個點，一坐上機台就熟門熟路操縱搖桿，平穩地在路徑中穿梭。

這呼應王宗欣最近的有趣發現：「作為Alpha世代，他們對世界認知途徑的建立其實有點反過來，螢幕裡的世界是理所當然，類比的東西反而是未知的未來。所以有時間就拉他離開數位世界去理解其他有趣的事（譬如看展），反而是我想多協助和陪伴他的地方。」

開館展《探險未來！》

桃園市兒童美術館(青埔館) 即日起~09.01 

更多全台兒童美術據點5選

 台北當代藝術館 U12小玩藝空間 
專為12歲以下孩童打造，憑當日門票開放親子入場共同體驗。定期規劃年度主題，設計互動及遊戲裝置，亦規劃不同媒材的手作課程。

 均勻製作 「大展身手做展覽」
2020年發起的「展覽識讀」推廣計畫，透過實作體驗，解構展覽製作流程。7月將在「新竹241藝術空間」舉辦由孩子自己設計主視覺、規劃互動體驗區的當代藝術展《奇形怪狀的日常》。

 國立臺灣美術館 臺灣兒童藝術基地
分為針對4～12歲兒童的展示空間，及針對0～10歲兒童與成人陪伴者的互動體驗區，前者從台灣美術史脈絡中擷取美感教育元素，後者透過規劃遊戲體驗鼓勵兒童用各種方式「找靈感」。

 高雄兒童美術館
國內公立博物館中首座專為兒童設置的美術館，每年輪流更換2～3檔主題展覽，附設標誌性的沙坑區，及多年來每（隔）週舉辦的人氣活動「胖叔叔說故事」。

 南投毓繡美術館「我的美術課在美術館」
由財團法人毓繡文化基金會募集經費的計畫，結合社會資源，邀請中部地區偏鄉的國中、小學生到毓繡美術館，創造許多學童人生初次的美術館參訪，至今已持續8個年頭。 

王宗欣 & 宙宙

王宗欣，1978年生，新媒體藝術家，dosomething studio工作室創辦人暨藝術總監，曾執行三金典禮視覺包裝，擅長將錄像藝術作品跨界融入商業空間，近年亦跨足兒童內容領域策展。宙宙，2016年生，喜歡籃球、玩Switch和平交道號誌燈。兩人常一起畫畫、看展， 在旅行世界各地的展館時探究何謂「好玩」。

_{文｜李尤　攝影｜ RafaelWu} 

更多精彩內容請見 La Vie 2024/6月號《逛美術館的多重視野》

由沿岸制作於2023年發起的品牌「p.n.g.」，帶來的首檔企劃展覽《招牌：》（SIGN: Promotional Narrative Guidance），透過重新定義「招牌」於社會中的角色，以不同面向角度深入探究，逐一拆解招牌在社會長期累積的文化意涵。本展於3月22日至3月30日於 PPP 時尚藝文空間展出。

p.n.g. 為沿岸制作發起之品牌，希冀作為反射生活價值概念的萬花筒，以社會學研究為本的設計品牌，透過對於生態、社會文化、歷史、政治、科技與哲學議題的關注，加以解構與設計轉譯，挑戰人們認知當今社會的想像。而《招牌：》作為p.n.g.的首檔展覽，期盼從自身關注的議題開始，研究梳理而後簡化成大眾可以消化的內容，也期待在未來能夠與更多專業的研究單位合作，一起使關注的議題被看見。

什麼是招牌？

《招牌：》從議題的根本「什麼是招牌？」展開，透過展覽的四個子題切向——「Promotional」、「Narrative」、「Guidance」、「Aesthetic Iteration」，揭示著「招牌作為一種審美價值觀的映照」。而在此次的議題研究中，得以發現招牌的形式與概念逐漸萌芽，建構在「商業活動」的形塑之下，p.n.g.試圖回溯著人類歷史上的「第一個招牌」，透過勾勒出招牌的「前世今生」，描繪招牌在社會中的文化表現，其符號如何建立出共通語言，表述招牌背後的目的並與大眾產生連結。

Promotional／招牌象徵不斷傳達我是誰

展覽第一區「Promotional」，陳述著招牌被視為一種外顯的店家名片，既可以等於品牌本身，更可以透過招牌形體的表現設定，形成一種對外的溝通語言，與社會普遍價值觀進行連結。當招牌在回應「我是誰」的同時，它所指涉的形象本身，也試圖透過各種大聲喧嘩的方式，在社會群體中強調個性、突顯自我。同時，展區藉由三部不同敘事角度的影片：〈台灣招牌的現況〉、〈為什麼會有這樣的招牌？〉、〈我們怎麼認知現在的招牌？〉」詮釋大眾、招牌廣告店家、以及普遍現況的視角論述，提供觀眾不同觀點論述的可能，試圖回應「臺灣招牌從何而來？」。

