甫開幕的Aesop台中概念店，傳統生鮮市場意象隱約卻直球地融入空間，幕後操刀者是日本的TORAFU ARCHITECTS，日本多間Aesop店面亦出自他們之手。這間建築設計事務所，從建築到產品設計都在守備範圍，他們是如何以建築師的思維，延伸出獨有的設計概念？

TORAFU ARCHITECTS由鈴野浩一與禿真哉兩人於2004年創立，攤開他們的商業案件履歷，會發現很難用三言兩語詮釋這是一間什麼樣的公司。雖名為建築設計事務所，但除了建築，亦經手包括室內裝潢、展覽會場構成、空間裝置藝術的設計，甚至參與家具、戒指等產品設計，不受限於建築領域，至今已經孕育出上百件大小設計作品。

鈴野浩一提到，事務所甫成立時，多半以經手小規模的住宅建築或店面設計為主。隨著客戶提出的需求日漸多樣，加上他們兩人也並不自我設限，才有了現今看似十分多元的設計經歷。「因為我們認為在不同的領域可以發想出新的觀點或創意，當然有執行上的挑戰，但共通不變的是『該如何藉由我們的設計，來豐富人們的生活』。」鈴野浩一說。

改變家具與建築之間的關係

鈴野浩一畢業自橫濱國立大學工學部建築學研究所，畢業後則任職於 Coelacanth K&H，亦曾進入墨爾本的建築師事務所工作。禿真哉則畢業於明治大學理工學部建築學研究所，在青木淳的建築事務所磨練技術後獨立門戶。兩人在共同的建築師友人介紹下結識，一同攜手完成了旅館客房翻修計畫「Template in CLASKA」後，才設立了 TORAFU ARCHITECTS 公司。

在「Template in CLASKA」中，鈴野浩一和禿真哉被賦予了改造老舊旅館客房的任務，並必須在其中加入藝術家的繪畫作品、設置電子寵物狗「AIBO」。面對這些需求，他們索性將焦點從客房空間轉向旅行物件，在房內打造了一層薄牆，並挖空一個個得以放置畫作、電子寵物狗、旅行箱、旅館盥洗用具的洞，形成一種「收納範本」，讓人們重新審視物件的價值，並從物件中重新創造出空間風景。

鈴野浩一說，他們在這個案件裡嘗試了雙向的手法，用設計家具的心情來思考建築、用規劃建築的方式來看待家具。他說：「我們希望改變家具與建築之間的關係，像是能創造出生活空間感的家具、貼近人們居住行為的建築。讓家具空間化、讓建築更符合人體工學。」這樣 遊走於建築與物件之間的思考模式，也成為他們日後設計歷程中不變的核心概念。

以素材譜寫 Aesop 店面空間故事

除了住宅空間外，TORAFU ARCHITECTS亦以保養品牌Aesop的店面內裝設計而為人熟知。始於2012年的東京新丸大樓店、橫濱BAY QUARTER店，近年更跨足海外，負責了Aesop台灣台中概念店的設計。鈴野浩一提到，Aesop十分重視顧客的來店體驗，比起大量投放廣告，更在乎如何創造出讓人願意造訪、駐足的店面空間。面對此一課題，TORAFU ARCHITECTS在設計規劃時會事先決定主要的素材，藉由素材創造出各個店面不同的樣貌。「有的時候會選擇能夠從周邊環境跳脫而出的素材，有時則是活用既有空間的優勢。每一次的素材選擇，以及如何實際將其反映到設計上，都是截然不同的挑戰。」

「Aesop NEWoMan 橫濱」正是發揮了素材價值的絕佳案例。TORAFU ARCHITECTS和在德島縣上板町從事藍染手工栽培的「BUAISOU」合作，以藍染作為基調進行整體設計。經過反覆實驗後，最終選擇上色效果最佳的楓樹木板作為店面內的展示架，略為彎曲的藍染木板既延伸出了海浪的動感，也彷彿停泊在海上的船隻，成功營造了橫濱海港的湛藍印象。此外，店內的水槽等設備皆採用不鏽鋼材質，當陽光從兩面落地窗射入時，便會映照出一片深藍世界，令人留下深刻印象。

而「Aesop台中概念店」則是以「傳統生鮮市場」此一靈感著手設計。團隊數度實際走訪台中街頭，不僅以傳統市場常見的階梯式陳列商品，地板及洗手台面也採用了台灣街頭多見的抿石子施工而成。鈴野浩一表示，最初接到此一委託時，最重視的便是如何在設計上反映出台灣文化。確立了台灣當地的素材與文化特徵後，TORAFU ARCHITECTS 再適度地將其抽象化轉譯，接著以色彩調和店面整體印象，最終才得以 打造出一個富有台灣溫度，但又同時保有 Aesop 特色的獨一無二空間。

