繼引發觀展熱潮的《戰鬥之城．終》後，北師美術館再推年度大展《草間彌生的「軌跡」與「奇跡」——W Collection & More 1951-2005》，全展聚焦1951至2005年草間彌生最具開創性時期之作，匯集版畫、拼貼、軟雕塑、裝置、錄像、服裝等70件作品，並重現她為1998台北雙年展創作的《圓點的強迫妄想》，成就台灣目前為止規模最大的草間彌生個展，帶觀者看一位藝術家如何藉由藝術尋得奇蹟般的自我救贖。

《草間彌生的「軌跡」與「奇跡」——W Collection & More 1951-2005》

展期｜2024.12.21－2025.5.4

地點｜國立臺北教育大學北師美術館

地址｜臺北市大安區和平東路二段134號

 

【 購票資訊 】

▍預售票

售票期間｜2024.11.14 12:00－12.20

票價｜單人票 $330

細則｜線上預約時段，每日有5個場次可選；KKday請點此；Klook請點此

 

▍展期間售票

售票期間｜2024.12.21－2025.05.04

票價｜

・單人票 $380

・優待票 $330／6歲以上持有效學生證件及學年註冊章，入場須出示正本證件，每證限購1張

・特惠票 $190／65歲以上者、持本國或外國身心障礙手冊之陪同者，入場須出示正本證件，每證限購1張

細則｜

・現場僅販售少量票卷，建議事先於線上購票，每日有5個場次可選

・不提供退票服務，務必依選定場次前往觀展

回顧草間彌生最具開創性的震盪時期

現年高齡96歲的草間彌生，為當代藝術史上最具代表性及顛覆性的創作者之一。草間彌生學生時期受日本畫訓練，卻不囿於傳統藝術形式的框架，由個體的生命經驗轉化、發展出獨樹一格的藝術語彙，作品媒材遍及繪畫、雕塑、拼貼、版畫、行為展演、錄像及大型裝置等，並跨足時尚產業，以其鮮豔奔放的色彩、大膽具原創性的創作語彙聞名於世。

1990年代，是草間彌生1973年自美國返回日本後，重回國際觀眾視野，而後大放異彩的關鍵時期。1993年，她成為首位於威尼斯雙年展日本館個展的當代藝術家；隨後五年，洛杉磯郡立美術館、東京都現代美術館接連舉辦大型回顧展，奠定草間彌生作為當代藝術大家的定位。1998年，草間彌生受邀為臺北雙年展創作巨型現地裝置《圓點的強迫妄想》，以7個帶有黑色圓點的螢光粉紅氣球滿佈北美館的中庭，此為草間彌生以巨大雕塑與公共空間對話的重要節點，那場展覽也開啟她與臺灣的頻繁交往。

4大展區亮點搶先看

《草間彌生的「軌跡」與「奇跡」》展覽以草間彌生與臺灣的原點——特別重製的《圓點的強迫妄想》揭開序幕，聚焦其1951年至2005年間的創作，展出70件精選作品，以草間彌生生涯中的創作探索與實驗為引，深入藝術家跌宕豐厚的生命軌跡。

▍草間的綻放

從《圓點的強迫妄想》為始，呈現草間彌生在1985年後至1990年代頻受世界各地邀約，以鮮豔的色彩、大型裝置作品重回國際觀眾視野的時期。逐步踏上世界舞台的她，作品揮別70年代的陰鬱，愈發流露出生氣蓬勃、無拘揮灑的創作動能。

▍圓點．原點

集結草間彌生早期的圓點、日本畫作品，呈現她早期的創作軌跡，標誌性的圓點源自她童年的精神幻覺，是她連結自然、家庭和社會現實的視覺符號，也是她探索無限的創作原點。

▍草間的蟄伏

聚焦草間彌生旅美時期的受挫經驗及1973年返日後的震盪階段，身心上的恐懼、焦躁、絕望與想望，反映在多件粉彩、墨彩與拼貼形構的平面作品上，觀者將在此潛入藝術家身心混沌時期的恐懼、焦躁、絕望與想望。

▍Love Forever

呈現草間彌生在1960年代紐約前衛藝術圈的行為展演，以《花縱慾》等4部前衛的展演紀錄影像，交織大型裝置《驅迫意象》及數件於早期演出中繪製使用的珍貴服裝，透過一系列激進的行動藝術作品，看她如何以反戰、性別、身體、愛為主題，挑戰當時的社會規範，激發大眾對當代社會的反思。

你可能不曾見過的草間彌生

北師美術館汲取收藏家W Collection獨到的收藏視野，奠基於日本青森縣立美術館《從W Collection看草間彌生的軌跡與奇跡》（草間彌生の キセキ –W コレクションによる）的展覽成果，亦與草間彌生工作室緊密合作，除重製《圓點的強迫妄想》之外，並借展10餘組鮮少曝光的偶發展演紀錄及服裝展件，聚焦藝術家早期行為實驗對形塑其藝術生涯的重要性。

