Prada基金會的米蘭新展館於2015年5月9日對公眾開放。與米蘭展館活動同步，基金會的威尼斯展館繼續在十八世紀的威尼斯王后宮（Ca' Corner della Regina）設展，並在同一天舉行新展覽。

米蘭展館建築項目由建築師Rem Koolhaas所帶領的OMA團隊構思設計，全面擴展建築的空間類型學，用於展示藝術作品並與公眾共享。新展館採用組合式建築結構，將現有的七座建築與三個全新結構——平台（Podium）、影院（Cinema）與塔樓（Torre）——結合在一起。新展館由始建於1910年代的一座釀酒廠改造而成。 OMA構想的項目同時存在兩種情況：老建築的保護與新建築的創建，兩種建築相互獨立，又在持續的互動中彼此相對。這座建築群位於米蘭南部的拉哥伊薩爾科（Largo Isarco），總佔地面積1.9萬平方米。

Prada基金會創辦於1993年，致力於舉辦現代藝術展覽以及建築、電影和哲學項目，因此而成為解析當代精神的前哨。新展館的空間具有多元性，有助於開發試驗性啟迪項目，在這裡，不同語言與學科既相互獨立，又和諧共存，不斷地啟迪智慧，促進文化發展。這座建築通過靈活手法探索不同的興趣與研究項目，以「文化是一種有效的知識與學習工具」作為基礎理念。 Prada基金會採用開放結構，其項目是基金會不同部門之間理念碰撞的結果。

展覽「連續的經典」（Serial Classic）與「移動的經典」（Portable Classic），將於今年夏季將基金會的兩座展館完美結合在一起。兩場展覽均由OMA設計展品陳列，致力於解析連續主題，展示經典藝術品的複製品，以及文藝復興時期至新古典主義時期的希臘-羅馬雕像的小型複製品。

展覽「連續的經典」於2015年5月9日至8月24日在米蘭舉辦，在「平台」建築中佔地兩層。 「連續的經典」重點展示古典雕塑，探索羅馬文化中原創與模仿的矛盾關係，以及羅馬文化對複製品傳播行為的提倡——以此作為對希臘藝術的致敬。我們傾向於將「經典」的概念與「唯一性」聯繫起來，但在羅馬共和國晚期以及整個帝國時代，優秀古典藝術作品的複制卻比西方藝術史上的任何其他時代都更為重要。此次展覽將展出70多件藝術品，對已丟失的原創作品及其眾多複製品進行深入分析，以《擲鐵餅者》（Discobolus）和《蹲伏的維納斯》（Crouching Venus）這兩個著名系列為代表。另兩處重要展示空間用於展示經典青銅與大理石作品的材質與色彩。例如，通過兩個近期完成的石膏模型展示《卡塞爾•阿波羅》（Kassel Apollo），再現已丟失的希臘原作的青銅表面以及羅馬大理石複製品的色彩。另一部分展廳展示了製造複製品採用的技術與方法，展示兩個重要階段，即石膏模型的製造以及新大理石塊的比例轉化與測量。展覽還包括兩個著名作品系列，即以希臘伊瑞克提翁神殿為原型創作的《佩涅諾佩》（Penelope）和《卡婭第德》（Caryatides）。

「移動的經典」展覽於2015年5月9日至9月13日在威尼斯舉行。 「移動的經典」展覽探索了經典雕塑縮小複製品的起源與功能，在威尼斯王后宮一樓和二樓展示了80多件藝術品。古代羅馬和現代歐洲都湧現出一系列優秀雕塑作品，被公認為特定主題領域內無可爭議的高峰時期。這些作品聲名遠播，由於幾乎不可能獲得作品真跡，知識淵博的受眾往往對其複製品——包括小型複製品倍加推崇。 《法爾涅斯•赫鳩力士》（Farnese Hercules）就是一個例子，這部高317厘米的石膏模型與一系列小型複製品一起展示，這些複製品分別採用大理石、青銅和陶瓦製造，高度在15至130厘米之間。

