↑歷來台灣在德國iF獲獎最多的設計師，蔡慧貞的設計感動人心。

蔡慧貞，歷年來台灣在iF視覺傳達設計獎項中的獲獎王，2008年受邀成為iF的評審，也是少數被國際設計界推崇的女性設計師。外文系背景出身的蔡慧貞不僅擁有視覺設計的天賦，也有著好文筆，在新書《蔡慧貞@台灣設計力》裡，她分享歷年來的精采案例，時而以感性柔軟的散文筆調描寫創作的歷程與感觸，時而以鏗鏘理性的字句闡述對於設計的理念。
 

↑新設計的五木拉麵「五行禮盒」，以細長的麵條為形，將五種色澤、口味的麵做成小量體包裝，表現出品牌混合日系血統的精緻形象。

拜訪位於陽明山腳下的知本形象設計公司，圍牆內擁抱著一片小花園，樹木與花草在此享受著充足的陽光，建築也以大片的落地玻璃將自然天光引入室內。這個由蔡慧貞設計的空間裡，幾乎沒有人工色彩，只有原木的顏色與室外的綠意，讓辦公空間充滿陽光通透的自然感受。在這樣單純的襯托下，展示櫃上琳琅滿目的各樣產品彷彿是自她的腦海中衍生出來的多彩境界，引人注目。
 

↑為老字號中興米打造「中興榖堡」，金色包裝除了展現高品質的形象，也意喻著金黃稻穗的自然之美。

用設計說生活的道理
飛白的書法墨色、詩意的文句、豔麗的飽和色彩與典雅的素材質感，在蔡慧貞的設計裡面，常常可以感受到一股獨特而濃厚的東方氣韻，也因此在國際舞台上更顯突出而獲得評審青睞，但這並非是刻意塑造出的異國情調，而是自然而然地取擷自生活的種種細節。「我認為設計是講生活的，我在台灣出生長大，定義我、養成我的是這裡的環境。豐富強大的中國文化的影響肯定是很大的，而台灣海納百川的包容力與原生的樸實美感，也都是生活中累積的底蘊。因此我希望透過設計，去挖掘出每個品牌裡隱含的美麗DNA，以來自於東方精神層面的元素，突顯產品的豐富內涵與底蘊。」
 

↑拍攝五木拉麵產品照時，蔡慧貞投注自己烹調時的熱情與想像。

例如連續六年以台灣食物做為主題的食研所月曆，以中國五行概念搭配食物渾然天成的自然色相：南瓜的紅、茄子的黑、瓠瓜的青與麵線的白，透過簡單的視覺安排，讓這些生活中再普通不過的食材顯現出旺盛生命力與多層次美感；或是以傳統器物搭配食物， 烏龜圖案的糕餅印模象徵「慢食」、石墨與湯圓代表「合食」、秤鐸與豆腐代表「輕食」，將飲食的概念與圖像意涵巧妙結合，互為說明。她也以唐詩與食物結合，將麻糬、麵線、豆腐與水蜜桃的特性，賦予感性的詩意與境界；也以歷史名人為發想，以文字的諧音像是「滷肉沙門魯智深」、「杜甫素炒豆腐渣」、「仁貴平貴啥碗粿」，插科打諢地以幽默的方式建立起人與食物的關係，而這些就是蔡慧貞取自於生活、引自東方文化裡的豐富底蘊，而能呈現出不同於西方視覺美感的獨特風格，「雖然主角是不起眼的食物，但深入後會發現它的獨特美感，每次用一個主題、用不同的方式去演繹，這就是創意，平面設計師透過視覺傳達，讓人們可以去體現食物的美感。」
 

↑清、透、圓弧線條展現以「弦月」的優美。

獨一無二的設計心法
從事設計二十年來，蔡慧貞為無數企業與產品打造出漂亮的品牌，但她認為，設計沒有法則與公式可言，不是可以輕易複製的，「但我要講的是『心法』，如果沒有真的融入每一個案子，如何幫客戶建構品牌的內涵？設計師只有將每一個案子看成是都是獨一無二的，才有可能找到品牌的獨特特質。」她認為，設計師必須去深入探索每個品牌的創業歷程， 才能與客戶一起打造出成功的品牌。為了挖掘背後獨特的、美麗的故事以及他們各自努力的過程，她都會親自造訪工廠、走訪田野，與基層員工對話來了解他們的想法。像是為傳承四代的台灣米品牌「中興米」轉型的文創品牌「中興榖堡」設計， 從傳統產業產轉型文創產業，做成伴手禮以打進婚宴市場的案例中，她深入彰化、台東的鄉間田野，與農民對話，了解他們的想法以及農民安於勞動、忠於土地的心情。她指著書上一張張照片，其中有典型台灣鄉村裡常見的瓜棚，以及映照著夕陽溫暖光芒的農人笑臉，「我跟客戶的情感就是建立在這上面。」
 

