Missoni對於顏色和圖樣的自信與主張，幾乎隻手轉變了戰後歐洲針織服飾的形象，其將傳統的家庭手工織品搬上伸展台，轉身變作知名精品。1950年代，多虧義大利針織品牌Avagolf、Avon Celli以及Mirsa在時尚界奠定了堅實的基礎，Missoni才能以此為本發展，利用機器生產色彩炫目的段染（space-dyed）針織衣飾，其受歡迎的程度更於1970年代達到巔峰。為了確保品質，Missoni打破了制式機器針織服飾的框架，推出自1920年代便缺乏的摩登風格針織衣著。現在，Missoni的針織服飾儼然成為義式文化的代名詞，與布加迪超跑（Bugatti）、吉奧龐帝燈飾（Giò Ponti）或是薩瓦托‧菲拉格慕（Salvatore Ferragamo）的流線細高跟鞋齊名。

1940年代末，奧塔維歐‧「泰」•密索尼（Ottavio “Tai” Missoni） 開設了一間工作坊，做出1948年倫敦奧運時義大利代表隊所穿的Venjulia針織運動套裝。他對於奧運非常熱衷，事實上，當年他本人還參加了400公尺跨欄決賽。在倫敦的時候，他遇見了蘿西塔‧耶米尼（Rosita Jelmini）──義大利瓦雷澤（Varese）披肩製造商的女兒，他們在皮卡迪利（Piccadilly）的愛神雕像之下第一次約會，交往5年後，在義大利的戈拉塞卡（Golasecca）結婚，也就是在那關鍵的一年，1953年，全球最具特色的時尚品牌之一誕生了。

10年摸索，醞釀品牌特有定位

Missoni夫婦的第一次聯合設計是以Maglificio Jolly為名，他們在加拉拉特（Gallarate）一間擁擠的地下室裡放了四台針織機。他們並沒有一夜間聲名大噪，羅西塔說道：「我們當時什麼事都親力而為，做的大多是運動服裝，花了至少十年摸索，才定位出自己的風格走向，我們挺幸運的，從針織機器開始，讓我們發現了五○年代的這種素材─針織，其實這是個值得進一步探索的領域。」

1958年，第一款以Missoni作為品牌名稱推出的米蘭交響系列（Milano-Sympathy）誕生，鮮明條紋的襯衫式洋裝，被展示在米蘭文藝復興百貨公司（La Rinascente）的櫥窗裡。但一直到1962年，Missoni夫婦才有後續的突破，也就是鋸齒紋路的發明。蘿西塔說：「我們當時只能做條紋，直條紋、橫條紋，後來逐漸加入比較複雜的針法，像是格紋還有提花，後來發現可以編出鋸齒狀紋路的拉舍爾經編機（Raschel），才奠定了今日的成功。」

細緻工法，變化編織創舉

19世紀發明的拉舍爾經編機是為了滿足當時對蕾絲的需求，經編機的名稱取自知名法國女演員伊莉莎白・拉舍爾•菲利克斯（Élisabeth Rachel Félix），人稱「拉舍爾小姐」。舞台上的她，因可以自然詮釋偉大的經典角色而著名；舞台下的她，則喜歡穿上最精美的發隆西納花邊蕾絲（Valenciennes lace）。拉舍爾經編機有數隻織針，目的是為了節省成本而快速製作出各種針織品，從薄紗到厚重的地毯都包括在內，還能夠用夾入式紗線織出一條一條縱向、像鎖鏈一樣圈圈相連的織品。蘿西塔很熟悉這種技術，因為她家的披肩公司也是用相同的方法來做鏤空披肩，製作方式就是將緯紗用極細小的線纏綑在一起，編出來的效果非常像蕾絲花邊或是手工編織品。Missoni夫婦的另一項創舉，就是改造了他們原有的編織機，創造出經典的針織品，有著前所未有的輕盈羽量、平面圖案和細緻的配色。而Missoni品牌，最元老級的擁護者則是安娜・皮雅姬（Anna  Piaggi）她是，米蘭的時尚作家、潮流偶像，同時也是月刊雜誌Arianna的造型師和編輯，在品牌萌芽之初，安娜並提供了Missoni最需要的行銷宣傳。

