HOUTH 10週年個展朋丁登場!以「混亂與秩序」為題,展出小誌、攝影作品與圖像創作

HOUTH 十週年個展朋丁登場!以「混亂與秩序」為題,展出小誌、攝影作品與圖像創作

平面設計雙人組「HOUTH」於台北的朋丁舉辦10週年展,從自我提問出發,深究各種設計形式、語言背後的成因,並以「混亂與秩序」為題,回顧並反思其過去十年來的工作成果。而現場除精選過去為客戶完成的作品,也展示受到生活啟發而誕生的小誌、攝影作品與圖像創作。

HOUTH 十年展現正於朋丁展出。(圖片提供:朋丁)
HOUTH 十年展現正於朋丁展出。(圖片提供:朋丁)

何婉君小時候喜歡聽龐克樂,直至最近發現兩人熱愛的小誌(zine)的起源也是來自龐克文化。對她來說,龐克顯示著紛亂、反叛,以及一份帶著活躍與衝擊力道的態度。而黃紀滕(Hans)一直很喜歡邏輯性的思考,以及秩序帶來的整齊清爽感,他援引了平面設計中的格線系統(Grid),以它象徵著設計中的結構和規律。

兩人發現,在每日的設計工作與生活中,隨處皆是混亂與秩序,他們認為這二者之間的矛盾關係需要不斷地探索和追求,並藉由適度的動態移轉來達到平衡。

展場一隅(圖片提供:朋丁)
展場一隅(圖片提供:朋丁)

一路以來的工作歷程讓他們經驗到創意過程的本質即是混亂,不管是從自然、藝術到日常生活的片刻,這些斷裂混沌的靈感蘊含著無限的可能與爆發力;而透過設計思考與整理術,有機會把直覺與創意落實成出乎意料的可能性,並展現邏輯的價值。

➱ HOUTH突破框架的設計思考!文字推導視覺的提案策略,彈性遊走商業案與純創作

展場一隅(圖片提供:朋丁)
展場一隅(圖片提供:朋丁)

也如同每年年底安排的長途旅行,既是身心的重置過程,也是從混亂中恢復秩序的重要方式;這種「透過休息來回到秩序」的平衡能量不僅能夠讓他們更好地辨識出靈感、創造出具視覺衝擊力的設計作品,也能在生活中找到心靈的安寧。

展場一隅(圖片提供:朋丁)
展場一隅(圖片提供:朋丁)

而走過 HOUTH 十年,兩人藉著這檔展覽再一次向內探索,也正式地對外梳理自己一路走來的軌跡。現場精選了過去為客戶完成的作品,同時展示受到生活啟發而誕生的小誌、攝影作品與圖像創作。本次展覽的亮點包括客製品牌字體「HOUTH Sans」的發表,並搭配全新小誌《A-Z》展現字體的視覺實驗。

展場一隅(圖片提供:朋丁)
本次展覽展出客製品牌字體「HOUTH Sans」(圖片提供:朋丁)

此外,HOUTH也帶來令人期待、與台灣織品品牌八位元紡織聯名合作的蓋毯作品。透過反覆地轉化與重組,與觀眾分享線下、實體的魅力,並從中找到與自己生活經驗的共鳴。

展場一隅(圖片提供:朋丁)
HOUTH與台灣織品品牌八位元紡織聯名合作的蓋毯作品(圖片提供:朋丁)

展覽作品亮點

HOUTH A-Z
A to Z,是指按照英文字母順序安排,述說著關於一個主題所有大小事的完整介紹。在這10週年HOUTH想與大家分享專為HOUTH設計的客製字型HOUTH Sans,同時發展了26個象徵HOUTH精神的a-z,編列成zine,以新字體玩視覺實驗。

HOUTH A-Z(圖片提供:朋丁)
HOUTH A-Z(圖片提供:朋丁)

HOUTH Sans是一款現代的幾何無襯線字型,是專為HOUTH設計的客製字型,包含309個字符,支援基本的英語和西歐語言。HOUTH Sans字體設計的靈感源於20世紀初的早期無襯線字體。建立在樸實的幾何結構之上,加入在筆劃交匯處急劇變細的造型;其結構造就看似不均衡,但富有動態的節奏感。這些特徵創造出字體獨特的視覺紋理。適合用於內文字體的編排,但用在標題等大字體的呈現會有最佳的效果。HOUTH Sans於2024年HOUTH成立10週年同時發表,它蘊含著HOUTH過去一路累積而來的經驗與底蘊,也是對其不斷發展的圖形和設計方法進行反思探索。

