致力透過紀實攝影反映社會景象、引發民眾思考的馬格蘭攝影通訊社，受UNIQLO之邀共創《PEACE FOR ALL X MAGNUM PHOTOS》國際攝影展，即日起台北同步全球各大城市展開。

UNIQLO《PEACE FOR ALL X MAGNUM PHOTOS》展覽靈感源自對世界和平的想望、望所有人皆能安然生活的期許，由攝影師Cristina de Middel、Olivia Arthur及Lindokuhle Sobekwa，各自走訪亞、歐與非洲三地，以各自獨特視角為UNIQLO「PEACE FOR ALL」慈善計畫行動留下生動紀錄，傳達困頓生活中暗藏的動人生命力。

馬格蘭攝影通訊社，紀實攝影不可或缺的要角

馬格蘭攝影通訊社（Magnum Photos）成立於1947年，最初為了忠實呈現二戰後的社會影像紀實而組成，創辦成員都是當時知名的新聞攝影師，包含布列松、喬治．羅傑、曾於北美館舉辦大型回顧展《視覺爆炸》的勒內．布里等，他們都將鏡頭對準社會及大地上的人文風景，以紀實攝影聞名於世，無論是中國天安門廣示威、柏林圍牆倒塌等國際歷史重要一頁，都有馬格蘭成員穿梭現場拍攝的身影。

紀錄亞、非三地的困境與生命力

《PEACE FOR ALL X MAGNUM PHOTOS》由馬格蘭攝影通訊社主席Cristina de Middel領軍，攜手攝影師Olivia Arthur及Lindokuhle Sobekwa，分別前往3個「PEACE FOR ALL」捐款受益組織支持的主要地區——越南、羅馬尼亞和衣索比亞，捕捉於當地支援行動的珍貴瞬間。最終展覽呈現63幅作品，融合新聞紀實與藝術手法，展現購買和穿著UNIQLO「PEACE FOR ALL」慈善T-Shirt背後的意義，並具體展示這些行動為難民與弱勢孩童帶來的實質幫助。

3位馬格蘭攝影師作品亮點一次看

▍Cristina de Middel › 越南

現生活及工作於家鄉西班牙、墨西哥兩地的Cristina de Middel，這次前往越南拍攝國際培幼會在當地的援助行動，包含支持女童教育、翻修學校宿舍、建立衛生設施等內容。

她期待自己的作品能夠喚起人們天生的「創造力」，這是每個人在孩童時期就具備的能力，讓我們能將一張紙變成一艘船、把一支鉛筆想像成火箭，她也分享了這趟越南行的心得：「我相信，如果想要改變世界，必須提醒下一代：這個世界是可以被改造和改變的。」

▍Olivia Arthur › 羅馬尼亞

出身英國的攝影師Olivia Arthur，長年以影像探討個人及其文化認同之間的關係，這次她隨救助兒童會前往羅馬尼亞一座諮商中心，參與組織為逃離俄烏戰爭的兒童和家庭所籌辦的遊戲和工作坊，紀錄其為戰爭難民所提供的教育、心理、健康等援助。

過程中Olivia Arthur亦有所感悟，並將其融入T-shirt設計當中：「孩子們最強大的工具就是想像力，所以我希望創造一個能讓孩子們自由表達的空間，讓他們可以盡情玩耍，釋放腦海中的奇思妙想。現場充滿了歡笑聲，以及各種富有創意的生物和姿勢，展現了孩子們無限的創造潛力。」

▍Lindokuhle Sobekwa › 衣索比亞

來自南非的攝影師Lindokuhle Sobekwa，早期攝影涉及鄉鎮的貧困、失業等議題，雖近期鏡頭轉向自身生活，仍持續透過影像表達對社會的關懷，這次他與聯合國難民署來到衣索比亞，為被迫流離失所的人們提供食物、生活必需品、教育等援助，並留下一系列拍攝於衣索比亞、索馬利亞邊境的紀實影像，呈現在地的生活樣貌。