1960年代早期，這對設計師夫婦與時裝設計師艾曼妞•坎（Emmanuelle Khanh）合作，並在1966年於米蘭的傑拉莫劇院（Teatro Gerolamo）舉辦第一場時裝秀，這系列設計後來成為他們的招牌作，或是當時時尚媒體描述的「拼湊穿搭」（put-together look）。模特兒在伸展台上展示以輕盈的嫘縈（Rayon）為素材的鋸齒紋針織服，與肌膚貼合、如水般流動的設計，分外適合當時那「性啟蒙」的年代。劇院的總監卡列托・哥隆布（Carletto Colombo）回憶起那場秀時描述道：「迷人的女子拿著彩色畫筆，在『若有似無』的背景上畫下圖像和素描，模特兒在迴旋變動的光暈下，在舞台上重複比出同樣的手勢，彷彿直接在觀眾眼前換裝。」

Missoni最惡名昭彰的一場時裝秀在1967年佛羅倫斯的彼提宮（Pitti Palace）舉行，在這座文藝復興時期建造、富有鄉村感的石砌建築內，羅西塔犯了伸展台的禁忌，她要求模特兒脫掉內衣褲，因為她擔心內衣的線條會影響貼合身型的針織洋裝剪裁。然而她不知道的是，伸展台上的燈光反而讓她的作品變得透明，比聖羅蘭（Yves Saint Laurent）即將推出的「透視裝」早了一年登場。

此事件所造成的轟動引起Vogue雜誌的美國編輯黛安娜・佛里蘭（Diana Vreeland）的關注，她深為Missoni別出心裁的色調設計所懾服，在美國大幅讚賞Missoni夫婦，嘆道：「看！原來不是只有顏色，還可以做出光影色調啊！」之後在1970年，Missoni在紐約的精品百貨公司Bloomingdales開設專賣店。在1973年，紐約時報報導：「（Missoni的）針織服飾成了和LV包以及Gucci鞋子一樣的國際名品。」後來，Missoni夫婦將公司搬到蘇拉米戈（Sumirago），在此建築工廠、工作室以及住家，皆由建築師安利宼・布奇（Enrico   Buzzi）設計，坐落於羅莎峰（Monte Rosa）山麓間，至今公司位址仍在該地。

無所不在的色彩遊戲

Missoni夫婦創造的視覺語言至今辨識度依然高，特色是精心配置的色彩、顏色深淺的組合、布料質地、以及獨特的鋸齒紋路。一件由色彩鍊金術師「泰」所揀選的大地色系針織，絕不僅僅是平凡的棕色，而是在方格紙（graph paper）上精心計算後，譜出抽象的色調組合，若將調配後的色譜大幅掛滿牆面，會創造出獨特的視覺效果。「泰」擅長運用多色經編做出條紋以及鋸齒狀圖紋，將不同色塊並列平鋪，把玩色彩的和諧與不和諧，這樣的視覺呈現與20世紀初的抽象藝術相呼應，尤其是義大利未來主義藝術家賈科莫・巴拉（Giacomo Balla）的作品。直到2013年泰過世以前，這對夫婦都持續收藏著這位大師的作品。Missoni服飾與未來主義畫作中的抽象關聯性在1973年便廣為人知，Missoni的針織大衣就曾被描述為「看起來像是融化的蒙德里安（Mondrian）畫作」。

Missoni的段染紗線是該品牌最創新的技術之一，這種染線可以精湛地呈現出光影交織的效果，是1960年之前從未見過的的針織設計。不同長度的紗線依序放入各種顏色的染缸內，再循環重複。於是，一條6吋（15公分）的紗線上同時存在藍色、朱紅色與猩紅色。一條擁有不同色彩的紗線，便可以織出無限可能的圖樣，包含條紋狀、鑽石狀、鋸齒狀，外觀彷彿經紗妨染（ikat，註二）的織品。Missoni也是電腦輔助設計（CAD）的先鋒，利用棉、麻、絲、羊毛還有嫘縈，製作不受限於季節潮流的成衣系列。

