當國際運動盛會熱烈展開，我們看到的並不只是運動。運動對於公共議題的影響力，早已從場內延伸到場外，成為關於身份認同、族群文化、政治背景與社會歷史的敘事。走進新美館修一堂「體育課」，你會發掘台灣歷史上的運動故事，以及多重視角交會下的運動日常。

新北市美術館《體育課》特展登場

《體育課》結合場內（遊樂場、體育館）與場外（城市、街頭）運動，藉由展覽的故事集結，將看似毫無關聯的時空、社會、美學、經濟、文化或政治語境，移轉至一個共同的對話場所，拆解、挑戰當代社會對「體育」的主流想像。

展覽邀請到日本、德國、巴西、印度、美國和南非等8組國內外藝術家，以攝影、動態影像、機械動力、空間與聲音裝置等媒介，為這場美術館裡的《體育課》接力打造出一間間別具一格的主題運動場。

《體育課》亮點作品介紹

01 富安隼久〈TTP〉

日籍攝影師富安隼久（Hayahisa Tomiyasu）在〈TTP〉系列中，用五年的時間紀錄著窗外桌球桌的每日。這個桌上發生了各種想得到、想不到的活動，它是日光浴床、洗衣檯、兒童攀爬架、運動健身場、家庭午餐的聚點，與暫離繁忙街區的避風港——就是不曾打過桌球。

02 麗娜．波．芭蒂〈SESC Pompéia的運動場〉

當藝術機構是一場小型的社會主義實踐，會是什麼樣子？由巴西聖保羅藝術博物館建築師麗娜．波．芭蒂（Lina Bo Bardi）所設計的「SESC Pompéia」是一座藝文休閒中心，在此，「體育」活動轉化成「休閒」，頂著略低於標準規格的天花板，四周牆面挖開馬鈴薯外形的大窗洞――這是一個無時無刻都透著都市光景，就是沒有任何正規運動賽事的體育場。

03 張星賢〈我的體育生活〉

台灣史上首位奧運選手張星賢，在職業生涯中曾代表日本、滿洲和台灣參賽，終其一生在糾結的身份認同中打轉，對運動的熱愛卻從未改變。他不僅是台灣體壇的推動者，也是一部橫跨日本時期到戰後臺灣的生命史。展覽中摘錄其生前日記《我的體育生活：張星賢日記及書信》，探索運動與政治的錯綜複雜。

04 芭芭拉．瓦格納＆班傑明．德．布爾卡〈SWINGUERRA〉 

前進到下一個展間，是由跨性別者芭芭拉．瓦格納（Bárbara Wagner）和班傑明．德．布爾卡（Benjamin de Burca）所引領的街頭舞蹈，結合巴西東北部的音樂舞蹈風格「Swingueira」和葡萄牙文的「guerra」（戰爭），一場名為〈Swinguerra〉的競技，由跨性別與非二元性別者為眾的舞者在體育場開演。面對巴西國內跨性別者被謀殺案數的居高不下，這些看似性感、直白、露骨甚至色情的音樂歌詞與舞蹈，實則暗藏悲傷的訊息。

05 阿莫．帕特爾〈溜冰鞋上的黑色面具〉

一位年輕男性，穿上一雙紅色溜冰鞋、揹起收音機，放著印地文的歌曲，穿梭在孟買的街區。他的形象，源自於藝術家阿莫．帕特爾（Amol K. Patil）父親的老友——一位道路清潔人員，他每天反覆地清掃城市，卻不受城市的歡迎；他既不能搭公車，也無法去飯店喝飲用水，僅能日復一日地用音樂隔絕世界。藝術家改編了勞工抗爭歌曲〈聽這個故事吧，人們啊〉（Katha Suno Re Logo），在展覽中引領觀眾走過清道夫的旅程。

06 藤吉維．尼基．恩科西〈懸滯〉、〈同軌〉

在夢幻的背景音樂下，藝術家交錯剪輯出28位體操選手，在競賽的起步與起手之前的特寫鏡頭。影像時而模糊、時而清晰，時而混著雜訊，顯示出不同紀錄年代的影像技術，然選手專注卻忐忑的神情，不僅未因任何時代改變，甚是格外清晰。

另一作品〈同軌〉則混合剪輯了「大英國協運動會」的運動員、觀眾和管理者的歷史檔案，與英國殖民地和大英國協成員國的經濟和宣傳活動紀錄。在影片中出現的各個場景，提醒著觀者留意——這些運動會，包括眼前的這一場，都是一場持續數百年的政治計畫。