這趟非洲之行，對Lindokuhle Sobekwa是次學習，「在與Aw-barre營地的難民合作時，我深刻感受到希望、夢想與復原力，這些也成為我作品的核心主題。T-shirt的設計以彩虹作為隱喻，象徵希望與對美好未來的承諾。」

PEACE FOR ALL，各界名人表達對和平的想望

此次馬格蘭攝影通訊社參與的UNIQLO「PEACE FOR ALL」慈善計畫，於2022年夏天正式啟動，其以UNIQLO擅長的服裝為載體，邀文學、時尚、建築、設計等領域名人跨界設計特別款T-Shirt，闡述各自對和平的想望和期許。在馬格蘭攝影通訊社之前，文學家村上春樹、建築大師安藤忠雄、設計師吉岡德仁、德國名導Wim Wenders、LOEWE創意總監Jonathan Anderson、執掌時尚品牌Lemaire和UNIQLO U系列的服裝設計師Christophe Lemaire等人都曾參與。

截至2024年7月底，此計畫已在全球銷售超過四千萬件T-shirt，募集超過15億日圓，而銷售所得的100%利潤（相當於銷售價格的20%）皆捐贈給3個國際援助組織：聯合國難民署、拯救兒童基金會、國際培幼會，以幫助受到貧困、歧視、暴力和衝突影響的人們。

UNIQLO《PEACE FOR ALL X MAGNUM PHOTOS》國際攝影展

展期｜2024.09.20－11.30 11:00－22:00

地點｜UNIQLO TAIPEI 全球旗艦店（台北市大安區忠孝東路四段200號4樓）

臺北市立美術館（北美館）不停打破美術館常為白盒子的疆界，先後於館區策劃綠意露天中庭、每年變換的X-site空間實驗等，如今更嘗試於地下樓打造一座藝術影院，以「類影展」的形式推出「開放式結局：TFAM放映計畫」。

「開放式結局：TFAM放映計畫」邀請亞、歐為主的重量級導演和影像藝術家，精選多部難得一見、甚至是臺灣首映的電影與影像作品，選片涵蓋錄像、短片、紀錄片、動畫、藝術及實驗電影等。首波企劃以17支作品組成「白噪音」與「羊皮紙」兩大單元，從法國新浪潮代表尚盧．高達到亞洲導演蔡明亮、鍾孟宏等人鮮少曝光之作都將接連登場。

首波片單集結17部電影及藝術影像

「開放式結局：TFAM放映計畫」第一階段選片由17支長、短片組成，大多是較難在一般影展或商業性影院能看到的作品，導演國籍橫跨臺灣、中國、日本、越南、法國等地，其中多位創作者擁有跨界身份狀態，作品具有高度的藝術實驗和前衛性，也透露了當代電影與美術館之間的再次交匯。

「羊皮紙」聚焦身份、場域等的轉換效應 + 3部作品推薦

「羊皮紙」單元將展廳轉譯為類似複寫紙的空間文本，書寫著電影所涉入關於歷史、記憶的對話，也透過作品凸顯創作者在電影導演與錄像藝術家之間的身分轉換，及其所造就的影像風格轉型；同時也藉由混用空間裝置、採行多頻道等不同的藝術表達，以及特別選用與影展有異的播映版本，加深觀者身在電影院之外（美術館）觀影的體感。

▍尚盧．高達監製鉅作《電影史》

法國新浪潮導演尚盧．高達監製的鉅作《電影史》（Histoire(s) du cinéma），片中有多達495部電影、148本圖書和眾多圖像片段被重新剪輯混接。策展團隊曾炫淳表示：「高達通常以『電影導演』的身分被認識，但其創作上的叛逆與實驗，使其影像超越了『電影』，影響當代藝術深遠。」《電影史》可說是一件大型創作計畫，這件鉅作除了影片，還曾公開發行過圖文專書及音樂唱盤。從法文片名「加s的複數型態」可以推敲，對高達而言，歷史是可被多重組構成不同版本的複合式意涵，曾受法國龐畢度中心邀請展映的《電影史精選時刻》便是其中一套再衍生的方案。