除了觀眾熟悉的圓點、網狀圖案如《花》與《南瓜》等平面繪畫，此次展覽也將呈現人們不曾見過的草間彌生：從小生長於長野縣松本市育苗場和採種場的她，時常聽見植物與其對話，因此將自身幻化為植物的《自畫像》，甚至是試圖抹除物我界線的《花強迫（非洲菊）》行為錄像；將圓點滿佈人像和周遭環境的大型裝置《幻影的彼方》，高跟鞋上交織填充了無數陽具形狀的軟雕塑《性的強迫妄想》，以及60年代草間彌生於紐約策畫「乍現」（happening）行為演出時，設計繪製的《無題（彩繪上衣）》原件。

2025米蘭設計週期間，GUCCI 攜手 2050+ 創意團隊及其創始人 Ippolito Pestellini Laparelli 共同策劃《竹藝邂逅》特展，致敬竹材在品牌設計史與美學基因中的永恆印記。

本屆米蘭設計週於4月8日至13日展開，而GUCCI《竹藝邂逅》特展在16世紀聖辛普利西亞諾修道院的絕美建築群中登場，匯聚全球當代設計師與藝術家以突破性手法重新演繹竹材的創意之作。

重新演繹竹材的創意之作

《竹藝邂逅》的靈感源自 GUCCI 於1940年代中期開創的工藝革命——當時品牌首度將竹材運用於手提包握柄設計，經典的 Bamboo 1947 包款由此誕生。此後數十年間，竹元素躍升為品牌最具代表性的設計符碼，其意義遠超越單純的裝飾細節。在 GUCCI 的歷史長河中，這種材質串聯起藝術、文化與設計的多重維度，不斷衍生嶄新內涵。因此，本展即立足於此深厚傳統，探索竹材跨越時空的演進軌跡。

瑞典智利裔藝術家 Anton Alvarez 以顛覆性的家具與物件創作聞名。而這件雕塑作品《1802251226》，如同建築系統中層疊承重的結構邏輯，竹材憑藉其纖維韌性破水沖天。Alvarez將此力學美學轉化為視覺語言——在作品中， 結構即視覺表現，視覺元素亦承擔結構功能，形成崩塌與穩定的精妙平衡。有別於傳統雕塑將材料置於從屬地位，他的創作讓「材質決定形態」，如同自然力量般不可預測。本作致敬竹材與水源這兩種既穩定又狂野的生命力載體，映照人類對有機形態的永恆迷戀。

巴勒斯坦藝術家 Dima Srouji 透過玻璃、 文本與檔案等媒介，在衝突地帶探勘文化遺產的心理空間。而這件《Hybrid Exhalations》呈現竹編器皿與吹製玻璃的對話。Srouji 在全球蒐羅匿名工匠的竹籃，交由耶路撒冷與拉姆安拉之間的 Twam 家族玻璃匠人預先吹製配件。兩種時空節奏在此交會：竹編蘊含慢速冥想，玻璃吹製則需瞬間直覺。當來自巴勒斯坦的玻璃元件抵達倫敦與竹籃結合時，創造出脆弱與堅韌並存的詩意對話。

荷蘭設計團體 Kite Club 由產品設計師 Bertjan Pot與靜物攝影組合 Scheltens & Abbenes 成立，專注單線風箏的當代詮釋，此次他們帶來的《Thank you, Bamboo》系列風箏，融合當代材質與竹結構。本作混用防撕裂尼龍、塑料膠帶等現代材料與傳統竹骨，既向竹材的強韌輕盈致敬，也證明風箏製作可融入日常物件。展場特別設置旋轉竹竿機械裝置，在無風環境中模擬氣流，讓風箏於修道院中庭凌空起舞。

奧地利設計師 Laurids Gallée 擅長將民俗元素轉譯為現代材質語彙，作品遊走於功能與藝術之間。此次他以樹脂創作作品《Scaffolding》重新詮釋竹材質感。其受竹製施工架啟發，本系列以樹脂封存竹材動態瞬間。拋光細節與深藍色調強化靜謐感，負空間軟化結構線條，形成沉浸與浮現的視覺韻律。作品刻意保持功能曖昧性，邀請觀者自行詮釋。

法國藝術家 Nathalie Du Pasquier 受亞洲屏風啟發，運用竹板與絲綢面料打造作品《PASSAVENTO》，其設計了四組可移動竹製隔屏，部分鑲印巨幅竹影絲綢簾幕。竹材未經雕琢的原始管狀特質，與精緻緞面形成粗獷與奢華的質感對話，呼應其近期對直線構成的探索。 

首爾藝術家 Sisan Lee 擅長將自然素材融入當代設計，作品平衡原始性與現代感。本件作品《Engraved》以韓國「減法美學」為核心，Lee 透過鋁鑄技術間接表現竹韻。陽刻竹紋反射流光，磨砂底面則強調虛實對比，使金屬表面成為傳統水墨「留白」精神的當代載體。 

杜林與孟買雙人組 the back studio（Eugenio Rossi 與 Yaazd Contractor）擅長結合工業製程與傳統霓虹工藝。本裝置作品《bamboo assemblage n.1》，探索竹材與冷陰極光的共生可能。快速生長的天然竹結構與高科技硬體並置，質疑工業時代的計劃性報廢邏輯，提出永續技術的未來想像。

