《飛地:一部自傳的誕生》北美館開展!聚焦跨世代28位女性藝術家,看見多元情感與生命經驗

《飛地:一部自傳的誕生》北美館開展!聚焦跨世代28位女性藝術家,看見多元情感與生命經驗

北美館典藏新庫即將落成,蒐藏及受贈作品廣度也持續積累,所藏作品迄今已近6000件,加以近年獲得藝術家和家屬為數不少的捐贈,得以補足北美館女性典藏的研究軌跡。《飛地:一部自傳的誕生》以此為開端,聚焦在1950年代末開始嶄露頭角,或於70至90年代接受國際藝術思潮洗禮,以及X世代後的女性藝術家典藏作品,展出28位藝術家近112組作品及文獻,將女性藝術家的創作情感與觀點轉化為「飛地」,涵蓋關於家庭、母性、社會文化等主題的探索,藉此呈現藝術家豐富的生命經驗與創作脈絡。

《飛地:一部自傳的誕生》北美館開展!聚焦跨世代28位女性藝術家,看見多元情感與生命經驗
《飛地:一部自傳的誕生》主視覺。(圖片提供:北美館)

走進女性藝術家的「飛地」

展覽命題中的「飛地」,意指一個國家境內存在不受其主權管轄的土地。本展將「飛地」比喻為創作者獨立於外部環境的意識空間,在混亂的現實中保持心靈平靜的內在狀態。同時,《飛地:一部自傳的誕生》也自維吉尼亞.吳爾芙《自己的房間》汲取靈感,指出女性在多重身分間,經常將附屬角色置於自我之前,凸顯社會中相對弱勢者在文化脈絡中的處境,及其超越困境的能力。

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蕾琴娜.希維拉《入侵系列:冒險故事》現地製作版。(圖片提供:北美館)

三大子題探討不同層面的「空間」

《飛地:一部自傳的誕生》以女性文學「自傳體」為架構,參照吳爾芙長篇小說《燈塔行》的〈窗〉、〈歲月流逝〉與〈燈塔〉三個篇章,分別延伸成為展覽子題,藉女性視角看待受社會結構宰制的群體及個體,並從其作品探討不同層面的空間,展現人們以多樣形式擴展自由度及心靈向度。

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謝鴻均《游》。(圖片提供:北美館)

《飛地:一部自傳的誕生》亮點作品

尹錫男《粉紅色的房間 III》

走進展覽的首件作品,是韓國女性主義藝術先驅尹錫男(YUN Suknam)的《粉紅色的房間 III》,為第一屆台北雙年展後蒐購之作。在四十歲時意識到自己渴望成為一名藝術家的她,在本作中以不穩定的粉紅色體現家庭主婦所經歷的不安。仿巴洛克風格的沙發被金屬釘刺穿、獨自蜷縮在一角的婦人、披著舊衣的搖椅,反映女性在社會中的被動地位與困惑的人格與日復一日的寂寥。

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尹錫男《粉紅色的房間 III》。(圖片提供:北美館)

鄭瓊娟《陽》

臺灣戰後第一代女性藝術家鄭瓊娟,是「五月畫會」創始成員。藝術家生前於2022至2023年間將其畢生重要作品捐贈北美館,包含早期畢業的寫實作品到邁向千禧年轉化發展的心象畫。創作歷程中,生於醫生世家的鄭瓊娟,在婚後面對生活現實問題讓她備受牽制,為了照顧家庭而中斷創作近十年,重拾畫筆後改變風格為奔放且具生命力,探討潛意識、大氣、陰陽與禪學等內在思維。

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鄭瓊娟《陽》。(圖片提供:北美館)

李錦繡《容合.相待.彩虹曲》

李錦繡早期專注於扭曲的人形以及金屬倒影產生的變形空間,並從負片底片汲取靈感創作;而後於巴黎進修,受到現代建築玻璃帷幕的穿透性、光線變化與反射影像啟發;返台後於2001年成立工作室,隔年創作《容合.相待.彩虹曲》,以柔和的粉色淡刷筆法,呈現舒適明亮的起居空間,從畫面中明顯可感受到工作室帶給了她安定和歸屬感。

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李錦繡《容合.相待.彩虹曲》。(圖片提供:北美館)

