有時，城市裡會出現一個期間限定的時空，從書、攝影集、藝術家的書、雜誌到zine⋯⋯，各式非典型的主題、形狀、色彩，沒看過想過摸過的紙本創作，都在這裡閃亮面世。「草率季」和「傻瓜書日」是台灣近年兩大重要的出版場景，一個牽起當代藝術和出版的交集，一個以影像和自出版為核心耕耘——在這裡，什麼樣的能量正在凝聚？

在草率季誕生之前，黃偉倫（Frank）經營「空場」，一個匯聚22位藝術家的非營利藝術聚落。那幾年，他常感到挫折：認真辦的展，除了開幕當天的熱絡，之後每天了不起兩個人來，一個月後就又要撤。苦於要如何把視覺藝術的受眾擴大，也喜愛出版品的他發覺兩群創作者的共同點，「都滿把生命力和喜好直接貫注進作品裡。」2016年，第1屆草率季在北投的倉庫敞開大門。

也是在那左右，林君燁和劉兆慈雙雙從歐洲搬回台北，長久以書跟影像作為創作載體的兩人，好奇有誰也在做一樣的事？城市中，尚找不太到販售攝影書的場所，兩人乾脆自己成立「傻瓜書日」，也在2018年，借了君燁家附近的酒吧，邀來10幾位喜歡的藝術家一邊翻書、一邊喝酒聊幹話，至今已順利舉辦4屆攝影藝術書展，期間也陸續策劃展覽、講座、另類讀書會等各式活動。

聽Frank和君燁聊聊，這些年來，透過他們的眼和在藝術出版現場的第一線經驗，看見了當代紙本創作的何種潛能和形貌。

Ｑ：書展最初是怎麼定調?來的都是怎樣的人？

 君燁  可以從「傻瓜書日」的命名講起——創作者很愛覺得自己的東西還沒做完（笑），是所謂樣書（Dummy Book）；Dummy還有笨蛋的意思，做書的人也確實很「笨」，它在當代藝術中不是非常有效的媒材，販售面也不是一個完全的商品，很難得到立刻的價值回饋，可是大家就是愛做。

我喜歡書，則因為覺得書是個好攜帶、掌握的空間，每個人都可以隨時隨地自由進入。

我們鎖定以「影像」與「自出版」為核心，第1屆集結了非常多做書的創作者，許多攝影人都出現在現場，像是《攝影之聲》主編李威儀、Lightbox創辦人曹良賓和沈昭良老師等，大家年紀、創作媒材都不太一樣，但因為當時做影像的社群比較沒有聚在一起的機會，比想像中踴躍。後來，傻瓜書日只有一個不曾改變的報名規則：要至少有一件作品是以影像為媒介，且以書作為載體呈現。

 Frank  我喜歡的東西比較曖昧，涵蓋設計、藝術、建築和工藝，所以成立草率季時，就把「個人表達」設定在最前面，希望每年大家可以聚在一起慶祝自己的創意、個人主張和生命力。

另一方面也覺得，應該要跟國際上的同好有所交流，第2、3年時，每天都寄300封信，像打仗一樣一直打鍵盤，邀喜歡的國際出版單位飛來；到第4～5屆後比較穩定，就開放open call報名，雖不設限創作領域，但至今書攤類還是重點，2024年總共有443個參展單位，書攤占380個。

錄取標準上，除了有出3本書以上會優先考量，再來就是看創作到底是不是新鮮、原創。

Ｑ：歷年來受到討論的作品類型有何演進？

 Frank 草率季前3屆，比較多藝術書籍，其中有1/3～1/2是小誌，也是最受歡迎的。

2019年左右，一些國際出版社或書店帶來滿多主題性書籍，譬如建築主題的精裝書，類似Assemble的出版，是陳述研究過程、方法或project的記錄。單價很高，卻能幾乎賣光，也發現漸漸有些輩份較深、室內設計或建築背景的人，像實踐建築系的教授會跑來找這些書。

後來有一大批插畫、花藝、金工的人mix進來。疫情後這幾年則很奇妙，出現許多用刺青圖案作為創作媒材的刺青師，他們也會出貼紙或小誌，圖像風格也開始拉出各自的特色，這兩年滿受到歡迎。

