當北歐遇見日本！穿越150年的哈日狂潮 浮世繪、花草鳥獸等19世紀最潮和風元素

極簡、低調、洋溢對自然的崇尚，日本與北歐風格之間，似乎隱約有著不少共通的特質。是純粹的偶然與巧合？還是有什麼藏在歷史裡的淵源？

日本和北歐，幾乎是位在地球兩端的地區，卻在150多年以來，隨著一波波藝術、文化及生活物件的交流，如遠方的知心好友般建立起內在相契的緊密連結。這股日本對歐洲藝文造成廣泛影響的現象，不僅造就「日本主義」（Japonisme）一詞的誕生，也為北歐從19世紀中期到當代的藝術及設計帶來了嶄新的視野。

鎖國開門　席捲歐陸的日本熱潮 

日本與北歐國家的接觸，最早可以追溯到「鎖國令」解除的年代。自日本於江戶時代頒布「鎖國令」的1633年以來，除了中國和荷蘭船隻能進入長崎港之外，所有外國船隻或使節的來訪全都被拒於日本國門外。然而，隨著1853年美國海軍艦隊叩關的「黑船事件」之後，促使了日本開啟國門與外接觸，俄、英、法等國家紛紛與日本簽訂貿易合約，丹麥也在1867年與日本簽訂友好貿易協定，成為英、法之後，歐洲最早和日本往來的國家之一。

浮世繪、和服、漆器等洋溢著異國情調的日本藝術品及商品自此湧入歐洲，在歐陸掀起一股對日本的狂熱，對北歐國家來說，在這股風潮中扮演重要角色的國家非丹麥莫屬。根據資料顯示，丹麥最早對日本的紀載出現在1863年，在這本丹麥中尉遊訪日本後出版的書籍中，不僅記錄了他對日本住宅、服裝、商品的著迷，還特別對織品及服裝的細緻作工表示驚嘆。此外，丹麥藝評家Karl Madsen在1885年出版了第一本針對日本繪畫的北歐語系專書《日本繪畫》（Japanese Painting），一出版就廣受歡迎，在書中不僅介紹了日式傳統佛教繪畫，也首度引介了浮世繪（ukiyo-e），以及浮世繪大師葛飾北齋。

浮世繪、異國情調、花草鳥獸　19世紀最潮的和風元素 

在日本風潮席捲歐洲的初期，與其說藝術家們是對真正日本感到興趣，倒不如說是對浮世繪中，那些由藝妓、演員、市井小民所建構出神祕而詩意的生活充滿想像。瑞典知名藝術家Anders Zorn於1888年繪製的《The Misses Salomon》，畫中女孩特別做和服打扮，連頭髮上都裝飾了髮簪，背景屏風也是東方風情十足的竹子圖樣，可以見得日本風格時髦的程度。

讓藝術家們有感的不僅有異國情調氛圍，浮世繪使用的木刻版畫技法，以及在日本過年期間加上祝賀文字的摺物版畫（surimono），也意外地賦予藝術家新的繪畫筆觸靈感。在這類型作品中，最具代表性的莫過於知名挪威藝術家孟克（Edvard Munch）的代表作《吶喊》（The Scream），在這幅作品中，描繪火紅天空及奧斯陸峽灣的流動線條，就是受到浮世繪的木刻技法影響。原本在浮世繪中常用來形塑海浪波濤的紋路，在孟克筆下幻化為表現內心掙扎扭曲的創新筆觸。

此外，由於日本傳統神道教對自然的崇拜，日本對於大自然有著特別的專注和著迷。神道教相信大自然擁有讓人們快樂、長壽及充滿正向力的能量，屬於「萬物有靈」式的泛靈信仰，因此大至富士山、海浪、櫻花樹，小到蟲魚花鳥、草葉等，都能成為日本人關注並重新演繹於生活中的對象。對北歐藝術家及創作者而言，儘管不擁抱相同的神道教信仰，但是透過日本凝視大自然的新視野，加上日本藝術強調的不對稱性、簡約、以及風格化特質，對亟欲掙脫歐洲舊式藝術框架的藝術家們，不啻為一股解放的新助力。

