2024巴黎奧運將於7月底揭幕，關於運動的設計、藝文策展也隨之展開。在台北，双方藝廊首次踏出藝廊空間，帶著《燠運之夏—我的生活競技場》特展，以快閃微型展的形式進駐NOKE忠泰樂生活Uncanny，集結國內外10位藝術家的作品，透過其各不相同的創作視角與媒材，展示運動與藝術如何互相啟發與共容。

參展藝術家｜林良材、姚瑞中、陳怡潔、陳萬仁、郭彥甫、黃海欣、崔廣宇、張育嘉、羅懿君、尚恩．格萊德維爾（Shaun Gladwell）

運動和藝文，究竟有什麼關係？

1896年，第一屆現代奧運在希臘雅典舉行，發展百年以來早已不只是全球體壇盛事，更是各國國力與資源展現的競技場。如今的奧運會，往往吸引各國政府、企業大力贊助，與資本、政治制度關係逐漸加深，更能為主辦國（甚至參與國）創造巨大商機，同時展現出社會經濟演變在體育產業中扮演的關鍵角色，以及對各地生活的深遠影響。

在奧運歷史中，1912～1948年曾有藝術類別競賽的出現，促進了文化、藝術、競技、政治、經濟等方面的外交交流，彰顯了和平、友誼、公平競爭等體育文化價值。運動不僅是對於肢體流動的探索，更是一種文化現象的展演，代表了人類集體意識、情感連結的表達方式。

《燠運之夏》展現運動美學，探討賽場背後的不平等議題

運動競技的哪個時刻，最令你感動？是運動員完美呈現優雅動作、壯麗的比賽場景，或是鎂光燈下的如雷掌聲？《燠運之夏—我的生活競技場》藉由繪畫、雕塑、複合媒材、錄像裝置等不同媒介，透過10位藝術家的詮釋，引領觀眾欣賞運動美學的魅力，並深入了解該領域面臨的資源、階級與權力不平等議題，以及其背後的歷史背景。

▽ 10位藝術家創作亮點一次看 ▽

郭彥甫的創作深植於自身運動員經歷，生動描繪競技場上運動員的瞬間姿態與動力。

姚瑞中結合東西方神話與浮世繪元素，通過異國駐村體驗，創作出充滿詼諧與奇異造型的畫作，呈現夏日奇觀。

張育嘉將體操選手系列的動態美學，由膠彩娟本和油彩松木延展至雕塑裝置，創造出多層次的時空敘事。

林良材的雕塑作品以金屬媒介探索人體動態，將運動瞬間轉化為永恆的藝術形式。

尚恩．格萊德維爾（Shaun Gladwell）透過攝影和錄像等媒介，深入探索極限運動與次文化的交織，作品邀請自行車手在古典建築背景中演繹花式騎行，結合緩慢的動作、模糊的地理元素，構築出一幅詩性與動力兼具的視覺奇觀。

陳萬仁以錄像裝置中泳者在無垠藍海中的循環動作，捕捉其對無盡可能的渴望。

羅懿君透過重塑甘蔗渣製成的健身器材，探討從勞動到健身的社經變遷，揭示了全球化對地方生活的影響。

黃海欣用生動的色彩與筆觸捕捉泳池中的日常生活，通過夏日泳者的活動，展現生活趣味。

崔廣宇透過日常行為的創新重構，挑戰社會規範，揭示隱藏的社會荒謬與體制缺陷，探索人與環境的動態關係。

陳怡潔的作品通過轉化動漫色彩，探討大眾媒體文化如何影響集體視覺記憶，並激發運動與動漫的文化對話。

10組不同風格的藝術家之作齊聚《燠運之夏—我的生活競技場》，不僅反映了運動在當代藝術中的重要性，以及運動對我們身心狀態的影響，也揭示了運動作為一種日常實踐，如何塑造人們的生活方式。

Uncanny，結合策展思維的新零售空間

坐落於NOKE商場3樓的Uncanny，開幕以來與馥馬爾香氛出版社、忠泰美術館、Vitra、恆隆行等品牌與機構合作，結合策展思維，創造令人耳目一新的購物體驗，也打開訪客遊逛商場的新方式。這次双方藝廊《燠運之夏—我的生活競技場》展覽進駐，更是突破了傳統白盒子的限制，將藝術觀賞體驗融入商場，讓觀眾得以在購物、用餐等日常活動之間，輕鬆與藝術作品互動。

《燠運之夏—我的生活競技場》

展覽日期｜2024.07.06－08.25

開放時間｜週日至週四 11:00－21.30，週五至週六 11:00－22:00)