HOUTH A-Z(圖片提供:朋丁)
HOUTH A-Z(圖片提供:朋丁)

苔蘚 黃紀滕
苔蘚,像是時間的表皮,歷史的覆蓋組織,用極小的體積,展現久遠的概念。
苔蘚,附著於岩石、牆上、樹上的綠色小植物,除此之外,還有附著於其上的想法、運行規則與等待的時間。

There is moss on the walls and the stain of thought and failure and waiting
-Charles Bukowski

攝影書 苔蘚(圖片提供:HOUTH)
攝影書 苔蘚(圖片提供:HOUTH)

UGINN ok MUNINN
靈感來冰島詩集,北歐神話中的戰神奧丁(Odin),祂雙肩上的 2隻烏鴉,呼金與目寧是北歐眾神之父奧丁肩上兩隻烏鴉的名字,牠們很忙,每天早上都會飛遍全世界巡查,然後在奧丁早晨用餐時跟他匯報,所以奧丁才可以無所不知世界上發生的大小事。

呼金與目寧,在詩的暗喻裡,影射著奧丁的思想與記憶。
呼金,如同思想,需要時間長期累積、形塑,是抽象、寬廣、深層的,如地景等需要長時間建構。
目寧,就是記憶,與思想相較,時間上是比較短期,是具象的,是當下的,代表用眼前一瞥「記憶」的瞬間。

以此將書分成兩個章節。
2018第一版,已絕版 2024再版

攝影書 UGINN ok MUNINN(圖片提供:HOUTH)
攝影書 UGINN ok MUNINN(圖片提供:HOUTH)

flo flow Flower riso print series
flo flow Flower project是在工作以外展開的創作系列。喜歡照顧植物,更經常被植物照顧。自然而然植物就成為HOUTH的靈感來源。⁣
對HOUTH來說,創作這系列的過程,像是進入冥想一般,時而集中專注,時而讓意識自由的放飛,一回過神變完成的一個畫面。這將會是一個不定期發表的riso小海報計劃⁣。

flo flow Flower riso print series(圖片提供:HOUTH)
flo flow Flower riso print series(圖片提供:HOUTH)

HOUTH 10年展 Chaos and Grid 混亂與秩序
展期|2024.6.15 Sat.- 7.7 Sun.
時間|12-7pm⁣⁣⁣
地點|朋 丁 pon ding ⁣⁣⁣2樓(台北市中山區中山北路一段53巷6號)

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2024威尼斯雙年展台灣館藝術家袁廣鳴專訪:如何在日常戰爭中尋找幸福居所?

2024威尼斯雙年展台灣館藝術家袁廣鳴專訪:如何在日常戰爭中尋找幸福居所?

2024第60屆威尼斯國際美術雙年展以《處處都是外人》(Stranieri Ovunque–Foreigners Everywhere)為題,有著「不論走到何處都會遇到外國人」、「無論身在何處都感覺像外人」等多重意涵。台灣館由藝術家袁廣鳴代表參加,在居家般的展間帶來一場《日常戰爭》。這場關於家與戰爭的故事要如何訴說?除了台灣館,本屆雙年展又有哪些國家館不可錯過?

原本為監獄的普里奇歐尼宮邸(Palazzo delle Prigioni),在威尼斯雙年展台灣館展出之際,放入沙發、檯燈、沙灘椅等家具,竟浮現出家的感覺。但曾經,袁廣鳴認為自己不可能成家,「總覺得藝術家結婚就被綁住了,得乖乖做一個該死的中產階級上班族。」

這不是他第一次參展威尼斯雙年展,早在2003年就與李小鏡、鄭淑麗、李明維以聯展形式展出。回憶過往,他笑說當時和現在的太太熱戀中,想著展覽結束後要同遊水都。而也就在雙年展後的1、2年,兩人結婚了,「因為碰到對的人,就對婚姻不那麼懼怕。」

相隔近20年再度參展威尼斯雙年展,這次他獨挑大梁展出《袁廣鳴:日常戰爭》,身邊還多了太太與女兒。連他也沒想到,雙年展竟見證了生命與創作歷程的轉換。「成家之前,我的創作議題偏向個人自身的探討,而這一次關心跟探討的事情又更大更深。」