▍蔡明亮《是夢》

蔡明亮導演的《是夢》，內容帶有創作者自傳色彩，來自導演童年時代的老戲院印象。有別於坎城影展60週年的3分鐘紀念短片，本次選映22分鐘的長版本，原為錄像裝置，曾在第52屆威尼斯雙年展臺灣館展出；此次特別以單頻道影片放映，與其他作品一同展映，更完整地呈現蔡明亮對於人物、時間、空間的凝視命題與獨特影像美學，也呼應「羊皮紙」單元反映創作者影像範式多樣化的策展理念。

▍陳界仁《殘響世界》

陳界仁《殘響世界》拍攝樂生療養院被迫拆遷的五年後，興建捷運機廠的情景與殘餘院區的傷痛形成鮮明對比。此片首先作為四頻道錄像作品發表在美術館，其後亦曾出現在雙年展、紀錄片影展、或甚至在樂生療養院旁的空地實體播映，傳遞藝術家結合複數展映形式與實踐、藝術、行動的多形態創作。

「羊皮紙」單元完整片單

尚盧．高達《電影史精選時刻》、蔡明亮《你的臉》、《是夢》、《化生》、《漫不經心》、楊福東《陌生天堂》、陳界仁《殘響世界》

「白噪音」藉影像反思人類世議題 + 4部作品推薦

「白噪音」單元則從美國文學家唐．德里羅（Don Delillo）於1985年出版的小說《白噪音》為靈感，選片聚焦在人類世的當代處境，從資訊的氾濫、迫近的環境威脅，再到科技帶來的進步與毀滅，讓影像擴延為眾聲喧嘩的載體，縈繞著當代議題的留白省思。

▍鍾孟宏早期短片作品

本次北美館一次選進以《陽光普照》及《瀑布》導演鍾孟宏早期作品，包含較少曝光的三部短片：《逃亡》、《驅魔》及《慶典》，這三部曾獲金穗獎的影片拍攝於1993至1994年間，是他進入廣告業前那段探索時期的創作，多方嘗試聲音及影像組合的可能性。

▍趙亮《無去來處》

中國紀錄片運動的先驅趙亮帶來《無去來處》，片中以一男一女串連起人類核災害的歷史軌跡及現狀，運用日本能劇的舞臺元素、大量全景式的無人物空鏡頭，及挪用紀實寫作《車諾比的悲鳴》的部份內容作為人物對白，嘗試透過音像書寫人類的近未來寓言。

▍荒木悠《炉》

荒木悠《炉》聚焦環境議題，透過和緩的剪輯節奏，配合沉思、簡約的燉煮畫面，含蓄而巧妙地暗示人與火的關係，如同當代電影的民族誌般，帶出阿伊努原住民文化的反思。

▍曹斐《霾》

曹斐的《霾》拍攝於2013年的北京，與《炉》同樣著眼環境議題，片中黑暗的詩意影像描繪人們在灰霾籠罩的城市中生活的情景，也訴說了中國迅速都市化之下，人類慾望、孤立、環境污染與社會分化的敘事。

「白噪音」單元完整片單

鍾孟宏《逃亡》、《驅魔》、《慶典》、荒木悠《炉》、趙亮《無去來處》、蘇匯宇《未來的衝擊－永恆的消逝》、《未來的衝擊》、曹斐《霾》、阮純詩《賓童龍的來信》、螺旋槳小組《生者要光，死者賞樂》