建築之外，品牌與商品設計的巧思

在店面設計之外，TORAFU ARCHITECTS長年亦與ISSEY MIYAKE、Hermès等精品品牌合作，進行櫥窗展示設計。鈴野浩一提到，由於展期短暫，在進行櫥窗展示設計時，最重視的是如何讓人快速地留下深刻印象。他也說明，必須多方面嘗試商品的呈現方式，除了深入理解當季商品的特色、活用品牌本身的世界觀之外，若商品本身採用了新的技術，將該項技術直接轉化為展示主題也是呈現手法之一。

產品開發亦在TORAFU ARCHITECTS的守備範圍，其中最為人所知的非「空氣器皿」莫屬。直徑20公分的圓形紙片上刻著大大小小不到1公分間隔的圓，經過延伸、展開後，靠著紙張本身的張力與強度，自由變換成為裝飾品、器皿，甚至是包裝紙。這是TORAFU ARCHITECTS於2010年1月參與製紙公司「福永紙工」主辦的企劃展《特色思考展》時，催生出的商品。該展覽邀請了平面設計師、家具設計師及建築師齊聚一堂，各自以負責的顏色進行紙製品的開發設計。

TORAFU ARCHITECTS 首先思考的是如何將平面的紙張轉化為立體，在紙張大小、磅數、厚度，甚至是同心圓的形狀與間隔上都反覆進行實驗，最終設計出了看似輕薄纖細，卻富有紙張強韌特質的網狀器皿。而為了呈現出綠色主題，他們在紙片的兩面分別塗上黃色與藍色，讓商品展開後，經過光線的折射，在各個角度呈現出變化萬千的綠色。

以建築角度出發的商品，儘管看似缺乏機能性，但在推出後廣受歡迎，不僅陸續和漫畫家井上雄彥、設計師野老朝雄、皆川明等人合作新設計，甚至成為了美術館的周邊商品、旅館內的裝置藝術，以及高中創校百年致贈給校友的紀念品。充滿日式細節與工藝的設計在海內外獲獎無數，更在2015年獲選為加拿大蒙特婁美術館的永久收藏展品之一。

從生活中的不便提出好問題

TORAFU ARCHITECTS經手的作品橫跨各個領域，不禁好奇在從事建築空間以外的設計時，是否有任何從建築師角度出發的思考脈絡？鈴野浩一說，兩者之間最大的差異在於「條件」。「建築設計始於施工用地的分析與考察。相反地，產品或家具設計不受使用對象與地點限制，看似自由，但有時也會苦惱於這種毫無設限的狀況。這時我們會刻意想像商品的使用情境，自行設定出各種條件後才開始著手發想設計。不管是建築和周邊環境、商品和使用空間，藉由『賦予用地限制』便能更為全面地思考。」

他也提到，這亦可以延伸為作為設計師的核心思考之一——設計師不只是在解決問題，該如何拋出問題亦同等重要。鈴野浩一說明，不需要是「解決環境問題」這類的大哉問，所有日常生活中感受到的那些「不便」，都可以成為好的提問。以自身的立場思考如何「回答」這些提問，往往便可以發想出富有新意的設計。「所謂的『提問』跟設定條件有異曲同工之妙，這個方法既適於建築，在產品設計上也通用，可說是一種建築師獨有的思考方式。」

TORAFU ARCHITECTS

由鈴野浩一與禿真哉於2004年設立。建築空間外，亦跨足室內裝潢、展覽會場構成、產品設計、空間裝置藝術與影片製作等領域，以建築思考為基底從事設計工作。主要作品包含「港北住宅」、「空氣器皿」、「Big T」、「TOKYOBIKE TOKYO」等。

_{企劃｜張以潔　文｜廖怡鈞
圖片提供｜各單位}

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埃及是許多人嚮往的旅遊目的地之一，壯觀的金字塔、一望無際的沙漠、神秘的古文明，這個國度還將迎來世界最大的博物館——大埃及博物館（Grand Egyptian Museum），超過10萬件文物收藏，從數千年的法老文明到古希臘羅馬時期，喜愛埃及學的務必留意。而大埃及博物館已於今（2024）年10月16日展開試營運，期間將開放部分主展廳。

前後花費近二十年的大型計畫

大埃及博物館位在吉薩金字塔群與開羅之間，其地勢有著50公尺的高度差距，引導尼羅河穿越沙漠、流向地中海，塑造埃及地形長達三千年。

這座博物館的建設其實早在多年前就已宣布開始，並由都柏林建築事務所Heneghan Peng Architects負責。但隨著2011年初阿拉伯之春的爆發，埃及國內政治、經濟不穩定，該計畫被迫暫停。幾年後，埃及政府趨於穩定，大埃及博物館建造工程再度啟動，這次宣佈預計將於2024年中完工開放。

50公頃、逾10萬件文物成世界最大博物館

大埃及博物館以「埃及學的文化綜合體」為目標，落成後將取代羅浮宮成為世界上最大博物館，共佔地50公頃，除展覽空間外也將設置兒童博物館、修復保存中心、相關教育設施及一座廣闊花園。

在幾乎有四座足球場那麼大的展覽空間中，大埃及博物館收藏了超過10萬件文物，包含目前存放在開羅埃及博物館的文物、現存於金字塔旁的太陽船，還有自1922年發現以來首次完整展示的圖坦卡門墓中文物，屆時也將同時展出數千年的法老文明，以及相對較現代的古希臘羅馬時期文物等。

