「創新是為了尋找原因、尋找為什麼。」Thomas Heatherwick（ 湯瑪士海澤維克） 說。這位英國鬼才， 從小小一張聖誕卡、至讓他享譽全世界的上海世博英國種子聖殿（UK Pavilion）， 每一件設計皆有清楚提問、清楚目標。從一個小型工作室， 到拿下Google 加州總部的180 人工作團隊， 總是充滿活力的Heatherwick 坦言， 這絕然不在他的想像之中。除了創意之外， 他個性中的積極、開放、對於城市生活的深入關懷， 更是讓他逐步走向世界舞台的原因。

2016年3月初由臺北市立美術館及英國文化協會共同主辦的《新世代英倫創造─ 走進海澤維克工作室》熱烈開展， 展出一系列Heatherwick 各時期代表作及其創作過程，Heatherwick 也隨展再度來台。La Vie 此次抓緊他有限時間取得專訪， 與我們分享他的創作人生， 當然還有備受矚目與BIG 合作的Google Campus 一案的合作過程！

La Vie：Sir Terence Conran（後簡稱Conran）是你設計路上很重要的一位導師及夥伴。據說你們第一次對話就長達3小時，甚至還邀請你到他家住，我想那次對話必定讓他印象深刻。把握每一個機會，對新生代設計師或建築師都很重要，你當時談了些什麼，可否與我們分享？

Thomas Heatherwick（後簡稱Thomas）：當我在英國皇家藝術學院（RCA）唸書時，不僅對於設計建築有興趣，更關注建造結構（build structure）。Conran在家具設計、食物、餐廳空間總是不斷創新，持續參與著英國美食文化的推動。身為Habitat創辦人的他關注創意、創意如何在現實環境中實踐、且關心設計如何讓大眾接近親近（accessblility），他了解大眾想要的是什麼，而這個「大眾親近性」是我一直很感興趣的。

當時我的學校教授說Conran太忙了，沒時間跟我談。但我在Conran為我們上完課後，找到機會在走廊攬下他，問他是否願意與我談五分鐘，他說你之後到我家來談吧！結果那天我們談了很久，我跟他提了幾個點子，其中一項是一座6米高L型的涼亭建築，由樺木層板相互卡榫組成。他說如果你需要空間，可以到鄉下來住我那，在那有很大的空間讓你實驗。當時我根本不相信，還寫了一封信問他，你是認真的嗎？他回說，對，我是認真的。這是這段友誼的開始。他非常大方地的支持我的畢業作品，並協助我成立實驗室。

La Vie：對於每個計畫，你總是不斷地問為什麼？為什麼要這樣做？為何不能有其他作法？「創新」對你而言始終是設計過程中重要的關鍵字，請舉一個重要例子與我們分享。

Thomas： 創新是為了尋找原因、尋找為什麼。（Innovative for reasons, for why）。目前工作室參與了許多與城市相關的議題，其中之一就是Garden Bridge。其實並不是我提出Garden Bridge的想法，而是15年前由女演員Joanna Lumley提出，但我相當認同其社會層面的思考。倫敦的橋樑目前都被汽車、巴士、計程車霸佔了，沒有人會將橋當作一處「場所」（place），沒有人會說我們約在滑鐵盧橋上見面吧！但其實你可以在橋上坐著與你的祖母聊天、橋樑可以是讓人停留的場所、同時是開放給所有人的公園，重新定義城市的橋樑這件事，讓我很興奮。

在過去1970~1980年期間，英國根本沒有變化，彷彿困住了，要到巴黎、巴賽隆納，才會看見未來的城市遺跡。我喜歡的是，當一個城市有獨特改變時，會促使其他城市跟著改變。只要城市不再互相模仿，找到自己的不同之處，城市才能更美麗，而Garden Bridge或許就是這樣的改變。