台灣館位在威尼斯聖馬可廣場附近的普里奇歐尼宮邸。(圖片提供:臺北市立美術館)
台灣館位在威尼斯聖馬可廣場附近的普里奇歐尼宮邸。(圖片提供:臺北市立美術館)

「假」的日常演習,到「真」的日常戰爭

《袁廣鳴:日常戰爭》展出5件錄像、1件動力裝置、1件素描作品,作品呈現了防空演習、公民不服從運動、居家襲擊,更探討後資本主義、網路攻擊、氣候異常及族群紛爭等議題。內容不僅關於台灣,更是世界的不安、焦慮與現實寫照。

隨著近年烏俄戰爭、以哈衝突等國際政治動盪,不難聯想是否意有所指?事實並非如此,此次計畫早於2019年末成形並定名《日常戰爭》,名字源自此次亦展出的作品《日常演習》,雖拍攝「假」的戰爭演習,但他當時有感世界局勢與台灣狀況正朝向「很壞的」方向,日常演習會成為「真」的日常戰爭。

《日常演習》的警笛聲在步入展場前的樓梯間就可聽到,營造展題的不安氛圍。(圖片提供:臺北市立美術館)
《日常演習》的警笛聲在步入展場前的樓梯間就可聽到,營造展題的不安氛圍。(圖片提供:臺北市立美術館)

原計畫舉辦個展的袁廣鳴,因接到臺北市立美術館邀約而參加威尼斯雙年展,也因此有策展人、舊金山亞洲藝術博物館的當代藝術主管和資深策展人陳暢(Abby Chen)的加入,讓這次展出「不只是一個袁廣鳴個展」。陳暢首先提出展場不要太暗、要有椅子等家居式家具,讓袁廣鳴聯想到可以展出有以客廳為場景的《棲居如詩》,並把2018年個展時《向光》的白色椅子搬來,還加入餐桌動力裝置《預言》。

而從藝術家的角度,新作必然是放在展場最醒目處,原本袁廣鳴規劃入口為正反兩面大螢幕,正面播《日常戰爭》、反面為《扁平世界》,但陳暢建議輪播《日常演習》和拍攝太陽花學運的《佔領第561小時》,一來《日常演習》的警報聲可以讓觀眾在步入展場前就聽到,營造展題的不安氛圍;二來《佔領第561小時》是此次唯一有人的影像,即便展覽沉重,但至少有那麼一件作品,傳遞人的溫度,且人有辦法憑自己的力量做出改變。

(圖片提供:臺北市立美術館)
袁廣鳴和陳暢的結識契機,源於陳暢曾在森美術館觀看《佔領第561小時》,不到6分鐘的錄像,她整整站作品前1個小時,也哭了1個小時。(圖片提供:臺北市立美術館)

爆炸是毀滅與重建的一體兩面

此次帶來的兩件新作,正好窺見了袁廣鳴熟悉與嶄新的創作脈絡。《日常戰爭》在頂樓工作室打造11實景,呈現中產階級房間中發生的一場襲擊。爆炸在袁廣鳴的作品中並不少見,前作就有《棲居如詩》描述客廳午後莫名其妙爆炸、《明日樂園》炸毀形似迪士尼樂園的城堡。

(圖片提供:臺北市立美術館)
《日常戰爭》在袁廣鳴的淡水工作室打造1比1拍攝場景,內裝設定為「中產階級男性的單身套房」。(圖片提供:臺北市立美術館)

他說《日常戰爭》是他決定做的「最後一次爆炸」,過去爆炸鏡頭皆固定不動,這次想開發單軸運動手臂,既然攝影機要運動,就得採實景拍攝,否則模型容易穿幫。再加上創作前就打定主意,要全部由自己完成,剛好也辦了研究休假,想要享受創作的快樂。既然全部要自己來,實景較好掌握,測試途中道具要是壞了,就再買一個一模一樣的即可。

至今採用了3次爆炸,不禁好奇他何以情有獨鍾?「會爆炸肯定和脆弱有關,也因為脆弱才會體現爆炸的威力。」相較於《日常戰爭》的爆炸明顯指向戰爭,《棲居如詩》則沒有政治象徵,可以是家庭主婦想把家炸毀的怨恨、地震摧毀家園的無情⋯⋯,不論哪種詮釋,都指向「家並不穩固」的概念。