↑連續六年為食品工業發展研究所設計的月曆，以不同主題將中國的食與藝發揮得淋漓盡致。

在拍攝「五木拉麵五行禮盒」產品照時，蔡慧貞不但現場參與連煮麵都自己來，與攝影師透過更直接而機動性的溝通，以達到自己理想中要求。「在拍攝食用範例時，我們一定得知道這種麵怎麼吃最好，像是油麵，雖然可以做成切仔麵，但對於購買者來說，顯然是炒麵更適合家庭。所以我認為設計師要懂得生活，並且貼近實際，否則消費者不會產生共鳴。」
 

品牌其實是一種味道
「我喜歡食物的顏色和形狀，我喜歡生活。而什麼是設計？可能是逛街，什麼都可能是設計。對我來說設計跟生活沒有分野，沒有工作和下班的區別。」蔡慧貞認為，品牌其實是一種味道，可能是一個符號，可能是一種香味或是食物、或是一輛車，是你想要、渴望去擁有的，那就是品牌。那符號代表一種精神層面或是意象，是美得讓人想擁有的。而當她靈感枯竭時，就會想起母親對她說過的一句話： 「你心若甘願，天下就不難。」（台語）所以她也常跟年輕的設計師說： 「你的袖子和褲腳要捲起來，」也就是要進入，不能只是坐在旁邊看，這就是她做設計的態度。
 

隨著書頁一頁頁地翻著，她滔滔不絕地細數每一個案例、每一張圖片的背景故事，甚至連當時的溫度與心中的感觸，都歷歷再現。「這裡面的歷程跟我的理念與態度有關係，像是親力親為，融入其境。我不認為設計師是坐在電腦前面做設計，我認為設計是一種生活，走進生活是很重要的，如果沒有這點我認為設計師不可能貼切地、感同身受地做出動人的設計。」

二十年來一步一步，蔡慧貞從平面跨入包裝，再從包裝跨入產品、產品跨入空間，從平面延伸至空間場域的整體設計規劃。她自信地說，現在的自己即使要設計包包或衣服也沒問題。「設計我不喜歡去講界線。其實一旦你累積足夠到了一個境界，就會幻化無形、到了另一個層次，或許聽起來很玄，但我的體悟就是這樣，一個環節通了，到了下個階段就會觸類旁通，看到東西自然體悟就會來了，這是直覺的。」
非本科班出身但透過自我學習而成為業界翹楚，並在一個男性主導的職場環境中奮鬥，一路上
困境挫折不曾少，卻也是她茁壯的養分，蔡慧貞對於自己的未來仍是充滿壯志與信心，除了持續為台灣打造出更多有國際能見度的品牌之外，也希望能培養出一批超越自己的後進， 而最終，蔡慧貞希望自己能像安藤忠雄一樣，成為台灣設計的代名詞，讓台灣能被世界看到。

About 蔡慧貞
現任知本形象廣告有限公司總經理，以平面、產品與空間設計知名。多年來獲得國內外多項重要設計獎項肯定，包括台灣設計獎金獎、德國iF設計獎、red dot紅點設計獎、Pentaward金獎等，並獲總統肯定為台灣之光。
 

當運動遇上動態影像，皆以「動」為特質的兩者理當契合自如？操刀2020東京奧運競賽圖標動態設計的日本動態設計師井口皓太，道出用動態影像呈現運動主題的挑戰——正因為運動已是動態，怎麼用動態再創新意實為考驗。

2020東京奧運，井口皓太以競賽圖標的動態設計和閉幕式的球體無人機燈光秀演出漂亮的一役。在那之後，他陸續經手了諸多運動品牌、賽事的商業設計。串連起運動和動態設計兩者的關鍵字為何？井口皓太的回答是：「兩者都在追求極致。」