 君燁 藝術出版這件事就是超級超級多元，觀眾有感覺的東西差距很大，但共識就是挪石社永遠賣得很好（笑）！他們很會選題，作品很有巧思，概念也非常完整——能呈現出一個完整「世界觀」的作品，是大多喜歡書這個媒材的人會喜歡的。

去年還有一個賣超好的，是雅加達藝術出版社Jordan, jordan Édition的《班達日記》（The Banda Journal），代表印尼第一次拿到「巴黎／光圈攝影書獎」的年度攝影書獎，呼應近年當代藝術的走向，結合民族誌、旅行、紀實攝影、地緣政治學等面向。

另外，我最近去了歐洲工作，發現很多像Frank提到的、偏研究屬性或檔案整理的書，還有滿多表演作為出版（Performance as Publishing）的實踐，近年也很常見。

Ｑ：在你們的觀察中，台灣及各地的藝術出版社群各有什麼特質？

 Frank 目前草率季的組成其實是很雜亂、展開的，對應到台灣的環境氛圍，就是大家逐漸認同各自喜歡的視覺方向、有興趣的議題，以非常非常非常非常分眾的狀態進行自己的創作。Printed Matter總監、目前紐約藝術書展的負責人，也是做小型zine市集出身，他說在草率季現場，總能看見大家很強的「想呈現自己」的慾望，呈現了書跟當代藝術中間一個很奇幻的交集。

 君燁 以我生活過或做過田調的地方來講，荷蘭、德國、英國等藝術出版和書展歷史比較悠久的地方，做的書比較能看出學院內外對照的地景脈絡；相比歐洲很個人化的作法，東南亞有很多集體協作，除了因為藝術出版本身就是一個年輕藝術家沒有地方展出時會選擇的載體，也因為（除新加坡之外）他們幾乎拿不到政府補助，不過雖然被掣肘，也因此找到很多新的路，他們不用去回應補助資源的期待，也常常需要比審查紅線再靈活一點，反而會長出一些非常恣意、令人驚喜的作品。

香港的氣氛很緊張，我今年去「BOOKED：香港藝術書展」做講座，書展期間持續聽到有書被下架，中國的書展也幾乎都停辦了，以前中國政府不太管藝術出版和書展，這一兩年則變得非常嚴格，中國知名攝影書出版社「假雜誌」的出版人最近也傳出被消失的消息，對華文藝術出版是一件滿糟糕的事。草率季這次有辦法邀到中國的策展人嗎？

 Frank 這次我們花了大概4、5個月幫大家申請簽證，過程非常痛苦，但最後有10幾位中國參展者可以來，包括第一次來台的「abC藝術書展／DREAMER FTY夢廠」團隊。

 君燁 他們今年也宣布書展要無限期暫停了，還可以這樣有跟大家實體見面、分享作品的機會，很難得也令人開心。

至於台灣，做藝術出版的人很多，但持續在做、不只是一次性發表的人其實沒那麼多，機構和空間也算零星。直到去年的傻瓜書日，我很驚訝發現越來越多沒看過的單位或藝術家，意識到台灣的創作者有在變多，也有大學學程結束後組隊來參加，整個社群好像真的有慢慢在往外擴。

Ｑ：從開辦藝術書展到現在，有什麼事超出你們的預期？還期待哪些可能性？

 Frank 現在的草率季現場，越來越像是每屆幾百位參展者一起做出來的集體創作、一個獨立的生命體，這是我之前沒有預料到的。

兩年前開始，我們每年也會邀請各行各業的評審一起選出5位特別的新銳創作者，一起做實驗出版計畫、甚至帶著大家的作品去國外參展，希望有更多人喜歡這些很自我表達的藝術家。

除了沒辦法對應我們投入的時間成本，目前售票收入已經可以維繫運作，但也會思考如果可以像東京藝術書展，有一些支持出版的私人企業或基金會，大家加入一起做也很不錯。

 君燁 在藝術出版這個領域，一件作品的價值很難在資本世界等價交換，大家都還在用自己的辦法，實踐「書」的不同可能。傻瓜書日從一開始自掏腰包，直到去年規模擴大，收支比較達到設定的目標。希望不論是藝術出版的參與者，或是讀者、觀眾，大家可以一起讓整個生態越來越健康、多元、完整。