(圖片提供:臺北市立美術館)
《棲居如詩》呈現客廳午後突然的一場爆炸,細看會發現場景為1公尺乘1公尺的水缸模型。(圖片提供:臺北市立美術館)

他也說,「爆炸有毀滅和重建的意思,所以我使用到爆炸,一定都會用無縫循環(loop),讓爆炸有點像在夢裡面,可是又很真實。」若仔細觀看《日常戰爭》,會發現背景音是遊戲主在直播戰爭遊戲,影像裡的爆炸時而和聲音同步時而不同步,產生現實與夢境的游離,到底是現實還是遊戲場景?或許創作者本人也如遊戲主一般,嘻嘻哈哈地旁觀他人痛苦。

當代世界失去了距離來認識世界

另一件新作《扁平世界》以Google全球街景資料庫(Google Street View)將100個國家類似景貌的街景串接,製成10分鐘的「新公路電影」。每段影像皆由台灣開頭,再連接至世界各地,顯示在全球化、數位化的網路時代裡,世界竟是一個極度相似的「扁平世界」。

袁廣鳴從求學、任教到藝術創作,一直在處理技術與藝術的關係,也一直想著要做一件碰觸這個議題的作品。2006年他曾在台北當代藝術館策展《慢Slowtech》,內容是關於媒體及科技之中針對速度的「提問」或「反問」。「當代最主要的特徵就是速度,科技讓速度變快、生活變快,但我們卻失去了距離來認識世界。」他以米蘭.昆德拉的小說為例,當一 個人握上方向盤、踩下油門,在車子的狂駛速度中,身體就被拋棄了;反之在跑步時卻能深刻感受到身體。

套用至《扁平世界》,100個國家在10分鐘倏忽閃過,身體根本沒去過的國度,好似已經去過,漫漫網海資訊無垠,在家真能知曉天下事,「速度把距離刪除了,也把身體刪除了,但我們的古老身體其實是對於認識世界滿重要的一環。」他知道科技不會停止也並非反對進步,「對於所有的新媒體,只有以反身自省或批判的方式,才比較能進入新媒體的本質。」

《扁平世界》將100個國家類似景貌的街景串接,製成10分鐘的「新公路電影」。(圖片提供:臺北市立美術館)
《扁平世界》將100個國家類似景貌的街景串接,製成10分鐘的「新公路電影」。(圖片提供:臺北市立美術館)

不過,和爆炸無關的《扁平世界》也採用了無縫循環,袁廣鳴說,無縫循環是他很喜歡的播映方式。他在大一曾有電影夢,大二發現電影是工業後隨即幻滅,「轉向錄像後,做的很多事情都是在抵抗電影。不是說電影不好,而是動態影像是不是還有更多可能的實驗?」大學暑假曾一口氣看了450部電影系必看經典電影,他發現不論電影或錄像,如今的經典都是當初的前衛,因此要做正是抵抗現在的經典,才有可能突破。

無縫循環即是跳脫傳統觀影體驗,要從哪個時間點開始觀看,想看很多遍或看個幾秒就走,都是自由的。他坦言,台灣館入口大螢幕輪播《日常演習》和《佔領第561小時》,類似電影院輪播的感覺起初他相當抗拒,本想在兩部片中間夾雜10秒閃光,但怕對觀眾造成干擾,最後接受了策展人的說服。

藝術家袁廣鳴(右)與策展人陳暢。(圖片提供:臺北市立美術館)
藝術家袁廣鳴(右)與策展人陳暢。(圖片提供:臺北市立美術館)

越幸福就越脆弱

想來好奇,如今已成家的袁廣鳴,談起家庭總笑容不斷,為何反而不斷在作品傳遞出家的脆弱與不穩定?他談起2007年突然動念拍攝父親,創作《逝去中的風景-經過》,兩年後父親過世了,而也就在同年的4個月前,他迎來女兒出生。

「生和死每個人都會遇到,只不過我比較倒楣短時間湊在一起。越幸福的時候,其實會越擔心,因為我知道幸福其實是脆弱的。」這個心境或許在最初命名作品就已明瞭,「它不是逝去的風景,而是逝去『中』的風景。幸福來的時候,我們當然想慢慢地掌握,但這是不可能的,你就是眼睜睜看著它慢慢逝去。」

身為外省二代,袁廣鳴從小父母離異,父親走了之後台灣就無親人。還好他結婚了,沒那麼孤單,不過太太是日本人、又住在廢墟改造的家,整修時看著遺留的物件,想像這戶人家以前最輝煌的樣子,不斷往返跳躍的時間線全部湧現,「對家的感觸很多,越幸福,就越脆弱。」但越脆弱,也越證明了幸福的得來不易,儘管無法停留於線性時間軸,卻可以定格在影像藝術,成為存在的提醒。

同場加映:不可錯過的5個國家館!

