今年4月，種子計劃邀請了打造畢爾包古根漢美術館的催生者，現任古根漢基金會榮譽主席的Thomas Krens來至台灣，分享其美術館的經營經驗。Thomas Krens與私人企業的策展合作、全球連鎖化的美術館經營模式，也使其備受討論。在官方財政逐漸萎縮、私人經濟力量逐漸龐大的當代，美術館的美學經濟該如何發展？Thomas Krens要我們不能小看這股文化的力量，帶你看見他認為的藝術與商業的平衡點。

La Vie：畢爾包古根漢美術館是透過美術館讓城市翻身的經典案例，就一個主事者的角度，你認為其成功的原因為何？
Thomas：我認為是尺度。什麼樣的參觀者經驗會被記憶下來，是我思考的方向。我相信當你第一次看見畢爾包的古根漢，你會驚訝於它的大尺度，我們將藝術、活動、餐廳及商店，通通置於美術館中，這些就足以讓參觀者一整天都很充實。向外看，你可以看見雕塑、看見河流，待到晚上，你可以看見燈光變換，所以它不只是一個半小時的旅程，而這是一個消費主義所造成的結果，雖然我並沒有要刻意促成，也不是要傳達這樣的概念，基本上我關注的仍是觀者體驗。

La Vie：目前越來越多博物館選擇親近大眾的策展議題，如紐約大都會博物館的《Alexander McQueen》及《Schiaparelli and Prada》，除了題材接近大眾外，也有商業氣息較為濃厚的評論，你怎麼觀察這股潮流？
Thomas：我認為古根漢建立了一個品牌，這個品牌如何建立？透過高品質的策展及方案驚喜大眾。所以你可以在古根漢看到畢卡索、500年的巴西等各種不同主題的展覽，而大眾喜歡我們的品質及帶來的驚喜。
為什麼我使用iPad，為什麼大眾使用iPhone，因為它們能夠回應消費者的需求，所以其實這不是哲學性的命題，而是社會學的命題，而我們所策的展應該帶給大眾驚喜。

La Vie：那麼策展品質如何掌控，如何找到商業與藝術的平衡點？
Thomas：策展品質其實是非常重要的，就以《The Art of the Motorcycle》這個備受爭議的展覽而言，我大可以選出100台摩托車排排站，但我們找了六位策展人，企劃兩年，一一研究，確認了全世界生產摩托車的品牌或公司共有3367個，並設定展覽各子題，邀請Franck Gehry打造裝置藝術作品。此外還製作精美作品集，邀請時尚攝影師拍攝摩托車的各種角度，邀請摩托車雜誌中最專業的編輯負責撰寫文字。一般展覽作品集的銷售量在5000本左右，而我們卻賣出了120,000本，為何呢？原因就在於策展品質及回應時代的精神。
選擇受歡迎的主題擴展了受眾，展覽必須要能回應群眾的需求，而我認為這樣的策略相當合理。當然以Prada為例，如果在Prada創立第二年就辦展，或許有點太離譜了，但若是25年或是30年，這是非常榮耀的，而我認為博物館有義務舉辦這個展。

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本文出自La Vie雜誌第108期
文：彭永翔｜攝影、顏良安｜圖片提供：Guggenheim Museum Bilbao

梅雨季即將來臨，陰雨綿綿總讓人心情蒙上一層灰，今年不要怪天氣，試著出門「逐日」吧！座標台北敦南林蔭大道上的「敦南之森 Taipei Lumitree」，數位藝術家DAMONXART帶來全新戶外光影作品《陽顏 SUN HUE》，以數位形式重現太陽的恆常存在，為城市注入一抹暖意。

用「錯視」創造永恆全日

從太陽、花瓣、鳳凰、河畔到行星運轉的軌跡，都是DAMONXART的創作題材，其以數位語彙玩轉幾何，加上對鮮豔色彩的靈活運用、對不同材質的探索，建構富科技感、卻仍保有溫度的作品。抽象的畫面乍看陌生，其實都藏有連結生活的靈光。

《陽顏 SUN HUE》以「台北的永晝」為發想，結合時間流動與光影設計，於都市核心地帶創造出一顆不隨天氣與晝夜消逝的「數位太陽」。作品隨著實際時間推移，呈現從晨曦微光、正午烈陽到夕陽西下的色彩與情緒變化，讓觀者即便在陰雨綿綿或夜色低垂的時刻，也能感受到陽光灑落的視覺經驗與心靈慰藉。

出發！一起在梅雨季逐日

作為一場結合科技、自然與情感的公共藝術介入，《陽顏 SUN HUE》不僅重新詮釋「陽光」在城市生活中的角色，也回應人們在季節轉換與環境壓力下，對光與溫度的深層渴望。展演即日起至5月15日展出，每天上午8點到晚上9點於整點播放，每15分鐘輪播一次。

