開幕不久的基隆美術館正式迎來首檔國際大展《第25小時》，邀請來自7個國家、共17組藝術家共同參與，以藝術家們的特殊生命經驗為引，透過大規模的裝置、影像、互動等形式，探討個人和社會的相互影響，遊走於不同時空次元。

緊鄰港口的基隆美術館，由傳統文化中心轉型而成，期望以地方人文指標建築之姿帶動城市文化藝術發展，從核心概念「藝術委託行」出發，融入歷史感與當代性，打造出一座屬於基隆人、台灣人，甚至世界各地訪客的美術館，邀請藝術家和觀眾對話，賦予基隆和藝術新色彩。

《第25小時》回望時空扭曲的錯覺

《第25小時》由林裕軒、黃郁捷擔任策展人，兩人都擁有豐富的策展與國際經驗。兩位策展人從與藝術家的談話間發想，挖掘出彷彿在日復一日之外延伸出的另一個時空，並邀請17組國內外藝術家，藉由作品呈現無法言喻的感受與經驗。

其中，全球性的疫情可說是大家最普遍、最歷歷在目的共同經驗。黃郁捷表示，除了談「事件」本身，也希望能從中細緻地提取、描繪個人感受，並以小見大地回應社會思考，探索世界還有什麼可能？林裕軒則舉例分享，自己年初在日本Tokyo Arts and Space進行駐村計畫時，深入研究面對自然災害的應變方法、再到對於人造災難（勞動與政治）的解度，這些都成為《第25小時》的養分，也讓他與參展藝術家下道基行碰面時，展開一場詮釋災難與政治對話，進而為展覽選入《Bridge》這件作品。

《第25小時》亮點作品介紹

▍黃博志《一週八天》

藝術家黃博志長期透過訪談，紀錄世界各地女工的生命經驗，挖掘其中的相似與迥異之處。《一週八天》啟發自藝術家母親「我沒有空」的自嘲，似乎在超時工作的狀態下，唯有一週八天才真正擁有空閒和時間；藝術家的母親說，如果一週有八天，她想去木柵動物園看大象林旺——長時間的工作在她身上留下了痕跡，所以她總說自己的腿「腫得像象腿一樣」。本次展覽中，藝術家更與風箏師傅合作，將母親繪製的大象製作成真的能夠飛行、掙脫束縛的風箏。

▍Clédat & Petitpierre《蔓舞奇境》

法國雙人組Clédat & Petitpierre的《蔓舞奇境》，是整個展覽量體最大的作品。這件作品曾在法國龐畢度當代藝術中心、上海西岸龐畢度中心、澳門等地展出，以一株奇異的巨型藤蔓植物為發想，結合多種形狀、色彩繽紛的物件，邀請觀眾踏入空間，透過肢體動作自由探索作品。

▍鄺鎮禧《綠燈》、《紅氊》

香港藝術家鄺鎮禧藉由重組日常物件，改變其物質狀態與使用方式，來回應自己對社會的觀察。像是《綠燈》就將綠光水平珠置於LED燈版中，把光線過濾成綠色，呈現他在疫情期間體驗到的奇異時間感；而《紅氊》則是剪下紅白相間的防滑磨砂帶中的紅色部分，拼貼出一整面的磚紅色。行走於空間中所感受到的磨砂帶阻力，引導觀眾產生異於平時的身體感，繼而思考人、物件、空間三者關係。

▍Olaf Nicolai《如何想像蠟燭熄滅後的光》

這種異於日常體驗的關係，也可於德國藝術家Olaf Nicolai的作品中感受到。他擅長在空間裝置內，藉由變化媒材的特性，對日常瑣事和既定認知提出圍觀的論點，利用觀者的直覺為支點，放大和提醒特定的感知。《如何想像蠟燭熄滅後的光》互動裝置邀請觀眾步入暗間，用光線在另一面由紫外線燈照射的牆上留下痕跡，彷彿捕捉光和時間。

▍毛利悠子《Piano Solo - Ohara》

今年代表威尼斯雙年展日本館的藝術家毛利悠子，則帶來裝置作品《Piano Solo - Ohara》。疫情期間，藝術家獨自住在琵琶湖山中小屋，錄製大自然的各種聲音，創作了這件作品。麥克風收入預錄的海浪聲響和現場環境音，透過程式演算轉成即興鋼琴演奏曲，往來間產生了失準和延遲，而鋼琴當然也無法模擬出海浪的聲響，作品進而點出了自然和人工之間的不協調，與窗戶外的基隆港景色，產生有趣的內外對比。

▍鈴木悠哉《內庭／外庭》

日本藝術家鈴木悠哉以基隆作為田野調查的基礎，觀察家戶前那些擺放著植栽和無用之物的小花園，將這些物件以繪畫形式抽象化，映照出「私人／公眾」之間的灰色地帶，從個人的內心世界和記憶與外頭的物質和社會之間的連結，試圖呈現這個想像中的花園，以及人類如何與周遭環境連結和抵抗。

