「藝術」和「書」拆開來看不難理解，但「藝術書」到底是何種組成？對台灣兩家重要的獨立藝術出版社——挪石社 nos:books 與 dmp editions 來說，正代表著對藝術、印刷品兩種載體的無限熱情與可能。

在談論書的場合，不只一次聽見有人用「傳奇」形容「挪石社」。創辦人暨主編和孜（Son Ni）自2000年代的創意市集起步，但對創作文創商品、製作自己都不使用的東西越來越感到不解，想更單純地面對作品，而轉往藝術書領域發展並成立了挪石社。後來與來自香港的藝術家智海結識，出版50幾本藝術書籍，足跡遍及台、港、歐美等各城市，並活躍於國際藝術書展，十幾年來啟發許多台灣的藝術與文化工作者。

獨立出版人Shauba便是在創意市集與和孜認識，她早年以攝影刊物《Waterfall》、生活與藝術雜誌《Not Today》等打響名號，近年則專注經營獨立藝術出版社「dmp editions」，探索更多元的主題，吸引不少台灣與國際藝術家合作。在台灣，書本買氣已很低迷，藝術書往往更是比小眾還小眾。挪石社與dmp editions是如何思考這項創作媒介？背後又藏著什麼樣的甘苦與祕辛？

Ｑ：你們會如何定義「藝術出版」或自己正在從事的事？它跟一般出版業有什麼不同？

 挪石社  我們沒有做過一般的出版業，但我覺得比較不一樣的地方是，有時一些藝術家會主動找我們合作，如果他的概念已經很完整、明確，這種案子我通常不會接，因為這代表他們自己其實也有能力完成這本書。我們會跟一位藝術家合作，通常是已經觀察他的作品一陣子了、對他的創作也有很多想法，才會提議：不然我們來做一個不一樣的東西好不好？所以跟我們合作的藝術家，通常都要願意給彼此信任感和創作空間。否則，大部分的藝術家會比較像是想為自己做一個「作品集」，而不是藝術書。

 dmp editions 如果拿影視產業來比喻，藝術出版社的角色可能有點像製片公司，負責「把作品做出來給觀眾看」。但如果出版社像一般製片公司，那我們就比較像獨立製片，資源相對沒那麼多，像資金籌措或找能賣座的演員這些，都比較缺乏，所以需要在更多細節上花心思。像挪石社說的，我們對於內容的處理也會希望有更多掌控權，而不是你給我一整包內容，然後我幫你把內容排上去變成書而已。藝術書的概念更像是「用一本書看一場展覽」，而不是單純地閱讀文字資訊。

Ｑ：從事藝術出版，最辛苦和最有趣的地方分別是什麼？

 挪石社 雖然獨立藝術出版社的資源比不上大型出版社，但我覺得資源少有資源少的作法，這方面倒不覺得特別辛苦。反而是我們不太懂網路操作，做網路的方式很old school，像電子布告欄一樣。而且每次出一本新書，我們也不太知道怎麼樣去介紹，都是到了書展上講了幾次才知道「原來可以這樣介紹！觀眾吃這一 套！」所以，我需要花點時間才知道怎麼把一本書的重點講出來。辦線下活動也好累喔！雖然想和大家分享好東西，但有沒有人來也充滿不確定性，壓力滿大的。但如果做到一本自己覺得滿不錯的書，藝術家也滿意，甚至喜歡的書能夠賣得好⋯⋯都是很有成就感的一件事。

 dmp editions 辛苦⋯⋯如果單純以這個工作內容來說的話，我是覺得還好啦！真的超級辛苦的地方應該是溝通吧。只要牽扯到溝通，而且要溝通的人越多，這件事情就會越困難。

