認識趙德胤是 2011 年，那時他剛拍完《歸來的人》，正在尋找台灣有沒有人願意發行他的作品。短短五年，他的第四部劇情長片《再見瓦城》——這部 2016 年鋒頭最健的台灣電影——讓他正式登上國際舞台，也是其創作路途上豁然開朗的一個十字路口。從前身為《蓮青》的劇本出發，隨著柯震東、泰國與歐洲團隊的加入，坎城創投的入選，這部跨國合資合製的藝術電影，描述緬甸移工偷渡到曼谷逐夢的愛情故事，是他導演生涯的一個重要轉捩點；從第一個鏡頭一直到最後，蔥鬱的色調燃燒著炙熱難耐的氛圍——它不是個可以輕鬆嚥下的電影，但卻值得多次咀嚼。

一杯咖啡的時間，聽著正要 34  歲的他將這部電影描寫的、那難以想像的苦澀緩緩道出，如此雲淡風輕，如此堅定自信，他正要邁開大步繼續多產地拍下去。

爬梳成長記憶，回顧當代社會地圖上的「邊緣」

從《歸來的人》到《再見瓦城》，一路跟隨趙德胤的創作軌跡，城市裡的邊緣人是永恆的主題；這不容易討好大眾的題材，與其僅以電影創作觀看，更像是他整理腦中千縷記憶的片段。16 歲之前在緬甸生活成長，16 歲之後來到台灣讀書，而後趙德胤往返於緬甸與台灣之間，穿梭在兩個截然不同的世界。他將所受到衝擊轉變為創作動力，聽見、看見的故事與人物成了創作養分。為什麼要拍？也許出於感性，一種直覺，又或是一種緣分或心理需要。

「在緬甸的長整經驗——不只那十六年，也包含來台灣後再回去的衝擊，這衝擊下有很多正在發生的故事與人物。尤其當這些人跟我聊天，透過交流發現其中很多的故事。對他們來說，他們身在當下並不覺得是戲劇性的發生，就是生活的一些事情；但對我來說卻充滿衝擊，因為我已經是台灣人，我的言行舉止都是台灣人的狀態。《再見瓦城》對他們來說就是我哥哥、姊姊平常聊天的內容，沒什麼好奇怪的；只是當它變成電影後，就會變成一種想像。而這些故事都非常具體，它不再只是腦海裡想到的『一場戲』，完整的起承轉合在他們談話之間、在自己寫的日記中出現。為什麼要拍？因為我就是來自於那裡，又在那裡受到衝擊；若不拍這些東西，要去拍其他題材我也做不到，畢竟這些事物在我的筆記本裡累積很久，沒辦法就這樣跳過。」

流動的城市經驗，造就只存在於腦海與作品裡的家鄉，緬甸

這樣的主題放到全球化軌跡之下來看，也讓趙德胤有不同的觀看城市視角。他坦言不管台北、巴黎、東京，現代化城市在他眼中並無太多差異。「走進一座城市，那些 database 已經建構腦中的城市印象，我很難相信其他新的可能性。每座城市的差異對別人來說可能不同，像某座城市有自己的浪漫，但那些都是表象，我看重的是『人』裡面的『極其情感』。像《再見瓦城》，我甚至不覺得是『移工』，而是『移工』背後的悲劇，這悲劇不管是哪座城市或階級都有可能發生。」曾在歐洲住過很長一段時間，趙德胤卻從未逛過名勝古蹟、美術館或博物館；或許他不太相信那些東西，比較相信自己透過研究人——「透過直覺與所謂的『土方法』，藉歷史、文學、書籍去了解；我看一座城市，可以說我已經有『定見』與『定義』地去走入那個城市。」對照自己生命經驗與生活細節，才能創作出他相信的世界。

唯一與這視角不同的經驗，是 16 歲第一次到台灣的時候。「那時候最單純，對所有人都沒有定義，只對生活很明確：『我要賺錢』。剛到曼谷與台灣時感覺很迷幻，真的有種鄉下人突然走進一個很 fancy 地方的感覺——好像從五十年前突然跳到五十年後的另一個時代。」緬甸作為成長背景的家鄉，對照走過其他全球化城市，讓他的步調與對「家鄉」的訴說，有種現實、魔幻彼此滲透的流動感，如馬奎斯筆下的意象描寫，熟悉、陌生，但保持一段距離的抽離。