「開放」的定義任你書寫

北美館表示，「開放式結局：TFAM放映計畫」並非一般的視覺藝術展出，而是帶狀式的影片播映計畫，名稱中的「開放」除了意指觀者詮釋的自由，更多是一種對影像形式方法的解構、對另類浪潮的致敬，以及對藝術定義的不設限。為了強化放映的臨場感，北美館特別在臨時影廳的空間設計中融入復古元素，除了隱約可見的售票口意象，搭配定時的播映、海報的張貼，讓美術館一隅化為聲光融匯的大型沉浸裝置。

全計畫區分為三階段選片，將延續至2025年6月，第一階段將從10月12日起至12月29日為止，放映時間為每周二至日下午2點至4點，及周六夜限定時段晚上6點至8點。若想了解詳細節目資訊，可見北美館官方展覽頁面及社群。

開幕不久的基隆美術館正式迎來首檔國際大展《第25小時》，邀請來自7個國家、共17組藝術家共同參與，以藝術家們的特殊生命經驗為引，透過大規模的裝置、影像、互動等形式，探討個人和社會的相互影響，遊走於不同時空次元。

緊鄰港口的基隆美術館，由傳統文化中心轉型而成，期望以地方人文指標建築之姿帶動城市文化藝術發展，從核心概念「藝術委託行」出發，融入歷史感與當代性，打造出一座屬於基隆人、台灣人，甚至世界各地訪客的美術館，邀請藝術家和觀眾對話，賦予基隆和藝術新色彩。

《第25小時》回望時空扭曲的錯覺

《第25小時》由林裕軒、黃郁捷擔任策展人，兩人都擁有豐富的策展與國際經驗。兩位策展人從與藝術家的談話間發想，挖掘出彷彿在日復一日之外延伸出的另一個時空，並邀請17組國內外藝術家，藉由作品呈現無法言喻的感受與經驗。

其中，全球性的疫情可說是大家最普遍、最歷歷在目的共同經驗。黃郁捷表示，除了談「事件」本身，也希望能從中細緻地提取、描繪個人感受，並以小見大地回應社會思考，探索世界還有什麼可能？林裕軒則舉例分享，自己年初在日本Tokyo Arts and Space進行駐村計畫時，深入研究面對自然災害的應變方法、再到對於人造災難（勞動與政治）的解度，這些都成為《第25小時》的養分，也讓他與參展藝術家下道基行碰面時，展開一場詮釋災難與政治對話，進而為展覽選入《Bridge》這件作品。

《第25小時》亮點作品介紹

▍黃博志《一週八天》

藝術家黃博志長期透過訪談，紀錄世界各地女工的生命經驗，挖掘其中的相似與迥異之處。《一週八天》啟發自藝術家母親「我沒有空」的自嘲，似乎在超時工作的狀態下，唯有一週八天才真正擁有空閒和時間；藝術家的母親說，如果一週有八天，她想去木柵動物園看大象林旺——長時間的工作在她身上留下了痕跡，所以她總說自己的腿「腫得像象腿一樣」。本次展覽中，藝術家更與風箏師傅合作，將母親繪製的大象製作成真的能夠飛行、掙脫束縛的風箏。

▍Clédat & Petitpierre《蔓舞奇境》

法國雙人組Clédat & Petitpierre的《蔓舞奇境》，是整個展覽量體最大的作品。這件作品曾在法國龐畢度當代藝術中心、上海西岸龐畢度中心、澳門等地展出，以一株奇異的巨型藤蔓植物為發想，結合多種形狀、色彩繽紛的物件，邀請觀眾踏入空間，透過肢體動作自由探索作品。

▍鄺鎮禧《綠燈》、《紅氊》

香港藝術家鄺鎮禧藉由重組日常物件，改變其物質狀態與使用方式，來回應自己對社會的觀察。像是《綠燈》就將綠光水平珠置於LED燈版中，把光線過濾成綠色，呈現他在疫情期間體驗到的奇異時間感；而《紅氊》則是剪下紅白相間的防滑磨砂帶中的紅色部分，拼貼出一整面的磚紅色。行走於空間中所感受到的磨砂帶阻力，引導觀眾產生異於平時的身體感，繼而思考人、物件、空間三者關係。

