「藝術」和「書」拆開來看不難理解，但「藝術書」到底是何種組成？對台灣兩家重要的獨立藝術出版社——挪石社 nos:books 與 dmp editions 來說，正代表著對藝術、印刷品兩種載體的無限熱情與可能。

在談論書的場合，不只一次聽見有人用「傳奇」形容「挪石社」。創辦人暨主編和孜（Son Ni）自2000年代的創意市集起步，但對創作文創商品、製作自己都不使用的東西越來越感到不解，想更單純地面對作品，而轉往藝術書領域發展並成立了挪石社。後來與來自香港的藝術家智海結識，出版50幾本藝術書籍，足跡遍及台、港、歐美等各城市，並活躍於國際藝術書展，十幾年來啟發許多台灣的藝術與文化工作者。

獨立出版人Shauba便是在創意市集與和孜認識，她早年以攝影刊物《Waterfall》、生活與藝術雜誌《Not Today》等打響名號，近年則專注經營獨立藝術出版社「dmp editions」，探索更多元的主題，吸引不少台灣與國際藝術家合作。在台灣，書本買氣已很低迷，藝術書往往更是比小眾還小眾。挪石社與dmp editions是如何思考這項創作媒介？背後又藏著什麼樣的甘苦與祕辛？

Ｑ：你們會如何定義「藝術出版」或自己正在從事的事？它跟一般出版業有什麼不同？

 挪石社  我們沒有做過一般的出版業，但我覺得比較不一樣的地方是，有時一些藝術家會主動找我們合作，如果他的概念已經很完整、明確，這種案子我通常不會接，因為這代表他們自己其實也有能力完成這本書。我們會跟一位藝術家合作，通常是已經觀察他的作品一陣子了、對他的創作也有很多想法，才會提議：不然我們來做一個不一樣的東西好不好？所以跟我們合作的藝術家，通常都要願意給彼此信任感和創作空間。否則，大部分的藝術家會比較像是想為自己做一個「作品集」，而不是藝術書。

 dmp editions 如果拿影視產業來比喻，藝術出版社的角色可能有點像製片公司，負責「把作品做出來給觀眾看」。但如果出版社像一般製片公司，那我們就比較像獨立製片，資源相對沒那麼多，像資金籌措或找能賣座的演員這些，都比較缺乏，所以需要在更多細節上花心思。像挪石社說的，我們對於內容的處理也會希望有更多掌控權，而不是你給我一整包內容，然後我幫你把內容排上去變成書而已。藝術書的概念更像是「用一本書看一場展覽」，而不是單純地閱讀文字資訊。

Ｑ：從事藝術出版，最辛苦和最有趣的地方分別是什麼？

 挪石社 雖然獨立藝術出版社的資源比不上大型出版社，但我覺得資源少有資源少的作法，這方面倒不覺得特別辛苦。反而是我們不太懂網路操作，做網路的方式很old school，像電子布告欄一樣。而且每次出一本新書，我們也不太知道怎麼樣去介紹，都是到了書展上講了幾次才知道「原來可以這樣介紹！觀眾吃這一 套！」所以，我需要花點時間才知道怎麼把一本書的重點講出來。辦線下活動也好累喔！雖然想和大家分享好東西，但有沒有人來也充滿不確定性，壓力滿大的。但如果做到一本自己覺得滿不錯的書，藝術家也滿意，甚至喜歡的書能夠賣得好⋯⋯都是很有成就感的一件事。

 dmp editions 辛苦⋯⋯如果單純以這個工作內容來說的話，我是覺得還好啦！真的超級辛苦的地方應該是溝通吧。只要牽扯到溝通，而且要溝通的人越多，這件事情就會越困難。

Ｑ：在出版者的身分以外，你們本身也都是藝術書 創作者，這兩種身分之間有什麼相互影響？

 挪石社 比較負面的影響是時間不夠，想做的事太多，要平衡就要仔細安排好時間。正面的話，會比較從藝術家的角度去思考事情，溝通上順利很多。有些藝術家在意的地方我們也懂，有時候他卡住了，我們就能從他的角度去溝通，讓藝術家更容易理解跟放手一些執著。我本身主要 是畫drawing（廣義的繪畫），智海則從事油畫跟漫畫創作，做書也能幫助我們在創作邏輯上的思考更順利。

 dmp editions 時間的確不夠用！而且我的角色比較多元，除了創作者、出版社，還有一種介於兩者之間的狀態。作為創作者的時候最簡單，因為只要對自己負責就好了；如果單純作為出版社——像我今年合作的兩本書——那只要從出版社的角度去給意見就好；但如果要跟某位藝術家合作，我會需要「共同創作」，同時還必須以一個出版社的角度去思考事情。但我自己在這3個角色之間都是切割得很清楚的，切換起來還算ok。

