說大巴黎快線是一座「城市藝廊」，一點也不為過。每個車站都找來不同建築師設計，還攜手Sophie Calle、JR等藝術家為各站量身創作，為巴黎近郊帶來獨一無二的在地風景。

為了疏通城市裡擁擠不堪的交通狀況，繞過巴黎市區行駛、連接郊區與郊區的「大巴黎快線」因應而生。這個全新的地鐵網絡共有6條線：其中2條為延伸既有路線（巴黎地鐵11號線、巴黎地鐵14號線號線）、另外4條則是新增的（巴黎地鐵15號線、巴黎地鐵16號線、巴黎地鐵17號線、巴黎地鐵18號線）。最近，隨著2024巴黎奧運開幕的將至，大巴黎快線14號線也正式開通啟用，其中「Saint-Denis Pleyel」站位於奧運三大場館交叉路口，預計將於賽事期間迎來大量人流。

01 車站建築融入各地特色

大巴黎快線上的每個車站都邀請到不同建築師分別設計，各自富有特色外，也更好地融入周遭社區環境。車站間的共通點是採用可持續的生態設計元素，包括耐磨地板、自然光、節能材料等。

02 藝術家量身創作作品

除了獨一無二的車站設計，大巴黎快線還集結了超過70件當代藝術作品，由各站建築師與藝術家討論、共創，形式涵蓋雕塑、壁畫、新媒體等，成為一系列具有紀念意義，且與建築形成對話的永久收藏。參與此計畫的藝術家包含國際知名的Sophie Calle、JR、Daniel Buren、Tatiana Trouvé等，還有新銳藝術家Noémie Goudal、Duy Anh Nhan Duc等人。

03 月台壁畫也獨一無二

大巴黎快線的藝術計畫可不止於此。《描繪大巴黎》是一系列展示於月台上的壁畫作品，有些更延伸至車廂內部，邀請到30位藝術家如Enki Bilal、Rutu Modan、Roxane Lumeret、Philippine Joyeux等人共同參與，透過插畫、漫畫、動畫等媒介，將地下運輸與地面城市生活連結。

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奧運前夕通車的14號線

在奧運開幕一個月前通車的14號線是一條南北向的地鐵，從南方的巴黎奧利機場（Aéroport de Paris - Orly）一路延伸到北邊奧運選手村、比賽場館所在的聖但尼（Saint-Denis）地區，沿途共有8站。以下我們精選了5個車站，一探其中的設計亮點：

▸ Saint-Denis Pleyel

Saint-Denis Pleyel站位於三大奧運場館——選手村、水上運動中心和法蘭西體育場交會的十字路口，邀請到日本建築師隈研吾設計，強調木材和玻璃的運用，讓自然光穿透每個樓層；法國藝術家Prune Nourry的作品​​《維納斯》則預計於2026年登場，將懸掛在車站中庭，以108個維納斯型態的雕塑，呼應該地區的多元性。

▸ Maison Blanche

這是大巴黎快線網絡中唯一一個在巴黎市內的車站，由美國藝術家Ned Kahn與建築師Nicolas Tricard合作，在車站入口上方設計了一個可隨風移動的裝置，如面紗一般飄揚，又如河流般波光粼粼地反射陽光。

▸ Hôpital Bicêtre

藝術家Eva Jospin與建築師Jean-Paul Viguier攜手，在Hôpital Bicêtre站的外牆上創作了巨大的浮雕作品。雕塑的靈感來自義大利導演費里尼的作品《羅馬風情畫》，藝術家引用電影中「在建設地鐵過程挖掘到古代遺跡」的概念，以一層層的混凝土疊加而成，期望喚起大眾關注大巴黎快線工程中的考古發現。

▸ Thiais-Orly

Thiais-Orly站有著幾何交織的拱頂天花板，從中心向四個方向延展開來。為了回應這個空間感的建築，藝術家Lyes Hammadoche與建築團隊Valode & Pistre合作，在大廳創作了四座雕塑，如同衛星一樣旋轉著，取代一般車站配備的傳統時鐘，運用巧思為來往車站的乘客報時。