Narrative ／招牌進行式

展覽第二區「Narrative」，展示著「手繪招牌」、「霓虹燈」、「發光招牌」、「動態招牌」各別呈現的形體，與當下所形構出來的「字體」與「顏色」不同，代表著每個時代反映的價值觀論述，而這些梳理過後的審美結果，完整地融合成我們現今看見的城市街景。《招牌聚落》藝術裝置，乘載我們對於「招牌即為一城市聚落」的想法。聚落（settlement），象徵著人們聚集所形成的所在地，而招牌則是人類社會活動所演進與推動的，我們現今所見的街景，充斥著各種不同的招牌個體，聚集所形成的城市是一個龐大、歷史悠久的聚落，附載著數百年來的人類活動、思考的痕跡。

招牌聚集所形成的城市街景，也正恰好回應著社會、群體與個人之間的交互關係。p.n.g.透過招牌的轉變歷程與系統性的歸類、勘查，釐清不同招牌樣式所產生的緣由與時代背景長遠的影響，於此「臺灣招牌年表」則作為計畫中舉足重要的內容之一，透過相互對照的臺灣／國際歷史與招牌時代演變，成為了每個時間段的連續關係，同時也有著不同程度的斷層存在，臺灣招牌年表作為探究臺灣招牌的一種途徑，提供一個更宏觀、全面的視角使我們建構起招牌與臺灣審美價值觀的年代地層。

Guidance／這是招牌嗎？

展覽第三區「Guidance」，以招牌其中一項意義——指引（Guidance），作為城市中的指引標示，作為店家被大眾認知的載體。然而梳理招牌的歷史脈絡中發現，招牌作為一種城市中的符號象徵，它原始所代表的符徵與形式，在歷經時代變革後逐漸弱化，取而代之的是，當面對社會狀態與科學技術的更替後，延伸變化出的全新樣貌——包括：招牌呈現形式、使用語彙、被認知的意涵，這類型的招牌超越傳統招牌的純指引性功能，轉以另一種意涵的指引為訴求，成ㄊ城市空間或個人經驗的一部分。〈聲音招牌〉則代表著這樣的轉變，以聲音作為招牌符號，透過聲音的震動與傳播，將聲音招牌具象化，那些習以為常的聲音招牌存在於我們的之間，建構起我們對於這些商家的想像與認知。

Aesthetic Iteration／招牌是隨處可見的時代縮影

展覽第四區「Aesthetic Iteration」，透過提問「觀看招牌時所形成的評斷，其背後建構起來複雜、多元、難以分辨的『價值觀體系』是什麼？」展開，以社會學、哲學的論點切入，為一個龐大的疑問提出不同觀點，釐清我們如今所形塑的審美架構與認知從何而來。

城市街景更代表著不同時代的緊密交錯，透過招牌的內容，恰如其分地表達當下時代的脈絡與城市語言，仿佛招牌即是一龐大的岩石地層，以時間序列的方式，縝密地將美學價值觀逐一疊加，成為一種濃縮的美學價值觀。〈街道地層〉全新藝術裝置，即是源於此概念下產生，透過將「地層柱」的概念延伸為審美價值觀的迭代，將「招牌」視為表達當下社會現況的媒介，以各種招牌材質為地層的視覺語彙，剖析招牌地層柱的過程，如同揭示著臺灣招牌歷史的演進，以及社會價值觀、審美觀的累積。

在資本主義與商業模式橫行的社會下，人們其實在無形之中透過選擇購買的商品，來逐漸塑造自己成為某種形象。而這些選擇累積起來，形成個人在社會中的定位與認同。「我們穿上別人以成為自己」，這句話闡述著一種弔詭的矛盾現象——在追求獨特性的過程中，是透過選擇與組合既有的社會符號來建構自我。因此，p.n.g.也特別邀請藝術家陳青琳，透過繪畫的方式，進一步轉譯「我們穿上別人以成為自己」的概念，將街道上的招牌融入「自己」，呈現著所謂的成為自己；而在陳青琳充滿奔放、自由的創作中，我們看見招牌符號融匯社會之中的意象，也在觀看招牌的同時，望見自己。

《招牌：》SIGN: Promotional Narrative Guidance
展覽日期：2025年03月21日（六）～2025年03月30日（日）
展覽時間：週一至週日 10:00-19:00
展覽地點：PPP時尚藝文空間（台北市中山區中山北路二段26巷2號1樓）
參觀資訊：免費參觀

_{資料提供｜p.n.g.、文字整理｜Adela Cheng}

臺北市立美術館兒童藝術教育中心（北美館兒藝中心）於3月22日起，推出全新教育計畫「靜 • 物」。本次計畫以「靜物」為主軸，由館內策展人王瑋婷策劃，展出王亮尹、吳思嶔、走路草農／藝團、邱承宏、張義雄、莫伊塞斯‧巴瑞歐斯、郭柏川、劉啟祥、賴九岑9組藝術家作品，涵蓋繪畫、雕塑、錄像與空間裝置等多元藝術形式，其中更包含多件北美館典藏作品。邀請大小朋友透過藝術重新審視日常物件，開啟對「物」的多重想像與體驗。