Ｑ：請和我們分享一些品牌最近出版的作品，以及背後的創作故事。

 挪石社 2022年我們跟陳藝堂合作了《A Cut of Etang》。以往我們都是以書本為主，展覽為副，但這次反過來，先辦展覽再做書。在展覽中，我們安排了300多張照片，還有一本空白相本，讓觀眾挑選喜歡的照片帶回家。後來，我們根據最多人選的和完全沒人選的照片，將書籍裝幀編排成上下兩部分——上部是最多人選的40張，下部是沒人選的40張。本書由觀眾挑選的數據作為編輯方法，算是一個跳脫常規編輯思維的有趣計畫。

今年我們還出版了《雅賊指南》，一本教你80種「偷書」方式的書。這是美國藝術家David Horvitz 的作品，原版出版已經有30幾種語言版本，這次找我們合作繁體中文版。在翻譯上他們特別要求要加入一些台灣特色，例如原文的語境或物件，我們替換為珍珠奶茶、貓砂以 及藍綠議題之類，讓書更貼近在地文化。

 dmp editions 今年dmp沒有完全自己做書，都是和不同單位合作。一本是《Typhoon》，丹麥藝術家組合Tofu Collective的背景是亞洲當代藝術研究，所以希望以類似期刊的方式，一輯一輯地去討論不同地區的當代藝術——第一輯他們想來台灣，因為他們很喜歡台灣。我們從去年5月開始定期線上會議，過程非常繁瑣漫長，直到今年5月在台灣辦新書發表時才終於再次實體見到他們，所以印象比較深刻。

另一個合作是《yyin. volume 1》，是實踐大學媒傳所學生Yagi的畢業製作。他以「陰性」為主題，找了7組創作者和設計師合作，創作內容包括音樂、服裝、舞蹈等，每組的作品都很不同。因為Yagi本身就是設計師，還組了自己的編輯團隊，所以這次我的角色比較像顧問，在後端協助他們完成這本書。

Ｑ：如何看待台灣的藝術出版社群？跟國外有什麼不同？

 挪石社 台灣是很平面性的發展，大部分是藝術家自己想做什麼就做什麼，有地方賣就賣。但就缺乏層級式的進程，很多人出一、兩本書就不做了，導致同質性高，風格、脈絡或生產模式都很接近，入門得很快，離開得也很快。我會覺得滿可惜的，因為創作需要時間去慢慢發展自己的語彙。

 dmp editions 國外由出版社和藝術家自費出版的比例，可能是5:5到7:3之間，但台灣大概是1:9，沒有出版社關注的議題框限，各種發揮空間算很多！最需要被突破的瓶頸其實就是「市場」本身——雖然相比10年前有所成長，但大家對藝術書還是不太理解，這方面還有很多很多可以努力的空間。

 挪石社 雖然周邊產品比較好入手、好理解，或容易銷售，但作品本身並不需要依附在產品上。書本身是一種很好的載體，很好表達創作和意念的媒介，能釋放巨大的創作能量。所以還是期待有更多人做書、看書、買書。好的創作者更可以成為出版社，帶動更多人參與，讓整個環境活絡起來。

挪石社
獨立印刷出版社，2008年成立於台北。主要出版藝術家的意念、行為，出版品於網站發售，並發行至台港歐美各城市，每年巡迴參加各國藝術書展；2021年起營運實體空間nos:bookspace。

dmp editions
2016年成立於台北，出版部門與藝術家、策展人合作生產藝術書籍，並持續發行訂閱制紙本小報《Sidewalk》。「dmp projects」的其餘部門業務則涵蓋編輯企劃、設計、產品、策展、活動等。

更多精彩內容請見 La Vie 2024/12月號《紙上策展術》

世界各地有許多出版人，無論資深或新興，都看得見也珍視藝術家的才華，且相信紙本的力量——但作為讀者，我們的視線應該聚焦在哪裡？為你從全世界海選介紹值得關注的5間獨立藝術出版社，作為認識更多有趣出版品的管道！

西班牙・Handshake Books

兩位創辦人Jaime Sebastián、 Rubén Montesinos為西班牙設計師，工作室除出版品之外，還承攬包括視覺識別、網站、包裝設計等業務。出版品風格較具實驗性，共同與當代創作者探索出版的邊界。如今年台灣也有引進販售的《A Guide on Gardening》，捕捉夾藏在人類生活中的「植物雕塑」；《Pica Pica》則記錄下巴塞隆納藝術家Mark Bohle大膽幽默的繪畫作品。

泰國・SPACEBAR ZINE

2016年創立，是泰國作家、插畫家與藝術家的合作計畫，致力推廣zine文化，倡導「人人皆可創作出版物」的理念。位於曼谷的書店販售眾多與泰國藝術家合作的zine，以及來自世界各地的出版品。還特別設有「一日小誌製作工 作坊」，協助人們從構思到印刷，逐步完成自己的作品，同時舉辦若干講座及獨立出版相關活動，打造充滿活力的zine文化交流平台。

瑞士・Nieves

2001年成立於瑞士蘇黎世，專注於藝術家書籍和zine的出版，其中後者每年會發行約20本。創辦人暨總編輯 Benjamin Sommerhalder自1990年代開始對zine產生興趣，如今已是歐洲最重要的獨立藝術出版社之一。Benjamin曾表示，自己的創作理念為高品質、簡約與直覺，編輯方針則完全基於自己的品味。他的出版品大多圍繞單一主題，不見多餘文字，只有純粹的視覺表現。