可是要變成怎樣呢？其實我也還不知道，因為從單純提供一個展示、交流創作的空間，到一年年持續在發生，大家都還留在這裡，本身就已經是最超出預期的事情了。

台灣還有這些酷酷出版EVENTS！

◉ Not Big Issue 小誌／獨立刊物市集｜Since 2013
台灣首個獨立刊物市集！由邱璽民和搖擺少女創辦，近年舉辦於濕地。招牌活動為「大隊接 ZINE」，開放攤位於現場以抽籤方式回應前位參與者的內容進行創作。

◉台中藝術書展｜Since 2017
中台灣最大的藝術刊物市集，自派對場域The Cave發跡，近年舉辦於台中市文化部文化資產園區。團隊BREAK OFF同時舉辦台中國際海報展，今年擴大規模為台北國際海報博覽會。

◉Room Service｜Since 2018
由台北文化選品店Waiting Room舉辦，主理人為透明雜誌鼓手與長腦筋唱片創辦人Trix。出版之外亦集結音樂廠牌、唱片行、飲食等多元型態非典型創作。

附錄☆ 2024我們在做這樣的書！直擊草率祭創作者群像

11月底，草率季甫在華山1914文化創意產業園區吵鬧落幕。我們衝去現場，從430+組國際參展者中打撈回一些野生創作者的身影與作品，看他們想透過紙本說什麼話？沒有趕上市集也不怕，現在按下追蹤也不晚啦。

📍德國｜Dicey Studios
在成為設計師之前我就開始做zine了。從青少年時期龐克主題的fanzine延伸到藝術、漫畫，也有好幾本是在玩字體。然後有天這個角色突然出現在我腦袋裡，它沒有名字，我不想限制它，你要說它是熊、龍、米老鼠、歐洲童話裡什麼都吃的毛毛蟲都可以，它代表活在當下的享樂主義。

📍台灣｜dandandying
我大學念心理系，創作內容通常和情緒相關，比較抽象、無敘事性。有在憤怒時下畫的，也有關於「想逃離日常生活」的情緒的實驗漫畫。今年新的繪本是以「心臟」為主角，關於我身體的故事，叫大家要關心「心」，注重身心健康啦！（笑）

📍台灣｜展開為表面
我們是來自建築、藝術背景的3人團隊，一起編了這本訪談、短文集。英文書名是個3D建模軟體指令，呼應台灣還有很多沒被看見的事情，需要被展現。首本有6位受訪者，全書訪談和短文一一穿插對照，藏有細微連結但不明說，留給觀眾在閱讀中找到自己的詮釋和樂趣。

📍中國｜PIDAN
我在東京念攝影學校，平時做很多攝影裝置，也想透過書籍這個好流傳的媒介將它們轉化，讓更多人可以感受和體驗。內容結合我的攝影和詩，都是手工裝訂，除了是書，我也希望它們可以是被擺放在家裡的物件，就研究出一些可站立的獨特裝幀方式，也喜歡探索紙的延展潛力。

📍馬來西亞｜LALA COMPANY
我叫Radio Woon，是名藝術家兼平面設計師，在上海工作生活。我用馬克筆創作很多大眼怪嘴人角色，他們也是我故事的主角，通常以熱鬧的群像出現，表現不同性格和生活態度。我最新一本手工zine的名字是馬來語的「回鄉」，紀錄去年一趟回馬自駕遊的旅程。

📍韓國｜Namoo Kim
我是韓國坡州字體設計學院（PaTi）的學生，平時我們可以探索任何有興趣的媒材，但每學期末都會將成果製成書籍。過去7年，我用一次性即可拍捕捉韓國街上的手寫文字，一直想做成書但沒有勇氣，直到這次教授說我們一起去草率季吧！就有了這本《街上詩人》。

📍美國｜EXTRA CREDIT
我是紐約的高中電腦科學（CS）老師，其實一開始只是想幫學生做些有趣的教材，試試看能怎麼把學習和好玩的閱讀體驗結合，結果就變成在做zine了！我大多作品用RISO印刷、手工裝訂，內容裡頭可以看見不少創意編程的元素。

📍法國 & 台灣｜巴斯巴度
我們是分別來自法國的記者和台灣的譯者，一起做這本台法雙語期刊，以採訪和專文介紹台、法兩國的繪畫、音樂、文學、電玩等各領域創作者，目前已有兩刊。此外我們也出版書籍，明年春天會把法國重要小說《La Morte Amoureuse》首次譯進台灣！