真正歸屬的親密感，依然與緬甸纏繞糾結；而與台灣之間的羈絆，對趙德胤來說則是另一種情感面向，「我好像是永遠的異鄉人，『家』永遠只能存在記憶或電影，它不會真實出現在生活裡。」

Mandalay 瓦城，電影從未出現過的城市

《再見瓦城》英文片名為「The Road to Mandalay」，中文有種向後告別的意味，英文卻隱含著向前前去，取名有著矛盾相反的方向感；有趣的是，這座古都、對緬甸人極具象徵意義的存在，卻從未出現在電影畫面裡。「這名字最開始出現是去訪問工人的時候，他們宿舍放的歌就是 Robbie Williams 的《The Road to Mandalay》。這首歌與電影意思完全不同，但依然憂傷、灰色，談的是愛情裡的傷感。」與最大城仰光的英式文化與市景不同，瓦城是緬甸皇帝一千五百年的首都，「它很小、很擠卻最多元。」趙德胤解釋，小時候鄉下孩子都嚮往去瓦城，很多做移工的哥哥姊姊從國外回來都會經過那裡，書信裡寫的都是「什麼時候到瓦城？」這是一座交織移工嚮往、只屬於工人的城市。

「後來英文片名選用『The Road to Mandalay』，還是回到『家』的概念，這些離家的人想要榮耀返鄉。Mandalay 在英文裡除了地名之外，也隱含『shining』、『glory』的意味，用進電影表示往『成功』、『回家』之路的意思，呼應著緬甸移工對瓦城的嚮往；但對故事裡的女孩蓮青來說，她可能是回不去了。」這座畫面從未出現過的城市，轉變成一種烏托邦式的存在，凝聚緬甸移工的集體夢想；趙德胤也在其中偷渡對「家鄉」的糾結——離開家後自己也已成長，人事已非，回不去了。

美學與隱喻

自覺身受西方文學影響頗深，褚威格、杜斯妥也夫斯基、福克納、海明威，孕育趙德胤對戲劇表現方式的選擇。先前作品是在有限資源下完成，像是以偷拍、素人、沒有燈光的方式，種種限制讓他依循台灣新電影的路數：長鏡頭、細節說故事、隱喻運用等等。然而在《再見瓦城》他卻展現出驚人的企圖心，以類似達頓兄弟關注社會議題的手法，用攝影機跟著主角，最後給了一個非常漢內克（Michael Haneke）的結局。

其中有段魔幻卻寫實的戲，趙德胤將蜥蜴變成男性性慾象徵，巧妙做出電影驚人結局前的高潮。這看似超現實的段落對他來說卻是十足寫實，「曼谷很多地方你會看到蜥蜴，這是很常見寫實的，只不過對沒看過的人來說太魔幻，覺得是超現實。現實生活有那麼多事物是關於性的想像；自然地，當下我思考這段時就會試著推向另一個層次」片中看似壓抑矜持的情感表現，其中隱藏許多性暗示，從床上床下的性啟蒙、曖昧、到有意識地在一起，「原本有拍阿國自己發洩的鏡頭，但為了保留結局對愛情的純粹，把柯震東的自慰戲剪掉了。」再到最後的蜥蜴，吳可熙的角色慾望被勾起，這部片的「性」被帶向另一種境界：不只是關於兩個移工的愛情，而是昇華到人類皆會有的慾望層次。

「不同資源下我的美學也會跟著改變。若把美學升為另一層次討論——關於文學、藝術而並非視覺美學，我其實一直受西方影響。西方文學裡談工人憤怒的時候，會去燒東西或砸東西，你能看見他的身體真正在憤怒，用很激烈的方式去表現。」他所建構的世界，是目前台灣還未有創作者嘗試過的另一格局，「若《再見瓦城》再拍好一點，也許美學會有像漢內克《白色緞帶》的感覺，再多一點也許會如柯恩兄弟早期的作品。」融合電影科學技巧，用分鏡訴說故事而非一直客觀觀望，這正是趙德胤有意識去挑戰的。