▸ Aéroport d’Orly

奧利機場所在的Aéroport d’Orly站，由葡萄牙藝術家Vhils與建築師François Tamisier共同打造。牆上名為「Strates Urbaines」的作品，使用了11,000多塊葡萄牙傳統阿茲勒赫（Azulejo）瓷磚，拼貼出數個臉孔與大巴黎的地標建築，圖案彼此重疊、融合，象徵著城市與其居民之間相互塑造的過程。

甫開幕的Aesop台中概念店，傳統生鮮市場意象隱約卻直球地融入空間，幕後操刀者是日本的TORAFU ARCHITECTS，日本多間Aesop店面亦出自他們之手。這間建築設計事務所，從建築到產品設計都在守備範圍，他們是如何以建築師的思維，延伸出獨有的設計概念？

TORAFU ARCHITECTS由鈴野浩一與禿真哉兩人於2004年創立，攤開他們的商業案件履歷，會發現很難用三言兩語詮釋這是一間什麼樣的公司。雖名為建築設計事務所，但除了建築，亦經手包括室內裝潢、展覽會場構成、空間裝置藝術的設計，甚至參與家具、戒指等產品設計，不受限於建築領域，至今已經孕育出上百件大小設計作品。

鈴野浩一提到，事務所甫成立時，多半以經手小規模的住宅建築或店面設計為主。隨著客戶提出的需求日漸多樣，加上他們兩人也並不自我設限，才有了現今看似十分多元的設計經歷。「因為我們認為在不同的領域可以發想出新的觀點或創意，當然有執行上的挑戰，但共通不變的是『該如何藉由我們的設計，來豐富人們的生活』。」鈴野浩一說。

改變家具與建築之間的關係

鈴野浩一畢業自橫濱國立大學工學部建築學研究所，畢業後則任職於 Coelacanth K&H，亦曾進入墨爾本的建築師事務所工作。禿真哉則畢業於明治大學理工學部建築學研究所，在青木淳的建築事務所磨練技術後獨立門戶。兩人在共同的建築師友人介紹下結識，一同攜手完成了旅館客房翻修計畫「Template in CLASKA」後，才設立了 TORAFU ARCHITECTS 公司。

在「Template in CLASKA」中，鈴野浩一和禿真哉被賦予了改造老舊旅館客房的任務，並必須在其中加入藝術家的繪畫作品、設置電子寵物狗「AIBO」。面對這些需求，他們索性將焦點從客房空間轉向旅行物件，在房內打造了一層薄牆，並挖空一個個得以放置畫作、電子寵物狗、旅行箱、旅館盥洗用具的洞，形成一種「收納範本」，讓人們重新審視物件的價值，並從物件中重新創造出空間風景。

鈴野浩一說，他們在這個案件裡嘗試了雙向的手法，用設計家具的心情來思考建築、用規劃建築的方式來看待家具。他說：「我們希望改變家具與建築之間的關係，像是能創造出生活空間感的家具、貼近人們居住行為的建築。讓家具空間化、讓建築更符合人體工學。」這樣 遊走於建築與物件之間的思考模式，也成為他們日後設計歷程中不變的核心概念。

以素材譜寫 Aesop 店面空間故事

除了住宅空間外，TORAFU ARCHITECTS亦以保養品牌Aesop的店面內裝設計而為人熟知。始於2012年的東京新丸大樓店、橫濱BAY QUARTER店，近年更跨足海外，負責了Aesop台灣台中概念店的設計。鈴野浩一提到，Aesop十分重視顧客的來店體驗，比起大量投放廣告，更在乎如何創造出讓人願意造訪、駐足的店面空間。面對此一課題，TORAFU ARCHITECTS在設計規劃時會事先決定主要的素材，藉由素材創造出各個店面不同的樣貌。「有的時候會選擇能夠從周邊環境跳脫而出的素材，有時則是活用既有空間的優勢。每一次的素材選擇，以及如何實際將其反映到設計上，都是截然不同的挑戰。」

