創立於2007 年的21_21 DESIGN SIGHT，在短短不到十年間，以其取材於生活及社會的設計觀察力，迅速躍升為日本、甚至是全球設計界矚目的焦點！沒有館藏、著重創新策展力、以向國際發聲的日本設計觀點為核心，21_21 DESIGN SIGHT 代表的不僅是日本設計界邁向設計博物館的企圖心，更是一種21 世紀「以設計博覽世界」的嶄新思維！

關於21_21 DESIGN SIGHT（後稱21_21）的誕生，其實要從1988 年談起，當時三宅一生與安藤忠雄在雕刻家野口勇於紐約的個展時，三人首度討論到日本需要一間設計博物館的想法。而在2002年，因著平面設計大師田中一光的驟逝，三宅於2003 年在朝日新聞報上發表了社論〈來做吧! 設計博物館〉（造ろうデザインミュージアム）闡述設立日本設計博物館的必要性。不僅引起廣泛討論及重視，也獲得了三井不動產的認同，於是搭配東京中城都市計畫，催生了21_21 的設立。

整體營運由財團法人三宅一生設計文化財團（三宅一生デザイン文化財團 ) 統籌，三宅一生、深澤直人、佐藤卓出任總監，加上記者出身的副總監川上典李子四人共同規劃策展方向。建築設計由安藤忠雄操刀，呼應三宅一生以「一塊布」完成一套服裝的概念，同時也象徵著無論任何年紀或人種，都能被一塊布包覆，而在21_21 獲得全新眼光的意涵。

生活與社會中無處不是設計，是21_21的發想基礎，除了設計大師的展覽之外，《水》、《巧克力》、《米》、《雜貨》、《土木》等許多取材自生活周遭的展覽都叫好叫座，廣義的解釋並探究設計的各種可能。採用互動式展示、舉辦座談會和工作坊（workshop），讓男女老幼都能體會設計帶來的愉悅。2007年開館以來，參訪人數已經累計超過140 萬人次！

甫於台北松山文創園區結束的《單位展》，以設計的角度切入生活觀察，讓習以為常的細節和不曾注意到的規則瞬間充滿趣味，這正是21_21 獨一無二的特色與魅力。這次La Vie 也特別專訪到21_21 DESIGN SIGHT 副總監川上典李子，深入分享那些造就21_21 獨特之處的思維與幕後運作過程！

Q&A / 專訪 

21_21 DESIGN SIGHT 副總監 川上典李子

Ｑ１．請和大家介紹一下 21_21 DESIGN SIGHT 吧！

設計，是和我們的生活不可切割，與所有社會上發生的一切息息相關的活動。21_21 DESIGN SIGHT（ 以下簡稱21_21）一直以這樣的信念企劃各種展覽活動。我們的目標是──成為一個能激發人們思考設計扮演的角色及可能性，進而探討設計和生活及未來社會之間關係的場所。

Ｑ２．21_21 與其他設計博物館相比，有哪些基本的共同點？又有哪些獨特之處？

我們一直以來的企劃模式，是以像是「水」、「單位」、「雜貨」、「土木」等這類與生活息息相關的領域為題材，從設計的角度重新檢視日常生活，透過展覽的形式呈現出來。雖然研究內容最後是統合在一個展覽裡，但這些展覽絕不只是一個完結的終點。做為一個讓人們持續腦力激盪的場域，我們藉由座談會、工作坊（workshop）等各種活動，邀請更多的人一起探討由展覽衍生出的相關題材和課題。
 

記得在籌備階段時，曾和三宅先生、佐藤先生、深澤先生談到：「希望企劃一個讓觀眾們在離開21_21 後，能對周遭事物的看法煥然一新的展覽」。看完《水》展後對水產生了興趣，或是感覺到水龍頭流出的水滴看起來好像有點不一樣⋯⋯這種程度的改變。
 

我想21_21 最大的特色，是三位總監和我擁有的共識：從廣義的面向來解釋「設計」。近年來有這樣認知的設計博物館漸漸增加，而21_21 從2007 年開館以來就一直是如此。

