今年又一檔世界級規格展覽！從5月開展的《從拉斐爾到梵谷：英國國家藝廊珍藏展》、6月底將揭幕的高美館×英國泰德現代美術館年度特展《瞬間－穿越繪畫與攝影之旅》，如今富邦美術館更將於8月24日盛大迎來《梵谷：尋光之路》特展，展出全球最大梵谷收藏之一「庫勒穆勒美術館」的真跡珍藏。

《梵谷：尋光之路》（Van Gogh：Journey of Light）將於富邦美術館3F日光展廳開展，期許以「光」為媒介，連結梵谷巨作與台灣觀眾視野，更隨著「光」的指引，近距離欣賞梵谷獨到的筆觸和色彩運用，追隨梵谷的足跡踏上尋光旅程，汲取創作靈感與生命力量。

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《梵谷：尋光之路》深入後印象派大師的藝術生涯

被譽為表現主義先驅的梵谷，最為世人熟知的莫過於他一生過的孤悲辛苦，過世後才揚名立萬。如余光中翻譯的《梵谷傳》中幽默地感慨：「梵谷的畫生前沒人看得起，死後沒人買得起。」然而，橫跨梵谷短暫而菁華的10年創作歲月，每一件作品都是一段精彩故事。

《梵谷：尋光之路》以時間脈絡展示梵谷的藝術生涯，從多幅代表性的作品，包括素描系列、自畫像、田園風景和靜物畫等，再次認識梵谷的多元面貌，感受其透過作品映照出的生命際遇與炙熱情感，以及梵谷在創作晚期仍毫無保留地綻放的生命力。

看展亮點01｜來自世界最大梵谷收藏之一

《梵谷：尋光之路》展出來自全球最大梵谷真跡收藏館所之一、荷蘭「庫勒穆勒美術館」（Kröller-Müller Museum）的25幅珍稀館藏，是該館近年難得首肯的海外移展。創作生涯貧困的梵谷，鮮少使用高級顏料與畫布，其素描多以炭筆作畫，極易褪色；也常在畫布上重複作畫，多層油彩的厚塗使顏料更易龜裂、剝落。因此，梵谷的多數作品難以保存，隨時間推移已絕少至外界展出。

看展亮點02｜光影的探究與演繹

本次《梵谷：尋光之路》展出的畫作著眼於後印象派畫家對於光影的探究，如何在梵谷繪畫風格形塑之際產生了關鍵影響的脈絡。對比於1881至1885年創作初期，梵谷深受荷蘭古典大師風格的影響，作品以寫實灰暗色調為主，如素描系列、《努南的舊塔樓》等；1886年梵谷移居巴黎，受到大都市豐富多彩生活的刺激，並結識多位印象派畫家，創作風格在顏色與筆法都有了極大的轉變，使用高彩度的顏料描繪光線、以及嘗試了法國畫家秀拉的點描技法等，畫作《餐廳內》便是一例。

1888年前往亞爾後，梵谷的創作風格逐漸成熟，《日落時柳樹》、《柏樹圍繞的果園》等都是此時期的代表作品。梵谷見證了藝術之都巴黎肥沃土壤孕育出的創新風格，同時也迷戀上來自日本的浮世繪，除了精巧的臨摹作品外，後期創作中也時常運用浮世繪技法。

看展亮點03｜畫中的人性關懷與仁愛精神

梵谷居住在南法的聖雷米療養院時，雖身心備受折磨，卻迎向全新的創作高峰，創造出充滿強烈情感和戲劇性光影的畫作，展露出內心深處的孤獨與對自然的熱愛。

此時期的作品如《好撒瑪利亞人（仿德拉克洛瓦之作）》、《播種者（仿米勒之作）》都將呈現於本次《梵谷：尋光之路》展覽中，不僅反映了梵谷對於人性的關懷、回顧他在成為畫家前曾全心投入傳道的經歷，透出其對於仁愛精神的寄望、宗教的熱忱、人類勞動的敬仰，畫作裡鮮豔的色彩與厚重的筆觸，更完美體現了梵谷在風格上的成熟與思想深度。