部分經典小型代表作與文藝復興時期的複製品一起展示，包括《馬西亞斯》（Marsyas / Ignudo della paura）和《蹲伏的維納斯》。另一處展廳用於展示1500年代以來的重要藝術藏品。展覽還包括洛倫佐•洛托（Lorenzo Lotto）、丁托列托（Tintoretto）與聖貝納迪諾•路西尼奧（Bernardino Licinio）的精選繪畫作品，這些作品描繪了來自畫家私人收藏的經典雕塑與石膏模型。從著名的《貝爾維德軀幹》（Belvedere Torso）到《拉奧孔》（Laocoön），展覽還展示了文藝復興時期的藝術家如何運用小型複製品表現對經典原作遺失部分的無盡猜想。

基金會米蘭展館舉辦了三個不同的展覽項目，將Prada收藏（Collezione Prada）作為研究和調查工具。南方畫廊（Sud gallery）和位於建築最西側的大型倉庫Deposito的一部分用於舉辦名為「介紹」（An Introduction）的展覽，從2015年5月9日至2016年1月10日，展示70多件作品。對於這些擁有卓越的私人和公共地位的作品，展覽表現了大眾對它們的研究與熱愛，探索了促成系列作品和基金會誕生背後的好奇心、衝動與渴望。從新達達主義到極簡主義，展覽以1970年代的藝術界為起點，通過皮諾•帕斯卡里（Pino Pascali）和愛德華•奇諾茲（Edward Kienholz）的作品，展覽表現了人們對世俗批判型藝術的熱愛。此外還展示了15世紀末的書房（studiolo），象徵著知識在歷史長河中的延續。其中的一間畫廊展示了多位藝術家的作品，展現個人觀點與激情如何轉化為作品系列，這些作品的靈感來自現代時期的多元藝術和文化興趣。展覽以一系列「藝術家汽車」結尾，旨在探索現實生活與藝術家的個人和藝術貢獻之間錯綜複雜的聯繫，以及基金會活動所帶來的更廣闊的視野。

展覽「部分」（In Part）在諾德畫廊（Nord gallery）舉行，該畫廊前身是一座工業建築，是原有建築群的一部分。展覽以精選主題作品為重點，探索了盧齊歐•封塔納（Lucio Fontana）和皮諾•帕斯卡利（Pino Pascali）的雕塑作品以及約翰•伯德薩瑞（John Baldessari）、大衛•霍克尼（David Hockney）、弗朗西斯科•維佐裡（Francesco Vezzoli）的作品所表現的「破碎的身體」，利用特寫鏡頭表現威廉•科普利（William Copley）、米開朗基羅（Michelangelo Pistoletto）和多梅尼科•諾爾（Domenico Gnoli）的畫作，利恩•福克斯（Llyn Foulkes）的拼接與損壞作品，伊夫•克萊因（Yves Klein）的局部作品輪廓，以及弗朗西斯•畢卡比亞（Francis Picabia）作品中的重疊人物。 「提喻法」是這些作品的共同點，即利用局部代表缺席的整體。借自國際博物館和私人收藏的查爾斯•阿特拉斯（Charles Atlas）、布魯斯•勞曼（Bruce Nauman）、羅伯特•勞森伯格（Robert Rauschenberg）、曼•雷（Man Ray）和里查德•薩拉（Richard Serra）作品以及部分從未公開展示過的作品，進一步探索了局部與整體之間的關係。

西斯特納（Cisterna）是一座早已存在的建築，由三座相鄰的垂直結構組成，基金會在其中舉辦了「三聯」（Trittico）展覽。 「三聯」展覽由思想理事會籌辦，循環展示來自作品系列的三組作品，共同創造出互相參考、理念近似和突出重點的效果。 「三聯」展覽的第一批精選三部作品均採用極簡幾何主義，將物體和自然元素與立方體形狀結合在一起。

影院部分則舉辦了《羅曼•波蘭斯基：我的靈感之源》（Roman Polanski: My Inspirations）項目。這部紀錄片由羅曼•波蘭斯基為Prada基金會構思，由勞倫特•博澤瑞（Laurent Bouzerau）執導。影片分析了對波蘭斯基影響最大的電影作品，揭示波蘭斯基電影作品背後的靈感源泉。 2015年5月22日至7月25日期間，每週五至週六專門舉辦的電影節活動則將放映這六部影片以及波蘭斯基創作的另外15部影片。