展覽地點｜Noke忠泰樂生活3F Uncanny

史上第一次，巴黎羅浮宮（Musée du Louvre）以「時裝」為題推出展覽《LOUVRE COUTURE – Art and fashion: statement pieces》，本展以時間為軸線，將45組時尚品牌及設計師的高級訂製服，與羅浮宮館藏共同陳列，探討時尚與藝術從古至今相互滋養的關係。羅浮宮裝飾藝術部總監兼策展人Olivier Gabet表示，這場展覽並不是要定義時尚是否為藝術，而是以時裝設計為稜鏡，為觀眾映照出欣賞裝飾藝術的嶄新視角，反之亦然。

史無前例的羅浮宮時裝展，為何而生？

沒有時裝收藏系列的羅浮宮，為何選擇辦一場以時裝為題的展覽？一來，服裝在藝術品中無所不在，如畫作中主角所穿戴的服飾、配件等，都是其身份、社經地位、人格特質的表徵，也為後人提供窺探畫作時代背景的線索，這點在羅浮宮鎮館之寶《蒙娜麗莎》就能得到印證，也正如策展人Olivier Gabet所說：「在羅浮宮，時尚並非被收藏，而是被穿戴的。」他也提到，時尚既是藝術表達的方式之一，也是流行文化的一部分，大眾能與時尚產生共鳴，期待藉這場展覽帶觀眾看見羅浮宮的另一面。

隨高級訂製服引領，一探數百年來的裝飾藝術之美

《LOUVRE COUTURE》的策展核心理念是，邀請訪客透過當代時裝設計師的視角、及其源自藝術品中的創意靈光，重新探索羅浮宮的文物，因此展覽各區根據館藏對應的歷史時期展開敘事，時空跨度從拜占庭帝國時期、中世紀，再到文藝復興，一路延伸至拿破崙崛起後的法蘭西帝國時期。

多達百件的高級訂製服、成衣與配件，來自45組經典時裝屋及新潮設計師：光是源於法國的品牌就包含擁有百年歷史的Louis Vuitton、Hermès、Chanel，二十世紀中趁勢崛起的Dior、Yves Saint Laurent，及近年備受名人及Z世代擁戴的Alaïa、Jacquemus等；歐陸乃至世界各地的美學、跨時代的思潮也交織其中，如英倫龐克的象徵Vivienne Westwood，義式風尚的藝術性、奢華、奔放及工藝由Schiaparelli、Versace、Dolce&Gabbana、Bottega Veneta各自表述，向來前衛的Balenciaga貢獻自創辦人Cristóbal Balenciaga至時任創意總監Demna之作，日本代表有山本耀司及高橋盾；當今最受矚目設計師執掌的品牌也在名單中，如Jonathan Anderson操刀的Loewe及個人品牌JW Anderson、善用科技實現超現實奇想的Iris van Herpen、玩轉色彩的魔術師Dries Van Noten、以半月印花掀起熱潮的Marine Serre等。

遊逛展間，可見羅浮宮收藏的掛毯、盔甲、櫥櫃、瓷器、珠寶等裝飾藝術品，與時裝和高級訂製服的靈感來源、視覺元素相呼應，如一件來自Dolce & Gabbana的水晶刺繡裙，靈感源自威尼斯托爾切洛島聖母升天聖殿中、自11世紀保存至今的馬賽克；「老佛爺」Karl Lagerfeld生前為Chanel設計的一件藍白色刺繡夾克，圖樣發想自18世紀巴黎櫥櫃製造商Mathieu Criaerd打造的華美箱子；飾有太陽王圖案的Dior真絲禮服，與太陽王路易十四肖像並列；Versace自1997年典藏至今的金屬晚禮服，可見拜占庭十字架刺繡、受古希臘服裝啟發的褶飾細節。

「法國版Met Gala」將於三月登場

透過這場展覽，Olivier Gabet企圖梳理成就藝術與時尚的共同方法：世代傳承的技術和知識、視覺文化與文獻間的交互作用等，這些元素貫穿了博物館的藏品目錄與時尚界的情緒版（moodboard），從未過時、歷久彌新。三月中，羅浮宮將為《LOUVRE COUTURE》舉辦一場盛大晚宴，屆時數百位時尚、藝術等領域嘉賓將齊聚於此，《CNN》以「法國版Met Gala」形容這場盛宴，值得期待。

資料來源｜Musée du Louvre、CNN

2025年2月15日在双方藝廊登場的當代藝術聯展《質譯》（Material Metamorphosis），集結彼得．亨特納（Peter Gentenaar）、塩田千春（Chiharu Shiota）、橫溝美由紀（Miyuki Yokomizo）、劉文瑄、黃裕智、徐永旭等六位國內外藝術家，展覽聚焦於傳統創作媒材的轉化與延伸，探索材質與外在的對話。