看展亮點04｜從自畫像看梵谷

《自畫像》則是梵谷對於「人」充滿了激情與愛的另一種體現。他的一生極少拍照，卻一口氣畫了四十多張自畫像，也成為其創作生涯的一大特色，他運用對色彩的知識、充滿熱情的表現方式，在肖像畫上繪出了自己的獨特風格。觀賞梵谷的自畫像時，就能感受到他投射於其中的豐沛情緒，以及他對生命與生活時而堅毅、時而痛苦的複雜情感。

《梵谷：尋光之路》多元預售票種6/24開賣

等不及想去看展了！《梵谷：尋光之路》規劃多種預售票套組，6月24日中午十二點將於富邦美術館官網、udn售票網搶先開賣。一般預售票為420元（展期間售價500元），7月1日起將推出限量1000組的「精裝明信片套票」、「導冊套票」，以及兩款「雙人紀念實體套票」於限定通路獨家販售；除此之外，必不可少的展覽限定周邊商品，也將陸續亮相！

《梵谷：尋光之路》（Van Gogh：Journey of Light）

展覽期間｜2024年8月24日至11月11日
展覽地點｜富邦美術館3F日光展廳（台北市信義區松高路79號）
開放時間｜每日11:00–18:00（17:30停止售票入場）
售票連結｜6/24中午啟售，購票請至富邦美術館官網、udn售票網
展覽官網｜https://uevent.udnfunlife.com/vangogh_taipei2024

2025大阪世博將於4月13日開幕，除了各具特色的國家館外，主題館（Signature Pavilions）展區也不能錯過！共8座主題館分別由日本建築、設計、音樂、影視等各界大師領銜，切入生命的各個面向，用趣味的互動式探索體驗，引領觀眾反思人類、藝術、自然、科技間的緊密連結。

Better Co-Being（Resonance of Lives）

由建築師妹島和世與西澤立衛共同創立的建築事務所SANAA操刀、金澤21世紀美術館館長長谷川祐子擔任策展人。展館位於世博會場中央的一片寧靜森林，以無屋頂、無牆壁的設計，模糊室內與戶外的界限，傳遞開放性與共享的理念。

展館主題聚焦於多元社會中的資源共享、互相尊重與人際關係，將結合3D觸覺科技互動裝置與專屬體驗APP等創新技術與藝術，讓觀眾體驗深層情感共鳴。展覽共分為三個展區：「人與人之間的共鳴」以多媒體藝術表現情感交流的可能性，幫助人們重新挖掘彼此的連結；「人與世界的共鳴」以象徵多元價值的彩虹視覺呈現未來願景，鼓勵對平等與包容的深思；「人與未來的共鳴」通過互動裝置，展現環境與人類之間的動態變化，啟發對未來生活模式的想像。

Future of Life（Amplification of Lives）

由日本人形機器人權威石黑浩領銜，這座展館描繪未來五十年間科技可能如何影響並擴展人類的生活。展館內的互動展覽探討科技與社會融合的多樣可能性，像是科技與日本文化的關聯、科技為生活創造的便利、存在於科技中的生命（機器人）、千年後生命的形態等，啟發性地呈現未來生活藍圖，鼓勵觀眾重新審視人類與科技的共存關係。

Playground of Life: Jellyfish Pavilion（Invigorating Lives）

由音樂家中島幸子策劃的「Playground of Life」以「水母」為靈感，建築外觀採用半透明膜結構，呈現萬物生命的柔軟流動性。展館主打創造力與遊戲性，致力於打造一個結合藝術、音樂與互動體驗的夢幻空間。

