繼2020年關渡美術館《存在の細語》，日本藝術家大卷伸嗣今年9月再度來台舉辦個展，於安卓藝術展出《自轉和公轉》。從個人內心的自轉省思，到與他人和社會的公轉連結，帶領觀眾從「運動態」的思維，重新思考自我與世界的關係。

如同展名《自轉和公轉》，大卷伸嗣每次來台灣也都以安卓藝術為中心，在周圍公轉探索。相隔4年再度訪台，許多過去造訪的餐廳因疫情熄燈，他感到有些寂寞，「場所、食物和記憶，都是連結在一起的。」他笑 了笑，「還有按摩。」沒想到前幾天走進一間按摩店，師傅卻是印尼人，按摩體驗和過往台灣師傅大不相同。他提起現今各國的諸多勞動由外籍人士承接，但該項工作的職人精神能否跟著傳承，這中間的關係值得深思。

從觀光日常，聊到記憶與工作精神的存在。而存在，確實是大卷伸嗣一再探討的命題。出生於岐阜，他的老家在都市開發中消失；家裡經營訂製西服店，但身為長子的他為投身藝術放棄繼承家業，所以店面不得不關閉，老家商店街很快就被夷為平地。「當別人問我：你是誰？我沒有繼承家業，我的地址也沒了，沒有任何一個穩定的東西，感覺像浮萍一樣飄浮著，所以開始思考自己存在的意義。」代表作《迴響》系列，即是他探討存在的最初作品，透過無限蔓延的花卉圖案，辯證存在的逝去與永恆。

每次個展也都以不同主題引領大眾思考存在為何，2020年關渡美術館《存在の細語》用消失的語言比喻，2023年東京國立新美術館《真空的搖曳》將人體比擬為容器、成都A4美術館《靈韵之光》則透過光探索存在的不同樣態。這次在安卓藝術展出《自轉和公轉》，他試圖以「運動態」的角度，詮釋個體存在與外在世界的關係。

「保持平衡」與「破壞平衡」的運動態

展名靈感源自一次大卷伸嗣和編舞家中村恩惠的聊天，對方提起雕塑家卡蜜兒．克勞岱（Camille Claudel）的作品〈華爾滋〉。「她告訴我，華爾滋是兩人的關係，身體需要靠著彼此，然後逐漸加速，當加速度越來越快，會越來越看不清楚周圍環境，漸漸只能看到自己的軸心。」這席話剛好切中大卷伸嗣近年一直在思考的「運動態」。

大學就讀雕塑系的他，發現雕塑界並非以「物體為靜止」的方式看待雕塑，而是在一個空間中，因為擁有與空間互動的元素而成立。因此，雕塑如何「保持平衡」與「破壞平衡」，都是非常重要的。頗為抽象的概念，他以人體為例，人要往前走得先向前傾倒、破壞平衡，若同時伸出一隻腳，就能再次保持平衡，這就是最基礎的運動態。他認為，小至個人，大至社會，都是以這樣的運動態運作。好比俄羅斯和烏克蘭的關係，就是某種均衡被破壞，因而往某個方向動了起來，整個世界都被牽動。

展覽共有21件裝置、雕塑、繪畫作品，動線從大卷伸嗣的內心自轉出發，一路擴展到與外在世界的公轉，最後收斂在宇宙創世的宏觀。有趣的是，《自轉和公轉》這個展名，他直到最後一刻才確認。「我總是會等到最後的極限點，在這之前不斷地尋找答案。名字要是不最後才取的話，有可能在創作過程中，就往別條路偏掉了。」他是相當在意取名的藝術家，連女兒的名字，也是在出生之後看著她的臉，才有辦法取名。至於想好名字的時間，一樣是在報戶口的最後一刻。

