夢我所夢：草間彌生亞洲巡迴展台灣站 KUSAMA YAYOI, A Dream I Dreamed 重點展品介紹

1. 〈圓點執念〉(Dots Obsession, 2015)

紅底白色圓點圖案的巨大氣球，散落在空中、地面，同時填滿空間的氣球亦是個圓，因此數以萬計的圓就這樣滿佈在觀眾眼前。在氣球內部，白色圓點隨著鏡面反射延伸至整個空間，讓觀者有種被淹沒的錯覺，就像作者為其命名「圓點執念」，就是執意讓你無法忽視這些色彩亮麗、可愛的圓，同時也逐漸產生被密集圓點吞噬的恐懼。圓點可說是草間彌生的代名詞，雖然圓點總被人當作可愛的元素，但在其作品中，卻顯現出一種征服觀眾的強烈存在感。草間自幼為強迫症所苦，創作的圓點是不斷出現在她眼中的幻覺，而她自我治療的方法，就是執起畫筆，讓「自我消融」(self-obliteration)在其不斷衍生的幻覺之中，因此草間的圓點也顯示出生命中一切的喜悅、傷痛與快感，更成為她創作的骨幹。
 

2. 〈無限鏡屋-靈魂閃耀〉(Infinity Mirrored Room－Brilliance of the Souls, 2014)

草間彌生喜歡在作品中探索無限空間的魅力，在〈無限鏡屋〉(Infinity Mirrored Room)作品中，藉由鋪設鏡面的牆壁與天花板，草間創造出無限延伸的空間，再透過鏡面與地上的水面投射，她讓黑暗的空間，灑落無數如粒子般的光點，光點延伸放射，直到無垠的鏡面深處。觀眾在參觀的同時，周遊於架設在地面上的水道，彷若置身浩瀚宇宙，見證粒子的增生與消解。草間第一次以鏡子作為創作的媒介是 1965 年的裝置作品〈無限鏡屋-陽具的原野〉 (Infinity MirroredRoom-Phalli’s Field)，從此以後這個可以折射延伸空間感的創作媒材不斷出現在她的作品中。草間試圖透過這類創作帶給觀眾一種無限的感覺 並讓人忘卻自我 隨著草間的作品一同體驗「自我消融」(self-obliteration)的過程。

3. 〈為摯愛的鬱金香永恆祈禱〉(With All My Love for the Tulips, I Pray Forever, 2013)

本作品是草間彌生為了亞洲巡迴展，特別製作的一件大型彩色裝置作品。透過各種色彩、大小不一的「圓點」，這個草間彌生一生慣用的符碼，從平面的牆，再延伸到立體的鬱金香裝置上，整個空間形塑出一種無限重複和變化的視覺感受。同時這些圓點也讓空間和物體合而為一，並給人一種暈頭轉向的混亂感。這些彌漫空間、看似簡單的圓點，其實隱含了藝術家關於「消融」(obliteration)的哲思。正如草間在自傳中所言：「一般而言，藝術家不會把自己的心結直接和盤托出表現在創作裡，可是我是把自己的心結和恐懼直接轉化為表現的物件…把自己融進那些表現物裡面，這就是我所謂的『消融』，…當我在自己全身畫滿圓點，然後把背景也都填上一樣的圖案，這樣我就可以消除自己的存在。」更可見圓點在其生命中的重要意義。
 

4. 〈南瓜〉(Pumpkin, 2013-2014)
90 年代中期開始，草間彌生積極創作許多戶外的立體作品，透過在公共空間的展示，讓作品與人的距離更為貼近，其中最具知名度的便是南瓜系列。草間彌生認為南瓜是十分可愛討喜的植物，帶有強烈的野性和詼諧氣息，可恣意吸引人們的目光。她曾說：「當我抱起南瓜時，便會想起遙遠孩提時代的記憶。我的心有好幾次，都因南瓜獲得救贖，在過往內心困苦的日子裡，南瓜總能撫慰我的心靈。」
正因著她對南瓜抱持著特殊的情感，草間彌生在京都學習繪畫時，就經常畫南瓜，並從畫南瓜得到強大的精神安定感。而她描繪的南瓜細緻而生動，觀眾無不在觀賞的第一刻就愛上了這圓嘟嘟、療癒人心的創作！
 

