庫柏休伊特設計博物館（Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum）是美國唯一專注設計歷史和當代設計的博物館。強調主動探索知識的力量，在此訪客是創造博物館體驗的積極參與者。

身為世界上最大博物館群史密森尼學會（Smithsonian Institution）的重要成員，庫柏休伊特設計博物館（Cooper Hewitt,Smithsonian Design Museum）是美國唯一專注設計歷史和當代設計的博物館。由企業大亨Peter Cooper 的孫女們於1897 年創立，其淵源可以追溯到紐約頗富盛名的藝術設計學校Cooper Union當時收藏裝飾藝術的博物館。

雖然歷史悠久，但在2014 年重整開幕後，21 萬件館藏中，已經有高達9 成全部數位化，館長Caroline Baumann 很開心地與我們分享，「這次大規模館藏數位化計畫，在博物館界可以說是空前絕後。整整耗時18 個月後，我們終於能將博物館推到全世界的眼前。」相較於每檔展覽7 百多件的實體展示物，可以探索的範圍更不受限。

不只如此，庫柏休伊特設計博物館的互動體驗設計更是博物館界的創舉！進入展館後，每人都會拿到館方提供的「科技互動筆（the pen）」以及個人密碼，只要在整棟博物館中看到有興趣的展物，都可以用互動筆輕觸感應標示，就能立即記錄存取館藏相關資訊，即使走出博物館也能在個人智慧裝置上繼續探索旅程！

強調主動探索知識的力量，在庫柏休伊特裡，訪客是創造博物館體驗的積極參與者。在推出後大受歡迎的「沉浸式體驗空間（Immersion Room）」中—訪客可以動手設計壁紙、或探索全美國最豐富的壁紙館藏。也能在數位互動桌上，透過科技互動筆將剛剛在展覽中看到的設計，重現在桌面觸控螢幕上，透過系統進一步聯想發掘其他精采館藏。此外，館方官網也是極具影響力的設計教育資源平台，提供知名設計師的訪談影片、課程計畫、線上刊物、甚至還有可以下載的字形設計。

面對數位化時代，館長Caroline Baumann很期待互動科技能與博物館碰撞出新體驗，她語帶肯定地表示，「數位改變了一切。過去，博物館只能片段地展示自己，現在卻能毫無保留地公開一切。數位化浪潮正是博物館的未來！」

Ｑ＆Ａ／專訪

庫柏休伊特設計博物館 館長 Caroline Baumann

Ｑ１．請與我們分享庫柏休伊特設計博物館的定位和任務吧！

作為美國唯一一座專注於歷史與當代設計的設計博物館，庫柏休伊特就像一位大總管，收藏著全世界最多元且全面的設計展品。我們透過設計來教育、啟發人們，並給予人們力量。館內共收藏了20 萬件、時代橫跨三千年的作品，也是我們組織呈現專題展覽、具影響力的教育計畫、以及供世界各地（從堪薩斯的托皮卡到台北台灣）都可使用的豐富數位館藏體驗的核心架構。

Ｑ２．請與我們分享２至３個，您認為近年來最具代表性的展覽吧！

《TOOLS：EXTENDING OUR REACH》是2014 年重新開放後的第一檔大展，不只動員庫柏休伊特本館，還跨學門連結了史密森尼學會旗下11 間博物館和研究中心。從一早醒來到就寢，我們都在使用「工具」，為了克服人類身體的限度，各式的工具因而被設計出來。工具就是人類的延伸。展覽出的設計物件非常多元，從185 萬年前的石器，到同步傳輸回地球的太陽表面數據資料，每件展品都訴說著一個獨特的設計故事！

《ENERGIZING THE EVERYDAY：GIFTS FROM THE GEORGER. KRAVIS II COLLECTION》，這個展覽很生動地傳達為什麼好的設計對人們而言，是如此珍貴，同時也向了不起的收藏家George R. Kravis 的慷慨，致上謝意。這些所謂的「日常」物件，兼具美麗與實用性。透過這些收藏，我們能看到設計提升並改變日常生活的可能。