*註：Garden Bridg因昂貴的成本花費，已於2017年中被正式取消建設項目。

La Vie：新倫敦巴士的設計非常令人喜愛，此案兼顧價格實惠、節省能源，你是如何做到的？

Thomas： 在進行各項設計時，我們會有各種參數，造價也是其中一環。此外節省約40%的能源消耗、容易維持車況等，也是重要條件，因此不僅是造價、更包括營運這台車的成本。我們為了確保公車容易清潔，甚至還去工廠參觀。但我們同時也向舊公車學習，如今公車為了符合各法規標準，往往忽略乘客感受。例如燈光，在公車上因為法規限制，必須運用螢光燈管，但這跟養雞場沒兩樣，你能想像一對情侶在養雞場的燈光下相戶凝視嗎（笑）？車體內要求對比色也是，這些限制，反而造成負面、不舒適的乘客體驗。

我們嘗試在符合法規的前提下，兼顧乘客感受。所以我們向老巴士學習，下層是深色地板，就算下雨充滿腳印泥濘也不顯髒亂；上層則是暖色系，讓乘客感覺溫暖。這是很令人興奮的計畫，因為人們每天其實花了許多時間在交通工具上，也充滿了公共性。

La Vie：在Google加州總部一案中，你們與BIG一起合作，雙方如何發展設計概念？兩個工作室的設計方法是否有所不同？

Thomas： 我們每天花許多時間討論，一起尋找正確答案。我們不把這個案子當作只是自己工作室的案子，而是「一起完成」的案子，我跟Bjarke Ingels工作的方式就像是一家公司。此外，設計方法的不同也是必要的，因為不同，合作才會有趣，討論才會有火花。但我們在討論時，也不會想是誰做的研究，而是從討論中尋找是否有合適材料、元素，讓我們產生好設計。

Thomas Heatherwick

湯瑪斯‧ 海澤維克（Thomas Heatherwick），知名英國設計大師。他在過去20多年完成許多跨界的設計創作，以其創新和原創性著稱。他總能以其創意思路挑戰原設計流程的每個細節，目前承接來自四大洲不同地區的設計項目，總值超過20億英鎊。工作室代表作：2010年上海世界博覽會英國館、2012倫敦奧運會火炬塔，以及新倫敦巴士。

Text／彭永翔

Photo／汪德範、Iwan Baan、Steve Speller

圖片提供／臺北市立美術館、MOT CASA、ARUP

【更多完整專訪內容請見《LaVie》2016年4月號】

「臺南國家美術館籌備處」於2025年3月25日正式掛牌成立，將以臺南市美術館2館為基地，展開臺灣第一座專責近現代美術發展、也是第二座國家級美術館的籌備工作。未來館內常設展將聚焦臺灣美術1895至1960年代作品，全面且系統性建構臺灣藝術發展脈絡；值得一提的是，大量典藏由前輩藝術家家屬無償捐贈，表達對臺南國家美術館最有力的支持。

→南美館「福爾摩沙時代」大展集黃土水《甘露水》、陳澄波未曝光之作等200件作品

為什麼臺灣需要一座國家級近現代美術館？

綜觀國際美術館發展趨勢，成立專題或斷代美術館，是國家美術發展達成熟階段的必然作為，例如羅浮宮收藏19世紀中葉以前廣義的古典藝術、奧塞美術館專責收藏1848年至1914年間的藝術作品、荷蘭國家博物館主要收藏荷蘭黃金時代藝術等。

2018年，臺灣啟動「重建臺灣藝術史」工作，展開對臺灣藝術文化、歷史的自我理解、詮釋工程，至今完成蒐藏前輩藝術家作品867件、檔案史料9萬件、修復作品文物8000件。前輩藝術家後代也大力響應，如順天美術館董事長許照信為完成父親許鴻源「為臺灣人留下一份文化遺產」的心願，將670件館藏全數無償捐給國家；許多前輩藝術家家屬也紛紛表示願意捐出珍藏作品。