王淑鈴《吟唱的河流》

王淑鈴巨幅作品《吟唱的河流》的創作靈感源於藝術家對大甲溪河畔美好童年的追憶,承載著她對家、母親、家鄉的無盡思念,作品畫面以書法筆勢揉合抽象表現手法,呈現河水流動的節奏,也暗示著時空的變遷,同時喚起觀者對自然與生命的重新審視。

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王淑鈴《吟唱的河流》。(圖片提供:北美館)

李芳枝《夢蝶》

「五月畫會」發起人之一李芳枝於1962年與同為畫家的先生結婚並移居瑞士。在刻苦的生活中為了節省顏料,她發展出以簡筆與薄塗作畫的技法;而移居至環境廣闊的山城,作品畫面明亮且充滿愉悅感,以具體形體描繪對於眼前事物的喜愛,從粉彩、油彩或水墨等不同媒材,釋放出情感充沛的能量,而長年旅居在外的她,更有多幅作品描繪對家鄉與親人的思念。

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李芳枝《夢蝶》。(圖片提供:北美館)

王雅慧《日光下的靜物》

《日光下的靜物》涵納了藝術家所喜愛的靜物與大自然題旨。其創作手法是先製作模型再進行打光與拍攝,然後藉數位軟體使光線與空間的邊界緩慢移動,擬造出一個貼近現實的空間。在展場中,作品與實際空間相互結合,連續性動態隱含著時間的歷程,擴大觀者的感知。

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王雅慧《日光下的靜物》。(圖片提供:北美館)

洪美玲《尋道》系列

《尋道》系列作品始於1983年,每件作品皆以編號命名,象徵生命樂章的不同章節。中國水墨畫常見的山水皴法、小路、平臺都是洪美玲作品中常見的構圖元素 。此次展出的三件新進藏品以層疊的幾何符號與流暢圓滑的線條象徵生命的樂章,展現其徜徉山川水澗之間的寬闊心境。

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洪美玲《尋道100號》。(圖片提供:北美館)

洪藝真《無題(紅)》

中生代藝術家洪藝真最初的繪畫風格帶有水墨畫隨筆寫意的抽象表現主義,自90年代發展出厚重顏料堆疊、幾何形分割的單色抽象繪畫;2007年後則發展用自製的鋸齒狀塑膠片在畫布上重複劃格線,並徒手將畫布反覆壓摺出交錯的立體線條,選擇性地將這些立體畫作以玻璃纖維材質翻模複製,將原作與複製並陳展出。北美館於去年新增典藏作品,包括最早1994年的大學實驗性作品,以及2011年生前最後完成之作。

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洪藝真《無題(紅)》。(圖片提供:北美館)

吳瑪悧《墓誌銘》

《墓誌銘》為紀念二二八事件50週年製作,試圖藉由事件受害者女性家屬的故事來探討女人於歷史事件的角色,相隔10多年後再次呈現。在ㄇ型場域中,吳瑪悧透過右面玻璃噴砂文字,提出在政治平反的過程中,男性會翻轉為英雄,但女性的聲音卻往往被忽略;與此呼應的是左面玻璃噴砂節錄《二二八事件慘案紀實》紀錄片,以及阮美姝的自身經歷和走訪百餘位遺族於《幽暗角落的泣聲》。

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吳瑪悧《墓誌銘》。(圖片提供:北美館)

蕭麗虹《老梯子》

《老梯子》為90年代「台北現代美術雙年展」獲選得獎並納入典藏之作,呈現一群捏塑的泥人奮力爭先恐後地攀上長梯,但爬上頂端才驚覺空無一物。隔年她在作品《天賜?(#2)》 中結合「雲」與「人間」的題旨:逐漸聚集、正往高處攀爬的扭曲身形,對應著自地平線冉冉上升的朵朵雲彩。蕭麗虹自認偏愛宇宙所流露的寧靜,「因為與大自然相比較,人與人的行為都可以被淡化」。

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蕭麗虹《老梯子》。(圖片提供:北美館)

侯淑姿《青春編織曲(三)》

作品探究新莊紡織與成衣產業中女性工作者的意識與境況。新莊在1950年代紡織成衣廠林立,提供了大量女性就業機會,卻也造成她們超時地付出勞力與心力;而如今產業凋零,年紀已長的她們卻得面臨轉業或失業的困境。藝術家以攝影紀錄這群臺灣經濟奇蹟背後的女性,並於每張相框上標記她們的年資與產能,藉此傳達人力與機械的對抗合作,以及基層紡織女性勞工的聲音。