「靜物畫」（Still Life）在17世紀荷蘭黃金時代，發展為獨立繪畫類型。當時，隨著經濟繁榮，美食佳餚、異國絲綢、精緻瓷器等成為畫家筆下的熱門題材。然而，靜物畫的歷史可遠溯至古希臘，並在不同時期與地域背景下衍生出多樣的象徵意涵。本展透過「物與物的關係」、「時光定格」與「物的再創造」三個子題，拆解靜物畫的多重面向，引導觀眾探索藝術家如何運用構圖平衡、凝結時間與情感，並轉化日常經驗，讓尋常的靜物在嶄新視角中，展現更多未曾想像的可能。

「物與物的關係」

藝術家透過靜物擺設之間「物與物的關係」，巧妙營造畫面的比例與構圖，不僅成為召喚記憶、激發想像的媒介，也是本展的起始點。前輩藝術家郭柏川的《蘋果與花布》色彩飽滿鮮明，融合後印象派、野獸派的用色及精神，不僅展現對家鄉臺南燦爛陽光的回應，西方油彩顏料與中式宣紙的結合，成為思索東西融合的代表作品；張義雄1950年代的作品《吉他》以強烈的黑色線條勾勒畫面，將吉他、樂譜、花瓶等桌上物件呈現出如剪紙般的拼貼效果，作品反映藝術家當時所承受的生活壓力與內心鬱悶，也展現他對畫面構圖的精心佈局與用色技巧。《香蕉恐龍》來自瓜地馬拉的藝術家莫伊塞斯‧巴瑞歐斯，描繪恐龍在巨大的香蕉上爭吵，隱喻中南美洲長期依賴香蕉為主要經濟出口作物的情況下，未曾止息的權力鬥爭。

「時光定格」

光線在靜物作品中扮演關鍵性的角色，「時光定格」探討其中隱含的時間概念。《最後的願望》是藝術家王亮尹以著名的流動筆觸與滴流色塊，描繪生日蛋糕的外包裝及櫻桃，透過這些物件喚起觀眾對回憶與願望的聯想，營造情感與自我對話的空間。同樣取材自日常經驗，劉啟祥《桌下有貓的靜物》描繪一隻花貓趴伏在桌下層板，桌上擺放著柚子、柿子與佛手瓜等蔬果，光線自畫面右上方灑落。透過藝術家的視角，觀眾彷彿與藝術家一同凝視日常一隅，感受光影流動間的寧靜與詩意。

「物的再創造」

在「物的再創造」子題中，將自身經驗轉化為獨特觀點的藝術形式，探索物件在不同情境中的全新意義，進而激發觀者的多元聯想與情感共鳴。吳思嶔的單頻道錄像作品《I have a good doggy》靈感來自於他在工作室附近撿拾到狗的頭骨，以影像紀錄使用樹脂土逐步還原狗的肌肉與皮膚，最終塑造成迪士尼卡通中的布魯托，作品在自然物與人造物之間展開辯證，突顯生命中荒謬與幽默的本質。賴九岑《零大於壹Ⅲ》組件以微觀視角呈現拆解後的玩具，讓圖像遊走於具象與抽象之間，營造出似曾相識卻又陌生的視覺驚喜。本次展覽更首度將藝術家筆下的玩具零件與作品並置展出，深化對物件與記憶的探索。

現地製作的《採光》隧道由邱承宏精心打造，以混凝土石刻版畫形式呈現，細膩刻畫植物及光影紋理，觀眾可戴上頭燈觀看隧道裡的微觀、日常，思考現代化進程中，人與風景、景觀的關係轉變；另一件作品《水泥動物園》重現1970、1980年代常見於臺灣校園、公共遊樂空間的水泥動物塑像，樸拙的造型及表情曾經是許多觀眾的集體記憶。走路草農／藝團《靜物劇場》以充氣裝置呈現靜物畫常見的描繪對象，將芒果、釋迦和蓮霧等水果主題裝飾瓶身，探索被譽為「水果王國」的臺灣與受青花瓷影響而發展出「台夫特藍」的荷蘭之間的關聯。作品透過視覺轉譯歷史、訊息與符號，激發對「臺灣製造」的認同與新記憶。

推出工作坊與互動演出

另外，本次教育計畫，特別自作品延伸規劃4個互動裝置區域，將小工作坊轉化為「靜物畫，從擺設開始」空間體驗室，讓觀眾能實際動手參與，探索物件與人的關係。展期間除了舉辦多場定時導覽、團體導覽，亦與囝仔人、末路小花劇團、影像創作者陳含瑜合作推出「想像驚奇箱」、「顛倒物件玩玩看」、「多重感覺探索」、「行動代號：現在正好」及「Photogram 物件投影」等5個適合不同年齡層的工作坊與互動演出，相關資訊與報名辦法請關注北美館兒藝中心官網或北美館臉書粉絲專頁。

靜 • 物 Still Life
展期：2025.03.22－2025.08.31
地點：臺北市立美術館 兒童藝術教育中心

_{資料提供｜北美館、文字整理｜Adela Cheng}