層層遞升的建築，與金字塔群相呼應

大埃及博物館由半透明石材製成，隨著日夜光影轉移呈現不同的變化。Heneghan Peng Architects表示，在設計過程中，博物館與吉薩金字塔群的視覺連結一直是團隊的首要考量。若從遠處看，博物館和三座金字塔連線成三維結構軸線，在沙漠中創造出獨特的視覺。

走近大埃及博物館，便會注意到其富有層次感的建築設計，從偌大的庭園、樹蔭遮蔽的入口處，隨宏偉的樓梯逐步上升與遠處高原地形同高，眺望完整的金字塔景觀，最後再進入博物館內部。

博物館量體龐大，但耗能極少

此外，引人注目的還有大埃及博物館的綠建築認證。這座博物館是IFC（International Finance Corporation）在非洲與中東地區第一個認證的綠色博物館，採用能反射陽光的屋頂、高效照明系統和水設備等可持續發展設施，相較同規模的建築節省了超過60%的能源成本和34%的用水量。

資料來源｜heneghan peng architects

紐約大都會藝術博物館（The Metropolitan Museum of Art，The Met）的麥可洛克斐勒側翼（Michael C. Rockefeller Wing）展區自2021年起關閉進行翻修，終於將在2025年5月底以嶄新面貌再度開放。該展區聚焦非洲藝術、美洲古文明藝術和大洋洲藝術，共計將展出超過1,800件作品，以開放與互動性設計，帶領觀眾更加深入其歷史文化背景。

麥可洛克斐勒側翼是大都會藝術博物館中展現全球非西方藝術的重要部分。該展區以洛克斐勒家族第四代成員麥可·洛克菲勒（Michael Rockefeller）命名，紀念其對於太平洋島嶼文化及阿斯馬特族傳統的探索與研究貢獻。其父親、美國前副總統納爾遜·洛克斐勒（Nelson Rockefeller）在20世紀中期致力於保護和推廣美洲原住民及非洲藝術，並於1969年捐贈給大都會藝術博物館。

此區共計收錄超過14,000件藏品，主要為來自非洲、大洋洲及古美洲的藝術，並以三個獨立空間展示，展現文化的多樣性與深度。自展廳首次啟用以來，館藏規模已增長超過一倍，為策展實踐方式帶來巨大改變，也因此館方展開了空間翻新計畫。

向各地建築特色致敬

麥可洛克斐勒側翼翻新計畫由洛杉磯WHY建築事務所主導，總面積超過40,000平方英尺，著重強調展覽空間活性，並藉由創新的展示技術，讓訪客在觀展的同時，也能與藝術品產生情感連結；而針對不同館藏領域的展間，設計元素也特別向各地區的建築特色致敬，例如非洲展區天花板的隔板排列造型，就是取自非洲最著名的文化地標之一：傑內大清真寺。

大都會藝術博物館團隊表示，藉由翻新建築物的機會，館方也重新與在地鄰里連結，盡可能減少碳足跡、使用附近來源的材料與工藝，也為當地創造大量的工作機會。

更具開放性與包容性的展覽空間

WHY建築事務所創始人兼創意總監Kulapat Yantrasast分享，自然光的引入是本次設計的最重要考量之一。自然光線透過斜面玻璃牆穿透室內，讓館內空間感覺像與中央公園融為一體，也令藝術品更具生命力。

展間也將運用多媒體與數位化技術，進一步豐富觀展體驗。這次翻新的一大亮點是牆面文字和數位展示的導入，為觀眾提供更深入的背景介紹；動線與導覽也將重新與相關文化背景的專家合作規劃，鼓勵觀眾自行在展間中探索，如非洲館的作品將依照區域性的藝術運動展示，呈現它們所經歷的歷史發展。

此外，翻新後的展廳也包括更多互動體驗，透過視覺、聽覺及肢體感官，更直接地體會到每件藝術品所傳遞的文化背景，期望打破過去以西方視角觀看非西方藝術的展覽方式，讓藝術品為自己的歷史發聲。

500件藏品首次展出

重新開放後的麥可洛克斐勒側翼，將帶來一系列新的展品，開啟當代藝術與傳統文化之間的對話。根據策展人Alisa LaGamma，將有多達500件撒哈拉以南非洲藝術品展出，創作年代橫跨中世紀到當今，其中幾件焦點作品包含公元12世紀在內尼日三角洲製作的陶土雕像、馬利藝術家Abdoulaye Konaté的纖維藝術作品《Bleu no. 1》等。

除此之外，麥可洛克斐勒側翼也將設立美國首個專門展示古安第斯文明紡織品的展間，以及與數位技術融合的大洋洲原住民藝術家新作系列等。未來，這些藏品不再只是單純的靜態展示，而是融入更多跨文化對話、當代藝術的反思，讓創作的多元性在空間中流動。

資料來源｜The Met、WHY Architecture