一場動輒要價幾千塊的演唱會門票，瞬間秒殺。絢麗的聲光效果娛樂性十足，也讓台下觀眾如癡如醉，表演舞台永遠充滿百變驚奇，是誰在背後施予魔法，讓視覺與音樂共振催化情緒？

即將沸騰的一晚，手持著霓彩螢光棒的觀眾們在暗黑夜幕中等待，時而焦躁、時而雀躍，突然，開始有了些許光影。嘈雜人聲隨即靜默，舞台上立面環狀的LED螢幕閃耀，湛藍天空裡群蝶飛舞，迷霧藍和艷霞紅燈光交互輝映，照亮夜空，前奏音樂結束的瞬間，一座壯麗神秘的古歐洲宮殿在眼前展開，主角梁靜茹翩然現身，身著暗色天鵝絨禮服，唱起開場之作〈燕尾蝶〉，動畫彩蝶隨旋律有了生命，繚繞其左右，環狀的LED螢幕在身後緩緩上升，音樂也慢慢高昂，「你是火，你是風，你是織網的惡魔，破碎的燕尾蝶，還做最後的美夢⋯⋯」主角激動唱著，飽滿濃豔蝴蝶花朵圖騰躍出畫面，張揚地傳達整首歌華麗新生的氛圍。當全場正定睛享受《你的名字是愛情》世界巡迴演唱會，幕後一角，龐奇視覺設計的工作人員正緊盯著演出，跟著歌曲變化播放影像。

這裡的視覺指的是包含2D、3D動畫、互動影像、裝置和合成特效的總合，加上了舞台製作、燈光、音效、服裝、音樂和舞蹈，匯演成一場時下最具娛樂價值的體驗活動─演唱會。十年之前，我們所能參與的在地演唱會並不足以用聲色俱佳來形容，當世界表演舞台發展正熱，台灣還處於以投影機、電視牆靜態更換演唱背景的時代，因緣際會下擔綱背景設計的傅強大膽提出想法。

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翻玩視覺，讓演唱會生動起來

美術系科班出身，傅強對藝術所能發揮的影響力深懷期許，創作者的努力應該不限縮於藝廊，能夠面向大眾，舞台更寬廣。「攝影、裝置藝術乃至於文學都可以成為一種娛樂形式，就像是Madonna和Michael Jackson演唱會，除了音樂還融合了科技技術、表演藝術、時尚與文化等多元美學。」以兩大經典偶像為啟發，傅強招集一群各懷才藝的學弟妹們嘗試實驗、翻玩視覺，讓演唱會生動起來。

2006年他創立龐奇視覺設計，並藉由周杰倫2007世界巡迴演唱會立下名聲。從濃厚的新派中國風如〈菊花台〉、〈霍元甲〉，跳轉到動感帥氣的〈牛仔很忙〉、〈雙節棍〉，傅強將歌詞關鍵元素如鷹爪、扇子等化作視覺拼貼，機械感動畫與舞台機關裝置虛實整合，創造出繽紛且活力十足的穿越世界。

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多元美學開創風格

至今仍維持自己購票在台下當觀眾的他，如此定義「值回票價」的成功表演：「我想看到舞台、燈光、視覺、舞蹈、造型營造出特別的空間氛圍，帶我進入音樂幻境中，與我身旁同樣盡興的群眾同歡，無論是高亢或悲傷，讓感動可以視覺化，感官化，而不是只存在於個人抽象的音樂聽覺中。」視覺不僅活化演出內涵，也賦予娛樂新價值。「我們像是一個視覺魔術師，工作就是讓音樂和視覺產生化學作用，創造出身歷其境、具有共鳴的體驗。」傅強如是說。

共鳴體驗並無公式可循，全仰賴創作者的本事。「音樂所帶動的情緒，是設計重點，怎樣排曲目可以讓這三小時的演出有層次，有想法，這些都需要非常了解演唱者的性格，如果太過依賴既有形象去設計，就會缺乏Live表演特有的驚喜，而太過跳躍式的設計，也會讓觀眾錯愕，難以引起共鳴。」

作為魔術師，擁有視覺想像力是必備條件。但因為隱身於幕後，創作過程並不光鮮，多半時間必須專注於電腦前，掛上耳機，沉浸於音樂世界中描繪出畫面。想像力之上，專業的精進在於視野廣度和品味深度，以此開創新局。傅強對新知、創意探求總是熱情，從時尚攝影集、小說到裝置藝術特輯涉獵廣泛，並將所得應用至創作，他更試圖打通多元渠道，豐富視覺可能性，例如請插畫藝術家為演唱會量身打造視覺。