拓印潮汐詮釋自轉和公轉

和卡蜜兒〈華爾滋〉雕塑的同名裝置作品，為此次展覽最大型的裝置，共有15片大小不等的黃銅懸掛於展間。大卷伸嗣最先從草圖發想，畫上了數個會晃、會旋轉的圓盤狀物件。為了表述月亮與地球在自轉與公轉的關係，想到也許可以用「中間吊線、兩邊吊東西」的懸掛方式，但始終覺得關係性不對。一天，他向助手說：「我們去敲海邊的東西吧！」一行人於傍晚拿著鎚頭，在海岸的石頭上敲打黃銅，不僅引起遊客圍觀，連警車都來關切。他笑說，「我們就偷偷敲，花了1個小時，然後偷偷帶回家。看了看就覺得，這果然很有趣！」

他進一步解釋，潮汐和地球自轉與月球公轉的原理有關，潮汐形塑了海岸線，把黃銅放在被海浪磨出來的石頭上敲打，就像把潮汐的樣子拓印、轉移了過來。15個黃銅片呼應月亮每15天滿月一 次，每片的形狀和敲打的紋路都不盡相同。不平的表面，讓觀者透過反射看到的 世界，也是各種扭曲。裝置上方裝有馬達，黃銅會緩慢自轉，穿梭其中的觀眾繞著它公轉；但當觀眾凝視著某片黃銅時，被映照在黃銅內的觀眾倒影，又成了自轉的一環，周圍世界反而在公轉。

無意識創作是生命體無法抗拒的型態

大卷伸嗣的筆記本密密麻麻，臨時記錄在別處的草圖，也會剪貼過來放入；擅長以光影營造裝置效果的他，有好幾頁也記滿精細的打光時間表。不禁好奇，是否每一 件作品都是從草圖階段開始？他表示草稿是方法其一， 有時也會直接作畫。〈闇繪〉即是在黑暗的工作室裡，聽著雨聲等外界訊息，透過眼睛以外的其他感官，無意識地不斷作畫，直至顏料乾涸。不過若是真的等顏料自然乾燥可能要1個月，因此他加入硬化劑，冬天大約8小時就會凝固。畫布上的顏料由於有些沒有混合完全，會在一片黑中突然出現一抹紅或藍的有趣狀態。

畫〈闇繪〉時，大卷伸嗣的身體同時也在無意識「創作」。總是邊作畫邊嚼口香糖的他，一次就嚼10顆，且一嚼就是7小時以上，「嘴巴是一個分不出是外面還是裡面的空間，在這個曖昧的領域，我好像在把一團東西一直揉一直揉，最後揉出了一個形態。」展廳入口處的〈感官氣泡：漂浮的片段〉雕塑，即是取材自嚼完的口香糖形體。大約3、5年前，他開始有收藏嚼完的口香糖的習慣，把它們一個一個插在針上，放入盒子後冰在冷凍庫，「有次被太太發現，被罵了，全部都被丟掉了。」他笑說，「現在還有喔，改成放在學校的冰箱。」

展間最深處近11公尺寬的巨幅繪畫〈創世〉，創作方法又不同了，並非由大卷伸嗣本人作畫，而是把一群人當作繪畫道具的嘗試。在日本311地震後，他意識到世界是如此容易損壞，令他反思「要怎麼樣再把世界創造出來？」於是他先帶領學員們研究宇宙學家的創世理論，再用蠟筆練習，不斷用不同顏色覆蓋畫紙，儘管想消除上個顏色，終究會留下痕跡。最後他在岐阜市民文化中心立了約6塊板子，把球或線等平常不會用來作畫的物件沾上顏料，直接砸到板子上，甚至也讓人體沾滿顏料撞上去，透過這樣的運動，呈現宇宙的初始爆炸。「我想要把無意識的東西加到作品裡，因為有意識去做的作品感覺有點無聊，你會去尋求一個完成度，尋求所謂的終點。這樣無意識的創作，是每個人原本就擁有的能力，是作為生命體無法抗拒的形態。」

藝術家有時候會故意犯錯

生命體的存在意義，如今在AI等科技發展下更添複雜，面對AI精進飛快的創作能力，什麼是藝術家的存在意義？又能怎麼看待AI的存在？大卷伸嗣認為可以把「人類」和「AI」分開來看，讓AI去做AI的進步、人類去做人類的進化，但是當人類不再思考、不再進化，而AI卻一直在前進，那就是人類有問題了。