5. 〈曼哈頓自殺慣犯之歌〉 (Song of a Manhattan Suicide Addict, 2010)

在由鏡面圍繞而成的空間裡，化著濃妝的草間彌生頭戴紅色假髮、身穿紅底白黑圓點衣服現身，配合自編的手勢，深情吟唱著自創的詩篇，而她的身後，是她創作出的一件件名作。這間暗室通過鏡面的反射，將觀眾包圍在草間彌生的世界，創造出難以言喻的感受，屬於草間般萬眾矚目的光彩世界，沒有字幕，卻讓人駐足。
 

6. 〈我的永恆靈魂系列〉(MY ETERNAL SOUL, 2009-2013)

〈我的永恆靈魂〉(MY ETERNAL SOUL)是草間彌生最新的系列繪畫作品。重複的使用她早期創作即出現的圖案如圓點和網，以及〈永恆的愛〉(LOVE FOREVER)系列作品中不斷重複的眼、側臉、以及蝴蝶、花朵、嘴唇、狗和女人等圖案，她以醒目的色彩和金屬顏料，即興地將具象和抽象的圖像混合表現在畫布上。畫作中的形體大多為直覺的表現，而非恐懼的奇思幻象。自 2009 年到 2013 年中，此系列已經有多達 310 件作品，並已成為草間彌生最大規模的系列作品。這系列作品的首度亮相是在泰特現代美術館(Tate Modern)2011 年主辦的草間彌生回顧展，在展出之初即吸引了全球的目光。

與她早期的單色調作品相比，她採用了更加強烈並且鮮明的表現形式，正如草間彌生自己所說：「我想要畫 1000 幅至 2000 幅畫。我想要繼續畫畫，即使我死了，我也會繼續畫畫。」而這個系列，不僅展現這位偉大藝術天才的成熟風範，更重要的是，這也是草間用生命極力描繪自己生活的經典之作。
 

圖片版權：
Copyright of Yayoi Kusama
Courtesy of Ota Fine Arts, Tokyo / Singapore, Victoria Miro, London, David Zwirner, New York, Yayoi Kusama
Studio Inc.

梅雨季即將來臨，陰雨綿綿總讓人心情蒙上一層灰，今年不要怪天氣，試著出門「逐日」吧！座標台北敦南林蔭大道上的「敦南之森 Taipei Lumitree」，數位藝術家DAMONXART帶來全新戶外光影作品《陽顏 SUN HUE》，以數位形式重現太陽的恆常存在，為城市注入一抹暖意。

用「錯視」創造永恆全日

從太陽、花瓣、鳳凰、河畔到行星運轉的軌跡，都是DAMONXART的創作題材，其以數位語彙玩轉幾何，加上對鮮豔色彩的靈活運用、對不同材質的探索，建構富科技感、卻仍保有溫度的作品。抽象的畫面乍看陌生，其實都藏有連結生活的靈光。

《陽顏 SUN HUE》以「台北的永晝」為發想，結合時間流動與光影設計，於都市核心地帶創造出一顆不隨天氣與晝夜消逝的「數位太陽」。作品隨著實際時間推移，呈現從晨曦微光、正午烈陽到夕陽西下的色彩與情緒變化，讓觀者即便在陰雨綿綿或夜色低垂的時刻，也能感受到陽光灑落的視覺經驗與心靈慰藉。

出發！一起在梅雨季逐日

作為一場結合科技、自然與情感的公共藝術介入，《陽顏 SUN HUE》不僅重新詮釋「陽光」在城市生活中的角色，也回應人們在季節轉換與環境壓力下，對光與溫度的深層渴望。展演即日起至5月15日展出，每天上午8點到晚上9點於整點播放，每15分鐘輪播一次。

DAMONXART《陽顏 SUN HUE》

展期｜2025年4月15日－5月15日  

地點｜敦南之森 Taipei Lumitree

地址｜臺北市大安區敦化南路二段 19 號  

時間｜每日 08:00 – 21:00（整點播放，每15分鐘輪播一次）

如果遇見未來的自己，你想跟他說些什麼？是分享現在，或好奇丟出對未來世界的提問？再進一步思考——你會認為「他」就是「自己」嗎？

2025大阪世博上百座場館中，由新媒體藝術家落合陽一策劃的主題館——「null²」，是最受觀眾歡迎的目的地之一。除了「科技鏡屋」般的奪目外觀引人駐足，null²所提供的璀璨視覺饗宴、邀觀眾與鏡中「數位分身」互動的新奇體驗，更是震撼。null²延續了落合陽一長期探討的「數位自然」理念，呈現一個數位與物理界線消融的未來世界，邀觀眾一起思考未來「生命」的意義，同時反思科技時下，人類共同面臨的困境與苦痛。