以動態設計呈現身體張力

長年與NIKE合作的他，對於運動品牌的設計、概念策劃並不陌生。但在擔綱了東京奧運競賽圖標的動態設計後，再次認識到「運動」和「動態設計」兩者之間高度的契合。此外，在做奧運競賽圖標動態設計時，他翻閱大量相關參考資料，對於運動選手們在挑戰肉體極限下所展現的優美姿態留下深刻印象。也因此在近年多數的作品中，他更特別意識著如何在其中表現身體力度。

他替日本籃球協會（JBA）所設計的系列視覺作品「JBA Beyond for FIBA 2023」便是十分貼切的案例。配合著打擊樂，日本籃球國手的定格剪影在一個個節拍下加疊成逐格動畫，加上同時出現在畫面上「強大的自信」、「壓力越大越過癮/對手越強越好」等令人熱血沸騰的標語，在短短15秒的廣告內，呈現簡潔卻充滿力道的視覺效果。

井口皓太說明，在著手動態廣告之前，先進行了平面海報的拍攝。看著收到的海報草案時，他決定延續海報中捕捉動態瞬間的意圖，便以底片顯影的概念再現了選手移動的每個瞬間，營造出剎那的臨場感。而與之對比的是上方充滿躍動感的文字，時而呈現汗水的揮灑，時而詮釋高速移動下的空氣流動。文字、影像與音樂合而為一，精準傳達了運動場上的緊張與激昂情。

不被囚禁於螢幕，整個空間都是動態設計體驗

然而井口皓太也強調，從事運動廣告設計時，聚焦於競技固然重要，但也必須考量到與周邊圖像素材間的平衡。「為了不要破壞設計的視覺呈現，解讀 圖像本身既有的『時間』與『空間』維度也十分重要。」

如經手2023年底在銀座甫開幕的NIKE概念店「NIKE GINZA」整體設計時，井口皓太首先碰到的難題便是如何轉化「銀座」的古典形象。他說明，由於作為主視覺的「銀座」兩字是非常傳統的日文漢字字體，品牌方最初擔心是否難以在文字設計上賦予運動的動態要素。

面對此一挑戰，井口皓太提案將「座」一字中的「人」抽出，任其在畫面上高速奔跑、自由變形，藉此在畫面中帶入空間維度與動態力度。在這檔設計案中，他不只負責主視覺設計概念，更參與店內、車站電子螢幕的陳設規劃。他強調，作為動態設計師，重要的是必須意識到影像動畫的播放方式和地點。並不只是在影像螢幕 的框架內思考，而必須將路過的行人、停下腳步觀看的觀眾加入作品整體的一環著手構思。

在日本首間喬丹品牌旗艦店「World of Flight Tokyo Shibuya」中，正完整體現了他對於空間營造的巧思。店面入口通往商場長達25公尺的長廊內，搭設了整面的電子螢幕。慢動作運球、上籃的選手剪影帶有些許「霧裡看花」之感，但在大面積色塊的渲染與聲光效果加乘之下，一步步推漲了人們進入店面前的期待感。

井口皓太說明，美國波特蘭的品牌方希望在設計中加入日本的元素，於是他以和式紙門為核心概念，用半透明的濾鏡進行拍攝，並以燈光營造出朦朧的光影之美。

運動設計是向選手致敬的過程

運動和動態設計兩者乍看之下十分契合，但井口皓太認為正好相反。「動態設計的有趣之處在於『讓靜止的東西動起來』，也可以說是『讓看起來不會動的東西動起來』，進而從中創造驚奇與發現。但因為運動是動態的行為，人們反而會先入為主地想要捕捉其靜止的瞬間。」但他也強調，該如何突破此一固有觀念，替觀眾帶來新的體驗，正是設計師的職責所在。

問及是否有其他曾留下深刻印象的運動設計，井口皓太介紹了已故設計師野田凪2001年的「NIKE Swim Campaign」系列作品。「雖然是靜止的圖像，但透過水面折射放大了模特兒的身體呈現，這樣的詮釋方式直到現在都還深深烙印在我腦海裡。」此外，NIKE在2010年為世界盃足球賽製作的影像廣告「Write the Future」也是他會定期觀看的作品之一。他說這部影片「不論是劇情轉折、笑點、快慢適中的剪輯與音樂選用，都堪稱十分完美。」