「人身為人，有時卻比AI還失去了作為人的樣子；有的AI是以很純粹的心態去學習，甚至比人還更有人性。」他也提到，AI的思考經常是「如何不要產生錯誤」，「但藝術家有時候就是會刻意去犯錯，這就是藝術家有趣的地方。如果下令AI把方形塗黑，它就乖乖塗黑，那就不好玩了。一個有點歪掉的四方形，也比一個方方正正的有趣。與其說我們去教AI，不如讓它偶爾出個錯誤或意外，會比較有趣呢。」持續思考的人類，也會犯錯的AI，殊異的存在也正在自轉與公轉中，映照出難以算計的世界樣貌。

《自轉和公轉：大卷伸嗣》

展期｜即日起～11.08
地點｜安卓藝術（台北市內湖區文湖街20號1樓），更多展覽資訊請點此

大卷伸嗣

1971年出生於日本岐阜，1995年畢業於東京藝術大學。曾於日本的箱根雕刻森林美術館、金澤21世紀當代美術館、國立新美術館、中國成都A4美術館與台灣關渡美術館等展出，並獲邀參與日本愛知三年展、越後妻有大地藝術祭、法國愛馬仕左岸店與路易威登2016年男裝秀合作項目等。作品已被日本岐阜縣美術館、韓國京畿道美術館、台灣國立臺灣美術館、UBS瑞士銀行、澳洲白兔美術館等知名機構收藏。

_{文｜張以潔　口譯｜蔡知芸
攝影｜蔡耀徵、Choc Cat　圖片提供｜安卓藝術}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/10月號《跟著咖啡去旅行》

2023年底登場的「Camping Asia」，由臺北表演藝術中心、法國國家舞蹈中心、香奈兒三方合作，透過營隊形式，打破機構、藝術家、學院之間的疆界，實踐人才培育、國際交流、跨領域對話的核心理念。

延續此成功，香奈兒品牌也支持國立臺北藝術大學（以下簡稱北藝大）舞蹈學院，將於今年底重新詮釋 20 世紀最具影響力的經典舞碼作品 Pina Bausch《春之祭》，以培育新世代舞者。La Vie 以給下一代的舞蹈藝術為題，邀請舞蹈學院教育家何曉玫、旅外國際舞者余采芩、台灣新生代舞者邱柏盛、許韶軒、林韋辰分享彼此所見，激發不同世代的靈感火花，打開舞蹈藝術的全新可能。

香奈兒在文化贊助方面早有悠久豐富的歷史，如今則與全球各地領先的文化機構開展長期合作，開辦推廣創意和文化思維創新的全新項目。「香奈兒文化基金」（CHANEL Culture Fund）支持理念相符的藝文機構，也透過「CHANEL Next Prize」挖掘全球創意新銳、Podcast 頻道《CHANEL Connects》則探討當今與未來文化趨勢。

聚焦台灣，近兩年與臺北表演藝術中心合作的「Camping Asia」及「Dance Talk」計畫，共同致力於推廣表演藝術在亞洲的發展，首屆「Dance Talk」不僅邀請台灣重要的舞蹈創作者開拓年輕舞者的視野，11月亦將偕同衛武營國家藝術文化中心，帶來一場跨世代的對話和身體律動工作坊。

渴望的力量，讓身體自己動起來

參與首場台北「Dance Talk」、現為北藝大舞蹈學院院長的編舞家何曉玫，開門見山地點出，在全球各個城市裡，舞蹈往往是最弱勢的藝術形式，每一位想成為專業舞者的人，都需要比其他藝術領域花費更多的時間去鍛鍊和學習，「舞蹈是一門非常殘酷的藝術，舞者可能很快受傷，或只能再跳幾年便失去舞台，無論是身體還是心理，得面對的競爭和挑戰都非常嚴苛。何況它並非一種能用語言表達的藝術，需要觀眾願意懷抱想像力和開放心態來認識它。」