更近期的展覽《BY THE PEOPLE：DESIGNING A BETTER AMERICA》則企圖激起實踐主義，期待透過設計，為美國人形塑一個更公平且平等的社會。針對庫伯休伊特所舉辦的激勵人心系列第三作，我們著重於人道主義的設計，《BY THE PEOPLE》探索了美國各地總計六十項合作性設計，觀看其如何鼓勵大眾以實際行動來振興社區，提高機會。

Ｑ３．庫柏休伊特博物館的展覽策劃方式、和重視的策展主軸是如何呢？

我們每一項展覽的策劃與組織，都至少從展覽正式開放前兩年或甚至更久前就開始了。一般來說，策展團隊會發展出一個主題，並提出一份應納入的項目清單。以今年夏天，我們剛展出的三年展《BEAUTY》來說，策展人選擇著重於美學的創新，他們不僅拜訪了國內外設計工作室，也尋求國際策展顧問團隊的意見，透過重新思考「美」的概念，對近年設計新作和設計師進行檢視。

我們很強調透過策展創造以設計為主的積極對話，並強化歷史連續性。我們取得並呈現作品的方式較著重於「設計過程」，所以我們會蒐集並展示畫稿、草圖、原型與影片，突顯並紀錄一件作品從概念化到完成的路程。透過描述一項設計的故事，鼓勵人們找出更貼近個人層面的作品意義！

Ｑ４．在挑選館藏時，有哪些策略呢？可以和我們分享一些你推薦的特色館藏嗎？

聖地亞哥． 卡拉特拉瓦（Santiago Calatrava）為新世貿中心轉運站設計之時，所留下的草圖。該建築已成為廿一世紀最具代表性的標誌，其鋼筋處與白色骨幹，誘發人們對鴿子翅膀的聯想──在別具深意的場所內置放此一世界性的和平象徵。

來自奈及利亞的美麗絲織品──豪薩袍（Hausa Robe），製作於十九世紀末，袍子上的手工刺繡圖案體現穿戴者的伊斯蘭信仰。

來自知名建築師大衛．阿加葉（David Adjaye） 的椅子， 成為華盛頓收藏之一。其設計讓人聯想到近期剛開幕的國立非裔美國人歷史與文化國家博物館（National Museum of African American History and Culture）。

Text / 翁浩源、方敘潔

訪問 / 方敘潔

Photo / Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum

#本文內容出自《 Lavie 》雜誌10月號

「臺南國家美術館籌備處」於2025年3月25日正式掛牌成立，將以臺南市美術館2館為基地，展開臺灣第一座專責近現代美術發展、也是第二座國家級美術館的籌備工作。未來館內常設展將聚焦臺灣美術1895至1960年代作品，全面且系統性建構臺灣藝術發展脈絡；值得一提的是，大量典藏由前輩藝術家家屬無償捐贈，表達對臺南國家美術館最有力的支持。

→南美館「福爾摩沙時代」大展集黃土水《甘露水》、陳澄波未曝光之作等200件作品

為什麼臺灣需要一座國家級近現代美術館？

綜觀國際美術館發展趨勢，成立專題或斷代美術館，是國家美術發展達成熟階段的必然作為，例如羅浮宮收藏19世紀中葉以前廣義的古典藝術、奧塞美術館專責收藏1848年至1914年間的藝術作品、荷蘭國家博物館主要收藏荷蘭黃金時代藝術等。

2018年，臺灣啟動「重建臺灣藝術史」工作，展開對臺灣藝術文化、歷史的自我理解、詮釋工程，至今完成蒐藏前輩藝術家作品867件、檔案史料9萬件、修復作品文物8000件。前輩藝術家後代也大力響應，如順天美術館董事長許照信為完成父親許鴻源「為臺灣人留下一份文化遺產」的心願，將670件館藏全數無償捐給國家；許多前輩藝術家家屬也紛紛表示願意捐出珍藏作品。