Ｑ３．21_21 的策展主軸是什麼呢？

著眼於設計與社會的關係，廣泛採用各種題材。從設計的觀點重新檢視日常生活、社會上發生的事件及機制並傳達給大眾，不僅止於設計相關人士，規劃的內容要讓各行各業的觀眾都能有所「感受」，並讓日本向世界發聲。設計是讓我們獲得驚喜及建構生活的要件，設計是各種不同領域間的橋梁（異文化間的連結）。

Ｑ４．請和我們分享３個最能代表 21_21 的展覽！

每個展覽都有它的獨特性，實在很難篩選出「代表性的展覽」，所以先以「別具特色的展覽」來和大家分享。

《 Design Ah! 》，創下了20 萬參觀人次的最高紀錄，展覽期間入口大廳被大量的嬰兒車占據，非常壯觀！我想是因為親子、或各年齡層的人都可以樂在其中，同時接觸到設計重要本質的關係。即使是以小朋友為主要對象的「設計教育」展，「大人們同樣是卯足全力準備規劃，呈現到小朋友們面前」的態度，是本展總監策展人佐藤卓和21_21 所秉持的核心精神。在企劃會議的時候，我們希望這個展覽是可以讓小朋友們沒有拘束地去做一些平常在美術館裡被限制的舉動，像是發出聲音、進行互動、或是跑跑跳跳等。很高興我們如願達成了這個期望。

建築師法蘭克．蓋瑞（Frank Owen Gehry）展《 I Have an Idea 》創下了日本國內建築展中少見的7 萬人次的來場人數。除了介紹蓋瑞身為建築師的精彩案例和個人特質之外，展覽構成上著重於如何讓建築業界人士之外的觀者也能感到興趣。介紹建築師的工作內容的同時，在展示上也提到了我們該如何發揮日常生活中蘊生出的創造性。也有小學生來進行校外教學，是很令人欣喜的迴響。

九月底剛結束的《土木展》也是一個「很21_21」的展覽。土木（業）平常不太會被注意到，但卻是支撐社會發展的重要基礎。在以各種角度介紹土木（業）的同時，也提及了構築社會根基的土木業相關人員的存在。不要忘記「人」存在的本質及創造具備的強大力量，也是 21_21 開館至今一直秉持的信念。

Text / 高綺韓

訪問 / 方敘潔

Photo / 21_21 DESIGN SIGHT

#本文內容出自《 Lavie 》雜誌10月號

「臺南國家美術館籌備處」於2025年3月25日正式掛牌成立，將以臺南市美術館2館為基地，展開臺灣第一座專責近現代美術發展、也是第二座國家級美術館的籌備工作。未來館內常設展將聚焦臺灣美術1895至1960年代作品，全面且系統性建構臺灣藝術發展脈絡；值得一提的是，大量典藏由前輩藝術家家屬無償捐贈，表達對臺南國家美術館最有力的支持。

→南美館「福爾摩沙時代」大展集黃土水《甘露水》、陳澄波未曝光之作等200件作品

為什麼臺灣需要一座國家級近現代美術館？

綜觀國際美術館發展趨勢，成立專題或斷代美術館，是國家美術發展達成熟階段的必然作為，例如羅浮宮收藏19世紀中葉以前廣義的古典藝術、奧塞美術館專責收藏1848年至1914年間的藝術作品、荷蘭國家博物館主要收藏荷蘭黃金時代藝術等。

2018年，臺灣啟動「重建臺灣藝術史」工作，展開對臺灣藝術文化、歷史的自我理解、詮釋工程，至今完成蒐藏前輩藝術家作品867件、檔案史料9萬件、修復作品文物8000件。前輩藝術家後代也大力響應，如順天美術館董事長許照信為完成父親許鴻源「為臺灣人留下一份文化遺產」的心願，將670件館藏全數無償捐給國家；許多前輩藝術家家屬也紛紛表示願意捐出珍藏作品。

