當北歐遇見日本！穿越150年的哈日狂潮 浮世繪、花草鳥獸等19世紀最潮和風元素

極簡、低調、洋溢對自然的崇尚，日本與北歐風格之間，似乎隱約有著不少共通的特質。是純粹的偶然與巧合？還是有什麼藏在歷史裡的淵源？

日本和北歐，幾乎是位在地球兩端的地區，卻在150多年以來，隨著一波波藝術、文化及生活物件的交流，如遠方的知心好友般建立起內在相契的緊密連結。這股日本對歐洲藝文造成廣泛影響的現象，不僅造就「日本主義」（Japonisme）一詞的誕生，也為北歐從19世紀中期到當代的藝術及設計帶來了嶄新的視野。

鎖國開門　席捲歐陸的日本熱潮 

日本與北歐國家的接觸，最早可以追溯到「鎖國令」解除的年代。自日本於江戶時代頒布「鎖國令」的1633年以來，除了中國和荷蘭船隻能進入長崎港之外，所有外國船隻或使節的來訪全都被拒於日本國門外。然而，隨著1853年美國海軍艦隊叩關的「黑船事件」之後，促使了日本開啟國門與外接觸，俄、英、法等國家紛紛與日本簽訂貿易合約，丹麥也在1867年與日本簽訂友好貿易協定，成為英、法之後，歐洲最早和日本往來的國家之一。

浮世繪、和服、漆器等洋溢著異國情調的日本藝術品及商品自此湧入歐洲，在歐陸掀起一股對日本的狂熱，對北歐國家來說，在這股風潮中扮演重要角色的國家非丹麥莫屬。根據資料顯示，丹麥最早對日本的紀載出現在1863年，在這本丹麥中尉遊訪日本後出版的書籍中，不僅記錄了他對日本住宅、服裝、商品的著迷，還特別對織品及服裝的細緻作工表示驚嘆。此外，丹麥藝評家Karl Madsen在1885年出版了第一本針對日本繪畫的北歐語系專書《日本繪畫》（Japanese Painting），一出版就廣受歡迎，在書中不僅介紹了日式傳統佛教繪畫，也首度引介了浮世繪（ukiyo-e），以及浮世繪大師葛飾北齋。

浮世繪、異國情調、花草鳥獸　19世紀最潮的和風元素 

在日本風潮席捲歐洲的初期，與其說藝術家們是對真正日本感到興趣，倒不如說是對浮世繪中，那些由藝妓、演員、市井小民所建構出神祕而詩意的生活充滿想像。瑞典知名藝術家Anders Zorn於1888年繪製的《The Misses Salomon》，畫中女孩特別做和服打扮，連頭髮上都裝飾了髮簪，背景屏風也是東方風情十足的竹子圖樣，可以見得日本風格時髦的程度。

讓藝術家們有感的不僅有異國情調氛圍，浮世繪使用的木刻版畫技法，以及在日本過年期間加上祝賀文字的摺物版畫（surimono），也意外地賦予藝術家新的繪畫筆觸靈感。在這類型作品中，最具代表性的莫過於知名挪威藝術家孟克（Edvard Munch）的代表作《吶喊》（The Scream），在這幅作品中，描繪火紅天空及奧斯陸峽灣的流動線條，就是受到浮世繪的木刻技法影響。原本在浮世繪中常用來形塑海浪波濤的紋路，在孟克筆下幻化為表現內心掙扎扭曲的創新筆觸。

此外，由於日本傳統神道教對自然的崇拜，日本對於大自然有著特別的專注和著迷。神道教相信大自然擁有讓人們快樂、長壽及充滿正向力的能量，屬於「萬物有靈」式的泛靈信仰，因此大至富士山、海浪、櫻花樹，小到蟲魚花鳥、草葉等，都能成為日本人關注並重新演繹於生活中的對象。對北歐藝術家及創作者而言，儘管不擁抱相同的神道教信仰，但是透過日本凝視大自然的新視野，加上日本藝術強調的不對稱性、簡約、以及風格化特質，對亟欲掙脫歐洲舊式藝術框架的藝術家們，不啻為一股解放的新助力。