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侯淑姿《青春編織曲(三)》。(圖片提供:北美館)

顏妤庭《無數個昨日-3》

本作將新聞文本字句透過書寫轉化為皴法,以工筆膠彩鋪陳畫面中人物的互動與虛構事件,重新梳理因失速的生活節奏而被忽略的尷尬與困惑,闡述藝術家對當代精神情狀的反思,呈現當今社會的緊繃、斷裂與伴隨而生的荒謬狀態。

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顏妤庭《無數個昨日-3》。(圖片提供:北美館)

蕭珮宜《人間樂園》

作品中擬人化的動物演出人類社會中的虛妄情愛與權力爭奪,紅蘿蔔象徵情感的物質籌碼、猴子們為向巨型母兔求歡而爭鬥,兔子則在眾星拱月中失去喜樂。繽紛豔麗的色彩與裝飾風格, 與既缺乏歡快又失去自我的故事形成反差。藝術家以繁複工序而需大量勞動的作品製作過程,反應當代社會心理的警世寓言。

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蕭珮宜《人間樂園》。(圖片提供:北美館)

書房計畫

除了眾多精彩作品外,本展也特別規劃「書房計畫」,邀請藝術家郭俞平融合不同女性藝術家的成長軌跡與生命故事,撰寫自傳體小說《珍藏盒》,以三篇虛構小說〈京子〉、〈珍藏盒〉及〈河〉回應展覽,透過回溯與再詮釋,呈現時代交織的創作脈絡。

《飛地:一部自傳的誕生》北美館開展!聚焦跨世代28位女性藝術家,看見多元情感與生命經驗
「書房計畫」邀請郭俞平融合不同女性藝術家的成長軌跡與生命故事,撰寫自傳體小說《珍藏盒》。(圖片提供:北美館)

參展藝術家(按姓氏筆畫排序)
尹錫男(韓國)、王淑鈴、王雅慧、吳瑪悧、李芳枝、蕾琴娜.希維拉(巴西)、李錦繡、林燕、弗蘭妮.侯伯格(瑞典)、侯怡亭、侯淑姿、洪美玲、洪藝真、張相宜(韓國)、張婷雅、陳幸婉、陳慧嶠、陳瀅如、黃海欣、黃潤色、楊世芝、鄭瓊娟、蕭珮宜、蕭麗虹、薄茵萍、薛保瑕、謝鴻均、顏妤庭

特別計畫
郭俞平

《飛地:一部自傳的誕生》

展期|2024.10.05–12.15
地點|臺北市立美術館1A、1B展覽室

▍策展人導覽

日期|11月2日(六)
時間|14:00–15:30
主持人|蕭琳蓁(策展人)

▍書房計畫「零平方公里的珍藏盒」朗讀x對談

日期|11月9日(六)
時間|14:00–15:30 
主持人|蕭琳蓁(策展人)
對談人|郭俞平(藝術家)、翁智琦(台北教育大學臺灣文化研究所助理教授)

▍展覽漫遊 《熱線:建立飛地的方式》

日期|11月23日(六)
時間|上午4場、下午4場,每場8分鐘
演出|末路小花

▍《現代美術》專題講座

主題|「女性當代」
日期|11月30日(暫定)

相關活動資訊請參見北美館官方網頁

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探索SFMOMA舊金山現代藝術博物館!由Snøhetta擴建翻新,集結草間彌生、安迪沃荷等經典作品

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舊金山現代藝術博物館(San Francisco Museum of Modern Art,簡稱SFMOMA)成立於1935年,是美國西岸首座聚焦現代與當代藝術的博物館。其擁有豐富館藏與精彩的展覽規劃,是到灣區旅遊時不可錯過的藝文景點之一。

最初,博物館設立於舊金山戰爭紀念退伍軍人大樓的其中一層,而後逐漸擴張,並成立60週年之際(1995年),遷入由瑞士建築師Mario Botta所設計的全新建築,正式擁有自己專屬的據點。至今,SFMOMA收藏超過50,000件藝術品,涵蓋繪畫、雕塑、攝影、建築設計與新媒體藝術等,致力透過展覽和公共計畫連結藝術與社會,成為舊金山灣區的重要文化中心。