以收藏超過200多幅日本浮世繪版畫的印象派大師莫內（Monet）來說，當他在1895年遊覽挪威並且畫下《Mount Kolsaas in Norway》時，就曾在書信中提到，「這樣美好的景色就像是置身日本才能體驗到的吧」，透過他飽覽浮世繪作品的眼光與對日本的嚮往，莫內眼前的挪威山景像是換上新的身分，而成為了藝術家筆下獨特的主角。

再將目光轉到另一幅由SMK典藏、出自丹麥藝術家Laurits Andersen Ring的作品《The Artist's Wife》，畫面中藝術家懷孕的妻子置身於粉嫩花海的景色前，即使花園本身為歐洲風格，但充滿裝飾性的畫風、以及女子靜靜佇立頗富禪意的寧靜時刻，也被認為是受日本藝術影響的藝術代表作之一。

向日本學習的北歐設計大國─丹麥 

這股日本風潮逐漸從藝術蔓延至設計領域，接下來讓我們將視線轉向由丹麥設計博物館策劃的《LEARNING FROM JAPAN》展覽，就能更進一步以丹麥為田野，審視日本主義風潮的對這北歐設計大國的影響。

在19世紀中期，北歐的設計與藝術領域，同樣都受到日本花草鳥獸這類自然趣味的影響。以丹麥著名設計師Thorvald Bindesbøll設計的椅子為例，這張曾在1900年巴黎世界博覽會上展示的作品，椅面採用嵌花刺繡的布料工法，流線而抽線的紋樣，描繪著花朵與綠葉的寫意形象，集自然元素與浮世繪筆觸於一身。

而談到日式花鳥草葉的影響，就不能不談知名瓷器品牌「皇家哥本哈根」（ROYAL COPENHAGEN），以及已經被其收購的另一瓷器名廠Bing & Grøndahl。在1885年時，阿諾‧克羅格（Arnold Krog）與皮特洛‧克隆（Pietro Krohn）分別接掌這兩間瓷器大廠的藝術總監，在兩者作品中，無論是Bing & Grøndahl瓷器上立體生動的昆蟲蝴蝶形體，或是皇家哥本哈根瓷器上雅致的唐草花葉紋路，都能明顯嗅出這股西漸的日本風潮影響力。

從表層圖紋到工匠設計思維　歐陸和風的當代進行 

在19世紀中期第一波的日本風潮之後，曾於1910年代盛極一時的新藝術風格也逐漸淡出丹麥，取而代之的是回歸經典、講求簡單型式、以及質材功能的設計趨勢。而延續著這樣的基調，當第二波日本主義風潮於1950年代再度於丹麥興起時，設計師關注的焦點不再是異國風情及表淺的圖形紋樣，反倒朝向質樸而純粹的自然面向探索。此外，丹麥設計師也開始更聚焦於對日本匠人精巧手藝與工藝製程的關注。

丹麥與日本均屬貴重資源相對不豐盛的國家，國土中面積廣大的繁茂森林成為重要的天然資源之一，這個先天因素意外地讓木工藝成為兩國最有共鳴的設計交流領域。在《LEANRING FROM JAPAN》展覽中，特意將丹麥設計大師Grete Jalk於1963年設計的GJ Chair，以及柳宗理於1956年為天童木工設計的蝴蝶椅並置，展現出當時丹麥與日本在曲木家具設計上極簡而具工藝突破性的共通特質。此外，展覽中所展示的丹麥大師Finn Juhl設計的FJ5065胡桃木邊桌，為家居空間帶來無拘束的輕鬆氛圍，這源自低矮和室桌椅的設計靈感，也顯現出在材質及工藝技術之外，連無形的日式生活風格都成為影響丹麥設計的要素之一。

談起近半世紀以來，丹麥建築及設計師為何仍對日本如此著迷的議題時，策展人Mirjam Gelfer-Jørgensen指出：「丹麥與日本共享了一種對優良傳統質材的專注，而非僅著重於華麗的外表裝飾。對很多丹麥藝術家或設計師來說，日本那種『由下而上』深度理解材質與製程的設計傳統，也是非常吸引人的。」