DAMONXART《陽顏 SUN HUE》

展期｜2025年4月15日－5月15日  

地點｜敦南之森 Taipei Lumitree

地址｜臺北市大安區敦化南路二段 19 號  

時間｜每日 08:00 – 21:00（整點播放，每15分鐘輪播一次）

如果遇見未來的自己，你想跟他說些什麼？是分享現在，或好奇丟出對未來世界的提問？再進一步思考——你會認為「他」就是「自己」嗎？

2025大阪世博上百座場館中，由新媒體藝術家落合陽一策劃的主題館——「null²」，是最受觀眾歡迎的目的地之一。除了「科技鏡屋」般的奪目外觀引人駐足，null²所提供的璀璨視覺饗宴、邀觀眾與鏡中「數位分身」互動的新奇體驗，更是震撼。null²延續了落合陽一長期探討的「數位自然」理念，呈現一個數位與物理界線消融的未來世界，邀觀眾一起思考未來「生命」的意義，同時反思科技時下，人類共同面臨的困境與苦痛。

有機演化的「活建築」

null²場館建築由活躍於日本、台灣兩地的NOIZ Architecrts創辦人豐田啟介設計。作為一座透過感測器、人工智慧技術驅動，結合鏡面顯影、映照、對話周圍人事物的「活建築」，null²彷彿超未來裝置穿越時空降落在二〇二五；外觀不規則堆疊的鏡面方塊，及方塊邊緣向中心凹陷為圓，令人想起東京代謝派建築名作——由黑川紀章設計的東京中銀膠囊塔。

特殊鏡面膜 X 電腦科學，成就非凡的藝術互動體驗

「鏡子」是null²的核心，貫穿建築、作品概念與視覺呈現。展館以「實體」與「數位」兩種不同型態的鏡子構築，豐田啟介採用一種特殊的鏡面膜，讓場館外部得以反射中人們扭曲變形的樣貌。更有趣的是，這種材料既可以作為建築或裝置的表面，也可以變換為新媒體藝術的畫布。

展館內，鏡面膜結合落合陽一團隊的區塊鏈、人工智慧（AI）技術，透過互動式鏡子掃描觀眾的身體、捕捉現場的視覺與聲音資料，並將其數位化，為觀眾生成一個具備自主性的「鏡中分身」。這些分身存在也活動於空間中，與另一個「自己」互動，挑戰著人們對「身份」與「生命」的認知——當兩個你同時在場，誰才是本體？誰才是分身？

靈感源自佛家心經，挑戰人類至上觀點

null²視覺璀璨、所用技術走在科技前沿，但回看落合陽一的創作靈感，竟意外地「祥和」並充滿哲思——源自佛教經典《般若波羅蜜多心經》的名句：「色即是空，空即是色」。近十年來，落合陽一致力建構「數位自然（Digital Nature）」，透過創作消融「有形與無形」、「有機與人工」、「自我與他者」之間的界線，試圖重新定義自然，挑戰當今人類至上的世界觀，並逐步靠近他對藝術的終極追求——科技與生態匯聚成一個「會呼吸的系統」的瞬間，而null²正是其中一項實踐。

落合陽一曾表示，無論是日本或西方繪畫，自古以來都從自然環境中取材，創作出適合在地消費的作品，這種通俗的、民間的藝術與製作過程，至今都未曾改變。而新媒體藝術對他來說，是「數位自然中的在地藝術」（Vernacular Art of Digital Nature），因此在創作過程中，他不只著重電腦科技的藝術表現形式，也延伸至學術研究、社會實踐等層面。

視覺衝擊之後，一起反思科技時代的苦痛

null²也延伸了「數位自然中的在地藝術」的理念，落合陽一強調它並不是單純的數位聲光裝置，而是一件「大規模的社會雕塑」，也是一座「有機變化的活建築」，其鏡面不只映照出周圍環境，也揭示了社會中潛藏的不安、夢想與傷痕。在此，落合陽一點出人們在科技時代所承受的痛苦——環境崩壞、社會分裂、身份迷失，都是人類共同面臨的困境。我們該何去何從？他拋出一個極端卻引人省思的觀點：人類該學會退後，讓世界自行刻畫自己的倒影。

未來社會將是如何？界線消弭的「新自然」

面對2025大阪世博的命題——「設計一個充滿生命光輝的未來社會」，null²試圖突破世界博覽會反映國族榮耀、彰顯企業實力、重視集體性的傳統，傳達新時代開篇的宣言：「個體的聲音，正在重塑我們的社會。」

藉由將藝術、科技與社會願景合而為一，null²建構對未來社會的想像——社會本身成為一種具備自我意識的人工生命（就像null²鏡中的數位分身們那樣），在那裡人類學會與萬物共存，且數位與物理的界線融為一體，造就新的「自然」。為到達彼方，人類或許該退居一旁、而非總是將自己置於中心，用更謙卑的姿態存在於萬物生命交織的世界中。

2025大阪世博「null²」

展期｜2025年4月13日～10月13日