創立於2007 年的21_21 DESIGN SIGHT，在短短不到十年間，以其取材於生活及社會的設計觀察力，迅速躍升為日本、甚至是全球設計界矚目的焦點！沒有館藏、著重創新策展力、以向國際發聲的日本設計觀點為核心，21_21 DESIGN SIGHT 代表的不僅是日本設計界邁向設計博物館的企圖心，更是一種21 世紀「以設計博覽世界」的嶄新思維！

關於21_21 DESIGN SIGHT（後稱21_21）的誕生，其實要從1988 年談起，當時三宅一生與安藤忠雄在雕刻家野口勇於紐約的個展時，三人首度討論到日本需要一間設計博物館的想法。而在2002年，因著平面設計大師田中一光的驟逝，三宅於2003 年在朝日新聞報上發表了社論〈來做吧! 設計博物館〉（造ろうデザインミュージアム）闡述設立日本設計博物館的必要性。不僅引起廣泛討論及重視，也獲得了三井不動產的認同，於是搭配東京中城都市計畫，催生了21_21 的設立。

整體營運由財團法人三宅一生設計文化財團（三宅一生デザイン文化財團 ) 統籌，三宅一生、深澤直人、佐藤卓出任總監，加上記者出身的副總監川上典李子四人共同規劃策展方向。建築設計由安藤忠雄操刀，呼應三宅一生以「一塊布」完成一套服裝的概念，同時也象徵著無論任何年紀或人種，都能被一塊布包覆，而在21_21 獲得全新眼光的意涵。

生活與社會中無處不是設計，是21_21的發想基礎，除了設計大師的展覽之外，《水》、《巧克力》、《米》、《雜貨》、《土木》等許多取材自生活周遭的展覽都叫好叫座，廣義的解釋並探究設計的各種可能。採用互動式展示、舉辦座談會和工作坊（workshop），讓男女老幼都能體會設計帶來的愉悅。2007年開館以來，參訪人數已經累計超過140 萬人次！

甫於台北松山文創園區結束的《單位展》，以設計的角度切入生活觀察，讓習以為常的細節和不曾注意到的規則瞬間充滿趣味，這正是21_21 獨一無二的特色與魅力。這次La Vie 也特別專訪到21_21 DESIGN SIGHT 副總監川上典李子，深入分享那些造就21_21 獨特之處的思維與幕後運作過程！

Q&A / 專訪 

21_21 DESIGN SIGHT 副總監 川上典李子

Ｑ１．請和大家介紹一下 21_21 DESIGN SIGHT 吧！

設計，是和我們的生活不可切割，與所有社會上發生的一切息息相關的活動。21_21 DESIGN SIGHT（ 以下簡稱21_21）一直以這樣的信念企劃各種展覽活動。我們的目標是──成為一個能激發人們思考設計扮演的角色及可能性，進而探討設計和生活及未來社會之間關係的場所。

Ｑ２．21_21 與其他設計博物館相比，有哪些基本的共同點？又有哪些獨特之處？

我們一直以來的企劃模式，是以像是「水」、「單位」、「雜貨」、「土木」等這類與生活息息相關的領域為題材，從設計的角度重新檢視日常生活，透過展覽的形式呈現出來。雖然研究內容最後是統合在一個展覽裡，但這些展覽絕不只是一個完結的終點。做為一個讓人們持續腦力激盪的場域，我們藉由座談會、工作坊（workshop）等各種活動，邀請更多的人一起探討由展覽衍生出的相關題材和課題。
 

記得在籌備階段時，曾和三宅先生、佐藤先生、深澤先生談到：「希望企劃一個讓觀眾們在離開21_21 後，能對周遭事物的看法煥然一新的展覽」。看完《水》展後對水產生了興趣，或是感覺到水龍頭流出的水滴看起來好像有點不一樣⋯⋯這種程度的改變。
 

我想21_21 最大的特色，是三位總監和我擁有的共識：從廣義的面向來解釋「設計」。近年來有這樣認知的設計博物館漸漸增加，而21_21 從2007 年開館以來就一直是如此。

Ｑ３．21_21 的策展主軸是什麼呢？

著眼於設計與社會的關係，廣泛採用各種題材。從設計的觀點重新檢視日常生活、社會上發生的事件及機制並傳達給大眾，不僅止於設計相關人士，規劃的內容要讓各行各業的觀眾都能有所「感受」，並讓日本向世界發聲。設計是讓我們獲得驚喜及建構生活的要件，設計是各種不同領域間的橋梁（異文化間的連結）。