Ｑ：在出版者的身分以外，你們本身也都是藝術書 創作者，這兩種身分之間有什麼相互影響？

 挪石社 比較負面的影響是時間不夠，想做的事太多，要平衡就要仔細安排好時間。正面的話，會比較從藝術家的角度去思考事情，溝通上順利很多。有些藝術家在意的地方我們也懂，有時候他卡住了，我們就能從他的角度去溝通，讓藝術家更容易理解跟放手一些執著。我本身主要 是畫drawing（廣義的繪畫），智海則從事油畫跟漫畫創作，做書也能幫助我們在創作邏輯上的思考更順利。

 dmp editions 時間的確不夠用！而且我的角色比較多元，除了創作者、出版社，還有一種介於兩者之間的狀態。作為創作者的時候最簡單，因為只要對自己負責就好了；如果單純作為出版社——像我今年合作的兩本書——那只要從出版社的角度去給意見就好；但如果要跟某位藝術家合作，我會需要「共同創作」，同時還必須以一個出版社的角度去思考事情。但我自己在這3個角色之間都是切割得很清楚的，切換起來還算ok。

Ｑ：請和我們分享一些品牌最近出版的作品，以及背後的創作故事。

 挪石社 2022年我們跟陳藝堂合作了《A Cut of Etang》。以往我們都是以書本為主，展覽為副，但這次反過來，先辦展覽再做書。在展覽中，我們安排了300多張照片，還有一本空白相本，讓觀眾挑選喜歡的照片帶回家。後來，我們根據最多人選的和完全沒人選的照片，將書籍裝幀編排成上下兩部分——上部是最多人選的40張，下部是沒人選的40張。本書由觀眾挑選的數據作為編輯方法，算是一個跳脫常規編輯思維的有趣計畫。

今年我們還出版了《雅賊指南》，一本教你80種「偷書」方式的書。這是美國藝術家David Horvitz 的作品，原版出版已經有30幾種語言版本，這次找我們合作繁體中文版。在翻譯上他們特別要求要加入一些台灣特色，例如原文的語境或物件，我們替換為珍珠奶茶、貓砂以 及藍綠議題之類，讓書更貼近在地文化。

 dmp editions 今年dmp沒有完全自己做書，都是和不同單位合作。一本是《Typhoon》，丹麥藝術家組合Tofu Collective的背景是亞洲當代藝術研究，所以希望以類似期刊的方式，一輯一輯地去討論不同地區的當代藝術——第一輯他們想來台灣，因為他們很喜歡台灣。我們從去年5月開始定期線上會議，過程非常繁瑣漫長，直到今年5月在台灣辦新書發表時才終於再次實體見到他們，所以印象比較深刻。

另一個合作是《yyin. volume 1》，是實踐大學媒傳所學生Yagi的畢業製作。他以「陰性」為主題，找了7組創作者和設計師合作，創作內容包括音樂、服裝、舞蹈等，每組的作品都很不同。因為Yagi本身就是設計師，還組了自己的編輯團隊，所以這次我的角色比較像顧問，在後端協助他們完成這本書。

Ｑ：如何看待台灣的藝術出版社群？跟國外有什麼不同？

 挪石社 台灣是很平面性的發展，大部分是藝術家自己想做什麼就做什麼，有地方賣就賣。但就缺乏層級式的進程，很多人出一、兩本書就不做了，導致同質性高，風格、脈絡或生產模式都很接近，入門得很快，離開得也很快。我會覺得滿可惜的，因為創作需要時間去慢慢發展自己的語彙。

 dmp editions 國外由出版社和藝術家自費出版的比例，可能是5:5到7:3之間，但台灣大概是1:9，沒有出版社關注的議題框限，各種發揮空間算很多！最需要被突破的瓶頸其實就是「市場」本身——雖然相比10年前有所成長，但大家對藝術書還是不太理解，這方面還有很多很多可以努力的空間。

 挪石社 雖然周邊產品比較好入手、好理解，或容易銷售，但作品本身並不需要依附在產品上。書本身是一種很好的載體，很好表達創作和意念的媒介，能釋放巨大的創作能量。所以還是期待有更多人做書、看書、買書。好的創作者更可以成為出版社，帶動更多人參與，讓整個環境活絡起來。