07 羅智信〈看我舞動〉

藝術家羅智信選擇身體中最貼近「球體」的部位如眼球、乳房和睪丸，製作成動力機械裝置，依照編排好的路徑隨機在空間中滾動。觀眾可將展品視為舞台或運動場上的完美連動，也可以從微觀的視角，想像獨立的單位如何構成一個集合的身體。

08 楊季涓〈只是玩一場遊戲〉、〈Plastonki的沙坑〉

藝術家楊季涓打造了一座鋪著白沙灘的「攀岩場」，懸吊於上方陶瓷風鈴，擺動時發出時而和諧，時而雜沓的聲響——既像是運動時無法控制的⼼跳，也像是面臨過於激烈或不安的⼼情時，緊繃的生理夾雜著嘗試平靜的動作節奏。

09 張幼欣〈​​徑〉

如果體育也是一種聽覺的運動，什麼樣的樂音可以用來動身與詮釋？張幼欣取材臺灣東部山林的動態音景，如採藤、伐木、狩獵、擔重等各種和日常生活息息相關的技能，在不同的呼吸、力矩，速度和動能的相互牽引下，在美術館打造出一段跋山涉水的動態生活場景，探索音樂家和運（勞）動者之間的巧妙關聯。

歷史上的「體育用品」展出中

此外，《體育課》展覽還同步展出多項帶著獨特故事的「體育用品」，像是蟬聯數十年世界第一的臺灣巧固球隊球網、傳承南島語族海洋文化的水上運動支架大洋舟船槳、臺灣第一位女性棒球裁判與她不靠競賽獲得的奧運獎盃等，引領觀眾走進既熟悉又陌生的運動故事。

展期活動開放報名

《體育課》展覽期間，也將舉辦以「運動」為題的教育推廣系列活動，場次如下、報名方法及活動詳情請留意新北市美術館官網。

_{⬬ 8/10（六）14:00-15:30｜「舞動的自我、性別與歸屬」——Voguing老師來開講
⬬ 8/31（六）14:00-16:00｜「小設計大翻轉」—運動空間親子設計工作坊
⬬ 9/28（六）14:00-15:30｜「我們是快樂的好兒童」——親子肢體工作坊
⬬ 10/5（六）14:00-16:00｜「聆聽運動節拍」——聲音即興創作工作坊
⬬ 11/2（六）15:00-16:30｜「運動：作為一種身分認同」——藝術家跨界座談}

《體育課In Terms of Sport》

展覽日期｜2024/07/05–2024/11/17

開放時間｜週二至週日10:00–17:00

展覽地點｜新北市美術館 藝術街坊（新北市鶯歌區館前路300號）

說到法國，你最先想到什麼？是浪漫，或是時尚？以上兩者都被巧妙融入2025大阪世博「法國館」當中！

法國館以「愛的頌歌」為題呈獻一座「自然劇場」，外觀如劇院舞台的場館內暗藏著蜿蜒廊道，揭開法國在藝文、時尚、科技等領域的精湛技藝，屋頂花園則重現法國自然風光，鼓勵人們與大自然建立聯繫。此外，由LVMH策劃的時尚內容亦值得關注，集團旗下時裝屋Louis Vuitton、Dior、Celine及珠寶世家Chaumet，都將以工藝為切角，帶來結合日本文化與自然元素結合的展覽。

發想自日本紅線傳說的「愛」之敘事

日本流傳著「命運紅線」的傳說，意指命運註定被牽絆的兩個人，會透過小拇指上一條看不見卻堅韌、彷彿被施以魔法的紅線相互聯繫著。法國館浪漫地以紅線傳說延伸出「愛的頌歌」主題，讓愛的3種形式——「愛自己」、「愛他人」及「愛自然」——貫穿展館建築及展覽內容，講述法國在藝術文化、科技等領域的精湛技藝（savoir-faire），如何成就法式生活風尚；同時將法國自然地貌融入展館，揭示人類在生活中與自然連結的重要性。

連結人類與非人類世界的「自然劇場」

法國館的位置非常理想，面向大阪世博主入口，訪客一出地鐵站遠遠就能看到。場館由法國、義大利建築及設計團隊Coldefy、CRA-Carlo Ratti Associati攜手，以「自然劇場」（Theatrum Naturae）為概念，打造一處人類與自然共生的棲地，詮釋設計連結人類與非人類世界的力量，鼓勵觀眾重新發現與大自然之間的連結。