_{採訪整理｜李尤　攝影｜鏡好映像工作室 _ 林家賢、Liszt Chang　圖片提供｜傻瓜書日}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/12月號《紙上策展術》

由沿岸制作於2023年發起的品牌「p.n.g.」，帶來的首檔企劃展覽《招牌：》（SIGN: Promotional Narrative Guidance），透過重新定義「招牌」於社會中的角色，以不同面向角度深入探究，逐一拆解招牌在社會長期累積的文化意涵。本展於3月22日至3月30日於 PPP 時尚藝文空間展出。

p.n.g. 為沿岸制作發起之品牌，希冀作為反射生活價值概念的萬花筒，以社會學研究為本的設計品牌，透過對於生態、社會文化、歷史、政治、科技與哲學議題的關注，加以解構與設計轉譯，挑戰人們認知當今社會的想像。而《招牌：》作為p.n.g.的首檔展覽，期盼從自身關注的議題開始，研究梳理而後簡化成大眾可以消化的內容，也期待在未來能夠與更多專業的研究單位合作，一起使關注的議題被看見。

什麼是招牌？

《招牌：》從議題的根本「什麼是招牌？」展開，透過展覽的四個子題切向——「Promotional」、「Narrative」、「Guidance」、「Aesthetic Iteration」，揭示著「招牌作為一種審美價值觀的映照」。而在此次的議題研究中，得以發現招牌的形式與概念逐漸萌芽，建構在「商業活動」的形塑之下，p.n.g.試圖回溯著人類歷史上的「第一個招牌」，透過勾勒出招牌的「前世今生」，描繪招牌在社會中的文化表現，其符號如何建立出共通語言，表述招牌背後的目的並與大眾產生連結。

Promotional／招牌象徵不斷傳達我是誰

展覽第一區「Promotional」，陳述著招牌被視為一種外顯的店家名片，既可以等於品牌本身，更可以透過招牌形體的表現設定，形成一種對外的溝通語言，與社會普遍價值觀進行連結。當招牌在回應「我是誰」的同時，它所指涉的形象本身，也試圖透過各種大聲喧嘩的方式，在社會群體中強調個性、突顯自我。同時，展區藉由三部不同敘事角度的影片：〈台灣招牌的現況〉、〈為什麼會有這樣的招牌？〉、〈我們怎麼認知現在的招牌？〉」詮釋大眾、招牌廣告店家、以及普遍現況的視角論述，提供觀眾不同觀點論述的可能，試圖回應「臺灣招牌從何而來？」。

Narrative ／招牌進行式

展覽第二區「Narrative」，展示著「手繪招牌」、「霓虹燈」、「發光招牌」、「動態招牌」各別呈現的形體，與當下所形構出來的「字體」與「顏色」不同，代表著每個時代反映的價值觀論述，而這些梳理過後的審美結果，完整地融合成我們現今看見的城市街景。《招牌聚落》藝術裝置，乘載我們對於「招牌即為一城市聚落」的想法。聚落（settlement），象徵著人們聚集所形成的所在地，而招牌則是人類社會活動所演進與推動的，我們現今所見的街景，充斥著各種不同的招牌個體，聚集所形成的城市是一個龐大、歷史悠久的聚落，附載著數百年來的人類活動、思考的痕跡。

招牌聚集所形成的城市街景，也正恰好回應著社會、群體與個人之間的交互關係。p.n.g.透過招牌的轉變歷程與系統性的歸類、勘查，釐清不同招牌樣式所產生的緣由與時代背景長遠的影響，於此「臺灣招牌年表」則作為計畫中舉足重要的內容之一，透過相互對照的臺灣／國際歷史與招牌時代演變，成為了每個時間段的連續關係，同時也有著不同程度的斷層存在，臺灣招牌年表作為探究臺灣招牌的一種途徑，提供一個更宏觀、全面的視角使我們建構起招牌與臺灣審美價值觀的年代地層。

