延續2023 Camping Asia未來藝術學苑的精神，2024年，香奈兒攜手臺北表演藝術中心、衛武營國家藝術文化中心，共同策劃舞蹈座談；首場台北Dance Talk也邀請到何曉玫、布拉瑞揚、董怡芬3位台灣舞蹈家，與年輕世代分享舞蹈創作旅程。而La Vie也將透過文字，帶你回顧這場講座內容，一同看見舞蹈的各式可能性。

現為國立臺北藝術大學舞蹈學院院長的編舞家何曉玫，作品廣泛取材台灣文化與社會現實；自2011年起推出的「鈕扣*New Choreographer」計畫，邀請旅外優秀舞者、編舞家「回家」創作與演出並交流國際經驗。而何曉玫除分享她舞蹈現況的觀察，也以自己如何在挑戰中找到出路為例，打開舞蹈的各式可能。

➱ 以舞蹈共同編織未來世代的靈光！「2023 Camping Asia」給下一個世代的未來藝術學苑

相當具有影響力的林懷民，是何曉玫大學時的老師，那時他請同學們要看《苦悶的象徵》這本書，而這書名也幾乎是何曉玫那世代創作者的座右銘。「其實這句話，就是我們認為一個藝術的創作，基本上是生命力受了壓抑而產生了一種苦悶、懊惱。而我覺得最後面還有一個更重要的事情是，藝術創作其實跟創作者的生命經驗是緊緊相連的。在現在這個世代，我們好像都被AI藝術考倒了，AI可以創作、可以畫圖、可以做音樂，所以如果科技可以取代我們，那藝術又是什麼？雖然舞蹈到現在好像還沒有被取代的危機，可是我們可以看到很多短影音各種不同的創作形式，而我們作為一個創作者，我們要怎麼去面對這個當下？」

身為教育者的何曉玫分享，每年畢業於舞蹈系學生大概有200位，顯見有許多人走在這條路上，但如果細看台灣對於表演藝術的資源補助，舞蹈類是相對比較少的；她也以2023年OPENTIX售票平台販售的演出場次為例，1年裡面有6千多場表演藝術節目，舞蹈節目有755場、換算下來每個週末大概有15場的演出。「台灣很多人在做創作、在表演藝術的活力上是非常興盛蓬勃的，但很可惜的是，我們都必須去爭奪觀眾的數量。而這也是我們要一起去想辦法、去面對解決的課題。」

她也感慨，「我們很想要走出台灣、走向國際，去證明自己的努力，可是我們有時好像一直把眼光放在很遠的地方，但其實會忽略到自己或旁邊的鄰居。我們也因為長期的西方現代論，常常覺得我們好像就是第二，永遠都在後面追趕他們的新潮流，但真的是這樣嗎？我覺得最有趣的是，作為一個創作者，我們常常要問我是誰的時候，就會發現，藝術最可貴的地方就是它沒有辦法比較、文化最可貴的地方就是因為它都是當地的人所共同形成的。」也因此，不論是何曉玫2011年起推動的「鈕扣計畫」，邀請旅外舞者、編舞家回家創作與演出，或是2023年起策劃的「Dance Now Asia」，串連起亞洲舞蹈圈、探尋亞洲文化的身體創作，不單讓這些跳舞的人交流分享，也開拓了年輕世代的國際視野遠見。

回到個人創作本身，疫情期間，何曉玫嘗試透過VR，試圖找回舞蹈迷人的「體感」。她說，「其實有時舞蹈最早的形式，並不一定是我們看著別人跳舞，在當代劇場裡面，有很多時候我們被框在劇場的鏡框裡面去看他跳舞。但我們只是用眼睛去理解這件事、沒辦法用身體去跟他一起連動，那透過VR，有沒有可能幫我們找回體感，創造另外一種更親密的連結？」而當觀眾進到劇場的數量不夠時，何曉玫也試著走出劇場、走入生活中熟悉不過的廟埕。2023年啟動的《默島進行曲》三年計畫，藉由結合各地的陣頭共創共演，除帶領人們一起踏跤步（kha-pōo），也讓更多人看見在地文化。

而創作對於何曉玫又是什麼？她說，「不是舞蹈需要我，而是我需要舞蹈，因為我在這裡面，可以不斷學習、不斷地發現我自己。如果你明知道這是一件不好做的事、非常辛苦，但你還是想要創作、想要分享，那我想我們也不用太在意這些經費，或是觀眾這麼少，因為這些事情不會是阻礙我們前進的力量。而是我們都要想到，還有什麼方法可以讓我們更利用AI科技、更利用社群的力量、更利用方便於我們去創作的形式，去說出屬於我們自己的舞蹈。」