以收藏超過200多幅日本浮世繪版畫的印象派大師莫內（Monet）來說，當他在1895年遊覽挪威並且畫下《Mount Kolsaas in Norway》時，就曾在書信中提到，「這樣美好的景色就像是置身日本才能體驗到的吧」，透過他飽覽浮世繪作品的眼光與對日本的嚮往，莫內眼前的挪威山景像是換上新的身分，而成為了藝術家筆下獨特的主角。

再將目光轉到另一幅由SMK典藏、出自丹麥藝術家Laurits Andersen Ring的作品《The Artist's Wife》，畫面中藝術家懷孕的妻子置身於粉嫩花海的景色前，即使花園本身為歐洲風格，但充滿裝飾性的畫風、以及女子靜靜佇立頗富禪意的寧靜時刻，也被認為是受日本藝術影響的藝術代表作之一。

向日本學習的北歐設計大國─丹麥 

這股日本風潮逐漸從藝術蔓延至設計領域，接下來讓我們將視線轉向由丹麥設計博物館策劃的《LEARNING FROM JAPAN》展覽，就能更進一步以丹麥為田野，審視日本主義風潮的對這北歐設計大國的影響。

在19世紀中期，北歐的設計與藝術領域，同樣都受到日本花草鳥獸這類自然趣味的影響。以丹麥著名設計師Thorvald Bindesbøll設計的椅子為例，這張曾在1900年巴黎世界博覽會上展示的作品，椅面採用嵌花刺繡的布料工法，流線而抽線的紋樣，描繪著花朵與綠葉的寫意形象，集自然元素與浮世繪筆觸於一身。

而談到日式花鳥草葉的影響，就不能不談知名瓷器品牌「皇家哥本哈根」（ROYAL COPENHAGEN），以及已經被其收購的另一瓷器名廠Bing & Grøndahl。在1885年時，阿諾‧克羅格（Arnold Krog）與皮特洛‧克隆（Pietro Krohn）分別接掌這兩間瓷器大廠的藝術總監，在兩者作品中，無論是Bing & Grøndahl瓷器上立體生動的昆蟲蝴蝶形體，或是皇家哥本哈根瓷器上雅致的唐草花葉紋路，都能明顯嗅出這股西漸的日本風潮影響力。

從表層圖紋到工匠設計思維　歐陸和風的當代進行 

在19世紀中期第一波的日本風潮之後，曾於1910年代盛極一時的新藝術風格也逐漸淡出丹麥，取而代之的是回歸經典、講求簡單型式、以及質材功能的設計趨勢。而延續著這樣的基調，當第二波日本主義風潮於1950年代再度於丹麥興起時，設計師關注的焦點不再是異國風情及表淺的圖形紋樣，反倒朝向質樸而純粹的自然面向探索。此外，丹麥設計師也開始更聚焦於對日本匠人精巧手藝與工藝製程的關注。

丹麥與日本均屬貴重資源相對不豐盛的國家，國土中面積廣大的繁茂森林成為重要的天然資源之一，這個先天因素意外地讓木工藝成為兩國最有共鳴的設計交流領域。在《LEANRING FROM JAPAN》展覽中，特意將丹麥設計大師Grete Jalk於1963年設計的GJ Chair，以及柳宗理於1956年為天童木工設計的蝴蝶椅並置，展現出當時丹麥與日本在曲木家具設計上極簡而具工藝突破性的共通特質。此外，展覽中所展示的丹麥大師Finn Juhl設計的FJ5065胡桃木邊桌，為家居空間帶來無拘束的輕鬆氛圍，這源自低矮和室桌椅的設計靈感，也顯現出在材質及工藝技術之外，連無形的日式生活風格都成為影響丹麥設計的要素之一。

談起近半世紀以來，丹麥建築及設計師為何仍對日本如此著迷的議題時，策展人Mirjam Gelfer-Jørgensen指出：「丹麥與日本共享了一種對優良傳統質材的專注，而非僅著重於華麗的外表裝飾。對很多丹麥藝術家或設計師來說，日本那種『由下而上』深度理解材質與製程的設計傳統，也是非常吸引人的。」

透過丹麥設計博物館及策展人Mirjam Gelfer-Jørgensen的深度剖析，在歷史大時代與藝術設計者的創作思維之間，重新感受策展人眼中兩國間共享的「美學連結」（aesthetic kinship），套句策展人的觀點，「向日本學習的過程，不是模仿，而是如何轉化為一種獨立的語彙」，對無論在歷史及文化上也與日本連結甚深的台灣來說，又何嘗不是如此呢？

