每年四月，人們從世界各地飛往義大利，在米蘭設計週相聚。這些設計師、家具製造商、藝術家、買手與藏家等，不只為工作、看設計、追趨勢而來，也渴望與志同道合的朋友交流敘舊。

近年席捲米蘭設計週的明星團隊「Alcova」，觀察到展會期間社交空間的供給遠落後需求，於是今年在一座廢棄屠宰場內，打造深夜快閃酒吧「Vocla」，空間內的桌椅、吧檯、燈具、DJ唱盤等選自義大利經典Henge及多組新銳，它們以更可親、貼近日常的方式，邀訪客與設計作品互動——歡迎賴在沙發喝調酒，歡迎入座木桌嚐米蘭名餐廳Yapa帶來的料理，歡迎倚著大理石吧檯聊天交流。

Alcova席捲米蘭家具展的魅力何在？

2019年，Alcova首度參與米蘭設計週便轟動武林，迅速躍升為展會上最受矚目的策展單位之一，2024年的展覽更吸引近十萬人入場體驗，究竟Alcova有何迷人之處？米蘭周邊半廢棄的軍用醫院、羊絨工廠、溫室等，都是Alcova展覽發生的地方——這些逐漸被人們遺忘的城市空間，尤其吸引兩位創辦人Joseph Grima及Valentina Ciuffi的目光，他們將年久失修、雜草叢生的城市遺跡改造為臨時設計中心，探索當代設計、建築、科技如何與非傳統的展覽空間互動，也為訪客提供融合當代設計與歷史敘事的多層次體驗。

活化城市遺跡，游擊辦展

對Alcova來說，在鮮為人知、神秘的城市遺跡中辦展，也帶有活化城市的意味。值得留意的是，Alcova在米蘭設計週的展覽幾乎每年換地點，像是在城市中「游擊」，因兩位創辦人考量到，當地標收穫人氣、人潮逐漸聚集，周邊地區將浮現租金上漲等現象，短期間或許能帶動地方復甦，長期結果卻是強烈的排他性——社區不再可親，且辦展成本大大提高，新銳設計師難以參與其中，削弱展覽的多元與實驗性。因此自2019年至今，Alcova持續採游擊戰略，挖掘米蘭還沒被關注的城市角落。

夜間限定新作「Vocla」：結合設計展覽的社交場所

Vocla延續Alcova的選址傳統，進駐一座位於米蘭東部、原本不對外開放的廢棄屠宰場中。相對於Alcova展覽在白天登場，Vocla是夜間限定，只為米蘭設計週而開，每天營業到凌晨兩點，這裡不只是設計展覽空間，也是鼓勵人們交流的社交場所。

步入Vocla，迎面而來的是一片復古未來主義場景，由設計師Ugo Cacciatori構思而成。屠宰場粗獷樑柱旁，大理石吧檯被線型燈具圍繞，原始與未來感碰撞；佈滿青苔、塗鴉的斑駁牆面，與一系列出自經典及新銳品牌的當代設計家具、裝置作品相對，包含Henge出品的沙發、NM3設計的DJ檯、ABREHAM受非洲風格啟發的椅子等。

在Vocla，多數作品不僅被陳列，也被實際使用；當人們來到這裡，得到的不是一般展覽只可眼觀或耳聽的體驗，而能與作品零距離接觸，到吧檯點杯酒、嚐著Alcova最愛的米蘭餐廳Yapa設計的料理，在此細賞作品也盡情交流。

米蘭家具展限定、對大眾開放的交流平台

打造Vocla的起心動念，源自Alcova多年來參與米蘭設計週的洞察，團隊接受《Dezeen》專訪時表示，人們來到米蘭不只是為了看設計，也以一年一度的家具展為契機相互拜訪、敘舊——在這裡，設計重要，社交也很重要，但展會期間能滿足人們社交需求的場域不足，每日展覽結束後酒吧一位難求，或許多晚宴只採邀請制，與會者對外建立更多聯繫的機會因此受限。

Vocla期待能在米蘭設計週創造一個開放的平台，除了用餐需要事前預約，酒吧對大眾開放直到客滿為止，無論是想看展、交流想法、建立人脈都歡迎光臨。

2025米蘭設計週，Saint Laurent絕對是跨足家居設計的時尚品牌中，最值得關注的對象之一。今年，Saint Laurent再現現代主義設計大師Charlotte Perriand的經典家具作品，全4件設計誕生於1943年至1967年間，過去或只存在於草圖、或停留在原型階段、或隱於私人典藏中，並未面向大眾；時隔半世紀，才由Saint Laurent精心復刻及製作，採訂製、限量的方式發行，讓此次計畫更顯獨特及珍貴。