來到法國館入口，迎面的是富現代感、向外開放的立面，正面像是一座面向公眾的劇院舞台，側面則完全被覆蓋，為後續「好戲」保留神秘感，吸引訪客入內一探究竟。場館路徑先引領訪客沿著蜿蜒樓梯向上，漫步觀景陽台般視野開闊的環形步道觀展，最後抵達屋頂花園，再緩緩步行返回地面。

屋頂花園，人類與自然共生的棲地

屋頂花園是法國館的一大亮點，這是一座歡迎所有生物棲息的樂園，景觀重現法國不同地區、從高山到海岸的自然風光，提醒人們時刻與自然保持聯繫。此外，完全被植物覆蓋的屋頂自成微氣候，能在炎熱夏日有效為場館內部降溫，有助於減少可能產生的城市熱島效應。

深入探究法式工藝！LV、Dior、Celine、Chaumet齊聚法國館

雖法國館內容涵蓋藝術、文化、科技、生態等領域，但說到法國，怎能不提時尚？繼擔任2024巴黎奧運主要贊助商後，LVMH集團再度參與國家盛事，其旗下時裝屋、珠寶世家等都將呈獻精彩內容：Louis Vuitton、Dior將策劃常設展（4/13～10/13），Celine、Chaumet帶來快閃展覽（4/13～5/12），展現深厚的硬箱、時裝及珠寶工藝底蘊，呼應法國館展現法式精湛技藝（savoir-faire）的精神。以下帶看各展覽亮點：

▍Louis Vuitton，穿越時空的硬箱圖書館

繼2024年底開幕的紐約臨時旗艦店，Louis Vuitton再度與來自OMA的日本建築師重松象平（Shohei Shigematsu）合作，構思一場以「硬箱圖書館」為亮點的展覽。現場將集結85件Louis Vuitton具代表性的硬箱作品，及日本新媒體藝術家真鍋大度（Daito Manabe）創作、畫面如夢幻晶洞的錄像裝置，展現品牌引以為傲的硬箱製作工藝；聲音場景也毫不馬虎，由法國媒體聲音研究中心（IRCAM）特別設計。

▍Dior，時裝到香氛、歷久彌新的法式優雅

展覽以呼應法國國旗藍、白、紅三色的經典「Dior Bar Jacket」揭開序幕，這款源自1947年的設計藉束腰剪裁凸顯女性身體線條，在二戰後掀起「New Look」時尚革命，傳承至今也由歷任創意總監延伸出多代版本。

緊接時裝的是Dior香氛作品，Miss Dior、J’adore等名作一字排開，將與日本設計師吉岡德仁、攝影師高木由利子之作，一同在法國佈景設計大師Nathalie Crinière打造的佈景中閃耀光芒。

▍Celine，串連巴黎意象與日本傳統工藝

Celine從日本「漆器」（Urushi）切入，將其與自家經典標誌「Triomphe」串連，展現品牌與日本文化及工藝知識間的連結；現場也將展出視覺藝術家中村壯志（Soshi Nakamura）及致力推廣漆器工藝的「彦十蒔絵」之作。

來認識「Triomphe」的有趣出身！故事得從1970年代說起，當時品牌創辦人Céline Vipiana的車子在巴黎凱旋門附近拋錨，等待支援時她意外發現圍繞凱旋門的鎖鏈是由雙C組成，恰巧呼應自家品牌，於是以鎖鏈為靈感設計出「Blazon Chaîne」圖樣；時間來到2018年，Hedi Slimane擔任品牌創意總監時為這經典圖樣取了新名「Triomphe」，並推出同名方包，風靡一時。究竟Celine會如何將「Triomphe」與漆器結合？令人期待。

▍Chaumet，以「蜂巢」為題的珠寶工藝饗宴

擁有兩百多年歷史、擅於將大自然之美轉譯為珠寶的Chaumet，將以自家最具代表性的「蜂巢」標誌為題，展現精湛珠寶工藝。為什麼是蜂巢？在拿破崙時代，Chaumet曾是皇家御用珠寶商，而蜜蜂是當時的皇室標誌之一，象徵著權力、忠誠與豐饒；蜂巢則蘊藏大自然的豐沛生命力，其六角形結構和繁複幾何線條不僅為珠寶造型注入無限靈感，也巧妙呼應著法國的國土輪廓，自那時起蜜蜂及蜂巢元素便常見於Chaumet的珠寶作品中，品牌備受歡迎的「Bee de Chaumet」系列即是以蜂巢為意象打造。

2025大阪世博「法國館」

展期｜2025年4月13日至10月13日

更多資訊可至法國館官網查詢

2025米蘭設計週期間，GUCCI 攜手 2050+ 創意團隊及其創始人 Ippolito Pestellini Laparelli 共同策劃《竹藝邂逅》特展，致敬竹材在品牌設計史與美學基因中的永恆印記。