從當代丹麥設計窺看日本風格 

丹麥知名燈具品牌Le Klint，於1944年在市場上推出以日本摺紙（origami）為靈感的Model 101紙燈。Le Klint持續研發出多款摺紙燈具，而每件燈具都是由工匠師手工摺製而成。有趣的是，這件現正於《LEARNING FROM JAPAN》展覽中亮相的Model 101，早在1942年時即首度公諸於世，而當時就是用來裝飾仍稱為「丹麥裝飾藝術博物館」（The Danish Museum of Decorative Art）的丹麥設計博物館。

在設計及工藝層面，又以木家具及陶瓷餐具，最能看出丹麥與日本兩者間的影響與交流。以丹麥設計大師Finn Juhl在1953年設計的Model 137的日式沙發為例，這座沙發特色不僅擁有偏低的和室風格設計，椅框架構更是以日本廣島縣甘日市湖上的鳥居水門（Miyajima Water Gate）為靈感，從椅座背後看去就能發現這隱藏的巧思。

由丹麥設計大師Jacob Jensen於1967年設計的咖啡壺（左），帶有1950年代後以功能與極簡為導向的設計風格。與知名丹麥建築師Knud Holscher相同，Jacob Jensen回歸材質本身、專注於功能的極簡風格，靈感均汲取自日本簡約低調的器物美學。由陶藝家Snorre Stephensen於1984年設計的餐具組（右），從木製托盤、無把手茶杯、小型醬油瓶的設計，到容量小巧、形式多樣的陶製碟子，都顯現出日式餐飲習慣對於當代丹麥陶藝家作品的影響。

畢業於丹麥設計學院的知名設計師Hans Sandgren Jakobsen，曾於獲得獎學金於日本學習設計一年，而他在1998年設計出的gallery椅，整體風格極簡，並且將合板曲木的彎曲度發揮到極致，兼具創新工藝與美學風格。目前Hans Sandgren Jakobsen持續為丹麥及日本品牌打造設計作品。

新一代丹麥設計師Rasmus Fenhann以赴日本見學期間獲得的靈感，打造出名為「Hikari」（日文意指「光」）的燈具，並於2010年入選為丹麥藝術基金會（Danish Arts Foundation）的「年度丹麥工藝系列」。採用幾何多面體結構設計，穿越手工和紙透出的光線顯得均勻柔和。設計師曾表示，日本對材質及細節的講究對他的設計帶來許多啟發。 
 

文／方敘潔

攝影／方敘潔

圖片提供／National Gallery of Denmark、Designmuseum Danmark

本文選自《LaVie》2017年4月號 未經授權請勿任意轉載

即日起至2026年10月3日走進台北當代藝廊TAO ART，從旅美設計師吳季剛和美國畫家羅伯特勞森伯格跨時空、跨領域的靈感交會，看時尚與藝術如何並置一地，激盪出有別於獨立存在時的嶄新火花。本篇3段式詳解兩位各擁深遠脈絡且皆打破傳統框架的創意風格，同場邀你共賞吳季剛揚名國際後首度回台辦展所帶來亮點之作。

坐落內湖辦公大樓內的新型態藝術空間TAO ART，現正進行跨越藝術與時尚邊界的開創性展覽《Robert Rauschenberg and Jason Wu: Common Threads》。回推策展緣起至2025年，為紀念美國藝術巨擘羅伯特勞森伯格（Robert Rauschenberg）百年冥誕，享譽國際的台裔加拿大時裝設計師吳季剛（Jason Wu）特別聯手羅伯特勞森伯格基金會（Robert Rauschenberg Foundation），向其生涯創作汲取靈感，以構思自創同名品牌Jason Wu 2026春夏系列《拼貼（Collage）》，同時將羅伯特勞森伯格作為戰後美國藝術先驅對圖像、布料與現成物的激進運用提升至全新維度。

此次展覽除呈現該系列服裝作品外，亦展出來自紐約、包含直接啟發吳季剛設計之重要作品在內的羅伯特勞森伯格基金會私人典藏；利用時尚與藝術的並置，全展不僅回望羅伯特勞森伯格對藝術史的深遠影響，更進一步重繪藝術文化的未來可能樣貌。