Charlotte Perriand，現代主義設計的重要推手

作為20世紀最具代表性的女性設計師之一，Charlotte Perriand是現代主義家具的重要推手，她在1920年代與柯比意（Le Corbusier）及Pierre Jeanneret合作的「LC系列」，至今仍是經典，其形隨機能、模組化、結構倒置等設計邏輯，皆深深影響現代主義家具的發展。

現代主義 X 自然材質 X 東方美學，成就獨特創作風格

Perriand作品的特別之處還在於對木材、藤編等自然材質的應用，及東方美學與工藝的融入。這源自曾在亞洲生活多年的經驗，影響她開始在功能導向的設計內，融入詩意、富人文感的設計語彙，為現代主義的理性注入情感和靈性。

1940年代，Perriand受日本政府之邀，協助推動日本工藝現代化，目的是與西方現代設計接軌；在日期間，她深入研究日本傳統建築、工藝及生活方式，尤其受取材自然、「間（Ma）」講求的「有意義留白」概念影響。二戰期間，Perriand因故轉赴越南（當時為法屬印度支那）生活近3年，在此她學習當地木工、編織技術，探索當地材料與傳統手工藝與現代設計結合的可能，她在1943年設計的訪客扶手椅「Le Fauteuil Visiteur Indochine」就融入了泰式靠墊，結合現代主義及東南亞文化符碼。

細看「SAINT LAURENT－Charlotte Perriand」4件家具設計

▍巴黎日本大使館長椅，1967

1966年，建築師坂倉準三（Junzō Sakakura）受邀設計日本位於巴黎的新大使館，他與同為柯比意工作室出身的Perriand合作，分別負責建築、室內及家具設計。Perriand為主要接待空間設計了一款五人座泰絲沙發，線條富雕塑感、形體極具份量感。為了讓沙發看起來更輕盈，Perriand設計了約7公尺長的玫瑰木底座，並讓底座兩端的輪廓上揚、向外延伸，為作品創造如懸浮於空中的視覺效果。底座藏有藤編元素，體現她擅用自然材質的設計風格。

▍里約熱內盧書櫃，1962

1962年，Perriand在里約熱內盧為丈夫Jacques Martin打造這座書櫃，大小不一的格狀設計是為了讓藝術品、書籍能夠並陳展示。這件作品展現了Perriand取材當地自然及人文的設計手法，櫃體採用堅實的巴西玫瑰木打造，滑動門片則融入巴西傳統建築常見的手工藤編技術，融匯在地文化。書櫃原作為私人收藏，在Saint Laurent復刻之前，過去25年內只對外展出過3次。

▍千層桌，1963

設計於1963年的「千層桌」，過去只以模型形態存在Perriand的工作桌上，因製作難度極高，從未進入生產階段。桌面以櫻桃木、玫瑰木兩種木材，交錯堆疊十層，呈現深淺交織的千層效果，搭配中央內凹、邊緣斜削的設計，構成同心圓造型。每張「千層桌」都獨一無二，帶有天然木紋及壓模過程中所形成的獨特紋理。

▍印度支那訪客扶手椅，1943

在越南生活的三年間，Perriand為自己和丈夫設計多件家具，這張訪客扶手椅就是其一。可惜的是，原件已遺失多年，Saint Laurent靠著一張僅存的設計圖稿重現作品。這張椅子集結了Perriand標誌性的設計語彙：鍍鉻金屬管讓底座、扶手、靠背一體成型，十足體現現代主義極簡、屏除裝飾、重功能的特點；座椅結構以玫瑰木打造，引入自然氣息；座墊靈感則來自泰式靠墊，融入東南亞文化符號，展現援引在地文化的設計手法。

聖羅蘭先生也著迷的經典設計

Saint Laurent在兼顧時尚本業之餘，也長期推廣藝術文化、致力傳承文化資產，從近年於巴黎開設策展型書店「Babylone」、邀請爆破藝術家蔡國強在日本福島創作白日煙火《櫻花滿天的日子》，到2025米蘭設計週重現Charlotte Perriand經典家具作品等，都足以見得品牌及創意總監Anthony Vaccarello的投入。值得一提的是，Saint Laurent兩位創辦人都是Perriand設計的愛好者，其中聖羅蘭先生Yves Saint Laurent收藏作品、Pierre Bergé則是多場全球性回顧展的幕後支持者，讓這次合作更具紀念價值。

「A-POC 一塊布製衣」是三宅一生（ISSEY MIYAKE）自1990年代傳承至今、且不斷創新的設計哲學與獨門技術，其支線品牌「A-POC ABLE」更直接以此為名，不斷實驗「一塊布」所能創造的可能。