吳可熙與柯震東

如同李康生之於蔡明亮，趙德胤與吳可熙之間的創作關係也讓人好奇，是否如「繆思」般的概念。他表示一直與吳可熙合作，不僅是因為她是很好的演員，精準度高、表演技巧熟練——「你要她眨眉毛也可以，能夠很細微調整」，事實上趙德胤也沒看過有台灣女演員能像她既職業劇場出身、卻又能素人化的演出。「再來就是我很倔將，若自己合作過的演員別人不用，我會覺得是不用她/他的人有問題——很簡單，我很相信自己的眼光。」演員對他來說是家人朋友，給他們時間，他們會證明自己是很好的演員，而不是大家所認定的「素人」。

對於出乎眾人意料之外的選角柯震東，「對我來說演員是電影創作的工具，若導演有能力與意識，任何演員在鏡頭下都會呈現另一個面向，可以百分之百去掌控。對演員來說他們當然不覺得自己是工具，他們可以自由創造；但他們自由創造的部分是喜怒哀樂、壓抑、憤怒等情緒，而不是要演什麼——要演什麼由我決定，這時由我想像演員就是件很有趣的事，不會是大家心裡認定某些演員只適合某些電影。透過跟他們相處，觀察演員適合什麼——這觀察過程會看到很多大眾不一定認同、或不覺得適合的東西，這也回到《再見瓦城》這次的選角。」趙德胤解釋。也許正因非訓練過，柯震東所有的表演都是很「自然」的。「像是拍哭戲他會哭到沒辦法拍戲，這種『哭』對紀錄片可以，但卻不是電影要的。為了拍一場哭戲，他與我的挑戰都很大，他要嘛哭不出來，要嘛就像小朋友一樣真實地哭——但那不是阿國在哭，是真人的柯震東在哭。」內心還是大男孩的柯震東——「很聰明的大男孩」——正是他最好之處，也是趙德胤選擇他的原因。

未來與再見

最後，談到未來計畫，趙德胤打算更積極地兩者兼顧：國際團隊與資金繼續拍攝劇情長片，但每兩三年拍一次紀錄片，或像《冰毒》的規模，但比《冰毒》更精準。可能會更忙、時間會更少，但對電影也會了解越深，自我要求更高，而這種對美學的追求與討論，也決定他下部電影的走向。關於台灣的故事，他表示目前不急，也急不得。「想拍台灣有幾個方向：一是現在台灣的年輕人，在台灣的年輕人低下階層與上流階層是融合在一起，收入少的人也許過著上流社會的生活，這點對我而言很有趣。另一面向則是歷史，因為台灣某種程度上大家都是移民，對於真正的認同性不具體，而不具體有時就會不夠強悍。但也正因如此，這些組成讓台灣變得非常有趣，東方、西方、家鄉等概念彼此不時衝擊著，整個島嶼跟我自己很像。」從這樣的切入點看台灣，全球化下的台灣之於他是很普世的，顯現的是世界許多地方都存在的問題。

後記：

採訪這天是在金馬獎前的一個午後，當大家熱烈談論著金馬獎，「很實際、很妥善運用時間地去做內容，從不去想這部電影要改變什麼，或去想別人如何看待我的作品，甚至不關心會不會得獎。」趙德胤相當平靜。這並非高傲或置身事外，他只是堅定地維持用電影創作書寫、整理自己的回憶；即便他所寫的是與身在此地的我們如此遙遠而難以想像的困境，也許正因他的雙眼懂得回望，願意正視生命經驗裡的殘酷與悲喜，才能在尋常的愛情故事裡賦予電影血肉，描繪龐大的社會議題格局。穿針引線，邁往家鄉的路，也許在景框裡，他也找尋到了。

Text、Interview / 孫宗瀚、Alice Chan

Photo / Manchi

※本文由Polysh授權刊載，未經同意禁止轉載。

熱播13年的國民美食神劇《孤獨的美食家》，推出集大成輝煌之作《電影版孤獨的美食家》，並將在3月14日於台灣上映。

開播至今已達13年的《孤獨的美食家》，最早是由久住昌之原作、谷口治郎作畫，於1994年開始連載的漫畫。從2012年拍攝成電視劇以來，已經累積11季劇集、12集特別篇，可說是日本最長壽的美食劇集。而這部紅遍海內外的美食神劇，如今終於以《電影版孤獨的美食家》跟觀眾在大銀幕見面。