#01 解構拼貼宇宙：

當吳式優雅，遇上勞森伯格式叛逆

當年憑藉美國前第一夫人蜜雪兒歐巴馬（Michelle Obama）身穿其設計禮服出席前總統歐巴馬就職典禮一戰成名，吳季剛至今以精緻、優雅且充滿女性力量的現代美學風格聞名於世，並陸續為全球多位最具影響力女性與文化指標人物量身打造衣著。始終視各領域視覺藝術為豐沛靈感泉源的他，諸如曾於原創作品內帶入台灣書法藝術家董陽孜行雲流水的筆墨線條，或在上述與羅伯特勞森伯格基金會共同開發的《拼貼》系列中開展跨界對話，比比皆是實例。

且因投身後者這一別具指標性的合作案，吳季剛深入研究羅伯特勞森伯格的藝術宇宙，尤聚焦發想於1970年代的兩代表性系列《白霜（Hoarfrost）》和《機場套裝（Airport Suite）》，讓作品上大膽展示的拼貼藝術、集合藝術（Assemblage，即「立體」拼貼藝術），以及對布料媒材的創新實驗，巧被轉譯為當代時裝設計語言——並非單純挪用藝術家所作圖像，而是內化他當時對材質的敏銳感知後，透過解構、拼接與堆疊等手段重新詮釋其創作精神。

#02 串聯美術館與伸展台：

審慎考據後，兼行「具體物件移植」與「抽象心法重現」

▶ 先看兩大系列各蘊含哪些獨特技法與元素

1974至1976年誕生的溶劑轉印系列《白霜》，由羅伯特勞森伯格自行發展出的獨特技法創作而成。他首先轉印內容涵蓋政治人物、體育賽事、消費商品、科學圖表及生活片段的報紙和週刊雜誌（如《新聞週刊》、《時代雜誌》等）圖樣至半透明的絲綢和雪紡布料上，再將未經裝框拉平的織品僅以圖釘鬆散地懸掛於牆面，隨周圍氣流飄動。層層疊疊的輕盈效果，使圖像不斷游移清晰與模糊間，構出如從冬日霜窗凝視世界般夢幻而神祕的視覺深度。原本來自大眾媒體的政治或商業符號，也在柔軟氛圍中被轉化為記憶碎片似的溫和存在。而吳季剛除重現轉印質地於《拼貼》系列，更藉布料毛邊自然流露的粗糙感與未完成感，精準呼應原作系列所蘊含的材料精神與詩意狀態。

1974年誕生的紡織版畫系列《機場套裝》，則融匯自帶肌理的材質，凸顯工業符號意象。作為羅伯特勞森伯格的首個凹版印刷企劃，該系列彼時可謂對材料與印刷技術使用邊界有所動搖：他摺疊異質布料，並在其表層和裡層同時進行印刷；如此一來，布料便能在被展開或縫合後，形成極具延展性的影像結構。藝術家且突破繪畫與物件製作的傳統界限，盡把瓶蓋、鈕扣、直尺等日常拾得物直接縫進布料載體，打造兼具繪畫、拼貼與雕塑特徵的作品。這些物件所保留看似平凡的痕跡，卻成作品敘事中不可或缺的元素，映現羅伯特勞森伯格不斷思考藝術與生活之間關係的創作實踐。

▶ 再看設計師怎麼將它們轉化到服裝作品上

本展示眾之Jason Wu 2026春夏系列作品〈Cat Paws〉即揉合瓶蓋和鈕扣元素，善用材料肌理的交互作用促成富動態感的視覺節奏；〈Sheephead〉另於構圖上引入與測量、秩序及工業生產相關的直尺工具，讓現成物與印刷表面展開有趣對話。從物件拼貼、層次堆疊到材質轉化，吳季剛對羅伯特勞森伯格縝密的研究工作貫穿設計各階段，藉其材質敏銳度深刻形塑每件服裝從廓形剪裁、布料開發到表面處理的所有細節；最終呈現遂在維持Jason Wu品牌一貫精緻優雅風格的同時，注滿前所未有的實驗精神。