何曉玫認為，所有能夠打動人的事物，都是源於真正的用心與對細節的掌握，「舞蹈每一個成果都得來不易，既脆弱但也是最堅韌的，因為舞者是真實的人，透過情感的聚集，展現出強大的力量。脆弱與堅強，正是我在舞者身上所見到的兩種能力，而香奈兒對舞蹈的支持，無疑是這個藝術領域中的一大幸運。」

何曉玫也談及林懷民老師對她的影響之深遠，特別是在1980年代的台灣，他做事的態度就像是「桌子一拍，拚下去！」，不管有多困難都不斷堅持往前。「記得有一次和林老師的個別談話中，我不禁情緒崩潰，大哭了起來，我說我不想再當第二，為什麼無論做什麼事情，我總是拿不到第一。結果林老師並沒有用鼓勵的話安慰我，他只是簡單地回覆：『那你就要努力朝向第一。』我頓時明白，做事情不需要仰賴別人的眼光，而是應該忠於自己內心的渴望，並且以200%的努力去實現這個目標。」全力以赴、毫無保留地投入，這精神深深啟發了何曉玫。

以長達3年時間進行的《默島進行曲計畫》，是何曉玫將舞蹈融入傳統文化場域，讓舞作來到了廟埕，和在地陣頭夥伴及藝文隊伍進入地方參與台灣各地民俗慶典，鼓勵民眾一起來跳舞。「當代舞蹈的觀點中，所有人的動作都是舞蹈，你的坐、臥、行、走都可以被視為舞蹈。所以，為什麼我們不能認同自己的『踏跤步』也是舞蹈的一部分呢？」另外，她也強調即興舞蹈的耐人尋味，當給予舞者充分自由時，可以很快地看出其個性，這些自由的表現能夠揭示出他可能需要如何蛻變自己，如何通過更多不同的訓練，走向更全面的自我開發。

邱柏盛：我想成為能讓人感受得到「溫度」的舞者

目前就讀於北藝大舞蹈系碩士班的邱柏盛，透露當初之所以喜歡舞蹈的起點，「我是來自鄉下的小孩，因為看到歌仔戲開始對肢體感興趣，世界知名編舞家碧娜．鮑許更深深衝擊我，小學時曾看過她的紀錄片，在那個年紀，多數同學都覺得無聊，我卻看得入迷不已。」邱柏盛說在作品的排練過程中，對於細節的要求逐漸培養了自身對表演的標準，無論是身體詮釋還是情感投射，甚至手腕輕輕的一個角度，都會帶來不同的情緒，而這些細節最終成為舞者未來創作與表演的養分。

「最近與余采芩老師的排練讓我印象深刻，她親自示範了一個橋段，儘管那個動作並不複雜，只是一個輕輕走過的行為，但全場似乎都靜止了。」這種臨場感和張力，他認為是無法用文字或攝影機記錄的，這正是劇場最大的魅力。若要想像未來的十年，邱柏盛希望自己成為一位真誠的舞者，不論是在舞台上、排練場上，還是在創作過程中，都能始終保持真實，並能讓觀眾感受到舞蹈中傳遞的溫度與情感，「我最喜歡舞蹈中非常純粹的表達，它不需要過多的修飾，就能直達人心！」

許韶軒：不再犧牲自己成為別人，我在舞動中成為獨立個體

從6歲開始習舞、目前就讀北藝大舞蹈系貫六的許韶軒，回憶起自己當初只是單純地喜歡表演，享受在教室裡與同學一起跳舞的凝聚力，隨著年齡增長，舞蹈成為她表達情感的方式，開始用舞蹈來呈現最真實的自己，訴說內心的故事。

「舞蹈帶給我最大的快樂在於，過程艱辛，卻能看清自己在其中的成長與進步，除了即興演出讓我更真實地傾聽內心；群舞中，則讓我了解必須找到與其他舞者之間的關係更為重要。」她期許自己對未來的想像是廣闊的，舞蹈藝術是一個競爭激烈的領域，若能在其他領域中學習更多知識，可以讓她在舞蹈的路上走得更遠更廣。