▍Olaf Nicolai《如何想像蠟燭熄滅後的光》

這種異於日常體驗的關係，也可於德國藝術家Olaf Nicolai的作品中感受到。他擅長在空間裝置內，藉由變化媒材的特性，對日常瑣事和既定認知提出圍觀的論點，利用觀者的直覺為支點，放大和提醒特定的感知。《如何想像蠟燭熄滅後的光》互動裝置邀請觀眾步入暗間，用光線在另一面由紫外線燈照射的牆上留下痕跡，彷彿捕捉光和時間。

▍毛利悠子《Piano Solo - Ohara》

今年代表威尼斯雙年展日本館的藝術家毛利悠子，則帶來裝置作品《Piano Solo - Ohara》。疫情期間，藝術家獨自住在琵琶湖山中小屋，錄製大自然的各種聲音，創作了這件作品。麥克風收入預錄的海浪聲響和現場環境音，透過程式演算轉成即興鋼琴演奏曲，往來間產生了失準和延遲，而鋼琴當然也無法模擬出海浪的聲響，作品進而點出了自然和人工之間的不協調，與窗戶外的基隆港景色，產生有趣的內外對比。

▍鈴木悠哉《內庭／外庭》

日本藝術家鈴木悠哉以基隆作為田野調查的基礎，觀察家戶前那些擺放著植栽和無用之物的小花園，將這些物件以繪畫形式抽象化，映照出「私人／公眾」之間的灰色地帶，從個人的內心世界和記憶與外頭的物質和社會之間的連結，試圖呈現這個想像中的花園，以及人類如何與周遭環境連結和抵抗。

▍下道基行《橋》

作為一名以攝影為主要手法的藝術家，在311地震發生後，下道基行思索自己是否該拍下災難現場、是不是要為這個當下留下些什麼東西？他買了一台機車、騎著它環遊日本，拍下一系列「類似橋」但其實只是放在路邊排水溝的板子，將這些影像串連成一本長達63公尺的書，加上與當地居民的互動、採訪，把埋沒在其中的故事重新傳述。

展覽期間，下道基行也將帶領工作坊，跟觀眾一同在基隆以「看不見的風景」跟個大家走入基隆街區，用自己的方式紀錄、找尋那延伸自日常生活的感知不同時空。

▍車在民 《綠幕與迷宮》

這是一支由韓國勞動部與藝術家車在民合作的錄像作品。影片內容非常單純，就是紀錄一位電纜工人的每日日常，藝術家捕捉工人全身繫滿了鋼鎖然後爬上電線桿、徒步走在大街小巷鋪設電纜線等。最特別的畫面，是對於工人手部動作的特寫——當電纜線被抽離、工人的手卻持續操作，邀請觀眾反思在價值至上的社會裡，勞動剩下什麼意義？

《第25小時》展覽期間規劃多場策展人、跨界專家帶領的導覽和活動，還有日本藝術家下道基行於基隆舉辦「看不見的風景」工作坊，帶領大家走入基隆街區，而驫舞劇場也將策劃2場親子和樂齡專屬的〈自由步〉工作坊等。

_{參展藝術家名單：
車在民、陳為榛、丘智偉、鄭栖英、伊凡・克萊達特＆可可・佩迪皮耶、黃博志、高雅婷、鄺鎮禧、賴科維、林冠名、毛利悠子、歐拉夫・尼可萊、下道基行、鈴木悠哉、曾家偉、亞魯、楊健生（依英文姓氏字母順序）}

《第25小時》

展覽日期｜2024年9月26日至12月1日
展覽地點｜基隆美術館（基隆市中正區信一路181號）
開放時間｜週二至週日9:00-17:00，週一固定休館，國定假日除外