Guidance／這是招牌嗎？

展覽第三區「Guidance」，以招牌其中一項意義——指引（Guidance），作為城市中的指引標示，作為店家被大眾認知的載體。然而梳理招牌的歷史脈絡中發現，招牌作為一種城市中的符號象徵，它原始所代表的符徵與形式，在歷經時代變革後逐漸弱化，取而代之的是，當面對社會狀態與科學技術的更替後，延伸變化出的全新樣貌——包括：招牌呈現形式、使用語彙、被認知的意涵，這類型的招牌超越傳統招牌的純指引性功能，轉以另一種意涵的指引為訴求，成ㄊ城市空間或個人經驗的一部分。〈聲音招牌〉則代表著這樣的轉變，以聲音作為招牌符號，透過聲音的震動與傳播，將聲音招牌具象化，那些習以為常的聲音招牌存在於我們的之間，建構起我們對於這些商家的想像與認知。

Aesthetic Iteration／招牌是隨處可見的時代縮影

展覽第四區「Aesthetic Iteration」，透過提問「觀看招牌時所形成的評斷，其背後建構起來複雜、多元、難以分辨的『價值觀體系』是什麼？」展開，以社會學、哲學的論點切入，為一個龐大的疑問提出不同觀點，釐清我們如今所形塑的審美架構與認知從何而來。

城市街景更代表著不同時代的緊密交錯，透過招牌的內容，恰如其分地表達當下時代的脈絡與城市語言，仿佛招牌即是一龐大的岩石地層，以時間序列的方式，縝密地將美學價值觀逐一疊加，成為一種濃縮的美學價值觀。〈街道地層〉全新藝術裝置，即是源於此概念下產生，透過將「地層柱」的概念延伸為審美價值觀的迭代，將「招牌」視為表達當下社會現況的媒介，以各種招牌材質為地層的視覺語彙，剖析招牌地層柱的過程，如同揭示著臺灣招牌歷史的演進，以及社會價值觀、審美觀的累積。

在資本主義與商業模式橫行的社會下，人們其實在無形之中透過選擇購買的商品，來逐漸塑造自己成為某種形象。而這些選擇累積起來，形成個人在社會中的定位與認同。「我們穿上別人以成為自己」，這句話闡述著一種弔詭的矛盾現象——在追求獨特性的過程中，是透過選擇與組合既有的社會符號來建構自我。因此，p.n.g.也特別邀請藝術家陳青琳，透過繪畫的方式，進一步轉譯「我們穿上別人以成為自己」的概念，將街道上的招牌融入「自己」，呈現著所謂的成為自己；而在陳青琳充滿奔放、自由的創作中，我們看見招牌符號融匯社會之中的意象，也在觀看招牌的同時，望見自己。

《招牌：》SIGN: Promotional Narrative Guidance
展覽日期：2025年03月21日（六）～2025年03月30日（日）
展覽時間：週一至週日 10:00-19:00
展覽地點：PPP時尚藝文空間（台北市中山區中山北路二段26巷2號1樓）
參觀資訊：免費參觀

_{資料提供｜p.n.g.、文字整理｜Adela Cheng}

臺北市立美術館兒童藝術教育中心（北美館兒藝中心）於3月22日起，推出全新教育計畫「靜 • 物」。本次計畫以「靜物」為主軸，由館內策展人王瑋婷策劃，展出王亮尹、吳思嶔、走路草農／藝團、邱承宏、張義雄、莫伊塞斯‧巴瑞歐斯、郭柏川、劉啟祥、賴九岑9組藝術家作品，涵蓋繪畫、雕塑、錄像與空間裝置等多元藝術形式，其中更包含多件北美館典藏作品。邀請大小朋友透過藝術重新審視日常物件，開啟對「物」的多重想像與體驗。

「靜物畫」（Still Life）在17世紀荷蘭黃金時代，發展為獨立繪畫類型。當時，隨著經濟繁榮，美食佳餚、異國絲綢、精緻瓷器等成為畫家筆下的熱門題材。然而，靜物畫的歷史可遠溯至古希臘，並在不同時期與地域背景下衍生出多樣的象徵意涵。本展透過「物與物的關係」、「時光定格」與「物的再創造」三個子題，拆解靜物畫的多重面向，引導觀眾探索藝術家如何運用構圖平衡、凝結時間與情感，並轉化日常經驗，讓尋常的靜物在嶄新視角中，展現更多未曾想像的可能。