探索SFMOMA舊金山現代藝術博物館!由Snøhetta擴建翻新,集結草間彌生、安迪沃荷等經典作品
(圖片來源:Snøhetta)

Snøhetta負責翻新擴建

Mario Botta打造的這棟五層樓建築,在2016年交由Snøhetta進行翻新與擴建,保留既有的階梯式磚砌立面、頂部高聳的圓柱形塔樓和圓形天窗等,根據博物館藏品量身規劃展間,消除視覺混亂並保留空間簡潔。翻新後,博物館內部展示空間增加了近三倍,免費開放的空間也大幅增加,活動與展覽參觀人數也顯著成長,促進市民參與藝文發展。

探索SFMOMA舊金山現代藝術博物館!由Snøhetta擴建翻新,集結草間彌生、安迪沃荷等經典作品
(圖片來源:Snøhetta)
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(圖片來源:Snøhetta)

SFMOMA必看當期展覽

▸ Afterimages: Echoes of the 1960s from the Fisher and SFMOMA Collections

展期|常設展

本展探討1960年代的文化浪潮與藝術運動如何持續影響當代藝術。1960年代的藝術運動與彼時社會、政治與科技的快速發展密切相關,展覽從普普藝術、概念藝術、極簡主義等子展區切入,展出包括Felix Gonzalez-Torres、Kerry James Marshall、Jenny Holzer、Andy Warhol,以及館藏最新收錄的Virginia Jaramillo、William T. Williams、Charlotte Posenenske等藝術家。

探索SFMOMA舊金山現代藝術博物館!由Snøhetta擴建翻新,集結草間彌生、安迪沃荷等經典作品
(攝影:Lucinda Chen)
探索SFMOMA舊金山現代藝術博物館!由Snøhetta擴建翻新,集結草間彌生、安迪沃荷等經典作品
(圖片來源:SFMOMA)

▸ Yayoi Kusama: Aspiring to Pumpkin’s Love, the Love in My Heart

展期|2023年9月16日至2025年秋季

作為草間彌生長期以來的標誌性符號,南瓜自1940 年代便出現在她的繪畫、雕塑、裝置藝術與詩歌中;而象徵「自我消融」的圓點圖案,則是一種與宇宙合而為一的過程。這件南瓜雕塑為草間彌生近期的創作之一,為一顆龐大的五莖南瓜,呈現藝術家對於和平與喜悅的嚮往。

探索SFMOMA舊金山現代藝術博物館!由Snøhetta擴建翻新,集結草間彌生、安迪沃荷等經典作品
(圖片來源:SFMOMA)

▸ Yayoi Kusama: Dreaming of Earth’s Sphericity, I Would Offer My Love

2024年6月22日至2025年秋季

SFMOMA展出的另一件草間彌生作品,帶領觀眾進入藝術家萬花筒般的世界。這件沉浸式裝置以多彩光線宇宙為主題,表面鑲嵌大型透明壓克力圓點,內部則透過彩色窗戶的折射光線,營造出動態變化的重疊圓形圖案,搭配鏡面材質使整個空間呈現持續變化的視覺效果。

探索SFMOMA舊金山現代藝術博物館!由Snøhetta擴建翻新,集結草間彌生、安迪沃荷等經典作品
(攝影:Lucinda Chen)
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(圖片來源:SFMOMA)

▸ Olafur Eliasson: One-way colour tunnel

展期|常設展

冰島-丹麥藝術家Olafur Eliasson作品,其為一座由三角形玻璃與壓克力面板組成的拱形隧道,位於SFMOMA最上層,橫跨建築中央的圓形挖空區域。當觀眾穿越其中時,色彩會不斷變化,帶來流動的視覺體驗。藝術家希望藉由此裝置邀請觀眾重新思考自身與周圍環境的關係:「花時間去感受空間,無論是在博物館內,或是外部世界。」

探索SFMOMA舊金山現代藝術博物館!由Snøhetta擴建翻新,集結草間彌生、安迪沃荷等經典作品
(攝影:Lucinda Chen)
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(圖片來源:SFMOMA)