本屆米蘭設計週於4月8日至13日展開，而GUCCI《竹藝邂逅》特展在16世紀聖辛普利西亞諾修道院的絕美建築群中登場，匯聚全球當代設計師與藝術家以突破性手法重新演繹竹材的創意之作。

重新演繹竹材的創意之作

《竹藝邂逅》的靈感源自 GUCCI 於1940年代中期開創的工藝革命——當時品牌首度將竹材運用於手提包握柄設計，經典的 Bamboo 1947 包款由此誕生。此後數十年間，竹元素躍升為品牌最具代表性的設計符碼，其意義遠超越單純的裝飾細節。在 GUCCI 的歷史長河中，這種材質串聯起藝術、文化與設計的多重維度，不斷衍生嶄新內涵。因此，本展即立足於此深厚傳統，探索竹材跨越時空的演進軌跡。

瑞典智利裔藝術家 Anton Alvarez 以顛覆性的家具與物件創作聞名。而這件雕塑作品《1802251226》，如同建築系統中層疊承重的結構邏輯，竹材憑藉其纖維韌性破水沖天。Alvarez將此力學美學轉化為視覺語言——在作品中， 結構即視覺表現，視覺元素亦承擔結構功能，形成崩塌與穩定的精妙平衡。有別於傳統雕塑將材料置於從屬地位，他的創作讓「材質決定形態」，如同自然力量般不可預測。本作致敬竹材與水源這兩種既穩定又狂野的生命力載體，映照人類對有機形態的永恆迷戀。

巴勒斯坦藝術家 Dima Srouji 透過玻璃、 文本與檔案等媒介，在衝突地帶探勘文化遺產的心理空間。而這件《Hybrid Exhalations》呈現竹編器皿與吹製玻璃的對話。Srouji 在全球蒐羅匿名工匠的竹籃，交由耶路撒冷與拉姆安拉之間的 Twam 家族玻璃匠人預先吹製配件。兩種時空節奏在此交會：竹編蘊含慢速冥想，玻璃吹製則需瞬間直覺。當來自巴勒斯坦的玻璃元件抵達倫敦與竹籃結合時，創造出脆弱與堅韌並存的詩意對話。

荷蘭設計團體 Kite Club 由產品設計師 Bertjan Pot與靜物攝影組合 Scheltens & Abbenes 成立，專注單線風箏的當代詮釋，此次他們帶來的《Thank you, Bamboo》系列風箏，融合當代材質與竹結構。本作混用防撕裂尼龍、塑料膠帶等現代材料與傳統竹骨，既向竹材的強韌輕盈致敬，也證明風箏製作可融入日常物件。展場特別設置旋轉竹竿機械裝置，在無風環境中模擬氣流，讓風箏於修道院中庭凌空起舞。

奧地利設計師 Laurids Gallée 擅長將民俗元素轉譯為現代材質語彙，作品遊走於功能與藝術之間。此次他以樹脂創作作品《Scaffolding》重新詮釋竹材質感。其受竹製施工架啟發，本系列以樹脂封存竹材動態瞬間。拋光細節與深藍色調強化靜謐感，負空間軟化結構線條，形成沉浸與浮現的視覺韻律。作品刻意保持功能曖昧性，邀請觀者自行詮釋。

法國藝術家 Nathalie Du Pasquier 受亞洲屏風啟發，運用竹板與絲綢面料打造作品《PASSAVENTO》，其設計了四組可移動竹製隔屏，部分鑲印巨幅竹影絲綢簾幕。竹材未經雕琢的原始管狀特質，與精緻緞面形成粗獷與奢華的質感對話，呼應其近期對直線構成的探索。 

首爾藝術家 Sisan Lee 擅長將自然素材融入當代設計，作品平衡原始性與現代感。本件作品《Engraved》以韓國「減法美學」為核心，Lee 透過鋁鑄技術間接表現竹韻。陽刻竹紋反射流光，磨砂底面則強調虛實對比，使金屬表面成為傳統水墨「留白」精神的當代載體。 

杜林與孟買雙人組 the back studio（Eugenio Rossi 與 Yaazd Contractor）擅長結合工業製程與傳統霓虹工藝。本裝置作品《bamboo assemblage n.1》，探索竹材與冷陰極光的共生可能。快速生長的天然竹結構與高科技硬體並置，質疑工業時代的計劃性報廢邏輯，提出永續技術的未來想像。

資料提供｜GUCCI