6位藝術家突破對傳統材質的想像

當代藝術透過材質的轉化與創造，從繪畫、裝置到雕塑不斷延伸形式。《質譯》聯展中的藝術家們，以各自獨特的視角探索了材質、身體、空間與自然之間的關聯，展現藝術創造與觀念之間的豐富對話。 

▍劉文瑄

劉文瑄以開放自由的狀態進行創作，對「繪畫」與「繪畫性」重新認識與反思，專注於在平凡中挖掘抽象的詩意，並以細膩的物質性表現形體與媒材的可能性，體現當下的生命哲思。這次展出的作品延續了平面與空間結合的實踐，透過裁剪、折疊與黏貼等手工技術，將紙張從靜態的平面媒材轉化為結構豐富的藝術品。

作品《無聲的蜘蛛》靈感取自美國詩人華特·惠特曼的詩句，以生活中再普通不過的米粉為素材，將其細心拼接、編織成一張巨大的網，宛如蜘蛛耐心吐絲結網的過程。最終，這張網被塗上各種色彩，就像捕捉夢境的網一般，體現材質的轉化與情感的延展。

▍塩田千春

塩田千春（Chiharu Shiota）的作品以身體為核心，結合了行為藝術、身體藝術與裝置藝術。在創作過程中，塩田千春探索無形概念的意義，如記憶、創傷、死亡等，並透過這些跨越邊界的思考，試圖連結觀眾的情感，讓來自世界各地的人們都能產生共鳴。

本次展出的《State of Being》系列以層層交織的絲線構建出詩意〈Child’s Dress〉中的白色絲線包裹著一件白色洋裝，象徵純潔與開始，也暗示著結束與死亡；而〈Buddha〉則以黑色絲線環繞佛像，營造出如同記憶網絡般的靜謐空間，呈現出深刻的冥想氛圍。絲線的交織如同自然紋理，承載了時間的痕跡與生命的重量，將個體記憶轉化為宇宙性的沉思。 

▍黃裕智

黃裕智因喜愛多維造型在空間中舒展之態，突破工具與場域之限制，發展出「金屬編織」的表現手法，成為為個人創作語彙。堅硬的金屬因編織軟化身段，成為富有生命氣息之軟性雕塑，並與時間，與觀者產生多角互動之有機關係。

本次展出的作品同樣在細膩與強韌之間尋找平衡，看似柔軟輕盈的雕塑，實由金屬線多層交織而成，展現材質在剛與柔、輕與重的對話，構築出動態且充滿生機的空間氛圍。金屬在光線下微微閃爍，並隨著光影變化延伸至空間，仿若植物般自然生長，形成空間與觀者之間的有機互動，展現材質的柔韌與包容。

▍徐永旭

徐永旭強調身體與作品間的對話，以主體與身體融為一體的方式面對創作材質，藉由身體的知覺、觸覺與痛覺，透過按壓、捏塑等身體動作，賦予陶土有機的自由形態。經過不斷解構與建構，陶土表現出極為輕薄柔和的線條及形態，也形成了充滿反差的新觀點。

藝術家以絕對身體性的自發行為，轉化其生命經驗於作品中，材質經過身體性的轉移，彷彿一個生物的本能般，不斷交織與相疊，如同一種生之慾望的勃發，一種竄出與崢嶸的象徵。

▍橫溝美由紀

橫溝美由紀（Miyuki Yokomizo）擅長使用現成物製作極簡裝置，作品中往往可見時間、空間與光線的交互作用。近年來，她一直嘗試在平面畫布上結構出立體空間與裝置性，以此創造嶄新的視覺體驗。

透過雕塑化的繪畫手法，橫溝美由紀結合自然元素與藝術行為，展現出介於偶然與可控之間的張力。她在畫布上設置螺絲釘與細繩，將顏料以彈射的方式覆蓋，形成富有雕塑深度與光影流動的視覺效果，模糊了繪畫與雕塑的界限。

▍彼得．亨特納

彼得．亨特納（Peter Gentenaar）專注於植物纖維的自然特性，如麻、棉花和亞麻等。他研發出專門用來製作紙纖維的機器「Peter beater」，透過擊打纖維釋放出微小的纖維絲，當這些纖維絲在水中懸浮，並逐漸沉澱後，形成一張天然的紙張。

不同於傳統紙張的平整處理，亨特納讓材料保持其原有的植物纖維記憶，允許紙張纖維自然捲曲。他運用這樣的特性，以紙雕作品豐富的褶皺與紋理，模擬模擬自然界的地形與流水，突破了紙漿作為靜態媒材的限制，賦予其強烈的動態與生命感。 

《質譯》

展覽日期｜2025.02.15–2025.04.05
開放時間｜週二至週六12:00–18:00
展覽地點｜双方藝廊Double Square Gallery（台北市中山區北安路770巷28號）