2025米蘭設計週，A-POC ABLE ISSEY MIYAKE首度發表燈具系列，攜手瑞士家具設計團隊Atelier Oï，將「一塊布製衣」理念延伸到家飾，利用「一根金屬絲＋一塊布」結合精湛的針織技術，打造以花朵為靈感的燈具，作品承襲三宅一生的兩大招牌設計：富視覺韻律感的「立體壓褶」，及易折疊、收納，自在於平面與立體間切換的形態。

生於絕境的美麗，因資源匱乏而生的「A-POC」哲學

要了解三宅一生的設計哲學，必修「A-POC」學分。1990年代末，日本時裝產業陷入缺乏布料的困境，於是三宅一生團隊回歸根本，思索如何用有限資源最大化服裝的表現可能，「A-POC」（A Piece Of Cloth）概念因此誕生。1998年，三宅一生發表「A-POC」時裝系列，其中作為核心的「一塊布製衣」理念，融入電腦編寫程式技術，利用一整塊管狀布料來裁剪服裝；其關鍵在於預先想好服裝完成後的模樣，訂定剪裁、色彩等細節後，先將所需布料織在一塊，再將其剪下縫製，減少傳統製衣模式因打版而產生的大量廢布。

「A-POC」轟動九〇年代的時尚界，而三宅一生對服裝布料、生產方法的實驗精神也延續至今，品牌眾多支線中又以A-POC ABLE為代表，其研發與設計團隊現由曾任ISSEY MIYAKE創意總監的宮前義之（Yoshiyuki Miyamae）領軍，他也是這次與Atelier Oï合作中的靈魂人物之一。

→ 宇多田光演唱會「彩虹皺摺裙」出自三宅一生！A-POC ABLE用蛋白質纖維實現「一塊布製衣」理念

一根金屬絲 X 一塊布 X A-POC技術，成就日本「留白」美學燈具

A-POC ABLE ISSEY MIYAKE首度推出的燈具作品「TYPE-XIII Atelier Oï project」，選在三宅一生米蘭旗艦店發表，「O」與「A」兩個系列同步亮相，兩者造型皆以一根金屬絲與一塊布形構而成。宮前義之特別提到，兩者都透過極簡設計創造「留白」的餘裕，呼應日本美學中的「間（ま，ma）」和「余白（よはく，yohaku）」概念，這麼做不僅能增強物體本身的存在感、襯托周圍環境，更能豐富觀看和使用物件之人的想像和創造力。

O系列：富立體織物壓褶、方便折疊攜帶的「光之花」

較為精巧的O系列，與日本精品燈具Ambientec合作開發，主打方便攜帶、可適應室內外各種情境。支撐燈具結構的金屬框架由Atelier Oï設計，富有機感的燈罩造型靈感則來自花朵，表面佈滿的細密皺摺，源自三宅一生獨家「蒸氣延展」（Steam Stretch）技術，團隊以再生聚酯為材料，以熱氣熨燙受熱就會變立體的特殊布料，創造精緻又富彈性的立體壓褶，當光源由內而外透出更能襯托其獨特。

燈具的每個部分如金屬框、燈罩等都是可拆卸的，不使用時能折疊平放，收納非常便利，也很適合帶出門，無論身在何地都有一朵「光之花」增添雅致。

A系列：A-POC技術融入家居，可多盞串連的彈性設計

相較於O系列，A系列尺寸更大、線條更外放一些，造型像是被風吹起、花瓣在空中舒張的花朵。燈罩設計完全體現了三宅一生的A-POC製作技術，團隊預先在筒狀的針織面料上織出燈罩的形狀，再插入金屬結構配件，就能得到一盞立體燈具。更有趣的是，燈罩藏有切口設計，以將多個燈罩串連，形成雙重、甚至是三重燈具，能融入多元的空間情境，也實現客製化的彈性。

A-POC版圖擴張中，燈具只是起點

在「TYPE-XIII Atelier Oï project」米蘭設計週展覽現場，不僅展出燈具原型，還有一系列身穿A-POC系列長裙的人形模特，燈具與裙子之間相互連接，體現A-POC ABLE ISSEY MIYAKE設計哲學與製作技術的演進。宮前義之表示，未來將持續擴大品牌的設計和製作範疇，將三宅一生的服裝設計理念、專業知識與技術，延伸到日常生活的各個方面，這次發表的燈具只是起點。

資料來源｜A-POC ABLE ISSEY MIYAKE、Atelier Oï、Dezeen