「Aesop NEWoMan 橫濱」正是發揮了素材價值的絕佳案例。TORAFU ARCHITECTS和在德島縣上板町從事藍染手工栽培的「BUAISOU」合作，以藍染作為基調進行整體設計。經過反覆實驗後，最終選擇上色效果最佳的楓樹木板作為店面內的展示架，略為彎曲的藍染木板既延伸出了海浪的動感，也彷彿停泊在海上的船隻，成功營造了橫濱海港的湛藍印象。此外，店內的水槽等設備皆採用不鏽鋼材質，當陽光從兩面落地窗射入時，便會映照出一片深藍世界，令人留下深刻印象。

而「Aesop台中概念店」則是以「傳統生鮮市場」此一靈感著手設計。團隊數度實際走訪台中街頭，不僅以傳統市場常見的階梯式陳列商品，地板及洗手台面也採用了台灣街頭多見的抿石子施工而成。鈴野浩一表示，最初接到此一委託時，最重視的便是如何在設計上反映出台灣文化。確立了台灣當地的素材與文化特徵後，TORAFU ARCHITECTS 再適度地將其抽象化轉譯，接著以色彩調和店面整體印象，最終才得以 打造出一個富有台灣溫度，但又同時保有 Aesop 特色的獨一無二空間。

建築之外，品牌與商品設計的巧思

在店面設計之外，TORAFU ARCHITECTS長年亦與ISSEY MIYAKE、Hermès等精品品牌合作，進行櫥窗展示設計。鈴野浩一提到，由於展期短暫，在進行櫥窗展示設計時，最重視的是如何讓人快速地留下深刻印象。他也說明，必須多方面嘗試商品的呈現方式，除了深入理解當季商品的特色、活用品牌本身的世界觀之外，若商品本身採用了新的技術，將該項技術直接轉化為展示主題也是呈現手法之一。

產品開發亦在TORAFU ARCHITECTS的守備範圍，其中最為人所知的非「空氣器皿」莫屬。直徑20公分的圓形紙片上刻著大大小小不到1公分間隔的圓，經過延伸、展開後，靠著紙張本身的張力與強度，自由變換成為裝飾品、器皿，甚至是包裝紙。這是TORAFU ARCHITECTS於2010年1月參與製紙公司「福永紙工」主辦的企劃展《特色思考展》時，催生出的商品。該展覽邀請了平面設計師、家具設計師及建築師齊聚一堂，各自以負責的顏色進行紙製品的開發設計。

TORAFU ARCHITECTS 首先思考的是如何將平面的紙張轉化為立體，在紙張大小、磅數、厚度，甚至是同心圓的形狀與間隔上都反覆進行實驗，最終設計出了看似輕薄纖細，卻富有紙張強韌特質的網狀器皿。而為了呈現出綠色主題，他們在紙片的兩面分別塗上黃色與藍色，讓商品展開後，經過光線的折射，在各個角度呈現出變化萬千的綠色。

以建築角度出發的商品，儘管看似缺乏機能性，但在推出後廣受歡迎，不僅陸續和漫畫家井上雄彥、設計師野老朝雄、皆川明等人合作新設計，甚至成為了美術館的周邊商品、旅館內的裝置藝術，以及高中創校百年致贈給校友的紀念品。充滿日式細節與工藝的設計在海內外獲獎無數，更在2015年獲選為加拿大蒙特婁美術館的永久收藏展品之一。

從生活中的不便提出好問題

TORAFU ARCHITECTS經手的作品橫跨各個領域，不禁好奇在從事建築空間以外的設計時，是否有任何從建築師角度出發的思考脈絡？鈴野浩一說，兩者之間最大的差異在於「條件」。「建築設計始於施工用地的分析與考察。相反地，產品或家具設計不受使用對象與地點限制，看似自由，但有時也會苦惱於這種毫無設限的狀況。這時我們會刻意想像商品的使用情境，自行設定出各種條件後才開始著手發想設計。不管是建築和周邊環境、商品和使用空間，藉由『賦予用地限制』便能更為全面地思考。」