挪石社
獨立印刷出版社，2008年成立於台北。主要出版藝術家的意念、行為，出版品於網站發售，並發行至台港歐美各城市，每年巡迴參加各國藝術書展；2021年起營運實體空間nos:bookspace。

dmp editions
2016年成立於台北，出版部門與藝術家、策展人合作生產藝術書籍，並持續發行訂閱制紙本小報《Sidewalk》。「dmp projects」的其餘部門業務則涵蓋編輯企劃、設計、產品、策展、活動等。

更多精彩內容請見 La Vie 2024/12月號《紙上策展術》

由張碩尹工作室和英國數位藝術團體Blast Theory合作的《Proof As If Proof Were Needed》，以嶄新觀看體驗，展開一段台灣老公寓發生的婚姻故事，作品將於2025年3月7日至15日在美國西南偏南藝術節舉行全球首映。

西南偏南藝術節（South by Southwest，SXSW）是全世界最重要科技藝術與文化商業交流盛會之一，範圍涵括獨立電影、音樂表演、多媒體互動展示等，每年展出許多新作與科技成果，並媒合大量創作者與企業。

打破線性觀看方式，由觀眾自行拼湊故事

《Proof As If Proof Were Needed》將於今年三月登上SXSW未來藝術與文化計畫，本次展出由藝術家張碩尹與Blast Theory共同創辦人Matt Adams設計規劃，影片由導演蔡弦剛執導、演員夏騰宏與柯念萱主演。

《Proof As If Proof Were Needed》背景設定在一間台灣老公寓，故事圍繞著一個在災難中破碎崩解的婚姻關係展開。有別於傳統線性觀看方式，團隊打造出一個特別的觀看空間，在地板上以白色地線貼出公寓的平面圖，當觀眾走到不同房間時，牆面就會投影出該房間正在發生的故事。透過畫面與視角的切換，觀眾將在過程中逐漸拼湊出故事的全貌。

張碩尹與互動藝術團體Blast Theory首度合作

Blast Theory的藝術創作運用新興技術製作表演、遊戲、影片、應用程式和裝置藝術，主題多為探索社會和政治問題，但常常又為觀眾製造非日常的情境體驗。2011年，Blast Theory受邀於台北數位藝術節展出的作品《觀看的機器》，就邀請觀眾一起「搶銀行」，在互動遊戲中思考、體驗事物，並藉由線上線下的整合，交織出新的現實。

張碩尹與Blast Theory的初次接觸可以回溯到2016年。當時Blast Theory剛推出手機遊戲《Karen》與沉浸式劇場《In Operation Black Antler》，同時也在籌備丹麥與英國兩地發布的《2097: WE MADE OURSELVES OVER》。彼時，張碩尹作為Blast Theory工作室的進駐藝術家，從中觀察到藝術計畫的靈活度與機動性，以及其作為建制外事件的潛力與影響力。

2023年，張碩尹攜手與Blast Theory展開合作計畫《Proof As If Proof Were Needed》，雙方花費超過一年多的時間進行前期討論後，Matt Adams特地來台與張碩尹工作室共赴北投拍攝，並由雙方協作後期製作，共同挑戰未曾出現過的作品形式。如今，作品將前進西南偏南藝術節舉行首映，探尋更多可能與機會。

從反叛與倡議，到自我的恣意表達，小誌(zine)是展現自由意志的極致載體。有些平面設計師在接案之外，也始終不放過這個能抒發情感與靈感的平台，至於zine的魅力究竟何在？商業案中無法施展的玩心，如何藉此釋放？且看3位設計師親自解析。