目前臺灣僅有一座國家級美術館，即位於臺中的國立臺灣美術館（國美館），其自1988年開館至今累積豐富典藏，不過礙於現有館舍空間有限，臺南國家美術館成立後，將可適度減輕國美館典藏及展覽壓力。歷經各方協調，考量新建館舍曠日費時，為盡快以國家級資源典藏臺灣藝術家作品，最終由臺南市政府主動提出將臺南市美術館2館無償撥用給文化部，作為臺南國家美術館使用。

聚焦臺灣美術1895至1960年代作品

未來臺南國家美術常設展將聚焦臺灣美術1895至1960年代作品，持續研究、蒐藏及展示前輩藝術家作品，並完整、系統性地呈現臺灣藝術史發展脈絡；包含近現代領域的定義及研究、場館發展規劃、典藏制度訂定在內等工作，預計於2027年完成。

掛牌記者會上，陳澄波、郭柏川、郭雪湖、蒲添生、張萬傳、潘春源、潘麗水、潘瀛洲、鄭世璠、陳夏雨、黃歌川、楊英風、陳陽春、蒲浩明等前輩藝術家家屬，已陸續表達捐贈作品意願，並在眾人見證下，共同簽署捐贈典藏意向書，期盼未來由國家保存、研究及常態展示臺灣美術史重要美術資產。

首展集結黃土水《甘露水》、陳澄波未曝光之作等200件作品

隨著臺南國家美術館籌備處正式成立，館方委託臺南市美術館策劃的首檔展覽「福爾摩沙時代—臺灣近現代美術的知識啟蒙」同步揭幕。展覽內容橫跨日治時期到戰後的各種藝術樣式與思潮，討論「地方色彩」、「國族意識」與「現代性」等議題，回顧臺灣美術如何在外來與本土的雙重影響下，逐漸發展出獨具特色的藝術風格，並強調藝術家在各個歷史時期的創作歷程與精神，期盼喚起大眾對本土文化的深刻思考與認同。

「福爾摩沙時代」集結多件國寶級作品，包含陳澄波從未曝光的《南海普陀山》、黃土水《甘露水》、張大千《廬山圖》等，這些藝術作品既是臺灣美術歷史的縮影，也見證藝術家的創新精神與對當時社會的深刻反思。

「不管別人要如何稱呼我們，但我們絕不會低人一等。」

文化部長李遠於掛牌記者會致詞時，特別取玉山社出版《曙光來臨之前》序文說道：「黃土水、陳澄波、陳植棋等人入選帝展時的心情，其實就像是陳傑憲在胸前比出框框的感覺：我們只是還沒有自己的名字，但絕不會低人一等。」2024年李遠陪著黃土水作品《甘露水》回到母校東京藝術大學，同場也展出陳澄波、李梅樹、李石樵、郭柏川、顏水龍、陳植棋等藝術家的自畫像，當他仰望著前輩藝術家們年輕、充滿自信的模樣，彷彿回到一百年前，看見他們彼此扶持、鼓勵並昂首闊步，在臺灣被日本殖民統治的時代，心懷志氣走出自己的路。

臺南市美術館將擴建，保有城市美術館主體性

談及臺南市美術館未來動向，文化部表示，臺南市美術館將持續營運臺南市美術館1館，在臺南國家美術館籌備處正式營運前，也將協助館內策展，未來館舍將擴展至農水署嘉南管理處現有空間，保有臺南專屬的城市美術館主體性。

資料來源｜臺南市立美術館

英國藝術家Oli Epp（奧利．艾普）首次亞洲個展在台灣！《奧利・艾普的小鹹點》（Hors d’œuvres）即日起至2025年5月15日於師大美術館展出，不僅匯集藝術家多件知名作品、2025年新作，更有本次在台期間將故宮展品結合泡麵所完成的創作。此外，師大師生團隊也延伸Oli Epp的繪畫作品，透過動畫與AI生成技術打造沈浸式短篇，為展覽創造不同的觀看與體驗路徑。

社群媒體仿佛一座無疆界的巨型劇場，人們重現現實、或擷取現實摻點虛擬想像，在這座劇場中「扮裝」或「表演」——你是否也參與其中？英國藝術家Oli Epp（奧利．艾普）有感於此，於是將源自現實生活、影視作品、社群媒體等的元素挪用並解構，透過摩登、怪誕、略帶詼諧的繪畫作品，反映社群媒體文化盛行所衍生出的形象塑造、社交關係互動等等現象。

