「羊毛和絲線是我最常使用織料材質，天然纖維有它難以掌控的不穩定性，很有挑戰性，但這也是我覺得最有趣的地方！」接受La Vie越洋專訪的旅英台灣新銳服裝設計師詹朴一聊起他熱愛的織品，儘管受訪時間是倫敦半夜三點，電話那頭的他聽來仍然精神奕奕，「我還滿習慣半夜這時間醒著，因為剛好是台灣紡織廠上班時間，我和紡織廠常常通電話討論新織品研發的細節。」

以第一名成績畢業自輔仁大學織品服裝系的詹朴，選擇進入英國皇家藝術學院的攻讀女裝設計系碩士，在2013年畢業後隨即五度入選倫敦時裝週，作品帶有奇幻及東方風格的他，不僅登上英國最具代表性的設計雜誌《Wallpaper*》、每季作品資料都被《VOGUE UK》建檔收錄，第三季作品更被潮流趨勢網站WGSN選為倫敦時裝周Top15最能代表2014秋冬潮流的獨立設計師品牌。

善用紡織廠優勢 打響國際知名度
隨著詹朴逐漸在國際時尚舞台上闖出名氣，很多人不太知道的是，許多詹朴最出色作品所使用的織料，都是他與台灣紡織產業─共同開發的原創布料！「和歐洲的設計師相比，台灣設計師的優勢在於，要接觸到生產織料的源頭工廠方便很多。這是台灣設計師的環境優勢，我們應該要懂得好好運用。」帶著大學織品系時期累積出的在地經驗，詹朴大膽地踏出第一步─主動拜訪、聯絡紡織廠。

「對紡織廠來說，像我們這種設計師品牌的產量很小，是不合成本的訂單。要經過一段時間的溝通才有合作的可能，通常要配合紡織廠檔期的規劃，他們也是帶著半幫忙的性質來接單。」在台灣，像詹朴這樣的合作案對工廠來還是非常少見。在詹朴每季系列作品中，幾乎就會與十多家台灣紡織廠合作，就單件服裝來說，因為處理環節的分工不同，一件衣服動用到各自專做紗線、織造及後處理的三間以上紡織廠是常有的事。

紮實練就的織料知識
在時尚設計師的領域裡，有從版型開始設計服裝的設計師，也有像詹朴這樣自織品系出身、時常以織品設計為服裝靈感的設計師，「我很常在工作室裡實驗不同的織法，隨著材質和織法的不同，織料的垂性、墜性也會有微妙的變化，當它們被穿著在不同人身上時，隨著身體曲線呈現出獨特人體效果，是非常美的。」詹朴對於織料的感知不僅建立在美感上，也有紮實的知識基礎，「以前大學的老師常常發一堆布料下來，要我們一一辨認出每塊布的名稱、織法。」從這些基本功累積起的紡織知識，對於詹朴在與紡織廠經驗老到的師傅溝通、討論時有著很大的幫助。

目前多數時間仍旅居英國倫敦的詹朴，也觀察到其他歐洲紡織廠的合作模式，「因為歐洲時尚產業原本就發展比較久的關係，歐洲紡織廠比較能夠理解設計師品牌的價值，他們也比較懂得設計師在研發過程中，希望能受到保護的創新技術價值。」而對於台灣來說，這些都是需要時間與更多的合作經驗來累積的。

相互琢磨的夥伴關係

談起如何說服紡織廠接下他這量不多、利潤也不一定高的訂單，詹朴笑說，「絕對不是用什麼我是台灣新銳設計師，希望大家一起來幫忙這種說法。」台灣紡織廠大多都是接量產訂單，運用頻率最高的技術往往不一定是最先進或最有挑戰性的，長此以往下來，紡織廠的技術往往原地踏步無法精進、競爭力也會逐漸衰退。