2015年蔡依林《PLAY》世界巡迴演唱會，傅強首次與演唱會界的傳奇人物Travis Payne合作，Travis Payne曾為Michael Jackson御用編舞家，是全球知名的演唱會導演。導演統籌所有表演內容，並提出方向，「我收到Travis的Brief，他針對每一首歌的主題標上了關鍵字，如岩漿、蝴蝶、性感，甚至是顏色。」對他來說，無論具體、抽象或包羅萬象的概念，視覺設計都並須從樂曲中找出細微線索，而聚焦關鍵便是美學敏銳度，才能讓語彙調性對頻。「我找了一些參考畫面跟他討論，溝通十分順暢。」合作愉快結果是一場火花四射的演出，傅強利用20個分明場景快速變化，突顯出表演的張力和節奏

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整合專業，提升創意能量

近年來，演唱會經濟快速成長，帶動了產業發展。以3小時平均30首歌的標準演唱會格式來說，約有6成時間伴隨著視覺。資源龐大，形式越來越複雜，專業分工與整合相形重要。「現在的演唱會越來越複雜，牽涉到的技術難度跟溝通也越來越繁瑣，每個不同專業領域，也需要跨出自己的範圍，來瞭解其他領域的運作，才能將問題徹底解決，畢竟很多時候我們在講創意，殊不知技術解決以後，創意才能出現。」長年觀察歐美演唱會運作，站在視覺指導（Visual Director）的高度，傅強看得長遠。不僅硬軟體整合，保有橫跨專業的美感統合見識，才能成就風格弘遠雋永。

去年，永遠青春不敗的偶像Madonna來台開唱，他買票坐在台下欣賞，感觸良多，於是在部落格寫上心得，紀錄了專業觀點，點出值得學習的做法之餘，也回歸粉絲角色：「看完這次的演唱會，我的體驗就是，我可以永遠對娜姐有期待，因為他就是願意把所有好菜端上來給全世界的一個藝人，也許體力不如當年，美貌不是巔峰，但總是保持年輕的心，跟來自世界各地的菁英團隊是娜姐意志的延伸，不只追求完美，它更重視每個觀眾的感受。」這些反芻，正是傅強的龐奇（PUNCH）力量來源，繼續給予時代猛烈一擊！

Info│傅強

國立台北藝術大學美術系畢，2006年創立龐奇視覺設計，以視覺創作結合娛樂表演，強調不同型式的元素混搭，並結合3D動畫、互動空間、裝置、影像、合成特效，偕同舞蹈、音效、舞台、表演、藝人一體呈現，創造音樂震撼，讓舞台充滿百變魔幻的驚奇。

代表作包括2007周杰倫世界巡迴演唱會、2008五月天《回到地球表面》世界巡迴演唱會、2013金曲獎頒獎典禮、2014香港電影金像獎頒獎典禮、2014 孫燕姿《克卜勒》世界巡迴演唱會、2015 蔡依林《PLAY》世界巡迴演唱會、2015 梁靜茹《你的名字是愛情》世界巡迴演唱會。

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Text／吳書萱

Photo / Terry Lin

圖片提供／超級圓頂

【更多精彩內容請見《LaVie》2017年4月號】

當運動遇上動態影像，皆以「動」為特質的兩者理當契合自如？操刀2020東京奧運競賽圖標動態設計的日本動態設計師井口皓太，道出用動態影像呈現運動主題的挑戰——正因為運動已是動態，怎麼用動態再創新意實為考驗。

2020東京奧運，井口皓太以競賽圖標的動態設計和閉幕式的球體無人機燈光秀演出漂亮的一役。在那之後，他陸續經手了諸多運動品牌、賽事的商業設計。串連起運動和動態設計兩者的關鍵字為何？井口皓太的回答是：「兩者都在追求極致。」

以動態設計呈現身體張力

長年與NIKE合作的他，對於運動品牌的設計、概念策劃並不陌生。但在擔綱了東京奧運競賽圖標的動態設計後，再次認識到「運動」和「動態設計」兩者之間高度的契合。此外，在做奧運競賽圖標動態設計時，他翻閱大量相關參考資料，對於運動選手們在挑戰肉體極限下所展現的優美姿態留下深刻印象。也因此在近年多數的作品中，他更特別意識著如何在其中表現身體力度。