台灣・和平製品

在zine的世界裡 不會有人跟你說這樣做不可以

我的zine創作之路始於大三，那時偶然在FB上看到一個名為Not Big Issue的小誌市集，辦在一間理髮廳的地下室，氣氛隨性且充滿活力。 創作者們將作品擺放在簡單的咖啡桌上，直接與觀眾交流，整個空間彷彿是自由創作的聚集地。我第一次感受到創作可以如此直接與他人 連結。於是我下定決心，把自己零散的創作整理成zine，開始參與這個充滿無限可能的領域。zine的魅力對我而言，在於它的實體性。紙本作品需要專注地翻閱與感受，這種「一對一」的交流無法被數位取代。我尤其珍惜參加zine市集的經驗，遇見了許多酷朋友，這些人和事都為後來的創作之路注入更多意義與動力。

我歷來的zine，有幾本是特別重要且深刻的存在。像是在大學開啟的《5400計畫》，是一個以練習為核心的長期創作，當時我看到一段話，說若要成為某個領域的專家，就得花上一萬個小時訓練，一直到現在這個計畫仍在進行中，每隔一段時間，我也會用低成本印刷，將各階段的創作集結成冊。《紅書》是我在德國交換學生期間的紀錄，內含照片、手稿和家庭故事，採用德國獨立書店常見的小開本設計，搭配簡單的紅色與粉紅色印刷，傳遞一種溫暖而私密的感覺。《巨人王國》則是一部圖像小說，透過虛構的故事，描繪留學經歷和對我家庭的情感，並使用Risograph印刷，讓作品更具層次感。

zine也給了我在商業案中無法實現的自由，不會有人跟我說「不可以這樣做」；商業案需要考量市場與客戶需求，而zine則讓我能完全遵循自己的直覺，像是我曾嘗試「手翻動畫」，讓讀者在翻動頁面時能感受到動態效果。這些純粹的實驗與嘗試，都是我最享受的部分。身為一個收藏大量zine的人，我常思考它還可以怎樣變化，甚至讓人一直想留在身邊。最近，想到或許可以嘗試做一本黑膠形式的插畫集，裡頭放的不是唱片，而是方形插畫，讓整體變得更實用。zine對我而言，不僅是一種創作方式，更是一個讓我與世界交流的管道，希望它能繼續成為人與人交流的橋樑，帶來更多感動與連結。

和平製品

獨立設計師蔡賢臻所創立之平面設計工作室。專注在平面、海報、識別設計，擅長運用各種隱喻來創造視覺敘事，並喜歡觀察日常生活中的細微事物，透過書寫方式捕捉靈感。IG@paixpro

香港・Forrest Lau

zine重新定義了我的設計生涯

我自2005年入行，如今整整20年的設計旅程，想起來還是有點不真實。第一份工作是在雜誌社負責設計排版，一直到2014年公司解散，那9年多雖然忙碌，但漸漸地，開始感到創意被束縛，內心對自由表達設計的渴望越來越強烈。

2010年，我第一次接觸到zine，更是第一次看到創作者用簡單的方式將熱情與想法付諸實現；那年，我也創作了第一本zine《電影夢囈》，將對電影的熱愛，用隨性且自由的形式呈現，這不僅成為我投身做zine的開端，也重新定義了自己的設計生涯。之後我進入出版社，白天忙工作，晚上則忙zine創作。如今一共做了42本zine，每一本都承載著我的熱情與靈感。像是《薄簿仔》，一個輕巧靈活的zine系列，採用A6尺寸、Risograph印刷與蝴蝶釘裝訂，以「薄」為概念，強調即使是簡約的形式也能承載深刻的內容，每期主題貼近當下的社會議題，例如香港人的「離散」與「爭取自由」，見證並記錄下時代，也反映了我對社會現象的思考。

《Zinema電影自學誌》源於我對電影的熱愛，同樣使用Risograph印刷，結合貼紙與拼貼藝術，探索電影的角色、服裝、音樂與視覺風格，這種跨越影像與平面設計的創作形式，讓我深深著迷。《坪洲街閘》是以現在居住的香港坪洲街道閘門紋路為主題，將手工攝影與拼貼結合成視覺作品。《3 Days with Herbal Master》誕生於我和女友在泰國清邁旅居時，跟著草藥大師學習的經驗，整本zine以A4紙摺疊完成，展示了即興創作的可能性。《坪洲350呎》則聚焦我們的小居所，探索在有限的空間內生活與設計的創意。