#03 引領觀眾近賞戰後藝術：

三方攜手並置典藏作與現當代新作，吳季剛台灣首展意義非凡

1925年出生、2008年逝世的美國當代藝術家羅伯特勞森伯格，一生傾力顛覆傳統流派對藝術的既定認知，挑戰繪畫的平面性與雕塑的三維界線；以使各式日常拾得物如塑膠、紙板乃至回收品躍然畫布的創作手法著稱，進而於1954至1964年間祭出著名的「融合繪畫（Combines）」、1964年獲威尼斯雙年展國際繪畫大獎。身兼運用絲網印刷和溶劑轉印技術的重要先驅，他亦透過重新拼組大眾媒體影像，反映二戰後由電視主導的資訊時代。設有勞森伯格海外文化交流組織（Rauschenberg Overseas Culture Interchange, ROCI），於冷戰後期率領團隊走訪全球11個國家，蒐集在地材料、與當地工匠合作並舉辦展覽，再再藉由行動證明藝術是一種得以跨越政治分歧的通用語言。

談及本次展覽，吳季剛表示，「我非常興奮能將2026春季系列帶回台灣，並讓觀眾重新認識羅伯特勞森伯格的精彩創作。同時，這也是我的設計作品首次與其靈感來源的原作並置展出，使人能夠更直觀地理解『轉譯』的過程。」甚稱《拼貼》不僅是對羅伯特勞森伯格的致敬，也是他的自我反思——「作為一名移民者，我是如何收集看似分散的文化與視覺參照，並將它們重新編織進我的創作之中。」

羅伯特勞森伯格基金會執行長Courtney J. Martin則說明，羅伯特勞森伯格的創作實踐奠基於創作者面對『藝術可能性』的廣闊理解，「他對紡織材料與現成影像的運用，挑戰了純藝術與日常生活之間的階級藩籬，並為新型態的表達方式開啟空間，至今仍在跨領域創作中持續產生共鳴。」恰如吳季剛與以上可見所有作品的對話，正體現不二創造力與實驗精神，證明羅伯特勞森伯格過去的創作之於今天的藝術家與設計師而言，仍是充滿生命力的源泉。

羅伯特勞森伯格基金會（Robert Rauschenberg Foundation）

立足於羅伯特勞森伯格的傳奇資產，強調其生前信念「藝術家能推動社會變革」，並讚頌創新甚或未經檢驗的全新思考方式，一如羅伯特勞森伯格始終致力在藝術與生活的縫隙中展開行動。

TAO ART

由藏家陳薇捷（Vicky Chen）與父親共同創立於2020年。結合收藏和展示功能的空間，由日本建築大師青木淳以「都市園林」為概念，打造出融合古典、經典與當代藝術的新型態場域，並藉由白立方、茶室、起居室等空間，體現藝術融入日常的可能性，進而以生活化方式將藝術介紹給觀者。一方面支持台灣當代藝術躍上國際，一方面亦將國際資源引入台灣。現透過定期舉辦展覽、座談及交流會，目標成為台灣與國際接軌的平台。

吳季剛台灣首展《Robert Rauschenberg and Jason Wu: Common Threads》

• 時間：即日起至2026年10月3日11:00-19:00，每週日、一休館
• 地點：TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）

Longchamp x Caroline Hélain首發膠囊系列重磅登場！延續2026秋冬系列品牌創意團隊所發想的「Creative Curiosity」概念，此次全新聯名服飾、配件及包袋特別攜手比利時藝術家Caroline Hélain，以9幅採用手裁布料層疊而成的岩礦地景，激發人們的探索欲與創意好奇心。隨本篇認識這位創作遊走於具象與抽象之間詩意地帶的當代視覺藝術家，同場看該系列從T恤、絲巾、托特包到旅行包等「自然系」單品設計亮點。

永續與創新，無疑是當代設計兩項不容忽視的重中之重。向來秉持真誠活力與樂觀精神的Longchamp，自1948年憑製作皮革煙斗起家至今，已然發展成為產品涵蓋旅行配件、包袋、服飾、眼鏡及鞋履等豐富類型的全方位生活風格品牌。2026年，Longchamp進一步將其社會責任與環境承諾制度化，透過取得B Corp™企業認證，嶄露不懈推動永續生產的決心。