Ｑ４．請和我們分享３個最能代表 21_21 的展覽！

每個展覽都有它的獨特性，實在很難篩選出「代表性的展覽」，所以先以「別具特色的展覽」來和大家分享。

《 Design Ah! 》，創下了20 萬參觀人次的最高紀錄，展覽期間入口大廳被大量的嬰兒車占據，非常壯觀！我想是因為親子、或各年齡層的人都可以樂在其中，同時接觸到設計重要本質的關係。即使是以小朋友為主要對象的「設計教育」展，「大人們同樣是卯足全力準備規劃，呈現到小朋友們面前」的態度，是本展總監策展人佐藤卓和21_21 所秉持的核心精神。在企劃會議的時候，我們希望這個展覽是可以讓小朋友們沒有拘束地去做一些平常在美術館裡被限制的舉動，像是發出聲音、進行互動、或是跑跑跳跳等。很高興我們如願達成了這個期望。

建築師法蘭克．蓋瑞（Frank Owen Gehry）展《 I Have an Idea 》創下了日本國內建築展中少見的7 萬人次的來場人數。除了介紹蓋瑞身為建築師的精彩案例和個人特質之外，展覽構成上著重於如何讓建築業界人士之外的觀者也能感到興趣。介紹建築師的工作內容的同時，在展示上也提到了我們該如何發揮日常生活中蘊生出的創造性。也有小學生來進行校外教學，是很令人欣喜的迴響。

九月底剛結束的《土木展》也是一個「很21_21」的展覽。土木（業）平常不太會被注意到，但卻是支撐社會發展的重要基礎。在以各種角度介紹土木（業）的同時，也提及了構築社會根基的土木業相關人員的存在。不要忘記「人」存在的本質及創造具備的強大力量，也是 21_21 開館至今一直秉持的信念。

Text / 高綺韓

訪問 / 方敘潔

Photo / 21_21 DESIGN SIGHT

#本文內容出自《 Lavie 》雜誌10月號

從神話、民間傳說、殖民歷史等汲取靈感，菲律賓視覺藝術家李·帕赫（Lee Paje）藉繪畫探討複雜的性別議題，她常在畫中以「水」包裹人體形象，暗示性別的流動性；藉油彩銅板畫若隱若現的金屬光澤、摺頁書開展的扉頁等媒材及形式，象徵歷史的複雜性及迭代，並進一步揭露殖民主義如何鞏固異性戀規範的社會結構。即日起至2月15日，李·帕赫台灣首個展《失落與重現的樂園》於安卓藝術展出。

故事從哪說起？神話中一場摧毀社會的洪水

在《失落與重現的樂園》展覽中，李·帕赫重新探討性別與菲律賓殖民歷史之間的關聯，使歷史與神話交織並存。展覽名稱取自《靈魂之書》（The Soul Book）中記載的前殖民神話：一場洪水摧毀了社會，在故事中，「樂園」象徵豐收與人類與自然之間的和諧連結，並允許生命形態自由轉變。李·帕赫認為，這種轉變本質上蘊含「酷兒性」，並在作品中重新召喚這一概念，雖然洪水使樂園成為失落的場景，但「水」的流動仍回蕩於她的作品中。

畫中的性別流動意象：水流 X 金屬光澤 X 巴貝蘭文化

「水」常是李·帕赫作品視覺與隱喻的核心，並在《丈量、裁切，卻未曾分離》中達到視覺的巔峰；另在雙聯作《風吹開了天堂之門》中，身著教袍的牧師佇立在告解室，目光投向岸邊模糊的人影，且李·帕赫採用銅片作為創作媒材，其光澤與油畫層次也成為探討性別流動性的象徵。

李·帕赫以海潮幻化成的人形，暗示著他們獨特的身份與靈性，彷彿前殖民時期擔任巫師或祭司角色的群體——「巴貝蘭」（babaylan），其意指舊時擔任巫師或祭司角色的群體，這一身份可為順性別女性，也可為穿著並扮演女性的男性，突顯了菲律賓前殖民時期性別流動的特質，同時解釋李·帕赫作品中「水」所包裹的人體形象——水流是對性別流動性的視覺回應；衣飾般的紋理則代表人們社會表演的外衣，反映出信仰傳統、殖民主義及原住民文化如何縱橫交錯梳理與定義性別。

回到17世紀，藉藝術重構酷兒歷史

透過挖掘歷史檔案，李·帕赫藉《相擁》一作重新講述一則鮮為人知的故事：17世紀時，有一位來自台灣的中國官員——樓蘇，因頻繁出入西班牙殖民時期的馬尼拉華人區尋求性關係，最終因「雞姦罪」於1670年被判有罪；而樓蘇之後成功脫罪，部分原因是來自他與鄭經的親屬關係，西班牙當局因外交考量而未追究。

