與2025米蘭設計週同步登場的「24 Hours」計畫中，時間變成了一種可被觸碰、想像，甚至玩味的物件——由24組風格迥異的國際設計師所詮釋的24款掛鐘，打破對於「報時」的既定印象，也重新定義了設計的形式與功能。

24組設計師、24款創意時鐘

「24 Hours」由設計工作室Jamie Wolfond Studio策劃與執行，共邀請24組國際設計師參與。這些設計師在創意的光譜上各據一方，有人以研究為本、有人注重形式、有人偏好手作⋯⋯而他們收到的任務很簡明扼要：「製作一款可壁掛的時鐘，其尺寸必須能裝入一個邊長50公分的立方盒子中。」

這24個掛鐘的設計跨越不同時代與風格，把「時間」轉換成流動而靈活的元素，並邀請觀眾重新思考設計與實用性之間的關係。2025米蘭設計週期間，「24 Hours」將於藝文空間RIVIERA展出，由創意工作室Simple Flair策展，讓觀眾一覽這24個獨一無二的時鐘。以下精選了其中8款獨具特色與設計巧思的時鐘，一起來看看吧！

▸ Wrist to Wall

設計師：Chris Kabel

現在很少有人依靠手錶來看時間了。為了善用這些被淘汰的手錶，設計師發明了一個配置掛勾的放大鏡，讓使用者把舊手錶掛在牆上，透過放大鏡觀看錶面。讀取時間這件事從手腕移到了牆面，如同從私人轉變為公共的存在。

▸ Final Sale

設計師：Jamie Wolfond

這款時鐘由收據機（微型印表機）改裝而成，它每分鐘列印一次當前的日期與時間，並任其拋落在地上。而一旁閃爍的燈光，則顯示秒數的流逝。「Final Sale」每天列印1,440張收據、一週列印10,080張，每張收據皆獨一無二，快速堆積在時鐘下方。

▸ 24-hour Clock (Manual)

設計師：Sam Newman

這是一本共1,440頁的筆記本，每頁都有60個格子，對應一整天24小時內的每一秒。使用者需要像時鐘一樣，每秒在格子上打勾記錄時間。而為了保持時間精準，打勾的行為行為將全然佔據思緒、甚至帶有強迫性，最終浪費掉大量時間。

▸ Real Time

設計師：Sina Sohrab

這款時鐘由四個螢幕組成，輪播著全球約200個監視器的即時影像，包含從紐約的電梯到米蘭的教堂祭壇，從突尼西亞的服飾店到日本大阪的工廠，從印度阿布山的冥想室到峇里島的理髮店等。每個監視器畫面上的時間戳記成為「即時性」的證明；而觀看世界各地缺乏敘事性的畫面，就像是用某種抽象的方式追蹤時間的流逝。

▸ Time by Crayon

設計師：Shigeki Fujishiro

這款時鐘概念源自於設計師曾看過的一種玩具，裡面有球狀的蠟筆在盒中滾動，在底部畫出一幅圖像；隨著圖案逐漸加深，球體也越變越小。「Time by Crayon」將球狀蠟筆置於圓形框中，沿著邊緣不停地滾動，畫出越來越深的線條，象徵時間的流逝。

▸ Pendulum

設計師：Shane Schneck

尼采曾說過「時間本身就是一個圓」。他假設時間不是線性的，而是循環的，而人類所經歷的每個快樂、痛苦與喜悅，將不斷重演。這款時鐘使用舊平板電腦進行遠端編碼，呈現出觀眾所看到的畫面：最大的一圈顯示24小時制時間，而鐘擺每秒擺動一次，如同數位時代的布穀鳥鐘一般。這款時鐘不僅回應了尼采的理論，也向觀眾展現了電子垃圾的循環利用。

▸ Ravioli with butter and sage clock

設計師：Chris Fusaro

靈感源自於北義大利經典料理「奶油鼠尾草義大利餃」（ravioli con burro e salvia），這件作品以陶瓷盤為底，邊緣的紋飾作為12、3、6、9點標示，指針由兩片鼠尾草葉組成，而義大利餃則靜置於盤中，閃著奶油包裹的金黃色澤。此外，這些義大利餃皆由傳統的脫蠟鑄造（cera persa）技術製成，將工藝與飲食文化相結合。

▸ Belle

設計師：Studio Œ

「Belle」的靈感來自古老時代的報時方式。在多數人家中沒有時鐘的年代，人們依賴教堂鐘聲等聲音掌握日常生活節奏，用以區分工作時間、用餐與社交聚會等。在鬧鐘普及之前，還有一種職業叫做「敲窗人」（Knocker-uppers），他們會用吹管朝住戶的窗戶射出豌豆，叫醒早班工人。而這款「Belle」便是透過聲音引導使用者，每過15分鐘，它會模仿豌豆撞擊表面的聲音來報時。