韓國・mediabus

總部位於韓國首爾的mediabus發跡自2007年，除出版品之外也會舉辦各式展覽、活動、工作坊，2010年更成立獨立書店「The Book Society」推廣自出版文化。值得一提的是，探討亞洲當代藝術出版實踐的《Publishing as method: Ways of Working Together in Asia》，是先前人氣日本獨立雜誌 《Neutral Colors》主編加藤直德來台於「朋丁」舉辦講座時，分享他去年讀到最喜歡的出版物。

荷蘭・Set Margins'

儘管是2022年才成立的年輕品牌，但創辦人Freek Lomme已經擁有20多年的策展工作經驗。Set Margins’致力於為當代邊緣化文化發聲，出版物兼具實驗性與可讀性。Freek本人推薦，他們於2022年出版的《Can you feel it?Effectuating tactility and print in the contemporary》恰好與La Vie此次封面故事對應，收錄科學家、哲學家、藝術評論者對於印刷媒材思考的專文，並以虛構角色生動介紹複雜的印刷技術。

文｜郭振宇、圖片提供｜各單位

更多精彩內容請見 La Vie 2024/12月號《紙上策展術》

新媒體藝術家蘇匯宇的最新長片作品《三廳電影》（The Trio Hall）入圍2025年柏林影展Forum單元，將於2月舉辦世界首映。這部誕生自美術館的作品，以瓊瑤式浪漫文藝類型片為靈感，顛覆觀眾的功能與角色，讓觀眾化身參與者及共製者，產出一部呼應尖銳的社會議題的政治喜劇。

蘇匯宇長期以來打造出其獨特的藝術實踐，創造懸置於公共和私密領域、擬像和現實、紀實和虛構之間的巨型沉浸式多媒體裝置，巧妙地使用檔案材料，運用「補拍」（Re-shooting）做為美學策略，創作出重塑現實的新作品，重新檢視過往歷史、禁忌、遭受誤解的人物和事件，並且通常是指涉著臺灣的歷史與社會。

《三廳電影》：觀眾成為電影的製造者

長片《三廳電影》誕生自蘇匯宇在台北當代館的同名個展《三廳電影》。2022年，當代館邀請蘇匯宇策劃一個關於視覺藝術、電影與表演交會貫穿的展覽，希望促進觀眾對於藝術的多元理解與交流。在這樣的背景下，蘇匯宇以《三廳電影》為主題，引用1970年代末期的通俗電影名詞「三廳電影」（又稱三廳戲），隱喻政治、社會與藝術之間隱晦的交互作用，並設計了「打開電影製作」的展覽體驗。

《三廳電影》展覽開放大量觀眾親身參與，成為電影的製造者。在兩半月的展覽期間，蘇匯宇也向現場觀眾持續展示初剪的影片，以及多場現場表演與數個獨立的錄像作品。

誠如藝術家自述：「這場展覽是一個電影／展覽（Cinematic Exhibition），或其實就是一個影視生產場域。從分鏡手稿、製片會議、甄選、排練、武術指導、排舞、編曲乃至拍攝現場，都將是觀眾得以體驗的過程。最終，一支充滿尖銳議題與地獄梗的政治喜劇將在展覽尾聲誕生。這一切經歷是一個階段性的總結——我們何不將沙文主義、殖民、冷戰、流行文化、大眾媒介、科技與眼前迫切危機到困境一次性的予以解決？」

在最終產出的長片中，蘇匯宇運用一系列新創作的攝影影像和裝置，將過去和現在、東西方軍國主義、電視節目和雜誌、「紅綠藍」及「紅黃藍」色彩系統、各類標誌、現代主義式的懷舊元素、藝術典故和援引語錄，從杜象到歐普藝術、從凱吉到白南準等符號，形成一幅諷刺拼貼。

片中結合了多段於展覽期間所拍攝的影像，並以綜藝節目作為偽裝，探討當代社會的複雜性、地緣政治的緊張，並揭露歷史製造的「背面」。長片《三廳電影》不僅模糊了藝術媒介、手法與類型的定義，也令人期待該片來到影像製造的終點，是否會與展覽內容大相徑庭？

《三廳電影》將巡迴放映

《三廳電影》的製作，正如策展人歐金尼奧・維奧拉所言：「⋯⋯透過奇觀與所觸發的集體記憶，創造了觀眾和重現事件之間的認同感。」又或如藝評人游崴寫道：「在《三廳電影》開幕活動中，令人格外意識到的是：藝術家除了是導演，也在『扮演導演』。在當代藝術體制所給予的這個充滿後設色彩的作品框架中，觀看幾乎要超前影像生產，或換句話說，在影像在尚未成為影像之前，已被觀看所貫穿。」

而當代館也宣布，將持續支持這個「永遠正在拍攝的計畫」，除了於2025年10月將與波哥大現代美術館合作其下一站巡迴展出，11月更將返回臺北，放映其最新版本。