在《相擁》中，兩個人物臥於床上，水的形象流動於他們之間，地上散落的衣物及物件呼應了床頭畫中聖米迦勒大天使刺殺中國魔鬼的意象，據稱這類圖像象徵了西班牙傳教士對菲律賓華人居民的焦慮。儘管此作引用了樓蘇的故事，但它只是藝術家所揭示的酷兒壓迫微敘事之一，這些微敘事也成為重建酷兒歷史的努力。

探討性別表達自由，反思殖民歷史

在本次展覽中，李·帕赫以油彩繪於銅板與紙本裝置之上，書寫出一幅多層次的當代敘事畫卷，重新檢視性別流動性與菲律賓殖民歷史之間的交互關係，並通過歷史與神話的交織，揭示被忽視的文化與性別敘事。

菲律賓藝術研究學者Gianpaolo L. Arago指出，李·帕赫並未將性別與殖民歷史視為單純的變遷，而是揭示殖民主義如何鞏固異性戀規範的社會結構，若僅以「殖民者—原住民」或「異性戀—酷兒」的二元對立來解讀李·帕赫的作品，過於簡化；她透過多層次的語境，汲取前殖民時期的神話和被遺忘的歷史軼事，梳理出細膩且豐富的詮釋。「樂園或許失落，但李·帕赫將之重新尋回：無論是性別表達的自由，還是對後殖民主體的反思。於此，神話成為通往酷兒未來的一道可能之門。」

「失落與重現的樂園」李．帕赫

展期｜2025年1月4日－2月15日

地點｜安卓藝術（台北市內湖區文湖街20號1樓）

以台灣民間日常、在地文化為創作靈感的藝術家李明則，自2025年1月4日起於安卓藝術推出大型個展《走自己路的》（Walk Your Own Path），一次展出包含水墨畫作、複合媒材創作等的20組新作。

2009年至今首個大型個展

李明則出生於高雄，1980年代曾生活於台北，隨後又在1990年代返回故鄉。其創作雜揉生活所見所感、廟宇彩繪的圖法佈局以及章回小說的敘事氛圍，以神話般的手法展現常民文化豐富的層次深度。

1996年，李明則於台北市立美術館推出個展《台灣頭．台灣尾》，同年於台北雙年展《台灣藝術主體性─認同與記憶》展出，1997年前進威尼斯雙年展台灣館《台灣，台灣：面．目．全．非》，2009年於高雄市立美術館舉辦《我愛台灣．更愛南台灣》個展。而本次《走自己路的》是繼高美館大型個展後，李明則又一次結合繪畫、複合媒材與立體創作的大型展覽，同時也是安卓藝術15周年的首場活動。

《走自己路的》展覽同名新作發表

這次展出，觀眾將能見證李明則耗時三年籌備的20組新作，其中六聯屏的同名鉅作《走自己路的》寬達11公尺，融合藝術家一直以來吸納在地風情與紋理的空間表現，也刻劃他喜愛的江湖遊俠和卡通漫畫英雄人物，更融入近年曾熱議的話題如台海危機、黃色小鴨等。作品的構圖與技法延續了水墨畫的敘事傳統與線描法，以橫向的視線引導，傳遞時空交疊、虛實共生的世界，凸顯李明則獨特的創作性格。

以高雄道路命名為靈感的《一心》到《十全》

李明則擅長在有限畫幅內，創造出無盡想像的超時空旅程，《一心》到《十全》系列水墨畫也是如此。該系列以高雄道路命名典故為靈感，集結了各種水墨畫譜的技法，在源自傳統形式的描繪中透過拼貼式的構圖和手法翻轉出水墨的嶄新語彙和生命。雖然墨色單純，李明則仍能運用大量線條，創造出多面向的時空漫遊，一幅幅畫作彷彿任意門般，帶給觀者無盡的想像。

除了畫作，李明則也在本次展覽中發表數件全新的複合媒材創作，結合民俗故事的人物造型，在玻璃纖維材質上以紗布和紙黏貼覆蓋，再用拼接、黏貼的技法輔以焚燒的痕跡，處理出如補丁般的肌理，用獨特而風趣的視角展現舊時代的美好回憶。

李明則個展《走自己路的》

展覽日期｜2025年1月4日至2025年2月27日
開放時間｜週二至週六13:00–18:00
展覽地點｜安卓藝術（台北市內湖區文湖街20號1樓）