目前臺灣僅有一座國家級美術館，即位於臺中的國立臺灣美術館（國美館），其自1988年開館至今累積豐富典藏，不過礙於現有館舍空間有限，臺南國家美術館成立後，將可適度減輕國美館典藏及展覽壓力。歷經各方協調，考量新建館舍曠日費時，為盡快以國家級資源典藏臺灣藝術家作品，最終由臺南市政府主動提出將臺南市美術館2館無償撥用給文化部，作為臺南國家美術館使用。

聚焦臺灣美術1895至1960年代作品

未來臺南國家美術常設展將聚焦臺灣美術1895至1960年代作品，持續研究、蒐藏及展示前輩藝術家作品，並完整、系統性地呈現臺灣藝術史發展脈絡；包含近現代領域的定義及研究、場館發展規劃、典藏制度訂定在內等工作，預計於2027年完成。

掛牌記者會上，陳澄波、郭柏川、郭雪湖、蒲添生、張萬傳、潘春源、潘麗水、潘瀛洲、鄭世璠、陳夏雨、黃歌川、楊英風、陳陽春、蒲浩明等前輩藝術家家屬，已陸續表達捐贈作品意願，並在眾人見證下，共同簽署捐贈典藏意向書，期盼未來由國家保存、研究及常態展示臺灣美術史重要美術資產。

首展集結黃土水《甘露水》、陳澄波未曝光之作等200件作品

隨著臺南國家美術館籌備處正式成立，館方委託臺南市美術館策劃的首檔展覽「福爾摩沙時代—臺灣近現代美術的知識啟蒙」同步揭幕。展覽內容橫跨日治時期到戰後的各種藝術樣式與思潮，討論「地方色彩」、「國族意識」與「現代性」等議題，回顧臺灣美術如何在外來與本土的雙重影響下，逐漸發展出獨具特色的藝術風格，並強調藝術家在各個歷史時期的創作歷程與精神，期盼喚起大眾對本土文化的深刻思考與認同。

「福爾摩沙時代」集結多件國寶級作品，包含陳澄波從未曝光的《南海普陀山》、黃土水《甘露水》、張大千《廬山圖》等，這些藝術作品既是臺灣美術歷史的縮影，也見證藝術家的創新精神與對當時社會的深刻反思。

「不管別人要如何稱呼我們，但我們絕不會低人一等。」

文化部長李遠於掛牌記者會致詞時，特別取玉山社出版《曙光來臨之前》序文說道：「黃土水、陳澄波、陳植棋等人入選帝展時的心情，其實就像是陳傑憲在胸前比出框框的感覺：我們只是還沒有自己的名字，但絕不會低人一等。」2024年李遠陪著黃土水作品《甘露水》回到母校東京藝術大學，同場也展出陳澄波、李梅樹、李石樵、郭柏川、顏水龍、陳植棋等藝術家的自畫像，當他仰望著前輩藝術家們年輕、充滿自信的模樣，彷彿回到一百年前，看見他們彼此扶持、鼓勵並昂首闊步，在臺灣被日本殖民統治的時代，心懷志氣走出自己的路。

臺南市美術館將擴建，保有城市美術館主體性

談及臺南市美術館未來動向，文化部表示，臺南市美術館將持續營運臺南市美術館1館，在臺南國家美術館籌備處正式營運前，也將協助館內策展，未來館舍將擴展至農水署嘉南管理處現有空間，保有臺南專屬的城市美術館主體性。

資料來源｜臺南市立美術館

英國藝術家Oli Epp（奧利．艾普）首次亞洲個展在台灣！《奧利・艾普的小鹹點》（Hors d’œuvres）即日起至2025年5月15日於師大美術館展出，不僅匯集藝術家多件知名作品、2025年新作，更有本次在台期間將故宮展品結合泡麵所完成的創作。此外，師大師生團隊也延伸Oli Epp的繪畫作品，透過動畫與AI生成技術打造沈浸式短篇，為展覽創造不同的觀看與體驗路徑。