▍下道基行《橋》

作為一名以攝影為主要手法的藝術家，在311地震發生後，下道基行思索自己是否該拍下災難現場、是不是要為這個當下留下些什麼東西？他買了一台機車、騎著它環遊日本，拍下一系列「類似橋」但其實只是放在路邊排水溝的板子，將這些影像串連成一本長達63公尺的書，加上與當地居民的互動、採訪，把埋沒在其中的故事重新傳述。

展覽期間，下道基行也將帶領工作坊，跟觀眾一同在基隆以「看不見的風景」跟個大家走入基隆街區，用自己的方式紀錄、找尋那延伸自日常生活的感知不同時空。

▍車在民 《綠幕與迷宮》

這是一支由韓國勞動部與藝術家車在民合作的錄像作品。影片內容非常單純，就是紀錄一位電纜工人的每日日常，藝術家捕捉工人全身繫滿了鋼鎖然後爬上電線桿、徒步走在大街小巷鋪設電纜線等。最特別的畫面，是對於工人手部動作的特寫——當電纜線被抽離、工人的手卻持續操作，邀請觀眾反思在價值至上的社會裡，勞動剩下什麼意義？

《第25小時》展覽期間規劃多場策展人、跨界專家帶領的導覽和活動，還有日本藝術家下道基行於基隆舉辦「看不見的風景」工作坊，帶領大家走入基隆街區，而驫舞劇場也將策劃2場親子和樂齡專屬的〈自由步〉工作坊等。

_{參展藝術家名單：
車在民、陳為榛、丘智偉、鄭栖英、伊凡・克萊達特＆可可・佩迪皮耶、黃博志、高雅婷、鄺鎮禧、賴科維、林冠名、毛利悠子、歐拉夫・尼可萊、下道基行、鈴木悠哉、曾家偉、亞魯、楊健生（依英文姓氏字母順序）}

《第25小時》

展覽日期｜2024年9月26日至12月1日
展覽地點｜基隆美術館（基隆市中正區信一路181號）
開放時間｜週二至週日9:00-17:00，週一固定休館，國定假日除外

2025大阪世博於4月13日開幕，除了各具特色的國家館外，主題館（Signature Pavilions）展區也不能錯過！共8座主題館分別由日本建築、設計、音樂、影視等各界大師領銜，切入生命的各個面向，用趣味的互動式探索體驗，引領觀眾反思人類、藝術、自然、科技間的緊密連結。

Better Co-Being（Resonance of Lives）

以「いのちを響き合わせる（生命共鳴）」為主題的「Better Co-Being」，由慶應義塾大學醫學部教授宮田裕章策劃，並由建築師妹島和世與西澤立衛共同創立的建築事務所SANAA操刀、金澤21世紀美術館館長長谷川祐子擔任策展人。展館位於世博會場中央的一片寧靜森林，以無屋頂、無牆壁的設計，模糊室內與戶外的界限，傳遞開放性與共享的理念。

展館主題聚焦於多元社會中的資源共享、互相尊重與人際關係，將結合3D觸覺科技互動裝置與專屬體驗APP等創新技術與藝術，讓觀眾體驗深層情感共鳴。展覽共分為三個展區：「人與人之間的共鳴」以多媒體藝術表現情感交流的可能性，幫助人們重新挖掘彼此的連結；「人與世界的共鳴」以象徵多元價值的彩虹視覺呈現未來願景，鼓勵對平等與包容的深思；「人與未來的共鳴」透過互動裝置，展現環境與人類之間的動態變化，啟發對未來生活模式的想像。

Future of Life（Amplification of Lives）

由日本人形機器人權威石黑浩領銜，這座展館描繪未來五十年間科技可能如何影響並擴展人類的生活。展館內的互動展覽探討科技與社會融合的多樣可能性，像是科技與日本文化的關聯、科技為生活創造的便利、存在於科技中的生命（機器人）、千年後生命的形態等，啟發性地呈現未來生活藍圖，鼓勵觀眾重新審視人類與科技的共存關係。

Playground of Life: Jellyfish Pavilion（Invigorating Lives）

由音樂家中島幸子策劃的「Playground of Life」以「水母」為靈感，建築外觀採用半透明膜結構，呈現萬物生命的柔軟流動性。展館主打創造力與遊戲性，致力於打造一個結合藝術、音樂與互動體驗的夢幻空間。

館內，二樓的「遊戲山」結合原生植被的攀爬設施與滑梯，觀眾可以盡情地攀爬，喚起童年時期的純真與活力；一樓則是現場音樂的表演場域。該展館致力塑造一間「未來地球學校」，不為年齡設限，讓觀眾在玩樂中體會學習的樂趣。

null2（Forging Lives）

該展館的核心設計概念是重塑「鏡子」的象徵意義，利用互動裝置與數位科技讓觀眾探索超越現實的景觀，讓人感受到自然與建築的交融。走進展館，觀眾的身體將被數位化，與有機變形的自己互動。