透過丹麥設計博物館及策展人Mirjam Gelfer-Jørgensen的深度剖析，在歷史大時代與藝術設計者的創作思維之間，重新感受策展人眼中兩國間共享的「美學連結」（aesthetic kinship），套句策展人的觀點，「向日本學習的過程，不是模仿，而是如何轉化為一種獨立的語彙」，對無論在歷史及文化上也與日本連結甚深的台灣來說，又何嘗不是如此呢？

從當代丹麥設計窺看日本風格 

丹麥知名燈具品牌Le Klint，於1944年在市場上推出以日本摺紙（origami）為靈感的Model 101紙燈。Le Klint持續研發出多款摺紙燈具，而每件燈具都是由工匠師手工摺製而成。有趣的是，這件現正於《LEARNING FROM JAPAN》展覽中亮相的Model 101，早在1942年時即首度公諸於世，而當時就是用來裝飾仍稱為「丹麥裝飾藝術博物館」（The Danish Museum of Decorative Art）的丹麥設計博物館。

在設計及工藝層面，又以木家具及陶瓷餐具，最能看出丹麥與日本兩者間的影響與交流。以丹麥設計大師Finn Juhl在1953年設計的Model 137的日式沙發為例，這座沙發特色不僅擁有偏低的和室風格設計，椅框架構更是以日本廣島縣甘日市湖上的鳥居水門（Miyajima Water Gate）為靈感，從椅座背後看去就能發現這隱藏的巧思。

由丹麥設計大師Jacob Jensen於1967年設計的咖啡壺（左），帶有1950年代後以功能與極簡為導向的設計風格。與知名丹麥建築師Knud Holscher相同，Jacob Jensen回歸材質本身、專注於功能的極簡風格，靈感均汲取自日本簡約低調的器物美學。由陶藝家Snorre Stephensen於1984年設計的餐具組（右），從木製托盤、無把手茶杯、小型醬油瓶的設計，到容量小巧、形式多樣的陶製碟子，都顯現出日式餐飲習慣對於當代丹麥陶藝家作品的影響。

畢業於丹麥設計學院的知名設計師Hans Sandgren Jakobsen，曾於獲得獎學金於日本學習設計一年，而他在1998年設計出的gallery椅，整體風格極簡，並且將合板曲木的彎曲度發揮到極致，兼具創新工藝與美學風格。目前Hans Sandgren Jakobsen持續為丹麥及日本品牌打造設計作品。

新一代丹麥設計師Rasmus Fenhann以赴日本見學期間獲得的靈感，打造出名為「Hikari」（日文意指「光」）的燈具，並於2010年入選為丹麥藝術基金會（Danish Arts Foundation）的「年度丹麥工藝系列」。採用幾何多面體結構設計，穿越手工和紙透出的光線顯得均勻柔和。設計師曾表示，日本對材質及細節的講究對他的設計帶來許多啟發。 
 

文／方敘潔

攝影／方敘潔

圖片提供／National Gallery of Denmark、Designmuseum Danmark

本文選自《LaVie》2017年4月號 未經授權請勿任意轉載

現在還寫字嗎？萬寶龍「一筆萬象」書寫文化空間即日起至2026年7月13日進駐上海博物館，並配合館內當期展覽《從莎士比亞到J.K.羅琳：英國文學家肖像與名跡展》呈獻自1993年至2026年共10款大文豪系列書寫工具，邀你隨筆款用色、雕紋等處處細節承載的異時代英國文學名家創作靈感，開啟一場交織文字與文化、兼具深度與趣味的探索旅程。

當數位化浪潮席捲全人類社群，「書寫價值是否不復往日？」深究這一提問得到的暫時性解答，或許就將成為當今文明演化線上的下道座標。然而，創立以來著眼打造精品書寫工具的德國百年世家萬寶龍（Montblanc），除憑創新作品持續為傳承書寫文化獻力，更不懈張揚「Let's Write」旗幟召喚大眾書寫熱情——作為思想的具象、情感的紐帶、文明的載體，書寫從未褪色，始終悄然存續於人類生活中。

期間限定空間登陸上海博物館

承此信念，2026年春夏，品牌在上海最大綜合性古代藝術博物館全新揭幕「一筆萬象（Inspire Writing）」期間限定書寫文化空間，期待人們於此駐足凝視、執筆落墨、馳騁想像，恣意綻放天馬行空的靈感，進而領悟一筆萬象的書寫意趣。同時，身兼館內當期展覽《從莎士比亞到J.K.羅琳：英國文學家肖像與名跡展》合作夥伴，萬寶龍更應景祭出10款大文豪系列匠心之作，以不同時代10位英國名家留下的印記為引，禮讚文學不朽、致意書寫永恆。