其實井口皓太到高中為止都是一名棒球少年，他說，作為一名捕手，捕捉眼前所有動態現象的觀察能力、由靜轉動的力學知識等，都對日後的設計工作產生許多幫助。在組織設計團隊CEKAI時、從事設計總監工作時，也不時會回想起過往在球隊的團隊合作生活。

「為了追求完美表現，運動選手們將身體機能發揮到極致，這點其實與設計工作相同。為了追求美學的巔峰，設計師得去計較每一釐米、調整每一個畫格的差異，反覆碰壁之下才終於找出最佳解答。因此，我想『運動是為了什麼而存在？又是為了什麼而需要追求極致？』這個提問，也可以從設計師們身上得到解答。」他說，自己有幸從事運動相關設計，也是在時時提醒著自己必須勤奮不懈地面對自身工作，才能毫無愧疚地透過創意為選手致上敬意。

井口皓太（Kota Iguchi）

動態設計師、創意總監。1984年生，以紐約、東京兩地為據點從事設計活動。擔任總監的大型戶外裸視3D廣告「NIKE Air Max Day 2022」獲得高度討論與關注，亦以東京奧運競賽圖標的動態設計師而為人所知。聚焦於動態設計領域，作品獲得國內外多數獎項肯定。

^{文｜廖怡鈞
圖片提供｜井口皓太}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/7月號《運動的設計進行式》

Apple為最新力作iPad Pro推出的廣告影片〈Crush!〉，在歐美世界引發巨大爭議，許多知名演員、導演、作家等藝文界人士轉發庫克（Tim Cook）推文大力批評，不少Apple的科技同業也給出負面評價；最後，Apple發出道歉聲明：「很抱歉，我們的廣告並沒有達到預期的目標。」究竟這短短一分多鐘的影片為何引戰，甚至被認為是科技吞噬創意的縮影？

史上最強也最薄的iPad誕生

讓我們把時間倒轉回5月7日。當天Apple在倫敦近年最火紅的地標——巴特西發電站（Battersea Power Station），舉辦了創立以來第一場英國發表會，會上最大焦點非iPad Pro莫屬，它除了有超薄的5.1mm機身，更搭載全新M4晶片讓創作者能與AI高效協作。新品引人讚嘆的同時，Apple同天發布的新廣告〈Crush!｜iPad Pro〉卻引爆網路社群上的噓聲。

巨大液壓機粉碎創作工具

長約一分鐘的〈Crush!〉，襯著愜意樂曲，上演一台巨大液壓機將樂器、油漆罐、老式遊戲機檯、雕塑、模特人檯、數位相機……通通壓碎的情景，等到機器再次升起時，一臺iPad Pro現身，旁白說道：「史上最強大的iPad，同時也是最薄的。」（The most powerful iPad ever is also the thinnest.）

如果看過Apple以往的廣告，會明白詼諧、幽默是其中鮮明的個性，但〈Crush!〉的寫意在許多人眼裡卻是種殘忍，彷彿宣告著人類的創意、以及成就這些創意的生產工具（如油漆、樂器等），都將被機器與科技摧毀後取代。

觀眾怎麼說？

看過這則廣告的英國知名演員休葛蘭（Hugh Grant）說：「人類經驗（human experience）的毀滅，感謝矽谷。」；曾執導Amy Winehouse傳記電影《Amy》（2015）的知名紀錄片導演Asif Kapadia，則表示自己喜歡iPad，但不懂為何有人認為這影片是個好點子，「它誠實地暗喻了科技公司對藝術家、音樂家、作家、製片人們做的事：擠壓、利用他們，卻不給合理的報酬，奪走一切然後說這一切都是由自己創造的。」

把視線望向Apple在矽谷的「盟軍」，也就是Asif Kapadia口中的科技界人士，幾位有影響力的公司高層也跳出來批評，像是Airbnb、Reddit、Dropbox等知名公司幕後資助者Y Combinator創辦人Paul Graham就寫下：「賈伯斯（Steve Jobs）絕對不會發布這支廣告。」暗諷品牌現任掌舵者。