影院前廳展示盧西奧•豐塔納的歷史性作品。 《巴塔利亞》（Battaglia）是一個螢光彩繪陶質雕帶，由藝術家在1948年為米蘭阿萊基諾（Arlecchino）影院創造，由建築師羅伯特•門尼（Roberto Menghi）和馬里奧•瑞契尼（Mario Richini）設計。它象徵著米蘭在當時的藝術與文化重生，這種重生以戰後如火如荼的重建工作為標誌。豐塔納試驗性地採用了陶瓷材質及其閃光效果，通過這部作品探索雕塑作品的第四維，預示了後來的「空間主義」。

影院地下室展示托馬斯•迪曼德（Thomas Demand）的永久裝置作品《怪誕的過程》（Processo grottesco，2006-07），該作品曾於2007年在威尼斯首次亮相。通過《怪誕的過程》，公眾可以探索迪曼德的著名攝影《洞穴》（Grotto）誕生之前的不同階段。這座裝置作品展示了作為圖像資料而收集的視覺素材（名信片、書籍、旅遊手冊、照片與目錄），用於詳細說明最終作品的由來。一座重達36噸的紙板模型由90萬個部分組成，真實再現了馬略卡島（Majorca）上一座德拉科岩洞（Cuevas del Drach）的所有細節。在這部作品中，迪曼德實現了重構形狀與真實視界之間的《短路》，通過相機的中性視角表現對圖像的個人詮釋。

位於建築群中心的「鬼屋」（Haunted House）是一座四層建築，這處偏僻空間展示了羅伯特•戈伯爾（Robert Gober）創作的永久裝置作品以及路易斯•布爾茹瓦（Louise Bourgeois）的兩部作品。樓上則展示了戈伯爾的作品，戈伯爾的藝術致力於探索性別、關係、自然、政治與宗教。

這位美國藝術家在不同房間內將新裝置與已有作品結合在一起，將物體和雕塑與空間干預相結合。戈伯爾的作品追溯了人類與童年以及身體部位的聯繫，與二樓展示的路易斯•布爾茹瓦的《服裝》（Cell，1996）和《單身三》（Single III，1996）相呼應。

2015年5月起，由神經兒科醫生吉安尼塔•奧提利婭•拉提斯（Giannetta Ottilia Latis）為兒童研究院（Accademia dei Bambini）籌備的教育項目將與米蘭新展館的活動同期舉行。活動空間的設計由凡爾塞國立高等建築學院（École Nationale Supérieure d'Architecture de Versailles）的18位學生合作完成，由教授塞德里克•裡伯特和伊萊亞斯•古諾恩（Elias Guenoun ）協調指導。兒童研究院服務於四歲至十歲兒童，是舉行研討會和活動的理想地點，這些活動並不一定與基金會項目存在關聯，致力於促進成人與兒童之間的對話，為兒童提供多種創造與學習體驗。研究院提供了靈活的多功能平台，將六種不同活動場所與空間配置結合在一起，包括：健身房、桌子、工作室、博物館、臥室和劇院。

在米蘭新展館開館之際，由安德里亞•索羅明斯基（Andreas Slominski）創作的現代藝術干預作品《作為自然精神的書籍的誕生》（Die Geburt des Buches aus dem Geiste der Natur）也向公眾展出。在毗鄰兒童研究院的房間內，這位德國藝術家創造出裝置作品，通過多處暗示表現這處空間的未來目的，即成為基金會圖書館。藝術干預作品包括雕塑《天空》（Himmel）與《大地》（Erde），建築工地常見的翻倒的架子和移動衛生間，以及一組16幅繪畫。