以筆為媒介，致敬古今巨擘、啟發永世靈感

始於對文學魅力的信仰、對作家創造力與藝術修養的推崇，1992年問世的萬寶龍大文豪系列藉精湛工藝凝萃諸位巨擘意念，通過書寫延承貫通古今的靈感泉脈。全系列從首作汲取靈感自20世紀最著名小說家之一海明威的精神核心，到過去35年間陸續致敬的荷馬、歌德、伏爾泰、托爾斯泰、馬克吐溫、巴爾扎克、蕭伯納、雨果等人，再至2026年預定發表的布拉姆斯托克特別款書寫工具，每件作品皆集該文豪人生軌跡、文學風骨與經典作品元素於筆身，昇華書寫工具為承載文學記憶、鐫刻創作精神的藝術傑作。

此次以《從莎士比亞到J.K.羅琳：英國文學家肖像與名跡展》為契機，萬寶龍循其所鋪陳「16世紀至今英國文學輝煌歷程」之脈絡，特在全新空間呈獻包括1993年克莉絲蒂特別款、1994年王爾德特別款、2001年狄更斯特別款、2006年吳爾芙特別款、2014年笛福特別款、2016年莎士比亞特別款6件早期經典，以及2021年亞瑟柯南道爾爵士特別款、2023年羅伯特路易斯史蒂文森特別款、2024年珍奧斯汀特別款3件近年藏品，並搶先亮相2026年最新力作布拉姆斯托克特別款呼應展中代表人物，供世界各地訪客在筆墨流轉間，與英國文學百年風華展開深度對話，感受跨越時空的文字能量。

展出作品一覽

▍1993年，阿嘉莎克莉絲蒂特別款

阿嘉莎克莉絲蒂（Agatha Christie）是人類出版史上銷量最高的作家之一，亦被公認為現代懸疑文學奠基者。1993年，萬寶龍採用品牌20世紀經典靈蛇造型，將她筆下錯綜複雜、層層嵌套的詭譎故事結構，化作此書寫工具筆蓋上纏繞的925銀蛇筆夾，致敬始終貫穿其偵探小說及劇作的懸疑張力。

▍1994年，奧斯卡王爾德特別款

奧斯卡王爾德（Oscar Wilde）是19世紀80年代美學運動主力和90年代頹廢派運動先驅，被譽為唯美主義代表人物。1994年，此書寫工具將他對完美的追求重塑於設計中；筆桿上如琥珀般流動的大理石紋理、筆蓋上鐫刻的親筆簽名，以及經手工打磨，且飾以蘊藏其所處時代美學風格雕紋的18K金筆尖，處處細節無不映照王爾德劇作、詩歌、童話和小說中熾熱而鋒利的思想。

▍2001年，查爾斯狄更斯特別款

查爾斯狄更斯（Charles Dickens）善用文字營造真實場景的獨到手法、對維多利亞時代英格蘭社會狀態的準確把握，以及作品犀利語言飽含的力量和激情，皆對英國文學發展影響深遠。2001年，該時代特有的優雅在此書寫工具中完美再現；綠色名貴樹脂筆桿和鍍銠18K金筆尖分別刻有狄更斯簽名及其名縮寫圖標，帶凹槽設計的銀質筆蓋更為作品添一份儒雅風範。

▍2006年，維吉尼亞吳爾芙特別款

維吉尼亞吳爾芙（Virginia Woolf）身兼小說家、文學批評家和文學理論家，是意識流代表人物，被譽為20世紀現代主義與女性主義先鋒。2006年，萬寶龍以精細雕刻的波浪紋璣鏤圖案裝點此書寫工具黑色筆身，引人聯想其代表作《海浪》；而鍍金筆夾上鑲嵌的多面切割紅寶石則象徵她的耀眼才華，飾以別緻紋樣的18K金筆尖進一步彰顯品牌對這位非凡女性的致敬。