許韶軒也分享， 她上學期修了一門文學課，課堂上討論到不同領域的結合，包括當今為了突破舞蹈表演在舞台上的既定印象，許多人嘗試將戲劇元素融入舞蹈中，這種結合在某種程度上是一種突破，打破了傳統舞蹈應該有的樣子，並以更生活化或戲劇化的方式來呈現作品。「如果這種突破變成一種固定的模式，是否會讓作品失去舞蹈的本質？我們該如何界定戲劇表演與舞蹈表演的差異？值得我們探究。」至於舞蹈的推廣，許韶軒認為，藝術是一種主觀的表達形式，她希望透過作品引導觀眾思考生命或社會議題，從中找到與自己的共鳴。

林韋辰：舞蹈中人人有故事 細微舉動流露獨特情感

「舞蹈能讓我專注於當下，並將身體練至極致，以表現恐懼、痛苦、狂喜、憤怒等複雜情感，對我來說，跳舞就是『呼吸』，就是『活著』。」就讀北藝大舞蹈系貫七的林韋辰，提及一次與余采芩老師排練的互動經歷，「她示範了一個簡單的跑步動作，強調跑步時，要想像前方有東西帶領你，用胸口和呼吸去引導動作。這種方式讓跑步變得更富情感，展現了更多內在力量。」

曾到巴黎參與交換學生計畫的他，看到舞蹈與戲劇、音樂等領域的結合，讓他有感未來的舞蹈將越來越多元化，舞者必須不斷吸收來自不同領域的靈感，創造出新的藝術形式。「現代舞最大的挑戰，也許就在於如何讓大眾更容易理解和接受這種藝術形式，因此希望自己成為一名多元化的舞者，能夠掌握各種風格和元素，並在與不同編舞家的合作中靈活運用自己的技巧。」林韋辰認為，在solo時可以更加自由地融入自己的個性與風格，但在群舞中， 則需要考慮與其他舞者的協調，保持一致的色彩、色調。「在稍早與柏盛、韶軒的排練中，曉玫老師特別指導我如何用後背帶動手臂的動作，我驚覺舞者每天的身體狀態都不同，因此每天都面對著新挑戰，學習如何在不同狀態下調整身體，這是一個不斷磨練的過程。」

未來的舞蹈？找到集體共識之美

在表演藝術中，展示自己的觀點和個性是至關重要的。何曉玫在指導3位舞者即興的過程中，強調當要求學生一遍又一 遍地反覆練習時，核心在於舞者是否願意再多認識自己一點，是否願意去探究那些他深信自己已經理解的事物背後的內涵。「采芩讓我看到，除了她勇敢追逐夢想的勇氣，還有她的執著一樣難能可貴，從北藝大畢業後，甘願重新花4年時間攻讀埃森福克旺藝術大學，因為那是她想去到的境界。」何曉玫指出，過去亞洲的教育體系中，我們常常被教導要謙虛、不要多說話、要服從。然而，作為表演者或藝術工作者，更應該大膽地發出自己的聲音，不要退縮、敢於犯錯。

何曉玫自2011年起推出「鈕扣*New Choreographer」計畫，邀請旅外優秀舞者、編舞家「回家」創作與演出並交流國際經驗。2023年擔任「Dance Now Asia亞洲舞蹈藝術節」總策演人，邀請台北、大邱、東京、吉隆坡4個亞洲重要城市舞團參與，以「亞洲．跳」Connecting Islands為核心主題，探索島嶼與島嶼間的文化異同。

「我經常思考，我們是否有可能建立出屬於自己的亞洲美學？畢竟，我們的外貌和身體都與西方不同。如何回到自己的文化，重新思考現代性是什麼？希望更多新世代舞者可以一同探索、一起好奇，跳出屬於我們亞洲文化的身體。」