由美國電影導演韋斯•安德森（Wes Anderson）設計的光明酒吧（The Bar Luce）位於新展館入口處，營造出典型的米蘭咖啡館氛圍。酒吧的天花板與牆壁裝飾象徵著米蘭地標建築伊曼紐爾二世拱廊（Galleria Vittorio Emanuele）的縮影；福米加家具、椅子和水磨石地面則向五六十年代的意大利電影致敬，特別是米蘭電影：維多利亞•迪斯卡（Vittorio De Sica） 的《米蘭奇蹟》（Miracle in Milan）（1951） 和盧奇諾•維斯康提（Luchino Visconti）的《羅科和他的兄弟們》（Rocco and His Brothers）（1960）。雖然光明酒吧的設計靈感來自電影，但安德森表示他的意圖是「設計出實際生活中的空間而非佈景——但也可能是創作電影劇本的好地方」。

圖片資料提供 / PRADA

國際影展輪番登場，明星紅毯躍然娛樂版面，比重甚至大過藝術本質——精品品牌為服裝造型等「看得見的藝術」所投入的人力物力自不會少。但在版面之外、大眾視線未及之處，誰又真為藝術傾情？

第82屆威尼斯影展自2025年8月27日開幕至本週末閉幕，為期11天的電影高光時刻受四面八方矚目。每年優秀作品於獎壇上一較高下的同時，各品牌也在紅毯上各獻驚豔之作，與影人共同演繹百變風格。然隨時尚與藝術文化之間愈加深化對話，除經常可見紅毯著裝巧妙呼應劇中造型抑或作品概念，也不乏品牌以自身資源與聲量，進一步從修復經典、贊助新銳等多面向對藝術領域進行挹注——香奈兒無疑是這之中重要而堅實的一大力量，陪伴兼具演員身分的大使及好友華麗登場不在話下，至今承襲香奈兒女士百年前開啟的傳統，攜手影人、影業共同扶持第七藝術發展，多年來創造的豐碩成果細數不盡。因此，本文將始於香奈兒與藝術交相輝映的歷史脈絡，接續整理近期實例揭示電影產業裡的多元參與現況。

1920年與電影結下不解之緣

在世界眾多藝術集散地中，現正匯聚全球目光的威尼斯與香奈兒有何特殊淵源？品牌符碼「獅子」不僅是香奈兒女士的星座，更藏威尼斯城徽「聖馬可飛獅」意象。回溯至一切如日方升的1920年，品牌創辦人嘉柏麗香奈兒（Gabrielle Chanel）在藝術家荷西瑪利亞（José Maria）與米西亞賽特（Misia Sert）夫婦的陪同下，首度探索這座總督之城（City of the Doges）。沒想到，此行成為香奈兒女士日後的靈感泉源，且讓威尼斯深植香奈兒歷史，於諸多創作系列中渲染為底蘊般的存在。

過去數十年間，香奈兒參與服裝創作的電影亦於威尼斯影展多次取得佳績。1961年，亞倫雷奈（Alain Resnais）的法國新浪潮鉅作《去年在馬倫巴》獲金獅獎（後得品牌支持於2018年影展上重映修復版本），主演黛芬賽赫意（Delphine Seyrig）穿著香奈兒女士設計的服裝亮相；1963年，二座金獅獎在身的導演路易馬盧（Louis Malle）執導作品《鬼火》奪評審團特別獎及義大利電影評論獎，演員亞莉珊德拉史都華（Alexandra Stewart）和莉娜史克勒（Léna Skerla）劇中造型同樣包括香奈兒服飾。再至近年，品牌大使蒂妲史雲頓（Tilda Swinton）穿著香奈兒高級訂製服受頒第77屆終身成就金獅獎；影壇新秀安娜瑪麗亞沃特魯梅（Anamaria Vartolomei）則穿著香奈兒操刀的洋裝出演電影《正發生》，而該片最終拿下第78屆金獅獎。

時代更迭，熱情歷久彌新

香奈兒女士 ⇀ 老佛爺 ⇀ 維吉妮維婭，讓時尚透過電影觸及所有女性

香奈兒女士生於電影興起的年代，自職涯早期便因緣際會繫起和這門藝術的深刻連結；電影創作所凝聚的動態感、無畏精神與夢想，更與香奈兒品牌的時尚語彙相互契合。1931年，嘉柏麗香奈兒在美國電影製作人山繆高德溫（Samuel Goldwyn）的邀請下遠赴好萊塢為女演員打造戲服和常服——這段經歷後來化為她創作法片《霧港》造型時的養分，儘管當時觀眾仍較青睞好萊塢式華麗風格，其低調設計並未獲顯著成功。