澳洲館《kith and kin》

威尼斯雙年展最高榮譽金獅獎,本屆雙雙獎落南半球原住民藝術家,主題館由4位紐西蘭毛利女性藝術家組成的Mataaho Collective奪下,國家館則頒給澳洲館。

黑白構成的靜謐展間是哀悼場所,中間水池平台上放置一落落澳洲原住民遭迫害的檔案。藝術家Archie Moore爬梳超過65,000年的家族親屬關係,用粉筆在四周牆面與天花板寫滿族譜,幽微傳遞原住民受迫害的歷史,同時印證不同族群的人類血親是如何彼此聯繫。評審團提及,族譜名字多達上千位,也提供了恢復原住民歷史的一絲可能。

(攝影:Matteo de Mayda,圖片提供:La Biennale di Venezia)
(攝影:Matteo de Mayda,圖片提供:La Biennale di Venezia)

盧森堡館《A Comparative Dialogue Act》 

通常人們的看展預期,都是要欣賞一檔「已完成」的展覽,但盧森堡館的展出,開幕後才正要開始。由音樂人暨藝術家Andrea Mancini、藝術團隊Every Island聯手策劃,展館為一座鋼製舞台,數場駐地表演將接連登場。

貫串演出的元素為「聲音」,且僅以聲音作為溝通媒介,每次藝術家在舞台上留下的聲音,均會交給下一位登場者改編運用。展場既是表演場域,亦是藝術家的工作現場,也引人思考個人創作與集體協作間的辯證。

(攝影:Andrea Avezzù,圖片提供:La Biennale di Venezia)
(攝影:Andrea Avezzù,圖片提供:La Biennale di Venezia)

波蘭館《Repeat after Me II》

烏俄戰爭爆發後,不少藝術家以創作回應或表述立場,波蘭館卻選擇了一個另類形式——卡拉OK。現場不會聽到流行音樂,而是槍聲、導彈、嚎叫和爆炸,致命槍械的描述也成了歌詞。

波蘭館參展藝術團體Open Group,由6位烏克蘭藝術家組成,作品分別拍攝於20222024年,讓戰爭目擊者試圖重現武器聲音等「戰爭配樂」。這些聲音既是創傷延續與擴大的證明,更是戰火下的新語言,烏克蘭人得具備辨認這些聲音的能力才能生存。 

(攝影:Matteo de Mayda,圖片提供:La Biennale di Venezia)
(攝影:Matteo de Mayda,圖片提供:La Biennale di Venezia)

馬爾他館《I WILL FOLLOW THE SHIP》

古老文明遇上最新AI科技將會如何?首位單獨代表馬爾他館的藝術家Matthew Attard,創作契機源於「還願供品」(ex-voto)的船隻塗鴉歷史圖像,這些圖像廣泛出現於馬爾他教堂外牆,據說是船員為求庇蔭所繪。

展名的「I」(我)在英文讀音與「eye」(眼睛)相同,他以現代眼動儀器作為繪圖工具,並和古老船隻圖像對比;現場亦有QR Code,觀眾可以掃描繪製自己的地圖。透過科技工具航行於資訊大海,相比古老技術甚至信仰,是更精準或迷航? 

(攝影:Andrea Avezzù,圖片提供:La Biennale di Venezia)
(攝影:Andrea Avezzù,圖片提供:La Biennale di Venezia)

羅馬尼亞館《WHAT WORK IS》 

探討工作意義的展名,想必又是關於勞動議題的沉重內容?實際走進羅馬尼亞館,40幅繪畫與數個馬賽克建築模型,幽暗色調本以為如腦中所想,細看才發現畫中人物都在工作中打盹、打牌— 這不是工作場景,而是休息景象。

由羅馬尼亞藝術家erban Savu聯手比利時布魯塞爾設計工作室Atelier Brenda,在這些偏離傳統社會主義勞動敘事的作品中,爬梳工作與休閒的曖昧關係。儘管展名探問「工作是什麼?」或許種種作品指向的是另一種可能:工作也可以不是什麼。 