何曉玫

國立藝術學院舞蹈系畢業，美國紐約大學舞蹈碩士，曾任臺北越界舞團團長，並多次受邀擔任雲門舞集客席編舞家。2000年前後活躍於國內外舞台，持續發表作品，多次受邀於國際舞蹈節演出，2010年創立何曉玫MeimageDance舞團，2011年起推動「鈕扣*New Choreographer」計畫，2023年策展Dance Now Asia推動亞洲舞蹈鏈結。現為國立臺北藝術大學舞蹈學院院長。

旅歐舞者余采芩談跨世代共創：舞者往內心深掘，無論在哪都能找到屬於自己的光芒

我 6 歲開始學舞，一接觸舞蹈就無法自拔地愛上了跳舞。12 歲時，我已經非常清楚自己想要站在國際舞台上表演，即使身體能力並不算特別出色，但北藝大的老師們仍然給了我很多機會參加展演。前往德國深造後，出身於碧娜．鮑許舞蹈劇場的老師告訴我：「來到這裡，要把以前學到的東西都丟掉，重新開始學習。」這句話花了我一、兩年去消化，但最終，它讓我在舞蹈的道路上取得了更大的突破。

相比於古典芭蕾的美和規範，現代舞非常自由，創作和表演都記錄了不同年紀的所思所想，允許你表達內在情感，讓我在舞蹈中找到了抒發和釋放的空間。不過，舞蹈不應該只是單純的情感發洩，作為一名編舞者，有責任站在觀眾的角度來看待自己的作品，舞蹈不僅僅是為了自己，更是要能夠讓觀眾有所感受、有所思考。

台灣的舞者，包括以前的我，常常因為站在舞台上的壓力，覺得自己必須做到完美、必須讓自己看起來毫不費力，然而碧娜．鮑許常常讓舞者感受極度疲憊，當你累到無法再偽裝時，真正的情感和狀態便會自然流露，我希望學生們能夠透過舞作，對不同的表演方式有全新的體會。

這次在北藝大的舞者甄選和排練中，看到每個舞者都有自己獨特的身體特質和表現方式。柏盛非常努力、對舞蹈充滿熱情，從他身上，我看到了過去那個拚命三郎般的自己；韶軒是一個可愛又快樂的女生，無論排練有多麼辛苦，她總是帶著微笑，我忍不住想問她：「這支舞就像在地獄一樣，你在地獄的時候，笑得出來嗎？」初期的分段排練，舞者們還沒有真正感受到這支舞有多麼累人，直到最後幾天進行完整排練，她完全展現了應有的投入狀態， 整個人亮了起來；韋辰也是一個身體條件非常好的人，他和其他兩位舞者的共同點是，都對舞蹈充滿熱情，深深熱愛著舞蹈，這分熱情驅使他們不斷學習和探索，追求更高的表現力。

好的舞者不僅需要柔軟的身體，更重要的是協調性和質地，找到屬於自己的舞蹈語言。在我與這些年輕舞者合作的過程中，不僅是他們在學習，我也在過程中不斷反思和成長。很多人說看不懂現代舞，坦白說，身為舞者，我也不是每次都能看懂。舞蹈藝術的未來會如何發展，就像播種後，究竟會長出一朵花，或長出一棵樹，或者完全不發芽，我們現在無法得知，可是至少有這一片土壤，提供了各種可能性。創作者最終還是必須回到認識自己的道路上，從生活經驗出發，因為人性才最能打動觀眾、獲得共鳴。

余采芩

2003年畢業於國立臺北藝術大學舞蹈系，2006年畢業於德國埃森福克旺舞蹈系並開始研習獨舞表演，期間多次演出德國知名編舞家Susanne Linke之經典舞作〈Wandlung〉並成為其舞作傳人之一，同年成為烏帕塔舞蹈劇場碧娜．鮑許《春之祭》之客席舞者，隨舞團巡迴各國，2008年正式成為台灣第一位進入烏帕塔舞蹈劇場碧娜．鮑許舞團之團員至今。

_{文、採訪整理｜張瑋涵   平面攝影｜林軒朗   動態攝影｜周家祺
化妝｜李孟書、Nash Chen　髮型｜翁與盛、Jun Zhang
圖片提供｜何曉玫MeimageDance舞團}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/10月號《跟著咖啡去旅行》