社群媒體仿佛一座無疆界的巨型劇場，人們重現現實、或擷取現實摻點虛擬想像，在這座劇場中「扮裝」或「表演」——你是否也參與其中？英國藝術家Oli Epp（奧利．艾普）有感於此，於是將源自現實生活、影視作品、社群媒體等的元素挪用並解構，透過摩登、怪誕、略帶詼諧的繪畫作品，反映社群媒體文化盛行所衍生出的形象塑造、社交關係互動等等現象。

這場表演，我們都參與其中

當代社群媒體重即時性、視覺性，並設有公開、數據化的回饋機制，這讓使用者為了吸引視線、追求按讚及留言等互動，發展出不只是記錄生活、更是在「表演」生活的行為模式——人們在此塑造理想形象、編導自身的故事，在數位空間中進行刻意的展演。《奧利・艾普的小鹹點》透過Oli Epp平滑的電繪風格繪畫，聯想社交媒體的劇場表演，反思虛實生活中複雜的互動關係。

人、物合一的怪奇物種，在平面劇場輪番登台

Oli Epp常使用油彩、壓克力為材料，透過平滑、流暢的噴槍及繪畫方式，塑造色彩鮮明、輪廓清晰的畫面。他將對社群媒體、影視作品、當代生活的觀察融入繪畫，以怪誕奇異的構圖，讓筆下角色呈現戲劇化的非真實形象；然而，他們並非全然虛構——人物身穿的名牌服飾、臉上的時髦妝容、耳邊的AirPod、手上拿的信用卡……各種你我熟悉的消費象徵，都提醒著觀眾這是源於現實生活的觀察，展現現代人對於品牌與個人風格的過度執著，彷彿在提醒：「記得對生活中種種的『過量』行為保持距離。」

亮點作品《夢遊者》：以奇幻氛圍紀錄生活災難

Oli Epp的作品看似無厘頭，實則透過物件指涉特定意義與社會現象，或反映他個人的生活記憶。如作品《夢遊者》的角色穿著粉紅色長裙、身旁有隻小羔羊相伴，腳步輕盈地在斑馬線上跳躍；看似夢幻無害，遠方卻有顆紅色警示燈暗示著潛藏的危險即將到來。這件作品源自Oli Epp幾個月前一場生活災難，當時他在深夜半睡半醒之間，不慎沒將水龍頭關好，導致公寓淹水，於是將這場災難化為《夢遊者》，繪出一場暗藏危機的夢境。

在台完成新作《唐》：拼接故宮文物與泡麵，慢與快的矛盾對照

值得一提的是，《奧利・艾普的小鹹點》為Oli Epp首次亞洲個展，也是師大美術館規劃的學生交流展，主要代理藝廊Semiose及藝術家慎重看待這次與台灣觀眾與學生見面的機會。Oli Epp這次為個展來台停留一個月左右，充實異地體驗也期待開啟新的創作靈感，展覽中的《唐》（Tang）正是他在台期間完成的作品，其靈感來自藝術家參觀故宮時所見到的唐代三彩馬，陶馬的傳統工藝表現令他印象深刻，於是他靈機一動將三彩馬與泡麵結合，讓慢工煉成、流傳數百年的工藝品與速食、規模化產品組合，創造一種矛盾又詼諧的視覺印象。

師大學生響應數位沉浸短篇

展覽開幕當天，臺師大圖文傳播學系碩士班師生團隊自Oli Epp作品《阿爾戈斯》（Angos）延伸發展，透過動畫與AI生成技術，打造一充滿懸疑氛圍的沉浸式短篇。《阿爾戈斯》繪出一隻頂著9顆眼睛的黑貓，牠巨大的眼睛總凝視著前方，作品靈感源自希臘神話中的百眼巨人，傳說中他永不必眼，因此沒有秘密能逃脫他的視線。未來，師大美術館也將持續扶持新銳藝術家，並將學生團隊創作列入未來展覽主題之一，持續開拓大學美術館的展演深度及交流廣度。

《奧利・艾普的小鹹點》

展覽時間｜2025.03.16－05.15

展覽地點｜師大美術館3樓（台北市大安區和平東路一段129號）

開放時間｜週二至週五 09:30－17:30，週六日 10:00－17:30，週一及國定假日休館