同場加映！台北場Dance Talk Q&A

Q：會建議年輕創作者先做自己、創作想做的作品，或是調整方向讓更多人認識你？
A：如果我們想要做一個只有一個人喜歡的作品、可能只有很小眾的人喜歡的題材，那我們就認了，因為你知道你想做的就是非常孤僻、也沒有要大家喜歡的作品。但是如果你想做的是一個想要全世界的人都喜歡的作品，那你可能就要把他們喜歡的條件列起來、要去滿足大家，找到在現在這個時代，大家喜歡的是什麼。而這其實到最後也是你自己的預期，你不能說要做一個很冷的題材，但要大家都站起來幫你鼓掌，這可能沒有辦法；你可以堅持你想做的事情，但也要面對會有這樣的狀況發生。

Q：您曾參與過法國「Camping」與「Camping Asia」計畫，有沒有什麼觀察或想分享的？
A：我覺得文化衝擊是好事，因為你才會發現同樣一件事情，可能他做的決定跟我做的決定怎麼這麼不一樣。有時你其實需要透過別人，才能看到自己，我也是因為這樣，我才開始去想我是誰；因為他跟我的差異，也教會我要真的去認識自己，當你去認識自己的時候，才不會一味地去模仿別人，也才可以真的去想，我是怎麼形成國際觀。其實如果有機會的話，可以多跟不同地方的創作者聊天，能了解到他們跟我們的觀點可以有什麼可以交集的地方。

從神話、民間傳說、殖民歷史等汲取靈感，菲律賓視覺藝術家李·帕赫（Lee Paje）藉繪畫探討複雜的性別議題，她常在畫中以「水」包裹人體形象，暗示性別的流動性；藉油彩銅板畫若隱若現的金屬光澤、摺頁書開展的扉頁等媒材及形式，象徵歷史的複雜性及迭代，並進一步揭露殖民主義如何鞏固異性戀規範的社會結構。即日起至2月15日，李·帕赫台灣首個展《失落與重現的樂園》於安卓藝術展出。

故事從哪說起？神話中一場摧毀社會的洪水

在《失落與重現的樂園》展覽中，李·帕赫重新探討性別與菲律賓殖民歷史之間的關聯，使歷史與神話交織並存。展覽名稱取自《靈魂之書》（The Soul Book）中記載的前殖民神話：一場洪水摧毀了社會，在故事中，「樂園」象徵豐收與人類與自然之間的和諧連結，並允許生命形態自由轉變。李·帕赫認為，這種轉變本質上蘊含「酷兒性」，並在作品中重新召喚這一概念，雖然洪水使樂園成為失落的場景，但「水」的流動仍回蕩於她的作品中。

畫中的性別流動意象：水流 X 金屬光澤 X 巴貝蘭文化

「水」常是李·帕赫作品視覺與隱喻的核心，並在《丈量、裁切，卻未曾分離》中達到視覺的巔峰；另在雙聯作《風吹開了天堂之門》中，身著教袍的牧師佇立在告解室，目光投向岸邊模糊的人影，且李·帕赫採用銅片作為創作媒材，其光澤與油畫層次也成為探討性別流動性的象徵。

李·帕赫以海潮幻化成的人形，暗示著他們獨特的身份與靈性，彷彿前殖民時期擔任巫師或祭司角色的群體——「巴貝蘭」（babaylan），其意指舊時擔任巫師或祭司角色的群體，這一身份可為順性別女性，也可為穿著並扮演女性的男性，突顯了菲律賓前殖民時期性別流動的特質，同時解釋李·帕赫作品中「水」所包裹的人體形象——水流是對性別流動性的視覺回應；衣飾般的紋理則代表人們社會表演的外衣，反映出信仰傳統、殖民主義及原住民文化如何縱橫交錯梳理與定義性別。

回到17世紀，藉藝術重構酷兒歷史

透過挖掘歷史檔案，李·帕赫藉《相擁》一作重新講述一則鮮為人知的故事：17世紀時，有一位來自台灣的中國官員——樓蘇，因頻繁出入西班牙殖民時期的馬尼拉華人區尋求性關係，最終因「雞姦罪」於1670年被判有罪；而樓蘇之後成功脫罪，部分原因是來自他與鄭經的親屬關係，西班牙當局因外交考量而未追究。