國民美食神劇首度電影化

本作透過往返於各個城市的進口雜貨商人「井之頭五郎」，每當辛勤工作之後，總會在內心吶喊「肚子餓了！」然後趕緊找到一間偶然路過的餐廳用餐，並沉浸在努力工作後，享用美食的幸福時光當中。與一般戲劇作品不同的是，本作雖然沒有衝突萬分的戲劇化轉折，主要專注在刻劃五郎於各個餐廳品嚐美味佳餚的過程，然而他西裝筆挺、手拎公事包，透過豐富內心戲、對美食的強烈直覺、大膽的飲食風格，在不受任何人打擾、自由享受美食的情況下吃遍大街小巷，也無比療癒觀眾的身心靈，更對角色產生共鳴而沉迷其中，因此蔚為熱議話題。

適逢播出本劇的東京電視台開台60週年之際，製作團隊順勢推出這部最新電影版作品，不論製作規模與敘事風格，都將與戲劇版截然不同，更像是一部主角「吃爆全世界」的美味之旅，足跡將遍佈法國巴黎、長崎五島群島、南韓巨濟島和東京。而且相較於戲劇版，電影版的敘事將充滿高度戲劇性，並以貼近現實生活的幽默與台詞來提升喜劇效果。

而本片也因為松重豐的號召，齊聚豪華演出陣容，包括內田有紀、磯村勇斗、村田雄浩、鹽見三省、杏、小田切讓、遠藤憲一，以及曾演出《梨泰院Class》的韓星劉宰明特別加盟。

松重豐自編、自導、自演

值得一提的是，松重豐這回更一肩扛起《電影版孤獨的美食家》導演、編劇、主演工作，尤其他在這13年來，自始至終支撐著本作，深深了解作品的世界觀，成為他出道40餘年首度自編、自導、自演之作。他回憶這次將作品「放大」成電影版的過程：「如果我沒記錯，應該是拍攝電視劇第十季的2022年夏天。當時，長期參與系列作的製片人和工作人員因調動或轉職，讓人擔心沒人能綜觀全局並指引未來的方向。這讓我想到，既然正值十週年，為了測試這部作品是否還能繼續、有更大規模的發展，我決定展開動搖根基的挑戰。基於這樣的想法，我選擇『電影化』這個方式，雖然並不確定本作的內容是否適合改編成電影，但希望能藉此進行一次重構。」

獲金獎名導奉俊昊啟發

尤其松重豐是本作唯一的常駐主演，這讓他產生一種責任感：「基於對未來發展的考量，我開始思考誰適合當導演。」而他最一開始，就是想找《寄生上流》奧斯卡金獎名導奉俊昊執導，他對此表示：「考慮到本作不僅在日本、在東亞地區、尤其是韓國都頗受歡迎。我也曾在多次赴韓取景時感受到觀眾的熱情，於是我便想到了奉俊昊導演。恰巧，我和他之前在《東京狂想曲》中的〈搖晃的東京〉短篇合作過，覺得如果他能將這部作品『烹調』成電影，會非常有趣。」

松重豐甚至還親自寫信給奉俊昊提出邀約，只可惜對方回覆時間因素無法配合，但這也開啟他不同的思考：「我和事務所社長談起這件事，隨口說了一句：『要不乾脆我來當導演？』這就是最一開始的狀況。」他並補充：「之後，我並沒有太在意自己說話的分量，就順勢寫下了一份劇情大綱，拿給正在拍攝第十季的工作人員看，跟他們說：『我打算以這份大綱來拍電影，大家覺得怎麼樣？我打算自己當導演。』結果他們回答：『我覺得不錯，一起做吧。』」而這也成就出本片最一開始的面貌。