「紡織廠和設計師合作的好處在於，我們可以互相提醒，在技術上一起琢磨提升。紡織廠可以更適應變化與研發的節奏，被不同思維挑戰過的專業技術人員，就能培養出實戰經驗，不只是照著客戶給的要求做，而是把研發技術的能力累積在自己身上。」對於詹朴來說，這樣相互激盪動腦的合作關係，不只是產業鏈結的完整，更是能讓台灣設計師與傳統紡織廠相互幫襯、一起升級的夥伴關係。

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詹朴認為，設計師在想要與紡織廠進一步溝通之前，自己必須先對織料有一定的認識和知識。討論起來，不僅更有說服力也比較能達到理想的成果。

Text / 方敘潔  攝影 / 謝宇恩 via  ApuJan

【完整內容請見《LaVie》2015年06月號】

從神話、民間傳說、殖民歷史等汲取靈感，菲律賓視覺藝術家李·帕赫（Lee Paje）藉繪畫探討複雜的性別議題，她常在畫中以「水」包裹人體形象，暗示性別的流動性；藉油彩銅板畫若隱若現的金屬光澤、摺頁書開展的扉頁等媒材及形式，象徵歷史的複雜性及迭代，並進一步揭露殖民主義如何鞏固異性戀規範的社會結構。即日起至2月15日，李·帕赫台灣首個展《失落與重現的樂園》於安卓藝術展出。

故事從哪說起？神話中一場摧毀社會的洪水

在《失落與重現的樂園》展覽中，李·帕赫重新探討性別與菲律賓殖民歷史之間的關聯，使歷史與神話交織並存。展覽名稱取自《靈魂之書》（The Soul Book）中記載的前殖民神話：一場洪水摧毀了社會，在故事中，「樂園」象徵豐收與人類與自然之間的和諧連結，並允許生命形態自由轉變。李·帕赫認為，這種轉變本質上蘊含「酷兒性」，並在作品中重新召喚這一概念，雖然洪水使樂園成為失落的場景，但「水」的流動仍回蕩於她的作品中。

畫中的性別流動意象：水流 X 金屬光澤 X 巴貝蘭文化

「水」常是李·帕赫作品視覺與隱喻的核心，並在《丈量、裁切，卻未曾分離》中達到視覺的巔峰；另在雙聯作《風吹開了天堂之門》中，身著教袍的牧師佇立在告解室，目光投向岸邊模糊的人影，且李·帕赫採用銅片作為創作媒材，其光澤與油畫層次也成為探討性別流動性的象徵。

李·帕赫以海潮幻化成的人形，暗示著他們獨特的身份與靈性，彷彿前殖民時期擔任巫師或祭司角色的群體——「巴貝蘭」（babaylan），其意指舊時擔任巫師或祭司角色的群體，這一身份可為順性別女性，也可為穿著並扮演女性的男性，突顯了菲律賓前殖民時期性別流動的特質，同時解釋李·帕赫作品中「水」所包裹的人體形象——水流是對性別流動性的視覺回應；衣飾般的紋理則代表人們社會表演的外衣，反映出信仰傳統、殖民主義及原住民文化如何縱橫交錯梳理與定義性別。

回到17世紀，藉藝術重構酷兒歷史

透過挖掘歷史檔案，李·帕赫藉《相擁》一作重新講述一則鮮為人知的故事：17世紀時，有一位來自台灣的中國官員——樓蘇，因頻繁出入西班牙殖民時期的馬尼拉華人區尋求性關係，最終因「雞姦罪」於1670年被判有罪；而樓蘇之後成功脫罪，部分原因是來自他與鄭經的親屬關係，西班牙當局因外交考量而未追究。

在《相擁》中，兩個人物臥於床上，水的形象流動於他們之間，地上散落的衣物及物件呼應了床頭畫中聖米迦勒大天使刺殺中國魔鬼的意象，據稱這類圖像象徵了西班牙傳教士對菲律賓華人居民的焦慮。儘管此作引用了樓蘇的故事，但它只是藝術家所揭示的酷兒壓迫微敘事之一，這些微敘事也成為重建酷兒歷史的努力。