有機演化的「活建築」

null²場館建築由活躍於日本、台灣兩地的NOIZ Architecrts創辦人豐田啟介設計。作為一座透過感測器、人工智慧技術驅動，結合鏡面顯影、映照、對話周圍人事物的「活建築」，null²彷彿超未來裝置穿越時空降落在二〇二五；外觀不規則堆疊的鏡面方塊，及方塊邊緣向中心凹陷為圓，令人想起東京代謝派建築名作——由黑川紀章設計的東京中銀膠囊塔。

特殊鏡面膜 X 電腦科學，成就非凡的藝術互動體驗

「鏡子」是null²的核心，貫穿建築、作品概念與視覺呈現。展館以「實體」與「數位」兩種不同型態的鏡子構築，豐田啟介採用一種特殊的鏡面膜，讓場館外部得以反射中人們扭曲變形的樣貌。更有趣的是，這種材料既可以作為建築或裝置的表面，也可以變換為新媒體藝術的畫布。

展館內，鏡面膜結合落合陽一團隊的區塊鏈、人工智慧（AI）技術，透過互動式鏡子掃描觀眾的身體、捕捉現場的視覺與聲音資料，並將其數位化，為觀眾生成一個具備自主性的「鏡中分身」。這些分身存在也活動於空間中，與另一個「自己」互動，挑戰著人們對「身份」與「生命」的認知——當兩個你同時在場，誰才是本體？誰才是分身？

靈感源自佛家心經，挑戰人類至上觀點

null²視覺璀璨、所用技術走在科技前沿，但回看落合陽一的創作靈感，竟意外地「祥和」並充滿哲思——源自佛教經典《般若波羅蜜多心經》的名句：「色即是空，空即是色」。近十年來，落合陽一致力建構「數位自然（Digital Nature）」，透過創作消融「有形與無形」、「有機與人工」、「自我與他者」之間的界線，試圖重新定義自然，挑戰當今人類至上的世界觀，並逐步靠近他對藝術的終極追求——科技與生態匯聚成一個「會呼吸的系統」的瞬間，而null²正是其中一項實踐。

落合陽一曾表示，無論是日本或西方繪畫，自古以來都從自然環境中取材，創作出適合在地消費的作品，這種通俗的、民間的藝術與製作過程，至今都未曾改變。而新媒體藝術對他來說，是「數位自然中的在地藝術」（Vernacular Art of Digital Nature），因此在創作過程中，他不只著重電腦科技的藝術表現形式，也延伸至學術研究、社會實踐等層面。

視覺衝擊之後，一起反思科技時代的苦痛

null²也延伸了「數位自然中的在地藝術」的理念，落合陽一強調它並不是單純的數位聲光裝置，而是一件「大規模的社會雕塑」，也是一座「有機變化的活建築」，其鏡面不只映照出周圍環境，也揭示了社會中潛藏的不安、夢想與傷痕。在此，落合陽一點出人們在科技時代所承受的痛苦——環境崩壞、社會分裂、身份迷失，都是人類共同面臨的困境。我們該何去何從？他拋出一個極端卻引人省思的觀點：人類該學會退後，讓世界自行刻畫自己的倒影。

未來社會將是如何？界線消弭的「新自然」

面對2025大阪世博的命題——「設計一個充滿生命光輝的未來社會」，null²試圖突破世界博覽會反映國族榮耀、彰顯企業實力、重視集體性的傳統，傳達新時代開篇的宣言：「個體的聲音，正在重塑我們的社會。」

藉由將藝術、科技與社會願景合而為一，null²建構對未來社會的想像——社會本身成為一種具備自我意識的人工生命（就像null²鏡中的數位分身們那樣），在那裡人類學會與萬物共存，且數位與物理的界線融為一體，造就新的「自然」。為到達彼方，人類或許該退居一旁、而非總是將自己置於中心，用更謙卑的姿態存在於萬物生命交織的世界中。

2025大阪世博「null²」

展期｜2025年4月13日～10月13日