館內，二樓的「遊戲山」結合原生植被的攀爬設施與滑梯，觀眾可以盡情地攀爬，喚起童年時期的純真與活力；一樓則是現場音樂的表演場域。該展館致力塑造一間「未來地球學校」，不為年齡設限，讓觀眾在玩樂中體會學習的樂趣。

null2（Forging Lives）

該展館的核心設計概念是重塑「鏡子」的象徵意義，利用互動裝置與數位科技讓觀眾探索超越現實的景觀，讓人感受到自然與建築的交融。走進展館，觀眾的身體將被數位化，與有機變形的自己互動。

DYNAMIC EQUILIBRIUM OF LIFE（Quest of Life）

根據熱力學第二定律「熵增定律」，有序只會朝無序的方向移動。然而，唯有生命才是無視這法則、尋求維持秩序的力量；只有生物才會主動地同時分解、重塑自己，而這種「動態平衡」就是生命本身的本質。

該展館內容由設計顧問公司Takram策劃，通過互動燈光裝置展現「生命的動態平衡」。展館巨大的屋頂以輕柔漂浮的形象，象徵生命的循環與流動，而館內展覽則佈滿流動的燈光與多重感官體驗。觀眾將在此感受身體轉化為粒子，溶解到環境之中，重新審視個體生命在整體生態中所扮演的角色，並重新思考生命的短暫與無限。

LIVE EARTH JOURNEY（Totality of Life）

設計師河森正治策劃的展館，聚焦在宇宙、海洋、陸地上所有生命的連結，從以人為本的思考轉變回以全生命為本，強調保護和培育生命的重要性。展覽共分為四個展區：沉浸式XR體驗整合虛擬與現實空間；五感音樂劇場展現生命的活力與熱忱；4公尺的巨幕投影出太空中所看見的地球，與雞蛋內的生命成長情形，是人類感官所無法捕捉的時空尺度；最後一個展間則放大微生物的生長動態，揭開平日視線之外的生命循環。

EARTH MART（Cycle of Lives）

「Earth Mart」由建築師隈研吾與設計師八木保共同打造，其靈感源自於農村生活。展館以里山常見的茅草屋頂建成，象徵過往鄉村生活的繁榮。

「Earth Mart」內部設計如同一座未來市集，而觀眾可以在此認識糧食的循環議題。展覽內容涵蓋未來飲食模式、傳統文化與新興科技的比較、當前社會的糧食挑戰與創新解決方案等，並邀請觀眾以趣味的形式踏上這趟探索之旅，重新塑造新時代的生活見解。

Dialogue Theater –sign of life–（Embracing Lives）

最後一個展館由導演河瀨直美策劃，是一座參與式的對話劇場，每日設定不同主題，隨機邀請參觀者與預先招募的對話者共同展開討論，藉由個人經驗交流、全球議題討論，激盪出更多互動火花。策劃團隊表示，發生在這裡的都是「一生中只有一次」的偶然對話，也無法被預見。展期間的每次對話都將被留存，將傳承給未來人類。

觀看作品時你會習慣先閱讀作品說明嗎？有時候，語言（文字）並不能完全表達藝術家的想法，試著用感覺來理解，而不僅是依賴語言的解釋，觀展過程中可能會有不一樣的發現。

台北當代藝術館（當代館）於2025年1月17日至5月4日推出「No Language」展覽，由黃彥穎擔任策展人，邀集14組臺灣中生代與新生代創作者，突破語言表達的束縛，透過視覺、觸覺與共同經驗的連結，帶領觀眾感受藝術純粹而直觀的力量，發掘日常生活中微小的不平凡。

所有語言的確都是抽象的，只不過某些語言比其他的來得更抽象。 —喬治．歐威爾（George Orwell）

策展人黃彥穎說明：「科學家可以告訴我們大象溜下滑梯的重力加速度，但他沒辦法告訴我們這為什麼好笑，我想『No Language』大概就是在說這個。這個展覽並非是一場藝術創作對抗語言系統分類的陳述過程，而是針對藝術家如何在物質中追求精神性、在詮釋中追求啓發性，以及在現實中追求超越性的身影。」