▍2014年，丹尼爾笛福特別款

丹尼爾笛福（Daniel Defoe），身兼小說家、新聞記者，被譽為英國啟蒙時期現實主義小說奠基者，多於作品中呈現英國上升期的冒險精神與個體進取意識，歌頌通過智慧和勇氣戰勝困難的美德。塑造歐洲文學史上著名人物魯賓遜的代表作《魯賓遜漂流記》，至今被廣為閱讀，並延伸續集、譯本及改編電影。2014年，此書寫工具由萬寶龍汲取靈感自象徵魯賓遜自製木筏的船槳造型構思而成——那既是他逃離荒島的工具，更代表他堅持不懈的勇氣。

▍2016年，威廉莎士比亞特別款

威廉莎士比亞（William Shakespeare）憑藉橫溢的才華和出神入化的文學造詣，為後世留下逾150首十四行詩和37部劇作，其中並囊括諸多凝聚人生智慧的精闢詞句。2016年，此書寫工具以大量精巧細節致敬其豐富多彩的戲劇藝術，筆蓋首次運用高端技藝，打造匠心獨具且不失樹脂獨有光澤感的八角造型，創造性地表現出倫敦著名莎士比亞環球劇院八角輪廓，紀念這位享譽文壇的劇作家、演員和詩人逝世400週年。

▍2021年，亞瑟柯南道爾爵士特別款

亞瑟柯南道爾爵士（Sir Arthur Conan Doyle）以60餘篇福爾摩斯探案故事重塑偵探小說形式，奠定現代推理文學的思想基石。旨在禮讚這位19至20世紀最具影響力作家之一、世界著名偵探人物福爾摩斯的締造者，2021年萬寶龍依循該故事中縝密的邏輯脈絡發想此書寫工具，照見柯南道爾本人身兼醫生、作家、改革者與理性主義者所匯聚的智性光芒，其中尤富妙趣的放大鏡造型筆夾設計靈感源自福爾摩斯破解謎團的重要工具。

▍2023年，羅伯特路易斯史蒂文森特別款

羅伯特路易斯史蒂文森（Robert Louis Stevenson）集冒險精神與詩意哲思於一體，成就獨到文學風格。2023年，萬寶龍受水手和海盜使用的單筒望遠鏡啟發創作的此書寫工具，除可見玫瑰羅盤元素貫穿，筆桿尾端造型亦猶如望遠鏡目鏡開口；系列中每一版本皆經創新設計，對骷髏與十字骨組成的標誌性海盜符號進行不同演繹，從而致敬這位詩人、小說家、旅行作家及其文學鉅作《金銀島》。

▍2024年，珍奧斯汀特別款

珍奧斯汀（Jane Austen）以非凡的社會洞察力著稱，且憑卓越作品與莎士比亞齊名，深深影響英國乃至世界文學發展。2024年，萬寶龍轉化其生平為細膩元素，推出此系列4款書寫工具，各款設計巧思分別源於鄉村田園、雅致居所、馬車旅行、社交舞會4項她一生中的熱忱所在。

▍2026年，布拉姆斯托克特別款

布拉姆斯托克（Bram Stoker）聞名於公務員、劇院經理、進步思想家等多重身分，可真正使之屹立巔峰的，無疑是在恐怖文學領域的開創性貢獻——1897年問世的《德古拉》，誕下文學史上極富隱喻深度的經典吸血鬼形象。憑藉嫻熟技巧和天才構思，他成功將吸血鬼從遙遠傳說帶入所處時代，創作出引人入勝的恐怖文學傑作。此書寫工具以紅黑配色精準詮釋小說中的陰翳氛圍，筆蓋渦旋紋飾更永恆銘刻其簽名。

一筆勾勒萬象，大型裝置X互動區域引眾感受書寫文化魅力

以書寫為核心，萬寶龍奠基百年書寫DNA構築沉浸式體驗，邀各方墨客隨心步入展區，徜徉書寫底蘊與文學火花相綴的別致氛圍。首先由品牌與長期合作夥伴Edinas Paper藝術工作室共同打造、交疊各樣詩歌文字的大型藝術裝置「The Tree of Writing」坐鎮展廳中央，靜默而有力地俯瞰空間；整體作品將書頁化作繁茂枝葉，為其上鐫刻的靈感印記凝練文字的蓬勃生命力。再移步至書寫互動區域，來者即可入座萬寶龍全球藝術創意總監Marco Tomasetta設計的「The Montblanc Desk」，手執品牌大師傑作系列書寫工具落筆抒懷，在訂製明信片上留言寄予所念之人。