資料提供｜GUCCI

與2025米蘭設計週同步登場的「24 Hours」計畫中，時間變成了一種可被觸碰、想像，甚至玩味的物件——由24組風格迥異的國際設計師所詮釋的24款掛鐘，打破對於「報時」的既定印象，也重新定義了設計的形式與功能。

24組設計師、24款創意時鐘

「24 Hours」由設計工作室Jamie Wolfond Studio策劃與執行，共邀請24組國際設計師參與。這些設計師在創意的光譜上各據一方，有人以研究為本、有人注重形式、有人偏好手作⋯⋯而他們收到的任務很簡明扼要：「製作一款可壁掛的時鐘，其尺寸必須能裝入一個邊長50公分的立方盒子中。」

這24個掛鐘的設計跨越不同時代與風格，把「時間」轉換成流動而靈活的元素，並邀請觀眾重新思考設計與實用性之間的關係。2025米蘭設計週期間，「24 Hours」將於藝文空間RIVIERA展出，由創意工作室Simple Flair策展，讓觀眾一覽這24個獨一無二的時鐘。以下精選了其中8款獨具特色與設計巧思的時鐘，一起來看看吧！

▸ Wrist to Wall

設計師：Chris Kabel

現在很少有人依靠手錶來看時間了。為了善用這些被淘汰的手錶，設計師發明了一個配置掛勾的放大鏡，讓使用者把舊手錶掛在牆上，透過放大鏡觀看錶面。讀取時間這件事從手腕移到了牆面，如同從私人轉變為公共的存在。

▸ Final Sale

設計師：Jamie Wolfond

這款時鐘由收據機（微型印表機）改裝而成，它每分鐘列印一次當前的日期與時間，並任其拋落在地上。而一旁閃爍的燈光，則顯示秒數的流逝。「Final Sale」每天列印1,440張收據、一週列印10,080張，每張收據皆獨一無二，快速堆積在時鐘下方。

▸ 24-hour Clock (Manual)

設計師：Sam Newman

這是一本共1,440頁的筆記本，每頁都有60個格子，對應一整天24小時內的每一秒。使用者需要像時鐘一樣，每秒在格子上打勾記錄時間。而為了保持時間精準，打勾的行為行為將全然佔據思緒、甚至帶有強迫性，最終浪費掉大量時間。

▸ Real Time

設計師：Sina Sohrab

這款時鐘由四個螢幕組成，輪播著全球約200個監視器的即時影像，包含從紐約的電梯到米蘭的教堂祭壇，從突尼西亞的服飾店到日本大阪的工廠，從印度阿布山的冥想室到峇里島的理髮店等。每個監視器畫面上的時間戳記成為「即時性」的證明；而觀看世界各地缺乏敘事性的畫面，就像是用某種抽象的方式追蹤時間的流逝。

▸ Time by Crayon

設計師：Shigeki Fujishiro

這款時鐘概念源自於設計師曾看過的一種玩具，裡面有球狀的蠟筆在盒中滾動，在底部畫出一幅圖像；隨著圖案逐漸加深，球體也越變越小。「Time by Crayon」將球狀蠟筆置於圓形框中，沿著邊緣不停地滾動，畫出越來越深的線條，象徵時間的流逝。

▸ Pendulum

設計師：Shane Schneck

尼采曾說過「時間本身就是一個圓」。他假設時間不是線性的，而是循環的，而人類所經歷的每個快樂、痛苦與喜悅，將不斷重演。這款時鐘使用舊平板電腦進行遠端編碼，呈現出觀眾所看到的畫面：最大的一圈顯示24小時制時間，而鐘擺每秒擺動一次，如同數位時代的布穀鳥鐘一般。這款時鐘不僅回應了尼采的理論，也向觀眾展現了電子垃圾的循環利用。

▸ Ravioli with butter and sage clock

設計師：Chris Fusaro

靈感源自於北義大利經典料理「奶油鼠尾草義大利餃」（ravioli con burro e salvia），這件作品以陶瓷盤為底，邊緣的紋飾作為12、3、6、9點標示，指針由兩片鼠尾草葉組成，而義大利餃則靜置於盤中，閃著奶油包裹的金黃色澤。此外，這些義大利餃皆由傳統的脫蠟鑄造（cera persa）技術製成，將工藝與飲食文化相結合。

▸ Belle

設計師：Studio Œ

「Belle」的靈感來自古老時代的報時方式。在多數人家中沒有時鐘的年代，人們依賴教堂鐘聲等聲音掌握日常生活節奏，用以區分工作時間、用餐與社交聚會等。在鬧鐘普及之前，還有一種職業叫做「敲窗人」（Knocker-uppers），他們會用吹管朝住戶的窗戶射出豌豆，叫醒早班工人。而這款「Belle」便是透過聲音引導使用者，每過15分鐘，它會模仿豌豆撞擊表面的聲音來報時。