(攝影:Andrea Avezzù,圖片提供:La Biennale di Venezia)
(攝影:Andrea Avezzù,圖片提供:La Biennale di Venezia)

文|張以潔
攝影|Matteo de MaydaMarco ZorzanelloAndrea Avezzù
圖片提供|臺北市立美術館、La Biennale di Venezia 

 

更多精彩內容請見 La Vie 2024/6月號《逛美術館的多重視野》

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《Miss Dior: Stories of a Miss》東京開展!OMA打造7大沉浸式空間,從香水到時尚的歷史探索

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由OMA建築事務所設計的《Miss Dior: Stories of a Miss》展覽於東京六本木博物館登場,以著名的「Miss Dior」香水系列為題,打造七大超現實沉浸式空間,展出品牌從1946年至今的歷史與創意。

為無形的氣味構思空間

《Miss Dior: Stories of a Miss》展覽分為七個子題,每個展間分別呈現「Miss Dior」的不同面貌,展出香水、高級訂製服到成衣系列。藉由藝術作品、檔案文物、插圖手稿與當代廣告的展示,凸顯品牌傳奇般的歷史,鮮豔色彩與優雅元素交織,團隊以多層次的敘事,為觀眾揭開「Miss Dior」背後的各種靈感和文化影響。

《Miss Dior: Stories of a Miss》東京開展!OMA打造7大沉浸式空間,從香水到時尚的歷史探索
《Miss Dior: Stories of a Miss》展覽於東京六本木博物館登場。(圖片提供:OMA)

OMA合夥人重松象平表示,為無形的「氣味」構思展覽空間,是一項有趣的挑戰:「為了反映多樣化的內容、氣氛和故事,我們試圖以全新視角切入『Miss Dior』的經典形象,並運用多重主題交織出超現實的環境,帶領觀眾進入『Miss Dior』的世界。」

《Miss Dior: Stories of a Miss》東京開展!OMA打造7大沉浸式空間,從香水到時尚的歷史探索
OMA合夥人重松象平表示,為無形的「氣味」構思展覽空間,是一項有趣的挑戰。(圖片提供:OMA)
《Miss Dior: Stories of a Miss》東京開展!OMA打造7大沉浸式空間,從香水到時尚的歷史探索
《Miss Dior: Stories of a Miss》展覽分為七個子題,每個展間分別呈現「Miss Dior」的不同面貌。(圖片提供:OMA)

展間01|Miss Dior: Stories of a Miss

作為展覽的開端,「Miss Dior: Stories of a Miss」以訂製展示盒呈現「Miss Dior」的文物,如同畫廊一般。每個展示盒皆依照物件的形狀製作,襯托物件的尺度與外型。展示牆的對面則是一個巨大的「Miss Dior」香水瓶雕塑,能360度旋轉,即使從館外也能清楚看到。

《Miss Dior: Stories of a Miss》東京開展!OMA打造7大沉浸式空間,從香水到時尚的歷史探索
展間「Miss Dior: Stories of a Miss」。(圖片提供:OMA)
《Miss Dior: Stories of a Miss》東京開展!OMA打造7大沉浸式空間,從香水到時尚的歷史探索
展間「Miss Dior: Stories of a Miss」。(圖片提供:OMA)
《Miss Dior: Stories of a Miss》東京開展!OMA打造7大沉浸式空間,從香水到時尚的歷史探索
展間「Miss Dior: Stories of a Miss」。(圖片提供:OMA)

展間02|Miss Dior by Eva Jospin

第二個展區的靈感來自羅馬Villa Giulia博物館,是一個古典風格的穹頂空間,展出法國藝術家Eva Jospin為Dior精心刺繡的掛毯。中央則放置其設計的特別版「Miss Dior」香水,與前一個展間中的超現實巨大香水瓶形成對比。

《Miss Dior: Stories of a Miss》東京開展!OMA打造7大沉浸式空間,從香水到時尚的歷史探索
展間「Miss Dior by Eva Jospin」。(圖片提供:OMA)

展間03|Fields of Flowers

「Fields of Flowers」向觀眾介紹了「Miss Dior」系列最新款香精的五種花香:茉莉花、晚香玉、沙巴茉莉、玫瑰和橙花。展間如同一朵巨型的抽象花朵,覆蓋上波浪形的層層布料,彎曲的弧線令人聯想到如花瓣一般的精緻裙擺。牆壁上設置了五個內凹的展示空間,以花蕾形狀的等身噴霧器,讓觀眾細細嗅聞香精中的不同成分。