問題出在哪？時代背景、廣告策略或Apple的身份？

在影音爆炸、甚至是氾濫的年代，社群河道上不乏科技取代人腦的惡趣味內容，為什麼〈Crush!〉觸怒那麼多人？身在人類有史以來最接近科技奇點的社會，在人工智慧（AI）有可能取代人力與人腦的文明轉捩點，〈Crush!〉在部分觀眾眼裡形成一股惡意——畫面中那台液壓機粉碎的不只工具，更是人類的創意與靈魂，而這些都將被科技機器取代；更何況發布這則廣告的是Apple，當今全世界科技界的龍頭之一。

不過，Apple為〈Crush!〉設定的廣告策略，真的含有惡的成分嗎？每則故事在每個人眼裡會看出不同寓意，而《Business Insider》資深科技與文化線記者Katie Notopoulos在一片罵聲之中，提出了有意思的觀點。她肯定觀眾對大公司廣告提出批判的閱聽意識，卻也直言：「這則廣告的目的很明顯是要炫耀新的iPad非常薄，還可以把一大堆應用程式打包在裡頭。」

看到這裡，我們不妨換個角度看〈Crush!〉——那些被液壓機粉碎的物件與工具（視覺上）確實被摧毀，但「毀滅」後卻也獲得了「新生」，並融入iPad之中，就如Katie Notopoulos所寫：「iPad不是要取代鋼琴，它是一台擁有GarageBand（音樂創作軟體）的平板電腦；也沒要取代繪畫，而是擁有平面設計App的工具。」

換句話說，iPad讓樂器、畫筆等創作工具換了個形式，被裝入一個更輕便的載體；而〈Crush!〉想表達iPad提供了有別於傳統的創作選擇，並透過科技的力量將數種工具的功能打包於超薄機身，目的是讓創作更有效率，而非消滅既有的工具。

只可惜，「這支廣告概念本身太無聊、也太淺顯。」Katie Notopoulos認為Apple這次傳達故事的手法太過「簡單暴力」，導致本意模糊，才是觸動藝文界人士神經的根本原因。另外也有網友表示，這支廣告直接得罪（offend）了iPad一大批核心用戶——這番話並不無道理，畢竟許多設計師、插畫家、藝術家、音樂人等，都以iPad作為第二（電腦以外）、甚至是主要的創作工具。

Apple這麼說

那Apple想透過〈Crush!〉傳達的訊息究竟是什麼？說來有點諷刺，我們可以從官方道歉聲明中知道：「創造力是Apple的DNA，我們設計的產品能為全世界的創作者賦能，對我們來說非常重要。我們的目標始終是讓使用者能透過各種方式表達自己，並透過iPad將想法化為現實。很抱歉，廣告並沒有達到預期的目標。」

爭議背後躁動的焦慮——我們真的會被機器取代嗎？

〈Crush!〉反射出科技與藝術、音樂、設計等創意領域的矛盾關係，甚至是機器與人類的對立，背後躁動的是人類擔心被機器替代的焦慮。近年許多爭議都是因此而起，在ChatGPT能快速整理資料、寫短文；midjourney能算出極其精緻的圖像；以及各種AI工具盛行的時代，引發各界工作模式的轉變，比如設計與藝術競賽順應時勢將AI作品納入評選，同時評估判斷人類、AI創作的標準；各領域工作者重新思考創作的意義，並試圖找尋與科技協作的方法。

未來AI會發展到何種境界，可以預見但難以斷言，〈Crush!〉爭議給了我們反思與科技之間依存關係的機會，也意外揭露了許多人仍用力擁抱人類思維的詩意、手工創作的價值，這是AI難以取代的（至少目前如此）。

最後，來看導演Reza Sixo Safai在X上分享的〈Crush!〉改編版本，他將腳本的情節順序調換，讓液壓機壓碎iPad Pro後，化為樂器、雕塑、遊戲機、顏料等創作工具；還特別把背景音樂換成Sonny & Cher在1965年發表的歌曲〈I Got You Babe〉，其中意涵不妨配著歌詞細細品味。

不抱著偏見與預設立場第一次看〈Crush!〉、看過評論家的觀點後回看，再看Reza Sixo Safai的改編版本，想必會有不同的感觸與想法。面對科技融入工作與生活，每個人有各自的操作守則，期待我們都能找到屬於自己的準則。

資料來源｜Business Insider、Variety、CNN