萬寶龍中國區首席執行長杜明熹（Matthieu Dupont）表示，「書寫的力量，在於它能將瞬間靈感凝結成為永恆思想，將個人感悟連接為人類共鳴。萬寶龍以大文豪系列書寫工具致敬文學巨匠，其精神核心與上海博物館呈現的《從莎士比亞到J.K.羅琳：英國文學家肖像與名跡展》不謀而合。此次設立的專屬書寫文化空間，不僅是對文學遺產的致敬，更是我們對『Inspire Writing』品牌理念的踐行。願每一次落筆，都能喚醒每個人心中那份對書寫、對創造、對表達的恆久熱愛。」承其所言，不僅此期間限定空間旨在讓更多人重拾書寫樂趣、讓書寫文化於當代和後代生生不息，萬寶龍未來亦將多面支持藝術與文化事業的永續發展。

萬寶龍一筆萬象書寫文化空間

• 時間：即日起至2026年7月13日10:00-18:00（17:00停止入場），國定節假日外每週二閉館；實際營業時間若有調整，以上海博物館官方公告為準
• 地點：上海博物館東館2樓（上海市浦東新區世紀大道1952號）

一場規模浩大的「群島藝術計畫」，正於韓國全羅南道新安郡展開，企圖以藝術為引，串起當地豐饒的自然景觀與人文歷史，邀請人們前來探索國度西南海岸的文化故事。眾多美術館建設中，又以韓國首座「漂浮美術館」最受矚目，其建築由日本藝術家柳幸典設計，透過7座水上立方體映照島嶼地景，引領訪客沈浸於如夢似幻的情境，探索當地文明與海洋環境之間的關係。

匯聚當代藝術大師的「一島一美術館」計畫

新安郡（신안군）位於韓國西南沿岸的多島海域，全郡由1,004座島嶼組成，因韓文中「1,004」與「天使」同音，又被賦予「天使之島」的美名。當地自然與人文風采並茂，壯麗岩壁與廣袤濕地相映，廣闊鹽田和繽紛花海互襯；1976年於新安外海發現的14世紀沈船遺跡，則印證這裡在歷史上曾是高麗對外進行海上交流的重要通道。

儘管如此，新安因遠離都市圈，長期面臨少子化與人口高齡化問題。為此當地政府於2010年啟動「一島一美術館」計畫，盼能透過系統性的藝文建設打造韓國全新文化聖地，吸引觀光人潮，改善因人口流失而低迷的地方經濟，同時喚醒及深化居民對家鄉的歸屬和認同感。參與此計畫的藝術家陣容十分華麗，Olafur Eliasson、James Turrell、Antony Gormley及柳幸典等當代藝術大師都在列。

柳幸典設計「漂浮美術館」，7座水上立方體映照島嶼風光

由柳幸典構思的「漂浮美術館」，位於新安郡的安佐島（안좌도）上，場館由7個不同規模的立方體共構而成，不僅呼應新安群島意象，也隱喻著地球7大洲；其鏡面外觀映照了安佐島地景，將建築、水面與天空融為一體，也讓美術館成為島嶼自然環境的一部分。談及設計概念，柳幸典表示想透過鏡面反射環境，為美術館營造如夢似幻的氛圍，讓空間與時間彷彿在此錯置。

訪客入館猶如登陸超現實的異世界，穿梭7座立方體展廳，探討朝鮮半島的歷史和文化故事。柳幸典的代表作也將在此展出，包含反思國界與民族意識形態的《世界國旗螞蟻農場（The World Flag Ant Farm）》，以及對當代社會科技和經濟狂熱提出質疑的《伊卡洛斯（Icarus）》系列作品，呈現藝術家對現世的深刻反思。這些歷史檔案與藝術作品，蘊含當地文化記憶，也暗藏對人類野心的探討，將共同引領觀者思考人類文明與自然、歷史之間的關係。