現在，Missoni已成為21世紀的時尚權威，不只是因為其經典的精密針織品，品牌旗下還有超過25支副牌，包括Missoni家居、Missoni男裝、香氛，以及衍伸品牌M Missoni，再加上與Rezidor酒店集團合夥，設立於愛丁堡和科威特的高級精品旅館。羅西塔負責每間旅館的室內設計，內有埃羅‧沙里寧（Eero Saarinen）、馬瑟・旺德斯（Marcel Wanders）以及阿納‧雅各布森（Arne Jacobsen）等當代大師設計的傢俱，全面搭配品牌標誌的鋸齒圖紋、條紋以及花紋。Missoni的女主人在1990年代，便對時尚設計逐漸失去興趣，轉而設立了Missoni家居系列，其女安琪拉（Angela）在1998年全權接管了品牌的時尚部門，而盧卡・密索尼（Luca Missoni），品牌男裝以及運動系列的前任創意總監，目前則負責品牌歷史檔案的管理。

本文選自La   Vie出版書籍《百年時尚》，更多精彩內容請點選→解讀50個奢華品牌的發展歷程、極致工藝與設計核心

台灣指標性選品店onefifteen初衣食午，今（2023）年迎接品牌創立十週年以「繁花似錦」為主題，結合時裝、藝術、自然綠植與美酒佳餚推出眾多十週年限定，將onefifteen初衣食午大安旗艦店打造為時尚人文藝術展示空間，值得一探究竟、細細品味。

由1950年代的兩層樓傳統老洋房改造、結合眾多異材質的現代室內設計風格與蓊鬱植栽花藝，這兒不是巴黎，是台北大安路上onefifteen初衣食午開設首間旗艦店，以一樓女裝/配飾區，以及二樓男裝、香氛與居家生活用品區等全方位的好品味包圍藝術日常。

而onefifteen初衣食午這10年間深耕國際時尚市場，從持續引領時裝界風騷的設計師大師，到近年來話題不斷的新銳品牌當如JW Anderson、Dries Van Noten、kolor、UMA WANG、Cecilie Bahnsen、Marine Serre、Dice Kayek、BODE、Biyan、Maison Mihara Yasuhiro、TAAKK、doublet與Maison Margiela等等都涉略。

其中更包含許多獨家引進、長期合作的友好品牌，共同見證onefifteen初衣食午持續支持台灣藝術家、設計師，並培育華人潛力新銳設計師的時尚願景。

十週年企劃《繁花似錦》

配合此次十週年「繁花似錦」主題，onefifteen初衣食午採用品牌一直以來鍾情的花卉與植栽元素，以品牌生生不息的意象來對外觀進行改造，首先運用大地色系的擬真石頭打造可供陳列的擺設，創造出兼具功能性、美感與品牌意義的櫥窗設計。

另一方面，品牌也同步邀請知名花藝設計師OPM Florist — 想想，攜手量身打造與櫥窗結合的花藝裝置作品，以大眾熟悉的植禮「秸稈」環繞櫥窗整體，配合燈光打造出明亮的立體空間感，四周以乾燥繡球花為主花圍繞，呼應品牌屹立不搖的毅力與耐力，象徵品牌永恆璀璨的正面意象。

「繁花似錦」主題獨家創作牆面設計：剪黏藝術 Ｘ 交趾陶工藝

onefifteen初衣食午特地邀請國立臺灣藝術大學古蹟藝術修護學系藝術家吳芷容，為「繁花似錦」主題獨家創作牆面設計，以其專長的剪黏藝術表現手法以及交趾陶工藝，為牆面設計充滿細節的花叢小路，交趾陶以低溫釉藥與傳統題材為創作手法，是屬於台灣記憶的一項工藝；而剪黏則是以水泥和鐵絲作為胚體，再將色彩斑斕的瓷碗進行剪裁與黏貼，打造立體的視覺工藝。