▸ Ragnar Kjartansson: The Visitors

展期|2022年11月5日至2025年9月28日

冰島藝術家Ragnar Kjartansson的影像裝置作品,以九個同步播放的螢幕,呈現一場沉浸式的音樂體驗。影片拍攝於紐約上州Rokeby,由藝術家本人與他的音樂家朋友們分別身處不同房間,透過各自的樂器與聲音,合奏出一首動人的歌曲。每個房間的場景與聲音彼此獨立,卻又在音樂中交織成一體,形成獨特的合奏效果。

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(圖片來源:SFMOMA)
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(圖片來源:SFMOMA)

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大阪世博「法國館」揭開法式生活藝術的養成之道!LV、Dior都參展,交織時尚工藝的自然劇場

大阪世博法國館

說到法國,你最先想到什麼?是浪漫,或是時尚?以上兩者都被巧妙融入2025大阪世博「法國館」當中!

法國館以「愛的頌歌」為題呈獻一座「自然劇場」,外觀如劇院舞台的場館內暗藏著蜿蜒廊道,揭開法國在藝文、時尚、科技等領域的精湛技藝,屋頂花園則重現法國自然風光,鼓勵人們與大自然建立聯繫。此外,由LVMH策劃的時尚內容亦值得關注,集團旗下時裝屋Louis VuittonDiorCeline及珠寶世家Chaumet,都將以工藝為切角,帶來結合日本文化與自然元素結合的展覽。

大阪世博法國館
2025大阪世博法國館。(圖片來源:Coldefy、CRA-Carlo Ratti Associati)

發想自日本紅線傳說的「愛」之敘事

日本流傳著「命運紅線」的傳說,意指命運註定被牽絆的兩個人,會透過小拇指上一條看不見卻堅韌、彷彿被施以魔法的紅線相互聯繫著。法國館浪漫地以紅線傳說延伸出「愛的頌歌」主題,讓愛的3種形式——「愛自己」、「愛他人」及「愛自然」——貫穿展館建築及展覽內容,講述法國在藝術文化、科技等領域的精湛技藝(savoir-faire),如何成就法式生活風尚;同時將法國自然地貌融入展館,揭示人類在生活中與自然連結的重要性。

大阪世博法國館
(圖片來源:Coldefy、CRA-Carlo Ratti Associati)

連結人類與非人類世界的「自然劇場」

法國館的位置非常理想,面向大阪世博主入口,訪客一出地鐵站遠遠就能看到。場館由法國、義大利建築及設計團隊ColdefyCRA-Carlo Ratti Associati攜手,以「自然劇場」(Theatrum Naturae)為概念,打造一處人類與自然共生的棲地,詮釋設計連結人類與非人類世界的力量,鼓勵觀眾重新發現與大自然之間的連結。

大阪世博法國館
(圖片來源:Coldefy、CRA-Carlo Ratti Associati)

來到法國館入口,迎面的是富現代感、向外開放的立面,正面像是一座面向公眾的劇院舞台,側面則完全被覆蓋,為後續「好戲」保留神秘感,吸引訪客入內一探究竟。場館路徑先引領訪客沿著蜿蜒樓梯向上,漫步觀景陽台般視野開闊的環形步道觀展,最後抵達屋頂花園,再緩緩步行返回地面。

大阪世博法國館
(圖片來源:Coldefy、CRA-Carlo Ratti Associati)
大阪世博法國館
(圖片來源:Coldefy、CRA-Carlo Ratti Associati)

屋頂花園,人類與自然共生的棲地

屋頂花園是法國館的一大亮點,這是一座歡迎所有生物棲息的樂園,景觀重現法國不同地區、從高山到海岸的自然風光,提醒人們時刻與自然保持聯繫。此外,完全被植物覆蓋的屋頂自成微氣候,能在炎熱夏日有效為場館內部降溫,有助於減少可能產生的城市熱島效應。

大阪世博法國館
(圖片來源:Coldefy、CRA-Carlo Ratti Associati)

深入探究法式工藝!LV、Dior、Celine、Chaumet齊聚法國館

雖法國館內容涵蓋藝術、文化、科技、生態等領域,但說到法國,怎能不提時尚?繼擔任2024巴黎奧運主要贊助商後,LVMH集團再度參與國家盛事,其旗下時裝屋、珠寶世家等都將呈獻精彩內容:Louis VuittonDior將策劃常設展(4/1310/13),CelineChaumet帶來快閃展覽(4/135/12),展現深厚的硬箱、時裝及珠寶工藝底蘊,呼應法國館展現法式精湛技藝(savoir-faire)的精神。以下帶看各展覽亮點:

▍Louis Vuitton,穿越時空的硬箱圖書館

2024年底開幕的紐約臨時旗艦店,Louis Vuitton再度與來自OMA的日本建築師重松象平(Shohei Shigematsu)合作,構思一場以「硬箱圖書館」為亮點的展覽。現場將集結85Louis Vuitton具代表性的硬箱作品,及日本新媒體藝術家真鍋大度(Daito Manabe)創作、畫面如夢幻晶洞的錄像裝置,展現品牌引以為傲的硬箱製作工藝;聲音場景也毫不馬虎,由法國媒體聲音研究中心(IRCAM)特別設計。

大阪世博法國館
(圖片來源:LVMH)
大阪世博法國館
非大阪世博展覽現場,僅示意。上圖左為Louis Vuitton曼谷概念店「LV The Place」的行李箱隧道;右為2022年於洛杉磯舉辦的《200 個旅行箱,200 位夢想家》展覽。(圖片來源:Louis Vuitton)

▍Dior,時裝到香氛、歷久彌新的法式優雅

展覽以呼應法國國旗藍、白、紅三色的經典「Dior Bar Jacket」揭開序幕,這款源自1947年的設計藉束腰剪裁凸顯女性身體線條,在二戰後掀起「New Look」時尚革命,傳承至今也由歷任創意總監延伸出多代版本。

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展覽以呼應法國國旗藍、白、紅三色的經典「Dior Bar Jacket」揭開序幕。(圖片來源:LVMH)

緊接時裝的是Dior香氛作品,Miss DiorJ’adore等名作一字排開,將與日本設計師吉岡德仁、攝影師高木由利子之作,一同在法國佈景設計大師Nathalie Crinière打造的佈景中閃耀光芒。

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非大阪世博展覽現場,僅示意。上圖為Dior 2024年於東京舉辦的《Miss Dior: Stories of a Miss》展覽。(圖片來源:Dior)

▍Celine,串連巴黎意象與日本傳統工藝

Celine從日本「漆器」(Urushi)切入,將其與自家經典標誌「Triomphe」串連,展現品牌與日本文化及工藝知識間的連結;現場也將展出視覺藝術家中村壯志(Soshi Nakamura)及致力推廣漆器工藝的「彦十蒔絵」之作

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Kaia Gerber與Danielle演繹Celine「Triomphe」包款。(圖片來源:Celine)

開展之前,先來認識「Triomphe」的有趣出身!故事得從1970年代說起,當時品牌創辦人Céline Vipiana的車子在巴黎凱旋門附近拋錨,等待支援時她意外發現圍繞凱旋門的鎖鏈是由雙C組成,恰巧呼應自家品牌,於是以鎖鏈為靈感設計出「Blazon Chaîne」圖樣;時間來到2018年,Hedi Slimane擔任品牌創意總監時為這經典圖樣取了新名「Triomphe」,並推出同名方包,風靡一時。究竟Celine會如何將「Triomphe」與漆器結合?令人期待。

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Celine「Triomphe」標誌靈感來自凱旋門的鎖鏈。(圖片來源:Celine)

▍Chaumet,以「蜂巢」為題的珠寶工藝饗宴

擁有兩百多年歷史、擅於將大自然之美轉譯為珠寶的Chaumet,將以自家最具代表性的「蜂巢」標誌為題,展現精湛珠寶工藝。為什麼是蜂巢?在拿破崙時代,Chaumet曾是皇家御用珠寶商,而蜜蜂是當時的皇室標誌之一,象徵著權力、忠誠與豐饒;蜂巢則蘊藏大自然的豐沛生命力,其六角形結構和繁複幾何線條不僅為珠寶造型注入無限靈感,也巧妙呼應著法國的國土輪廓,自那時起蜜蜂及蜂巢元素便常見於Chaumet的珠寶作品中,品牌備受歡迎的「Bee de Chaumet」系列即是以蜂巢為意象打造。

大阪世博法國館
Chaumet「Bee de Chaumet」珠寶系列作品。(圖片來源:Chaumet)
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Chaumet「Bee de Chaumet」珠寶系列作品。(圖片來源:Chaumet)

2025大阪世博「法國館」

展期|2025年4月13日至10月13日

更多資訊可至法國館官網查詢