目前臺灣僅有一座國家級美術館，即位於臺中的國立臺灣美術館（國美館），其自1988年開館至今累積豐富典藏，不過礙於現有館舍空間有限，臺南國家美術館成立後，將可適度減輕國美館典藏及展覽壓力。歷經各方協調，考量新建館舍曠日費時，為盡快以國家級資源典藏臺灣藝術家作品，最終由臺南市政府主動提出將臺南市美術館2館無償撥用給文化部，作為臺南國家美術館使用。

聚焦臺灣美術1895至1960年代作品

未來臺南國家美術常設展將聚焦臺灣美術1895至1960年代作品，持續研究、蒐藏及展示前輩藝術家作品，並完整、系統性地呈現臺灣藝術史發展脈絡；包含近現代領域的定義及研究、場館發展規劃、典藏制度訂定在內等工作，預計於2027年完成。

掛牌記者會上，陳澄波、郭柏川、郭雪湖、蒲添生、張萬傳、潘春源、潘麗水、潘瀛洲、鄭世璠、陳夏雨、黃歌川、楊英風、陳陽春、蒲浩明等前輩藝術家家屬，已陸續表達捐贈作品意願，並在眾人見證下，共同簽署捐贈典藏意向書，期盼未來由國家保存、研究及常態展示臺灣美術史重要美術資產。

首展集結黃土水《甘露水》、陳澄波未曝光之作等200件作品

隨著臺南國家美術館籌備處正式成立，館方委託臺南市美術館策劃的首檔展覽「福爾摩沙時代—臺灣近現代美術的知識啟蒙」同步揭幕。展覽內容橫跨日治時期到戰後的各種藝術樣式與思潮，討論「地方色彩」、「國族意識」與「現代性」等議題，回顧臺灣美術如何在外來與本土的雙重影響下，逐漸發展出獨具特色的藝術風格，並強調藝術家在各個歷史時期的創作歷程與精神，期盼喚起大眾對本土文化的深刻思考與認同。

「福爾摩沙時代」集結多件國寶級作品，包含陳澄波從未曝光的《南海普陀山》、黃土水《甘露水》、張大千《廬山圖》等，這些藝術作品既是臺灣美術歷史的縮影，也見證藝術家的創新精神與對當時社會的深刻反思。

「不管別人要如何稱呼我們，但我們絕不會低人一等。」

文化部長李遠於掛牌記者會致詞時，特別取玉山社出版《曙光來臨之前》序文說道：「黃土水、陳澄波、陳植棋等人入選帝展時的心情，其實就像是陳傑憲在胸前比出框框的感覺：我們只是還沒有自己的名字，但絕不會低人一等。」2024年李遠陪著黃土水作品《甘露水》回到母校東京藝術大學，同場也展出陳澄波、李梅樹、李石樵、郭柏川、顏水龍、陳植棋等藝術家的自畫像，當他仰望著前輩藝術家們年輕、充滿自信的模樣，彷彿回到一百年前，看見他們彼此扶持、鼓勵並昂首闊步，在臺灣被日本殖民統治的時代，心懷志氣走出自己的路。

臺南市美術館將擴建，保有城市美術館主體性

談及臺南市美術館未來動向，文化部表示，臺南市美術館將持續營運臺南市美術館1館，在臺南國家美術館籌備處正式營運前，也將協助館內策展，未來館舍將擴展至農水署嘉南管理處現有空間，保有臺南專屬的城市美術館主體性。

資料來源｜臺南市立美術館

英國藝術家Oli Epp（奧利．艾普）首次亞洲個展在台灣！《奧利・艾普的小鹹點》（Hors d’œuvres）即日起至2025年5月15日於師大美術館展出，不僅匯集藝術家多件知名作品、2025年新作，更有本次在台期間將故宮展品結合泡麵所完成的創作。此外，師大師生團隊也延伸Oli Epp的繪畫作品，透過動畫與AI生成技術打造沈浸式短篇，為展覽創造不同的觀看與體驗路徑。