吳芷容在水泥牆面上運用多層花瓣呈現立體層次花叢，蜥蜴、自然小徑由剪黏手法所製，以及由交趾陶工藝製作穿插其中的蝴蝶。為了更加貼近onefifteen初衣食午十週年主題，藝術家吳芷容特地融合15種花卉於作品當中，每一朵花象徵各自不同的意義以及飽含祝福的花語如象徵事業發達、生意興隆的黃蝴蝶蘭、愛情隨處可見的旱金蓮，更加入有趣的細節，如在許多西方文化中具有幸運意涵的蜥蜴，由剪黏工藝製作的彩色蜥蜴攀爬在立體花海叢中，展現了作品的生命力。

國際頂尖設計師情意相挺推出十週年聯名商品

在品牌十年里程碑之際，邀請眾多合作品牌中的6位國際頂尖設計師推出十週年限量款商品，設計師們破天荒為onefifteen初衣食午設計多款全球獨家限量全新作品，藉由獨樹一格的設計語言，共同構築出彌足珍貴的時尚紀念，向長久以來的合作情誼致意。

如華人設計先鋒Uma Wang以現代女性為靈感發想，創作了仙氣十足的洋裝，不均勻的染色、隨性的寬襬、仿舊的細節，從線條、剪裁與輪廓上打破既定框架，盡顯出個人本質的魅力及品味。

曾榮獲LVMH青年設計師大獎的「喜劇之王」的井野將之向來以翻轉概念、幽默和惡趣味十足的設計為名，此次聯名系列靈感來自101忠狗斑點印花，將doublet logo字樣隱藏在於滿版斑點內之中，胸前以115 DOUBLET電繡圖案呈現，想像力與幽默感始終是生活的必需。

近年來以一雙辨識度超高的溶解鞋引爆風潮，並曾經與多方單位聯名的Maison Mihara Yasuhiro，此次由品牌經典溶解鞋延伸，推出於onefifteen獨家販售的限量專屬簽名款球鞋，運用招牌解構與拼接手法，搭配鞋邊大底不規則溶解設計，為sneaker帶來獨特的魅力和藝術感。

創立於1992年的巴黎高訂品牌 Dice Kayek，擅長汲取電影、藝術與私密記憶為靈感，設計充滿雕塑與建築感的服裝。Dice Kayek此次以十周年主題「繁花似錦」為靈感，探索花卉的綻放與成長意象，並結合印花刺繡拼貼於細緻條紋襯衫上，展現知性氣息且浪漫情懷。

而高端時裝品牌Biyan為印尼當地皇室貴族欽點的時尚品牌，擅長將複雜經典的剪裁技術和傳統手工藝相結合，本次以精美工藝搭配珠飾鑲嵌與流蘇細節，推出設計限量手提包款與同系列領結，呈現品牌的以花朵為元素的標誌性設計與洗鍊高雅的美學風格。

德國家居品牌Anke Drechsel以全新紀念花色推出獨家限量抱枕，以onefifteen十週年主視覺：象徵生命力的黃色和氣質的紫色花卉為延伸，採用頂級絲綢與天鵝絨面料搭配精細刺繡，脫俗雅緻而優雅舒適，打造出獨一無二的居家藝術品。

「美好生活」從重新想像生活的多元性開始

呼應onefifteen初衣食午形塑「美好的生活」的品牌 DNA，本次十週年盛宴期間，更於10月底特地邀請新加坡米其林星級餐廳JAG主廚Jérémy Gillon來台客座，特別研發週末限定早午餐套餐，搭配有香檳界勞斯萊斯之稱的奢華Krug香檳。而品牌期許在未來持續打造全方位美學，以薈萃融合時尚、藝術、人文、美食於一體的生活美學概念品牌為永久目標，首次悉心打造的全新烘焙品牌「初 CHU BAKERY」，讓「美」無縫融入生活中每個角落。