從日常的縫隙打開無窮的想像空間

入口處展出陳松志《奢侈的墮落》，展檯上畸形有機的口香糖團塊散發著人工香氣，藝術家將過往「咀嚼」的行為轉化為「踩踏｣，引發對感官秩序的深刻思考。

黃萱《隨著風》以樹枝和風扇表現風的動態，《一小部分的霧島》將撿拾的石頭嵌入二手鞋底，延續記憶的旅程，《Flat #3》探討變形物品帶來的陌生感，而《經過》則透過飛機雲的數位影像，將不同時空的日常經驗串聯。

蘇育賢的作品以日常生活的荒誕瞬間為出發點，將瑣碎記憶幻化為如夢般的景象，讓平凡生活散發浪漫光彩。

李婷歡《As the Light Went Through It》將燈光、物件與不同質地的影像進行錯置，透過光影與記憶的交疊，挖掘平凡景象中的感性張力。

日常景象與社會集體意識

江忠倫《很久很久以前》探索記憶、風景與物品之間的微妙關聯，以抽象的畫面和符號結構，帶領觀眾進入藝術家記憶中的電影場景。

劉文瑄擅長以細膩的物質性表現形體與媒材的可能性，展出的三件作品以紙張為主要媒材，巧妙地展現藝術家對自我不同階段的詮釋，其中《媽媽咪呀》是自2011年創作以來，首次公開展出。

陳萬仁《這不是一個幌子》擷取城市街道招牌使人眼花撩亂的印象，行人、腳踏車騎士在招牌間移動穿梭，反映當代社會資訊過載與視覺衝擊的現象，從而喪失對深度與細節的關注。

空間物件與感官的對話

吳聯吟《健身房》將健身器材視為現代身體的雕塑，以器材訓練局部肌肉的功能性加以延伸，重新佈署精神化的身體造型。

陳為榛《夾板實驗場：熱幾何》使用塑膠浪板、磁磚、木板等裝潢材料，建立裝潢工程中「內部」與「未完成」的視野，在冷峻形式的線條基礎上，將有機的路徑介入幾何造型的秩序。

黃海欣《動物園》系列以繪畫記錄動物園沒看到動物或動物正在睡覺的景象，用幽默而真實的方式呈現集體經驗與期待之間的落差。

何彥諺《席地而坐》源自藝術家在學運期間久坐於柏油路面，促使其重新觀察日常中未曾留意的地面質感，將腳底接觸的路面、木地板及球場地面材質轉化為壁面，邀請觀眾以觸覺或其他感官，探索身體如何感知情感與記憶的痕跡。

崔廣宇《系統生活捷徑─表皮生活圈：城市精神》用一系列荒謬的測試行動來挑戰都市空間中的隱形規範，提出不同的觀點重新呈現城市空間的使用方式，進而審視自身與周遭環境的關係。

黃立穎《轉折》以石墨、色鉛筆為媒材繪製於樓梯間，上下移動時能夠看見作品隨著光影進行變化，讓時間不再是線性概念，而是身體動態與空間感知的交織。

廖建忠《運転生活終點站3.0 K-us》用廢棄的冰箱、洗衣機、除濕機、電鍋、熱水瓶等多種家電改造為遙控車，幽默地批判現代消費文化及其隱藏的代價。

另外，展覽期間也將舉行藝術家面對面、工作坊與多場導覽活動，邀請觀眾透過不同互動式活動一同化身為自己的旁觀者，專注於那些平時忽略的細節，在生活中發掘全新的感受。各項活動訊息可至當代館官網查詢。

台北當代藝術館新年首展「No Language」
展覽時間：2025/01/17 （五）～05/04（日）
展覽地點：台北當代藝術館       
更多資訊可至展覽網頁查詢

_{資料提供｜台北當代藝術館、文字整理｜Adela Cheng}