同自此時起，香奈兒女士以跨領域藝術家「贊助者」之姿揚名，最為人所知的莫過於與她擁有摯友情誼的法國詩人尚考克多（Jean Cocteau），以及當時還是新進、經她向知名導演尚雷諾瓦（Jean Renoir）引薦而逐步打開電影生涯的盧契諾維斯康堤（Luchino Visconti）等。

而後，在時任創意總監卡爾拉格斐（Karl Lagerfeld）和維吉妮維婭（Virginie Viard）接續推動下，香奈兒愈發加大對電影的投入力度，始終與合作藝術家保持長期關係、全程支持其職涯發展，同時積極推動和當代影視從業者的穩定交流，對象涵蓋國際巨星到跨文化的新銳演員及導演。亦透過戲服設計、製作支持乃至電影發行層面的協力，確保每項創作計畫皆能獲得充分的自由與獨立性，絲毫不使資源成為干預藝術的手段；對世界影展、指標性典禮、藝術與文化相關機構不遺餘力的支援，必然是難能可貴的一番美談。以下列舉4個推行中或甫完成的項目。

#01 贊助安德烈巴贊獎

法國電影月刊《電影筆記》（Les Cahiers du Cinéma）於2022年設立的「安德烈巴贊獎（André Bazin Prize）」現由香奈兒贊助舉辦。該獎項旨在表彰當年度於法國獻映首部長片的新興電影人，並提供獲獎者20,000歐元獎金；評審團則由雜誌編輯團隊預選一名電影評論家、一名文化界人士，另邀業內導演、演員和技術人員各一名組成。

#02 攜手名導是枝裕和推Tokyo Lights

秉承嘉柏麗香奈兒的先鋒理念與堅定承諾，香奈兒與品牌好友、國際名導是枝裕和聯手推動「香奈兒與電影 – Tokyo Lights」人才培育企劃，致力扶持日本新生代電影導演。

#03 修復馬賽卡內《霧港》

正值2025年各國新片於影展首映之際，香奈兒轉頭修復嘉柏麗香奈兒短暫與好萊塢片廠合作後，參與的首批法國電影——20世紀法片經典、詩意寫實導演馬賽卡內（Marcel Carné）的1938年電影《霧港》；當時年僅17歲的蜜雪兒摩根（Michèle Morgan）委託香奈兒女士為其角色設計服裝，香奈兒女士即提出以貝蕾帽搭配雨衣、勾勒簡約輪廓的大膽構想。

全計畫由香奈兒贊助的映歐嘉納影業（Studiocanal）和法國電影園（la Cinémathèque française）主導，加上法國國家電影中心的協助，使用1938年的原始電影負片及標準硝酸底片進行修復。

#04 支持雙年展電影學院

雙年展電影學院（Biennale College Cinema）2012年由威尼斯雙年展發起，主要著眼於培育義大利本地及世界各地年輕電影創作者，每年皆為10逾位青年導演的創作計畫提供劇本編寫、發行策略、財務規畫及製作時程等專業指導，可謂影壇明日之星的絕佳鋪墊。2024至2025年度遴選的12項計畫中有4部作品已經完成，並將作為威尼斯影展官方節目的一部分展示，贊助大使即為香奈兒品牌好友、導演暨編劇奧黛麗迪萬（Audrey Diwan）。

當年香奈兒女士對散發著巴洛克浪漫風情的威尼斯一見傾心，如今品牌重返創辦人深愛的城市，與雙年展電影學院展開首次合作，憑滿腔熱情繼續傳承知識、滋養創意能量。

嘉柏麗香奈兒與電影世界邂逅一世紀後，香奈兒仍傾力保存過去、發揚現在、展望未來，這份情意遠超越「贊助換取曝光」範疇，悄然為不可兌現、無以計價的藝術產業繪出令人安心的前景。

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」