《Miss Dior: Stories of a Miss》東京開展!OMA打造7大沉浸式空間,從香水到時尚的歷史探索
展間「Fields of Flowers」。(圖片提供:OMA)
《Miss Dior: Stories of a Miss》東京開展!OMA打造7大沉浸式空間,從香水到時尚的歷史探索
展間「Fields of Flowers」。(圖片提供:OMA)

展間04|Stories of a Miss

第四個展間運用「Miss Dior」香水瓶上的標誌性蝴蝶結,在鏡面空間中創造出一條無邊無際的線性路徑,穿梭「Miss Dior」的歷史文物間,融合不同主題間的奇想與敘事框架,其中有許多文物是首次公開,包括Catherine Dior的Hermès Baby打字機。

《Miss Dior: Stories of a Miss》東京開展!OMA打造7大沉浸式空間,從香水到時尚的歷史探索
展間「Stories of a Miss」。(圖片提供:OMA)
《Miss Dior: Stories of a Miss》東京開展!OMA打造7大沉浸式空間,從香水到時尚的歷史探索
展間「Stories of a Miss」。(圖片提供:OMA)
《Miss Dior: Stories of a Miss》東京開展!OMA打造7大沉浸式空間,從香水到時尚的歷史探索
展間「Stories of a Miss」。(圖片提供:OMA)

展間05|Miss Dior: The Birth of Ready-to-Wear

回到1967年,Dior以品牌同名發布首個成衣系列。展區除了展示該系列充滿青春感的單品,也以此為靈感延伸,參考60年代的普普藝術,搭配第一代的「Miss Dior」標準字,創造出俐落的線條與形狀,與前面空間的曲線風格形成互補。

《Miss Dior: Stories of a Miss》東京開展!OMA打造7大沉浸式空間,從香水到時尚的歷史探索
展間「Miss Dior: The Birth of Ready-to-Wear」。(圖片提供:OMA)
《Miss Dior: Stories of a Miss》東京開展!OMA打造7大沉浸式空間,從香水到時尚的歷史探索
展間「Miss Dior: The Birth of Ready-to-Wear」。(圖片提供:OMA)
《Miss Dior: Stories of a Miss》東京開展!OMA打造7大沉浸式空間,從香水到時尚的歷史探索
展間「Miss Dior: The Birth of Ready-to-Wear」。(圖片提供:OMA)

展間06|Dior Illustrated

這個以插畫為主題的展間,展示Dior第一任插畫師René Gruau和現任插畫師Mats Gustafson的作品。其中,前者為「Miss Dior」所繪製的第一個品牌形象圖——戴著珍珠項鍊的天鵝,靈感源自日本浮世繪,也將在此展出。

《Miss Dior: Stories of a Miss》東京開展!OMA打造7大沉浸式空間,從香水到時尚的歷史探索
展間「Dior Illustrated」。(圖片提供:OMA)
《Miss Dior: Stories of a Miss》東京開展!OMA打造7大沉浸式空間,從香水到時尚的歷史探索
展間「Dior Illustrated」。(圖片提供:OMA)
《Miss Dior: Stories of a Miss》東京開展!OMA打造7大沉浸式空間,從香水到時尚的歷史探索
展間「Dior Illustrated」。(圖片提供:OMA)

展間07|The Miss Dior Dream

最後一個展區以特製的展示台呈現「Miss Dior」高級訂製服,地面以和紙搭建成有機形狀,天花板垂吊著雲朵般的圓形裝置,各種花朵圖像投影在紙堆上,創造夢幻的自然田野景觀,營造如同花園的室內空間。

《Miss Dior: Stories of a Miss》東京開展!OMA打造7大沉浸式空間,從香水到時尚的歷史探索
展間「The Miss Dior Dream」。(圖片提供:OMA)
《Miss Dior: Stories of a Miss》東京開展!OMA打造7大沉浸式空間,從香水到時尚的歷史探索
展間「The Miss Dior Dream」。(圖片提供:OMA)

《Miss Dior: Stories of a Miss》

展覽地點|六本木ミュージアム(東京都港区六本木5-6-20)
展覽日期|2024年6月16日至7月15日
開放時間|10:00-21:00(最終入場20:00)
注意事項|參觀為事前預約制,⼊場免費

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