這場表演，我們都參與其中

當代社群媒體重即時性、視覺性，並設有公開、數據化的回饋機制，這讓使用者為了吸引視線、追求按讚及留言等互動，發展出不只是記錄生活、更是在「表演」生活的行為模式——人們在此塑造理想形象、編導自身的故事，在數位空間中進行刻意的展演。《奧利・艾普的小鹹點》透過Oli Epp平滑的電繪風格繪畫，聯想社交媒體的劇場表演，反思虛實生活中複雜的互動關係。

人、物合一的怪奇物種，在平面劇場輪番登台

Oli Epp常使用油彩、壓克力為材料，透過平滑、流暢的噴槍及繪畫方式，塑造色彩鮮明、輪廓清晰的畫面。他將對社群媒體、影視作品、當代生活的觀察融入繪畫，以怪誕奇異的構圖，讓筆下角色呈現戲劇化的非真實形象；然而，他們並非全然虛構——人物身穿的名牌服飾、臉上的時髦妝容、耳邊的AirPod、手上拿的信用卡……各種你我熟悉的消費象徵，都提醒著觀眾這是源於現實生活的觀察，展現現代人對於品牌與個人風格的過度執著，彷彿在提醒：「記得對生活中種種的『過量』行為保持距離。」

亮點作品《夢遊者》：以奇幻氛圍紀錄生活災難

Oli Epp的作品看似無厘頭，實則透過物件指涉特定意義與社會現象，或反映他個人的生活記憶。如作品《夢遊者》的角色穿著粉紅色長裙、身旁有隻小羔羊相伴，腳步輕盈地在斑馬線上跳躍；看似夢幻無害，遠方卻有顆紅色警示燈暗示著潛藏的危險即將到來。這件作品源自Oli Epp幾個月前一場生活災難，當時他在深夜半睡半醒之間，不慎沒將水龍頭關好，導致公寓淹水，於是將這場災難化為《夢遊者》，繪出一場暗藏危機的夢境。

在台完成新作《唐》：拼接故宮文物與泡麵，慢與快的矛盾對照

值得一提的是，《奧利・艾普的小鹹點》為Oli Epp首次亞洲個展，也是師大美術館規劃的學生交流展，主要代理藝廊Semiose及藝術家慎重看待這次與台灣觀眾與學生見面的機會。Oli Epp這次為個展來台停留一個月左右，充實異地體驗也期待開啟新的創作靈感，展覽中的《唐》（Tang）正是他在台期間完成的作品，其靈感來自藝術家參觀故宮時所見到的唐代三彩馬，陶馬的傳統工藝表現令他印象深刻，於是他靈機一動將三彩馬與泡麵結合，讓慢工煉成、流傳數百年的工藝品與速食、規模化產品組合，創造一種矛盾又詼諧的視覺印象。

師大學生響應數位沉浸短篇

展覽開幕當天，臺師大圖文傳播學系碩士班師生團隊自Oli Epp作品《阿爾戈斯》（Angos）延伸發展，透過動畫與AI生成技術，打造一充滿懸疑氛圍的沉浸式短篇。《阿爾戈斯》繪出一隻頂著9顆眼睛的黑貓，牠巨大的眼睛總凝視著前方，作品靈感源自希臘神話中的百眼巨人，傳說中他永不必眼，因此沒有秘密能逃脫他的視線。未來，師大美術館也將持續扶持新銳藝術家，並將學生團隊創作列入未來展覽主題之一，持續開拓大學美術館的展演深度及交流廣度。

《奧利・艾普的小鹹點》

展覽時間｜2025.03.16－05.15

展覽地點｜師大美術館3樓（台北市大安區和平東路一段129號）

開放時間｜週二至週五 09:30－17:30，週六日 10:00－17:30，週一及國定假日休館