2025米蘭設計週期間，GUCCI 攜手 2050+ 創意團隊及其創始人 Ippolito Pestellini Laparelli 共同策劃《竹藝邂逅》特展，致敬竹材在品牌設計史與美學基因中的永恆印記。

本屆米蘭設計週於4月8日至13日展開，而GUCCI《竹藝邂逅》特展在16世紀聖辛普利西亞諾修道院的絕美建築群中登場，匯聚全球當代設計師與藝術家以突破性手法重新演繹竹材的創意之作。

重新演繹竹材的創意之作

《竹藝邂逅》的靈感源自 GUCCI 於1940年代中期開創的工藝革命——當時品牌首度將竹材運用於手提包握柄設計，經典的 Bamboo 1947 包款由此誕生。此後數十年間，竹元素躍升為品牌最具代表性的設計符碼，其意義遠超越單純的裝飾細節。在 GUCCI 的歷史長河中，這種材質串聯起藝術、文化與設計的多重維度，不斷衍生嶄新內涵。因此，本展即立足於此深厚傳統，探索竹材跨越時空的演進軌跡。

瑞典智利裔藝術家 Anton Alvarez 以顛覆性的家具與物件創作聞名。而這件雕塑作品《1802251226》，如同建築系統中層疊承重的結構邏輯，竹材憑藉其纖維韌性破水沖天。Alvarez將此力學美學轉化為視覺語言——在作品中， 結構即視覺表現，視覺元素亦承擔結構功能，形成崩塌與穩定的精妙平衡。有別於傳統雕塑將材料置於從屬地位，他的創作讓「材質決定形態」，如同自然力量般不可預測。本作致敬竹材與水源這兩種既穩定又狂野的生命力載體，映照人類對有機形態的永恆迷戀。

巴勒斯坦藝術家 Dima Srouji 透過玻璃、 文本與檔案等媒介，在衝突地帶探勘文化遺產的心理空間。而這件《Hybrid Exhalations》呈現竹編器皿與吹製玻璃的對話。Srouji 在全球蒐羅匿名工匠的竹籃，交由耶路撒冷與拉姆安拉之間的 Twam 家族玻璃匠人預先吹製配件。兩種時空節奏在此交會：竹編蘊含慢速冥想，玻璃吹製則需瞬間直覺。當來自巴勒斯坦的玻璃元件抵達倫敦與竹籃結合時，創造出脆弱與堅韌並存的詩意對話。

荷蘭設計團體 Kite Club 由產品設計師 Bertjan Pot與靜物攝影組合 Scheltens & Abbenes 成立，專注單線風箏的當代詮釋，此次他們帶來的《Thank you, Bamboo》系列風箏，融合當代材質與竹結構。本作混用防撕裂尼龍、塑料膠帶等現代材料與傳統竹骨，既向竹材的強韌輕盈致敬，也證明風箏製作可融入日常物件。展場特別設置旋轉竹竿機械裝置，在無風環境中模擬氣流，讓風箏於修道院中庭凌空起舞。

奧地利設計師 Laurids Gallée 擅長將民俗元素轉譯為現代材質語彙，作品遊走於功能與藝術之間。此次他以樹脂創作作品《Scaffolding》重新詮釋竹材質感。其受竹製施工架啟發，本系列以樹脂封存竹材動態瞬間。拋光細節與深藍色調強化靜謐感，負空間軟化結構線條，形成沉浸與浮現的視覺韻律。作品刻意保持功能曖昧性，邀請觀者自行詮釋。

法國藝術家 Nathalie Du Pasquier 受亞洲屏風啟發，運用竹板與絲綢面料打造作品《PASSAVENTO》，其設計了四組可移動竹製隔屏，部分鑲印巨幅竹影絲綢簾幕。竹材未經雕琢的原始管狀特質，與精緻緞面形成粗獷與奢華的質感對話，呼應其近期對直線構成的探索。 

首爾藝術家 Sisan Lee 擅長將自然素材融入當代設計，作品平衡原始性與現代感。本件作品《Engraved》以韓國「減法美學」為核心，Lee 透過鋁鑄技術間接表現竹韻。陽刻竹紋反射流光，磨砂底面則強調虛實對比，使金屬表面成為傳統水墨「留白」精神的當代載體。 

杜林與孟買雙人組 the back studio（Eugenio Rossi 與 Yaazd Contractor）擅長結合工業製程與傳統霓虹工藝。本裝置作品《bamboo assemblage n.1》，探索竹材與冷陰極光的共生可能。快速生長的天然竹結構與高科技硬體並置，質疑工業時代的計劃性報廢邏輯，提出永續技術的未來想像。

資料提供｜GUCCI

國立臺灣美術館（國美館）與法國龐畢度中心攜手合作，4月12日至7月6日推出大展「無序樂章：聲音藝術之旅」，匯聚30組國際與臺灣藝術家的精采作品，引領觀眾探索聲音與空間、身體及社會間的對話。