對我來說，zine的魅力在於自主性與自由度，相比傳統出版物，製作成本較低，形式不拘一格，更容易進行創意上的實驗。zine不僅是創作的工具，還是釋放玩心的載體，可以嘗試不完美的概念，甚至用超低預算測試各種新穎的摺法、紙質與印刷技術。zine讓我突破框架， 從純粹的熱情出發，實現了無數想法。它不僅記錄了我的生活與思考，也成為我與世界對話的方式——期望繼續挑戰新形式，探索更多未曾嘗試的可能。

Forrest Lau

香港平面設計師，2014年成立個人小誌品牌與視覺設計工作室zineforest studio，專注於書籍/雜誌設計、獨立出版物和創意發想。同年也與好友創立ZINE COOP，一個專注於推廣小誌文化的合作社。目前與女友居住於香港離島坪洲，並共同成立wild side press小徑出版。IG@4res

新加坡・Claire Boon 萱穎

zine像珍藏創作情緒&思考的時間膠囊

多年來我不斷尋找靈感，試圖發掘作為設計師的「自我聲音」——平面設計是一種服務的藝術，但在用設計幫助他人之前，我想先了解自己；於是，我開始嘗試不同創作方式，發現自己對出版物和編輯設計有濃厚的興趣，也是在那時接觸到了zine，它獨特的手工感，又能無拘無束地揮灑創意，讓我看到設計的不同可能性。

我喜歡許多獨特出版物的結構和張力，但zine可以引出更爆發的創造力。zine的製作更加隨性且低成本，如何盡可能地將想法濃縮在小小的頁面中，是一種極具挑戰性且充滿樂趣的過程。創作zine也成為我抒發情感的管道，試圖把自己的興趣和感受傾注其中，每一頁都彷彿時間膠囊，珍藏著創作時的情緒與思考。目前我創作了大約9～10本的zine，每一本都記錄了自己的成長和對設計的探索。《TIED UP》是以我在世界各地旅遊時收藏的二手領帶為題，將它設計為細長格式，模仿領帶形狀；整本使用數位印刷，並選用100gsm紙張讓色彩鮮明。此外，還為每本綁上一個領帶造型的標籤鑰匙圈，讓藏家真的像是「帶回一條領帶」。

製作於2023年的《TOO MUCH?》，則是對極繁主義風格的探索。濃烈的色彩與圖像層次，對有些人來說可能有點繁複，但對我來說卻是個性的延伸。透過拼字和摺頁設計增加趣味性，可以說每一頁的設計都在挑戰傳統閱讀方式，鼓勵讀者探索，而這正是我想傳遞的創意精神。常有人好奇商業設計與zine之間的差異，我會說前者是幫助客戶找到一個發聲方式，需要有簡單明瞭的表達，才能達到最明確的目標。zine的創作形式則提供更大的自由，可以更大膽地嘗試和實驗，不必過於擔心要將意圖表達得很清楚，正是這樣的自由讓做zine的過程有趣，也更具有探索精神。

創作zine也讓我學到許多新技能，無論是裝幀、排版還是紙材挑選，過程中我變得更有耐心、更注重細節。做設計有時候會孤單，但zine讓我可以與志同道合的人建立連結，找到歸屬感。目前我正在構思以「諺語」為主題，以及關於圖案與海報設計的兩本小誌，繼續延續我對zine創作的熱愛，期待和更多人分享！

Claire Boon

新加坡平面設計師，二手領帶收藏家，音樂愛好者。作品充滿熱情、色彩與表現力，盡力透過每件作品傳遞強烈的訊息。目前專注於品牌設計，熱衷以字體為基礎的設計，也喜愛編輯與出版。IG@phrawgcraft

_{企劃｜李尤　文｜劉子維
圖片提供｜和平製品、Forrest Lau、Claire Boon}

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