 《電影版孤獨的美食家》劇情大綱

本片劇情描述從事進口雜貨銷售的井之頭五郎（松重豐飾演），是個喜歡在工作之餘到處品嚐美饌的老饕。只要肚子一餓，就會秉持「吃飯皇帝大」的信念，拋下一切直奔周遭的餐廳食堂大快朵頤。他最愛享受用餐時不被人打擾，細細品嚐料理的美好時光，更愛在內心自言自語品評美食滋味。這回，他接到前女友的女兒——千秋（杏飾演）的委託，前往法國拜訪千秋的祖父一郎（鹽見三省飾演），並要幫助一郎找出童年時曾喝過的湯頭食譜。儘管線索相當稀少，五郎依舊踏上尋找「究極湯頭」的旅程，足跡遍及法國、南韓、長崎和東京。不過在這趟旅程當中，他卻意外捲入到一場更大的風暴當中⋯⋯。

_{資料提供｜采昌國際多媒體、文字整理｜Adela Cheng}

日本動畫大師宮﨑駿的經典鉅作《風之谷》，將在3月6日首登全台大銀幕！片商也宣布和Pinkoi合作推出全球唯一的典藏預售電影套票，紀念票卡樣式有「娜烏西卡飛行員」及「究極的王蟲」兩款，另有早鳥禮「腐海植物的實驗室」，極具收藏價值，已於Pinkoi限量開賣。

《風之谷》首度登上台灣大銀幕

名列「影史百大動畫」的吉卜力神作《風之谷》，更是「吉卜力三巨頭」宮﨑駿、高畑勳、鈴木敏夫這三位日本動畫界巨擘「夢幻聯動」的合作起點。當初鈴木敏夫任職動漫雜誌《Animage》副總編輯，因採訪工作結識宮﨑駿、高畑勳，先是促成《風之谷》原作漫畫在雜誌上連載並大獲好評，又說服高畑勳擔任該片監製，讓宮﨑駿無後顧之憂全力衝刺《風之谷》動畫，電影上映後獨特的「腐海」設定敘事風格和深刻的環保哲學，獲得極高人氣及評價，使得吉卜力工作室在隔年1985年成立，陸續誕生同樣膾炙人口的《天空之城》、《龍貓》、《神隱少女》等吉卜力經典之作。

久石讓首度操刀宮﨑駿動畫配樂

宮﨑駿執導的動畫電影配樂向來由御用配樂大師久石讓操刀，而40年前慧眼識英雄的就是《風之谷》監製高畑勳，他起用當時還沒沒無聞、年僅30歲出頭的久石讓，兩人邊討論邊製作音樂，最終譜出適合這部磅礡作品的熾熱曲風，特別的是，原聲帶裡令人印象深刻的「啦啦啦」童聲，是由久石讓年僅4歲的愛女藤澤麻衣獻唱的〈娜烏西卡安魂曲〉，搭配藍衣使者降臨在金色原野的動人傳說畫面，引發不少觀眾共鳴感動落淚，蔚為經典。

《風之谷》描述自然資源受嚴重破壞、人類文明毀於一旦的戰後腐化世界，由於地表被劇毒腐海所覆蓋，人類只能在被汙染的大地及巨型昆蟲威脅下求生，唯有「風之谷」因海風吹拂而不受腐海之毒侵擾。擁有獨特溝通能力的風之谷公主娜烏西卡，經常乘著噴氣式滑翔翼到腐海探險，某天，多魯美奇亞帝國的運輸機墜毀於風之谷，上頭載著千年前毀滅世界的生化武器「巨神兵」，讓風之谷頓時捲入爭奪巨神兵的戰爭中，為了人類與世界的存亡，娜烏西卡必須挺身而出。

典藏預售電影套票限量開賣

而這部吉卜力經典動畫鉅作《風之谷》，即將在3月6日首度全台盛大上映，片商甲上娛樂和Pinkoi也合作推出全球唯一的典藏預售電影套票，內含2張電影交換券和2張限量復古紀念書卡「娜烏西卡飛行員款」及「究極的王蟲款」，售價760元，已在Pinkoi獨家開賣，2月17日前購買套票再加贈「腐海植物的實驗室」限量早鳥書卡1張，數量有限，送完為止。

_{資料提供｜甲上娛樂、文字整理｜Adela Cheng}