社群媒體仿佛一座無疆界的巨型劇場，人們重現現實、或擷取現實摻點虛擬想像，在這座劇場中「扮裝」或「表演」——你是否也參與其中？英國藝術家Oli Epp（奧利．艾普）有感於此，於是將源自現實生活、影視作品、社群媒體等的元素挪用並解構，透過摩登、怪誕、略帶詼諧的繪畫作品，反映社群媒體文化盛行所衍生出的形象塑造、社交關係互動等等現象。

這場表演，我們都參與其中

當代社群媒體重即時性、視覺性，並設有公開、數據化的回饋機制，這讓使用者為了吸引視線、追求按讚及留言等互動，發展出不只是記錄生活、更是在「表演」生活的行為模式——人們在此塑造理想形象、編導自身的故事，在數位空間中進行刻意的展演。《奧利・艾普的小鹹點》透過Oli Epp平滑的電繪風格繪畫，聯想社交媒體的劇場表演，反思虛實生活中複雜的互動關係。

人、物合一的怪奇物種，在平面劇場輪番登台

Oli Epp常使用油彩、壓克力為材料，透過平滑、流暢的噴槍及繪畫方式，塑造色彩鮮明、輪廓清晰的畫面。他將對社群媒體、影視作品、當代生活的觀察融入繪畫，以怪誕奇異的構圖，讓筆下角色呈現戲劇化的非真實形象；然而，他們並非全然虛構——人物身穿的名牌服飾、臉上的時髦妝容、耳邊的AirPod、手上拿的信用卡……各種你我熟悉的消費象徵，都提醒著觀眾這是源於現實生活的觀察，展現現代人對於品牌與個人風格的過度執著，彷彿在提醒：「記得對生活中種種的『過量』行為保持距離。」

亮點作品《夢遊者》：以奇幻氛圍紀錄生活災難

Oli Epp的作品看似無厘頭，實則透過物件指涉特定意義與社會現象，或反映他個人的生活記憶。如作品《夢遊者》的角色穿著粉紅色長裙、身旁有隻小羔羊相伴，腳步輕盈地在斑馬線上跳躍；看似夢幻無害，遠方卻有顆紅色警示燈暗示著潛藏的危險即將到來。這件作品源自Oli Epp幾個月前一場生活災難，當時他在深夜半睡半醒之間，不慎沒將水龍頭關好，導致公寓淹水，於是將這場災難化為《夢遊者》，繪出一場暗藏危機的夢境。

在台完成新作《唐》：拼接故宮文物與泡麵，慢與快的矛盾對照

值得一提的是，《奧利・艾普的小鹹點》為Oli Epp首次亞洲個展，也是師大美術館規劃的學生交流展，主要代理藝廊Semiose及藝術家慎重看待這次與台灣觀眾與學生見面的機會。Oli Epp這次為個展來台停留一個月左右，充實異地體驗也期待開啟新的創作靈感，展覽中的《唐》（Tang）正是他在台期間完成的作品，其靈感來自藝術家參觀故宮時所見到的唐代三彩馬，陶馬的傳統工藝表現令他印象深刻，於是他靈機一動將三彩馬與泡麵結合，讓慢工煉成、流傳數百年的工藝品與速食、規模化產品組合，創造一種矛盾又詼諧的視覺印象。

師大學生響應數位沉浸短篇

展覽開幕當天，臺師大圖文傳播學系碩士班師生團隊自Oli Epp作品《阿爾戈斯》（Angos）延伸發展，透過動畫與AI生成技術，打造一充滿懸疑氛圍的沉浸式短篇。《阿爾戈斯》繪出一隻頂著9顆眼睛的黑貓，牠巨大的眼睛總凝視著前方，作品靈感源自希臘神話中的百眼巨人，傳說中他永不必眼，因此沒有秘密能逃脫他的視線。未來，師大美術館也將持續扶持新銳藝術家，並將學生團隊創作列入未來展覽主題之一，持續開拓大學美術館的展演深度及交流廣度。

《奧利・艾普的小鹹點》

展覽時間｜2025.03.16－05.15

展覽地點｜師大美術館3樓（台北市大安區和平東路一段129號）

開放時間｜週二至週五 09:30－17:30，週六日 10:00－17:30，週一及國定假日休館