他也提到，這亦可以延伸為作為設計師的核心思考之一——設計師不只是在解決問題，該如何拋出問題亦同等重要。鈴野浩一說明，不需要是「解決環境問題」這類的大哉問，所有日常生活中感受到的那些「不便」，都可以成為好的提問。以自身的立場思考如何「回答」這些提問，往往便可以發想出富有新意的設計。「所謂的『提問』跟設定條件有異曲同工之妙，這個方法既適於建築，在產品設計上也通用，可說是一種建築師獨有的思考方式。」

TORAFU ARCHITECTS

由鈴野浩一與禿真哉於2004年設立。建築空間外，亦跨足室內裝潢、展覽會場構成、產品設計、空間裝置藝術與影片製作等領域，以建築思考為基底從事設計工作。主要作品包含「港北住宅」、「空氣器皿」、「Big T」、「TOKYOBIKE TOKYO」等。

_{企劃｜張以潔　文｜廖怡鈞
圖片提供｜各單位}

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埃及是許多人嚮往的旅遊目的地之一，壯觀的金字塔、一望無際的沙漠、神秘的古文明，這個國度還將迎來世界最大的博物館——大埃及博物館（Grand Egyptian Museum），超過10萬件文物收藏，從數千年的法老文明到古希臘羅馬時期，喜愛埃及學的務必留意。而大埃及博物館已於今（2024）年10月16日展開試營運，期間將開放部分主展廳。

前後花費近二十年的大型計畫

大埃及博物館位在吉薩金字塔群與開羅之間，其地勢有著50公尺的高度差距，引導尼羅河穿越沙漠、流向地中海，塑造埃及地形長達三千年。

這座博物館的建設其實早在多年前就已宣布開始，並由都柏林建築事務所Heneghan Peng Architects負責。但隨著2011年初阿拉伯之春的爆發，埃及國內政治、經濟不穩定，該計畫被迫暫停。幾年後，埃及政府趨於穩定，大埃及博物館建造工程再度啟動，這次宣佈預計將於2024年中完工開放。

50公頃、逾10萬件文物成世界最大博物館

大埃及博物館以「埃及學的文化綜合體」為目標，落成後將取代羅浮宮成為世界上最大博物館，共佔地50公頃，除展覽空間外也將設置兒童博物館、修復保存中心、相關教育設施及一座廣闊花園。

在幾乎有四座足球場那麼大的展覽空間中，大埃及博物館收藏了超過10萬件文物，包含目前存放在開羅埃及博物館的文物、現存於金字塔旁的太陽船，還有自1922年發現以來首次完整展示的圖坦卡門墓中文物，屆時也將同時展出數千年的法老文明，以及相對較現代的古希臘羅馬時期文物等。

層層遞升的建築，與金字塔群相呼應

大埃及博物館由半透明石材製成，隨著日夜光影轉移呈現不同的變化。Heneghan Peng Architects表示，在設計過程中，博物館與吉薩金字塔群的視覺連結一直是團隊的首要考量。若從遠處看，博物館和三座金字塔連線成三維結構軸線，在沙漠中創造出獨特的視覺。

走近大埃及博物館，便會注意到其富有層次感的建築設計，從偌大的庭園、樹蔭遮蔽的入口處，隨宏偉的樓梯逐步上升與遠處高原地形同高，眺望完整的金字塔景觀，最後再進入博物館內部。

博物館量體龐大，但耗能極少

此外，引人注目的還有大埃及博物館的綠建築認證。這座博物館是IFC（International Finance Corporation）在非洲與中東地區第一個認證的綠色博物館，採用能反射陽光的屋頂、高效照明系統和水設備等可持續發展設施，相較同規模的建築節省了超過60%的能源成本和34%的用水量。

資料來源｜heneghan peng architects