圖片、資料來源｜onefifteen初衣食午

雖然多款單品光速Sold Out，但我們還是能看看Phoebe Philo為同名品牌首季端出了什麼樣的設計。闊別Old Céline六年，孵化個人品牌將近三年，Phoebe Philo的設計仍然奉行極簡，卻多了份激情和對抗傳統的野性，像是知世故而不世故的成熟女子，攀著歲月已長出專屬自己的風韻，恣意遊走在高級時尚與次文化地景之間，在節制裡放縱慾望。

內斂中的狂放

94張形象照在官網排開，工整排版裡流露著不羈氣息，來自斗大、明豔的Phoebe Philo鮮紅品牌字樣，也源自服裝剪裁與廓形。

大膽的開衩與開口設計穿梭其中——設計師從Old Céline就愛用的絲綢緞面料，被做成一件高領、剪裁似斗篷的洋裝，看似禁慾，裙擺卻從落地一路開衩至近逼腰線，是被內斂包裹的狂野。

類似手法也被用在一件剪裁介在褲、裙之間，佈滿抽鬚布料、線條有機而不規則的下著；一款落地寬褲背面甚至帶有開口進佔腰線的拉鍊設計，沈甸的份量感結合自由的露膚調節設計，集強勢與寫意於一體。

立體感與貼身的輪廓對比

「份量感」也是本系列的一大關鍵字，Phoebe Philo在上衣、外套、褲裝當中，都疊加了非常多視覺感豐盈的面料，為服裝創造鮮明的立體感，乍看像是把軟雕塑穿上身。

與份量感同行的，還有Phoebe Philo喜歡以寬、窄單品為造型比例做出強烈對比的手法，寬鬆如棉襖的外套搭配緊身leggings、佈滿蓬鬆毛料的褲款從拿捏著分寸的黑色大衣中迸出，節制與狂放並行，形成饒富趣味的視覺效果。

外套和寬褲，仍然是Phoebe Philo最令人醉心的單品

當然，我們熟悉的Phoebe Philo式Normcore美學也在系列中穿針引線，幾件外著的設計令人夢回Old Céline時期——軍綠色大衣前襟向下隨性垂墜，向上則包覆頸項；長版黑色墊肩大衣，有最基本的直筒版型，也有羊腿袖、傘狀剪裁的有趣變奏。

不過，最令人驚艷的是剪裁略為浮誇的皮革外著——以機車外套的率性為基礎，疊加上更多的鬆份；腰間急遽向內收緊，有點俏皮，也帶點古典歐洲宮廷的服飾意象。

除了大衣，設計長褲（trousers）也是Phoebe Philo的看家本領，就算不是粉絲，也會臣服於她對剪裁的掌握、細節的從容調度。這次最亮眼的是一件厚磅小喇叭褲，其背後融入節制的開衩細節，讓褲子下擺隨行進間隨意擺動；側邊的扣環串連了落地飾片和膝蓋前方的布環，是令人一眼難忘的絕美細節。

遊走於當今與90年代街頭

時尚權威媒體《BoF》的評論家Tim Blanks認為，Phoebe Philo在後Céline時代中的解放，是一則挖掘自身根源的宣言，比如那件拉鍊開到腰線的褲子，讓筆者回想起「20世紀90年代中期，Phoebe和她的一群辣妹在西倫敦閒逛的情景。」或許這也是設計師卸下Old Céline十年時期印象（甚至是包袱）的反叛。

下一季，明年春季見

未來，Phoebe Philo將跳脫現行的時裝週排程，以自己的步調每年發表2大系列，她稱其為「Edits」，而「Edits」之下又分為3個子系列，不會一次完整發布。如果根據這次「A1 Edits」從10月底一路發表至12月的節奏推測，之後的每大「Edits」也會有長達將近兩個月的發布週期，且只會在品牌官網上販售。

放慢步調，其實是Phoebe Philo一直以來做服裝的理想之境，她期待擁有足夠的時間沈澱、生活、與靈感相處後創作，真正創造出雋永臻品。

｜完整系列請見Phoebe Philo官網。

資料參考｜The Cut、BoF