DYNAMIC EQUILIBRIUM OF LIFE（Quest of Life）

根據熱力學第二定律「熵增定律」，有序只會朝無序的方向移動。然而，唯有生命才是無視這法則、尋求維持秩序的力量；只有生物才會主動地同時分解、重塑自己，而這種「動態平衡」就是生命本身的本質。

該展館內容由設計顧問公司Takram策劃，通過互動燈光裝置展現「生命的動態平衡」。展館巨大的屋頂以輕柔漂浮的形象，象徵生命的循環與流動，而館內展覽則佈滿流動的燈光與多重感官體驗。觀眾將在此感受身體轉化為粒子，溶解到環境之中，重新審視個體生命在整體生態中所扮演的角色，並重新思考生命的短暫與無限。

LIVE EARTH JOURNEY（Totality of Life）

設計師河森正治策劃的展館，聚焦在宇宙、海洋、陸地上所有生命的連結，從以人為本的思考轉變回以全生命為本，強調保護和培育生命的重要性。展覽共分為四個展區：沉浸式XR體驗整合虛擬與現實空間；五感音樂劇場展現生命的活力與熱忱；4公尺的巨幕投影出太空中所看見的地球，與雞蛋內的生命成長情形，是人類感官所無法捕捉的時空尺度；最後一個展間則放大微生物的生長動態，揭開平日視線之外的生命循環。

EARTH MART（Cycle of Lives）

「Earth Mart」由建築師隈研吾與設計師八木保共同打造，其靈感源自於農村生活。展館以里山常見的茅草屋頂建成，象徵過往鄉村生活的繁榮。

「Earth Mart」內部設計如同一座未來市集，而觀眾可以在此認識糧食的循環議題。展覽內容涵蓋未來飲食模式、傳統文化與新興科技的比較、當前社會的糧食挑戰與創新解決方案等，並邀請觀眾以趣味的形式踏上這趟探索之旅，重新塑造新時代的生活見解。

Dialogue Theater –sign of life–（Embracing Lives）

最後一個展館由導演河瀨直美策劃，是一座參與式的對話劇場，每日設定不同主題，隨機邀請參觀者與預先招募的對話者共同展開討論，藉由個人經驗交流、全球議題討論，激盪出更多互動火花。策劃團隊表示，發生在這裡的都是「一生中只有一次」的偶然對話，也無法被預見。展期間的每次對話都將被留存，將傳承給未來人類。

2025大阪世博（2025大阪萬博）
展期：2025年4月13日至10月13日，早上9點至晚上10點

位於台中市西區林森路40號的「Ippuku｜林森40」，前身為1927年落成的大屯郡守官舍，是日治時期郡守的官邸，結合日式與西式建築語彙，靜靜見證城市與時代的遞遷。歷經多年修復，這座歷史建築將重新開放，由中島GLAb與BD Home進駐，方方設計協助空間規劃，將歷史建築轉化為當代藝文空間，開展一段關於藝術、 美學與生活的新篇章。 

「Ippuku」源自日文いっぷく，意指在忙碌日常中的片刻停留——像是一杯茶、一份點心，或是一段短暫的 沉靜時間。這樣的中場時光，不僅是休息，更是一種重新對焦的狀態；它讓人有餘裕去感受當下，也為創作、 感情、思念與轉變騰出空間。在這樣的精神之下，觀者得以重新連結自身與他人，觸及內在那份尚未說出的期 待與悄然浮現的共鳴。

Ippuku / 林森40 首檔展覽《家之所嚮-Home, being there》，由擅長可視性設計（viewability design）的中島 GLAb 團隊策劃，邀請到日本木雕藝術家渡邊文矢（Fumiya Watanabe）展出其細緻且深情的創作。他以木為媒材，呈現出生活中那些無聲卻長久的情感。作品不求張揚，而是靜靜陪伴、安放，像是一件熟悉的器物、一段 溫柔的記憶，潛伏於我們每日生活之中。

渡邊先生表示：「我想創作出源自日常感受的作品，讓自己回到創作的原點。在這樣的心境下，我創作了《家之所嚮-Home, being there》系列。他們一直在我身邊，也住在我的心中。」

在這座被重新喚醒的歷史空間中，《家之所嚮 home, being there》不僅是一次木雕藝術展覽，更像是一段安靜的邀請。邀請我們暫時停下腳步，與某段記憶重逢；與某個溫柔片刻相遇。「Home，是家，是歸屬之地。」渡邊文矢以作品回應家之於旅程的意義，在旅途與家的往返之間定義了座標，讓旅途有了方向。

一個空間，可能是起點，亦可能是轉折，是停歇，也是再次出發。過往的大屯郡守官舍，以新的身份Ippuku林森40再次打開大門，在此空間，遇見渡邊文矢，邀請您一起思考、感受「家之所嚮」的意義。

渡邊文矢《家之所嚮 home, being there》

展期：2025.04.18-05.18，10:00-17:00
地點：Ippuku|林森40（週一、二休館）

_{資料提供｜中島 GLAb}