以「聲音」為核心主題

本展由龐畢度中心新媒體藝術部門首席策展人瑪切拉．利斯塔（Marcella Lista）策展，是國美館相隔20多年後與龐畢度中心合作的重要大型指標性計畫，展覽以「聲音」為核心主題，以龐畢度新媒體藝術豐富館藏為基礎，本次特別透過與國美館關於聲音主題之策展對話，進一步拓展聲音的多元議題與視野，除了展示多組龐畢度中心的藝術經典及新近購入之典藏作品外，亦加入5組臺灣藝術家的創作，其中多組更是特別為此共同委託之嶄新作品，讓聲音藝術在不同文化語境中碰撞出精采火花。

各式關於聲音的探索

本次展覽開展各種關於聲音的探索，涵蓋8個子題：「回聲與共鳴」、「聽覺機器」、「合奏之外」、「開放樂譜」、「漂流之境」、「場景與手勢」、「聲響探問」、「代理之聲」，集結比爾．豐塔納 (Bill Fontana)、克里斯蒂安．馬克雷 (Christian Marclay)、勞倫斯．阿布．哈姆丹 (Lawrence Abu Hamdan) 、毛利悠子(Yuko Mohri) 等重量級藝術家代表作，以及臺灣藝術家王福瑞、饒加恩、王仲堃、林其蔚、王虹凱及其創作團隊成員莫奴、艾莉亞．莫薩蘭與管啟次郎等人的作品，展現聲音藝術在跨領域創作中的豐富形式。

本次應邀來臺參與開幕式及國際論壇的比爾．豐塔納 (Bill Fontana)，是著名的美國作曲家與媒體藝術家，以其對聲音的開創性實驗享譽國際。豐塔納自 1970 年代起便致力於探索聲音與空間的互動，擅長透過聲音捕捉空間中看不見的細微變化，讓觀眾重新感知環境。本次展出〈平行測量：沉默的回音與正在融化的冰河〉，結合了豐塔納近年對全球環境變遷的關注。作品捕捉了巴黎聖母院大火後鐘體所反映的城市振動，以及奧地利冰川因融化產生的自然聲響，巧妙地將人為與自然變化交織成一場聽覺體驗，引發觀眾對環境議題的深刻思考。

在臺灣擁有高知名度的日本藝術家毛利悠子（Yuko Mohri）將展出作品〈遊行〉，展現日常物品與樂器交織出的奇幻樂章。〈遊行〉透過電動機械裝置精準操控各種物件，彷彿一支意想不到的管弦樂團，在動作與聲音的錯綜中產生對話。毛利悠子捕捉生活中隱藏的意外與危機，並邀請觀眾在不和諧中尋找和諧，發現聲音與物件之間微妙而生動的共鳴。

臺灣藝術家饒加恩的〈世界花園〉為2025年全新創作，以歐洲殖民經濟下產生的樂譜為素材，從樂譜封面圖像、歌詞文字與音樂出發，創作出聲音雕塑裝置。作品的展示架構靈感來自歐洲宮廷花園，以類似植物分類的方式將不同區域的樂譜劃分，這種分類不僅是對政治與領土權力的象徵性宣示，也反映了人類中心主義的深層思維。

另一位來自臺灣藝術家的新作，由王虹凱以跨國創作合作攜手莫奴（Monu）、艾利亞・莫薩蘭（Alia Mossallam）與管啟次郎（Keijiro Suga）共同構思〈幽靈、水泥、迴音〉，這是一項源自她對臺灣美濃反水庫運動史長期關注的多模態研究計畫。作品連結臺灣、埃及與日本社群，探索不同地區在發展主義與水文條件下的政治回應，進一步檢視這些回應如何在自然與社會之間，形塑出深層的社會、政治與美學關係。

感受聲音如何超越視覺

「無序樂章：聲音藝術之旅」即日起至7月6日展出，展場遍及國美館戶外及室內空間，觀眾將在行走間逐步進入聲音場域，感受聲音如何超越視覺，體驗一場全新的感官之旅。另外，延續展覽精神，4月13日將舉辦「聆聽：關於聲音的對話」國際論壇，邀請參展藝術家與國內外學者齊聚一堂，從西方音樂哲學、臺灣聲音文化等不同視角，共同探討聲音藝術的多元樣貌與未來趨勢，這場對話將帶領觀眾深入了解聲音如何成為連結世界的媒介，國美館誠摯邀請各界共襄盛舉。

無序樂章：聲音藝術之旅
展覽時間：2025年4月12日至2025年7月6日
展覽地點：國立臺灣美術館戶外空間（空橋、下凹庭園）、大廳、水牛廳、102、201-202展覽室

更多資訊可至國立臺灣美術館查詢

_{資料提供｜國美館、文字整理｜Adela Cheng}