「物與物的關係」

藝術家透過靜物擺設之間「物與物的關係」，巧妙營造畫面的比例與構圖，不僅成為召喚記憶、激發想像的媒介，也是本展的起始點。前輩藝術家郭柏川的《蘋果與花布》色彩飽滿鮮明，融合後印象派、野獸派的用色及精神，不僅展現對家鄉臺南燦爛陽光的回應，西方油彩顏料與中式宣紙的結合，成為思索東西融合的代表作品；張義雄1950年代的作品《吉他》以強烈的黑色線條勾勒畫面，將吉他、樂譜、花瓶等桌上物件呈現出如剪紙般的拼貼效果，作品反映藝術家當時所承受的生活壓力與內心鬱悶，也展現他對畫面構圖的精心佈局與用色技巧。《香蕉恐龍》來自瓜地馬拉的藝術家莫伊塞斯‧巴瑞歐斯，描繪恐龍在巨大的香蕉上爭吵，隱喻中南美洲長期依賴香蕉為主要經濟出口作物的情況下，未曾止息的權力鬥爭。

「時光定格」

光線在靜物作品中扮演關鍵性的角色，「時光定格」探討其中隱含的時間概念。《最後的願望》是藝術家王亮尹以著名的流動筆觸與滴流色塊，描繪生日蛋糕的外包裝及櫻桃，透過這些物件喚起觀眾對回憶與願望的聯想，營造情感與自我對話的空間。同樣取材自日常經驗，劉啟祥《桌下有貓的靜物》描繪一隻花貓趴伏在桌下層板，桌上擺放著柚子、柿子與佛手瓜等蔬果，光線自畫面右上方灑落。透過藝術家的視角，觀眾彷彿與藝術家一同凝視日常一隅，感受光影流動間的寧靜與詩意。

「物的再創造」

在「物的再創造」子題中，將自身經驗轉化為獨特觀點的藝術形式，探索物件在不同情境中的全新意義，進而激發觀者的多元聯想與情感共鳴。吳思嶔的單頻道錄像作品《I have a good doggy》靈感來自於他在工作室附近撿拾到狗的頭骨，以影像紀錄使用樹脂土逐步還原狗的肌肉與皮膚，最終塑造成迪士尼卡通中的布魯托，作品在自然物與人造物之間展開辯證，突顯生命中荒謬與幽默的本質。賴九岑《零大於壹Ⅲ》組件以微觀視角呈現拆解後的玩具，讓圖像遊走於具象與抽象之間，營造出似曾相識卻又陌生的視覺驚喜。本次展覽更首度將藝術家筆下的玩具零件與作品並置展出，深化對物件與記憶的探索。

現地製作的《採光》隧道由邱承宏精心打造，以混凝土石刻版畫形式呈現，細膩刻畫植物及光影紋理，觀眾可戴上頭燈觀看隧道裡的微觀、日常，思考現代化進程中，人與風景、景觀的關係轉變；另一件作品《水泥動物園》重現1970、1980年代常見於臺灣校園、公共遊樂空間的水泥動物塑像，樸拙的造型及表情曾經是許多觀眾的集體記憶。走路草農／藝團《靜物劇場》以充氣裝置呈現靜物畫常見的描繪對象，將芒果、釋迦和蓮霧等水果主題裝飾瓶身，探索被譽為「水果王國」的臺灣與受青花瓷影響而發展出「台夫特藍」的荷蘭之間的關聯。作品透過視覺轉譯歷史、訊息與符號，激發對「臺灣製造」的認同與新記憶。

推出工作坊與互動演出

另外，本次教育計畫，特別自作品延伸規劃4個互動裝置區域，將小工作坊轉化為「靜物畫，從擺設開始」空間體驗室，讓觀眾能實際動手參與，探索物件與人的關係。展期間除了舉辦多場定時導覽、團體導覽，亦與囝仔人、末路小花劇團、影像創作者陳含瑜合作推出「想像驚奇箱」、「顛倒物件玩玩看」、「多重感覺探索」、「行動代號：現在正好」及「Photogram 物件投影」等5個適合不同年齡層的工作坊與互動演出，相關資訊與報名辦法請關注北美館兒藝中心官網或北美館臉書粉絲專頁。

靜 • 物 Still Life
展期：2025.03.22－2025.08.31
地點：臺北市立美術館 兒童藝術教育中心

_{資料提供｜北美館、文字整理｜Adela Cheng}