在《相擁》中，兩個人物臥於床上，水的形象流動於他們之間，地上散落的衣物及物件呼應了床頭畫中聖米迦勒大天使刺殺中國魔鬼的意象，據稱這類圖像象徵了西班牙傳教士對菲律賓華人居民的焦慮。儘管此作引用了樓蘇的故事，但它只是藝術家所揭示的酷兒壓迫微敘事之一，這些微敘事也成為重建酷兒歷史的努力。

探討性別表達自由，反思殖民歷史

在本次展覽中，李·帕赫以油彩繪於銅板與紙本裝置之上，書寫出一幅多層次的當代敘事畫卷，重新檢視性別流動性與菲律賓殖民歷史之間的交互關係，並通過歷史與神話的交織，揭示被忽視的文化與性別敘事。

菲律賓藝術研究學者Gianpaolo L. Arago指出，李·帕赫並未將性別與殖民歷史視為單純的變遷，而是揭示殖民主義如何鞏固異性戀規範的社會結構，若僅以「殖民者—原住民」或「異性戀—酷兒」的二元對立來解讀李·帕赫的作品，過於簡化；她透過多層次的語境，汲取前殖民時期的神話和被遺忘的歷史軼事，梳理出細膩且豐富的詮釋。「樂園或許失落，但李·帕赫將之重新尋回：無論是性別表達的自由，還是對後殖民主體的反思。於此，神話成為通往酷兒未來的一道可能之門。」

「失落與重現的樂園」李．帕赫

展期｜2025年1月4日－2月15日

地點｜安卓藝術（台北市內湖區文湖街20號1樓）

以台灣民間日常、在地文化為創作靈感的藝術家李明則，自2025年1月4日起於安卓藝術推出大型個展《走自己路的》（Walk Your Own Path），一次展出包含水墨畫作、複合媒材創作等的20組新作。

2009年至今首個大型個展

李明則出生於高雄，1980年代曾生活於台北，隨後又在1990年代返回故鄉。其創作雜揉生活所見所感、廟宇彩繪的圖法佈局以及章回小說的敘事氛圍，以神話般的手法展現常民文化豐富的層次深度。

1996年，李明則於台北市立美術館推出個展《台灣頭．台灣尾》，同年於台北雙年展《台灣藝術主體性─認同與記憶》展出，1997年前進威尼斯雙年展台灣館《台灣，台灣：面．目．全．非》，2009年於高雄市立美術館舉辦《我愛台灣．更愛南台灣》個展。而本次《走自己路的》是繼高美館大型個展後，李明則又一次結合繪畫、複合媒材與立體創作的大型展覽，同時也是安卓藝術15周年的首場活動。

《走自己路的》展覽同名新作發表

這次展出，觀眾將能見證李明則耗時三年籌備的20組新作，其中六聯屏的同名鉅作《走自己路的》寬達11公尺，融合藝術家一直以來吸納在地風情與紋理的空間表現，也刻劃他喜愛的江湖遊俠和卡通漫畫英雄人物，更融入近年曾熱議的話題如台海危機、黃色小鴨等。作品的構圖與技法延續了水墨畫的敘事傳統與線描法，以橫向的視線引導，傳遞時空交疊、虛實共生的世界，凸顯李明則獨特的創作性格。

以高雄道路命名為靈感的《一心》到《十全》

李明則擅長在有限畫幅內，創造出無盡想像的超時空旅程，《一心》到《十全》系列水墨畫也是如此。該系列以高雄道路命名典故為靈感，集結了各種水墨畫譜的技法，在源自傳統形式的描繪中透過拼貼式的構圖和手法翻轉出水墨的嶄新語彙和生命。雖然墨色單純，李明則仍能運用大量線條，創造出多面向的時空漫遊，一幅幅畫作彷彿任意門般，帶給觀者無盡的想像。

除了畫作，李明則也在本次展覽中發表數件全新的複合媒材創作，結合民俗故事的人物造型，在玻璃纖維材質上以紗布和紙黏貼覆蓋，再用拼接、黏貼的技法輔以焚燒的痕跡，處理出如補丁般的肌理，用獨特而風趣的視角展現舊時代的美好回憶。

李明則個展《走自己路的》

展覽日期｜2025年1月4日至2025年2月27日
開放時間｜週二至週六13:00–18:00
展覽地點｜安卓藝術（台北市內湖區文湖街20號1樓）