與此同時，針對自家商品設計與時下藝術脈動的結合，Longchamp亦不遺餘力；舉凡數度攜手多元藝術家推出聯名系列、連年攜各式挑戰工藝邊界的創意家具進軍米蘭設計週，比比皆是實例。本季，品牌懷抱感性與好奇心，首度與比利時視覺藝術家Caroline Hélain展開合作，轉化藝術家所縫製細膩且富有層次的獨特地景為服裝與皮件圖樣，從而以滿含詩意的跨領域對話再次印證：作為Longchamp成立70餘年來的創作核心，廣義「藝術」及其多元表現形式始終扮演品牌旗下一切設計的關鍵角色，深度聯繫著創意團隊對長遠未來的嚮往心情，以及品牌受眾對嶄新視野的開放態度。

▼ Longchamp日前落地台北的2026秋冬系列發表會，於現場構築一座沉浸式畫廊展陳單品

在藝術與實驗之間——認識藝術家Caroline Hélain：

以手裁布料為基礎，描繪光影下別具生命力的自然形態

視覺藝術家Caroline Hélain現居比利時布魯塞爾，兼於布魯塞爾藝術學院進行研究工作，藉交流與實驗持續拓展藝術視野。大都汲取靈感自植物與自然景觀，其作品發跡於手工裁剪和塑形的布料，並經不同材質與色調層層拼接構成，各細節組成脈絡可謂遊走在觀察與記憶、具象與抽象地帶。尤其擅長以細膩視角感知周遭的她，且多運用風景、材質與視覺感官的連結，重新詮釋記憶中的景象；從色彩相互映襯的節奏、線條交織產生的律動、各層布料擁有的共鳴，乃至自由縫製所勾勒出的線條語彙，全是成就Caroline Hélain標誌性風格的有形與無形符碼。除從事個人創作外，她也通過工作室及文化機構舉辦的工作坊，分享自身於縫紉和刺繡領域的專業知識與實務經驗。

針對此次聯名，Caroline Hélain表示，「我的藝術創作存在於具象與抽象之間。與Longchamp的合作，讓我有機會將作品中的自然景致化為可穿戴作品。我所描繪的地平線能隨身形流動，以環繞整體輪廓，這對我而言別具深刻意義。」細賞她精心打造的系列單品，時有一座沙丘、一片峭壁，抑或一道天際線浮現，恰似幀幀被解構後重新拼湊的風景畫。

專屬創作躍然多元單品，邀你穿戴探索未知風景

Caroline Hélain共為Longchamp 2026冬季系列構思9幅專屬地景，各幅作品一方面以細緻的織紋肌理和色彩層次堆疊與品牌單品本身線條有所呼應的柔和意象，另方面而言亦借力於Longchamp精湛製衣與鞣革手法的二度演繹，躍然服飾配件之上。

首先，Daylong系列皮革包袋善用多層次拼接再現藝術家的地景創作，並由Longchamp工坊匠人悉心縫製，盡展品牌工藝底蘊。包型部分提供迷你包與旅行包兩種，邀人們踏上探索未知風景的旅程。

再者，鮮明的色彩構圖同步渡上毛衣與長洋裝，使多款服飾彷彿點綴流動壁畫般自帶生命力。其中最具代表性與辨識度的無袖背心，揉合皮革與初剪羊毛圈紗材質，描繪沙丘和模糊天際線交會的壯麗景觀，實踐藝術與工藝的精妙平衡。

最後，Longchamp遊牧風格衣櫥內所收藏的絲巾、喀什米爾方巾、口袋飾以地景圖樣的T恤，和Le Pliage系列棉質帆布托特包等單品，無一不讓人一眼即識Caroline Hélain的創作。色彩部分選用橄欖綠、薊花紫、焦糖褐與芭蕾粉等富有礦石質地的大地色為主調，帶出自然沉靜的秋冬氛圍。

「每一季，我都熱衷於發掘不同領域的創意人才。我初次看到Caroline Hélain的作品時，不僅被她細膩的藝術感知所吸引，也深深著迷於她精湛的創作技法。這兩種特質恰好呼應Longchamp一直以來重視的創意探索精神與工藝底蘊，因此便順理成章地促成此次合作。」——Longchamp創意總監Sophie Delafontaine