走進日本藝術家稻垣美侑的展覽，就像打開一本「空間繪本」，她擅長透過將繪畫及其衍生的片段組合在同一空間，來解構已知的風景，並嘗試建構新的景象，就像打造出一個敞亮的維度，邀請人們走進她觀察和感受的世界。

今年10月19日起，朋丁將舉辦稻垣美侑個展《黑冠與水坑》，展前藝術家特地來台取材，途中偶遇的黑冠麻鷺、基隆海濱砂岩地質令她印象深刻，從而發展出全新繪畫及陶藝作品，以獨特視角重現並帶你我重新閱讀熟悉的風景。

「世界曾經是什麼樣貌？」

「世界曾經是什麼樣貌？」是稻垣美侑創作中從不缺席的重要提問，這不僅是對眼前風景的單純疑問，同時也是嘗試想像和不同立場進行對話的意識表現，比如鳥類、昆蟲是如何看待和感知這個世界的？隨著觀察角度的不同，世界的解讀方式也會有巨大變化，這麽說來，世上存在的生物數量有多少，或許就有多少個不同的世界，而人類只是世界的一小部分而已。稻垣美侑透過了解自然環境與不同生物，以豐富多樣的視野看待眼前世界。

《黑冠與水坑》靈感源自台灣風景

2024年5月，稻垣美侑為朋丁個展來台灣取材，在台北街頭偶遇黑冠麻鷺，這種被暱稱為「大笨鳥」的鳥類，竟然毫不畏懼人類，悠然自得地在城市中漫步，這一幕在她心中留下了深刻的印象。同趟旅程中，她在基隆發現了海邊的砂岩地質，其受到風和海浪的侵蝕，削蝕的岩石表面隨處可見小小的窪地，這些窪地中積存著海水或雨水，映照出每天變幻莫測的天空色彩，都是留在她心中的美麗景觀。

她的創作靈感由這趟漫遊展開，展覽標題也取自於此——「黑冠」和「水坑」，兩者的共同點是由當地的自然環境孕育而成，存在著漫長歲月。海浪、風化與地形，在這2500萬年的漫長歲月間，交織出什麼樣的影色？黑冠麻鷺茶褐色的身軀、黑色的冠羽，邊走邊用大眼睛觀察周遭，這些自古以來棲息在台灣的鳥兒，究竟看著怎樣的風景呢？

親近土地，反覆閱讀

不只在台灣，稻垣美侑總是在生活中尋找能夠開啟想像的風景，她說：「當我造訪一片新土地時，我非常重視四處走動，反覆觀察所見的多樣風景，以此觸碰這片土地所特有的景色。」

過往展覽〈青の遊泳 / 游玩海中〉重現她對三重縣鳥羽市的觀察，在這座靠海漁村，她透過海女們的話語理解她們的生活，開啟對海面下世界的想像；又或〈渦としかく／漩渦與方塊〉呈現廢棄建築與蝸牛的共生關係，並用螺旋狀與方形的交流，重譯在一大片風景中的感受；〈ぐぜり／呀呀鳥語〉則以不同的畫作呈現鳥語的節奏、出現的所在，對稻垣美侑而言，「聲音」也是構成風景的重要元素，因此聲音的意象往往會反映在她構圖的節奏或色彩上。

在朋丁個展〈黑冠與水坑〉中，稻垣美侑以訪台時所捕捉到的風景為靈感，透過詩意的方式轉化我們習以為常的生活。她的展覽都為空間與主題量身訂做，將風景收束成一片片繪畫創作，再跨越出繪畫，延伸出不同質地、材質、維度的展出可能性，包含立體、雕塑、空間感等表現方式，不被平面畫布所框架、靈活運用環境中各種元素，用瞬間的美麗觸發感動。

《黑冠與水坑》稻垣美侑個展

展期｜2024.10.19－11.3，週一公休

時間｜12:00－19:00

地點｜朋 丁 pon ding（台北市中山區中山北路一段53巷6號）