探討性別表達自由，反思殖民歷史

在本次展覽中，李·帕赫以油彩繪於銅板與紙本裝置之上，書寫出一幅多層次的當代敘事畫卷，重新檢視性別流動性與菲律賓殖民歷史之間的交互關係，並通過歷史與神話的交織，揭示被忽視的文化與性別敘事。

菲律賓藝術研究學者Gianpaolo L. Arago指出，李·帕赫並未將性別與殖民歷史視為單純的變遷，而是揭示殖民主義如何鞏固異性戀規範的社會結構，若僅以「殖民者—原住民」或「異性戀—酷兒」的二元對立來解讀李·帕赫的作品，過於簡化；她透過多層次的語境，汲取前殖民時期的神話和被遺忘的歷史軼事，梳理出細膩且豐富的詮釋。「樂園或許失落，但李·帕赫將之重新尋回：無論是性別表達的自由，還是對後殖民主體的反思。於此，神話成為通往酷兒未來的一道可能之門。」

「失落與重現的樂園」李．帕赫

展期｜2025年1月4日－2月15日

地點｜安卓藝術（台北市內湖區文湖街20號1樓）

以台灣民間日常、在地文化為創作靈感的藝術家李明則，自2025年1月4日起於安卓藝術推出大型個展《走自己路的》（Walk Your Own Path），一次展出包含水墨畫作、複合媒材創作等的20組新作。

2009年至今首個大型個展

李明則出生於高雄，1980年代曾生活於台北，隨後又在1990年代返回故鄉。其創作雜揉生活所見所感、廟宇彩繪的圖法佈局以及章回小說的敘事氛圍，以神話般的手法展現常民文化豐富的層次深度。

1996年，李明則於台北市立美術館推出個展《台灣頭．台灣尾》，同年於台北雙年展《台灣藝術主體性─認同與記憶》展出，1997年前進威尼斯雙年展台灣館《台灣，台灣：面．目．全．非》，2009年於高雄市立美術館舉辦《我愛台灣．更愛南台灣》個展。而本次《走自己路的》是繼高美館大型個展後，李明則又一次結合繪畫、複合媒材與立體創作的大型展覽，同時也是安卓藝術15周年的首場活動。

《走自己路的》展覽同名新作發表

這次展出，觀眾將能見證李明則耗時三年籌備的20組新作，其中六聯屏的同名鉅作《走自己路的》寬達11公尺，融合藝術家一直以來吸納在地風情與紋理的空間表現，也刻劃他喜愛的江湖遊俠和卡通漫畫英雄人物，更融入近年曾熱議的話題如台海危機、黃色小鴨等。作品的構圖與技法延續了水墨畫的敘事傳統與線描法，以橫向的視線引導，傳遞時空交疊、虛實共生的世界，凸顯李明則獨特的創作性格。

以高雄道路命名為靈感的《一心》到《十全》

李明則擅長在有限畫幅內，創造出無盡想像的超時空旅程，《一心》到《十全》系列水墨畫也是如此。該系列以高雄道路命名典故為靈感，集結了各種水墨畫譜的技法，在源自傳統形式的描繪中透過拼貼式的構圖和手法翻轉出水墨的嶄新語彙和生命。雖然墨色單純，李明則仍能運用大量線條，創造出多面向的時空漫遊，一幅幅畫作彷彿任意門般，帶給觀者無盡的想像。

除了畫作，李明則也在本次展覽中發表數件全新的複合媒材創作，結合民俗故事的人物造型，在玻璃纖維材質上以紗布和紙黏貼覆蓋，再用拼接、黏貼的技法輔以焚燒的痕跡，處理出如補丁般的肌理，用獨特而風趣的視角展現舊時代的美好回憶。

李明則個展《走自己路的》

展覽日期｜2025年1月4日至2025年2月27日
開放時間｜週二至週六13:00–18:00
展覽地點｜安卓藝術（台北市內湖區文湖街20號1樓）