他替日本籃球協會（JBA）所設計的系列視覺作品「JBA Beyond for FIBA 2023」便是十分貼切的案例。配合著打擊樂，日本籃球國手的定格剪影在一個個節拍下加疊成逐格動畫，加上同時出現在畫面上「強大的自信」、「壓力越大越過癮/對手越強越好」等令人熱血沸騰的標語，在短短15秒的廣告內，呈現簡潔卻充滿力道的視覺效果。

井口皓太說明，在著手動態廣告之前，先進行了平面海報的拍攝。看著收到的海報草案時，他決定延續海報中捕捉動態瞬間的意圖，便以底片顯影的概念再現了選手移動的每個瞬間，營造出剎那的臨場感。而與之對比的是上方充滿躍動感的文字，時而呈現汗水的揮灑，時而詮釋高速移動下的空氣流動。文字、影像與音樂合而為一，精準傳達了運動場上的緊張與激昂情。

不被囚禁於螢幕，整個空間都是動態設計體驗

然而井口皓太也強調，從事運動廣告設計時，聚焦於競技固然重要，但也必須考量到與周邊圖像素材間的平衡。「為了不要破壞設計的視覺呈現，解讀 圖像本身既有的『時間』與『空間』維度也十分重要。」

如經手2023年底在銀座甫開幕的NIKE概念店「NIKE GINZA」整體設計時，井口皓太首先碰到的難題便是如何轉化「銀座」的古典形象。他說明，由於作為主視覺的「銀座」兩字是非常傳統的日文漢字字體，品牌方最初擔心是否難以在文字設計上賦予運動的動態要素。

面對此一挑戰，井口皓太提案將「座」一字中的「人」抽出，任其在畫面上高速奔跑、自由變形，藉此在畫面中帶入空間維度與動態力度。在這檔設計案中，他不只負責主視覺設計概念，更參與店內、車站電子螢幕的陳設規劃。他強調，作為動態設計師，重要的是必須意識到影像動畫的播放方式和地點。並不只是在影像螢幕 的框架內思考，而必須將路過的行人、停下腳步觀看的觀眾加入作品整體的一環著手構思。

在日本首間喬丹品牌旗艦店「World of Flight Tokyo Shibuya」中，正完整體現了他對於空間營造的巧思。店面入口通往商場長達25公尺的長廊內，搭設了整面的電子螢幕。慢動作運球、上籃的選手剪影帶有些許「霧裡看花」之感，但在大面積色塊的渲染與聲光效果加乘之下，一步步推漲了人們進入店面前的期待感。

井口皓太說明，美國波特蘭的品牌方希望在設計中加入日本的元素，於是他以和式紙門為核心概念，用半透明的濾鏡進行拍攝，並以燈光營造出朦朧的光影之美。

運動設計是向選手致敬的過程

運動和動態設計兩者乍看之下十分契合，但井口皓太認為正好相反。「動態設計的有趣之處在於『讓靜止的東西動起來』，也可以說是『讓看起來不會動的東西動起來』，進而從中創造驚奇與發現。但因為運動是動態的行為，人們反而會先入為主地想要捕捉其靜止的瞬間。」但他也強調，該如何突破此一固有觀念，替觀眾帶來新的體驗，正是設計師的職責所在。

問及是否有其他曾留下深刻印象的運動設計，井口皓太介紹了已故設計師野田凪2001年的「NIKE Swim Campaign」系列作品。「雖然是靜止的圖像，但透過水面折射放大了模特兒的身體呈現，這樣的詮釋方式直到現在都還深深烙印在我腦海裡。」此外，NIKE在2010年為世界盃足球賽製作的影像廣告「Write the Future」也是他會定期觀看的作品之一。他說這部影片「不論是劇情轉折、笑點、快慢適中的剪輯與音樂選用，都堪稱十分完美。」

其實井口皓太到高中為止都是一名棒球少年，他說，作為一名捕手，捕捉眼前所有動態現象的觀察能力、由靜轉動的力學知識等，都對日後的設計工作產生許多幫助。在組織設計團隊CEKAI時、從事設計總監工作時，也不時會回想起過往在球隊的團隊合作生活。

「為了追求完美表現，運動選手們將身體機能發揮到極致，這點其實與設計工作相同。為了追求美學的巔峰，設計師得去計較每一釐米、調整每一個畫格的差異，反覆碰壁之下才終於找出最佳解答。因此，我想『運動是為了什麼而存在？又是為了什麼而需要追求極致？』這個提問，也可以從設計師們身上得到解答。」他說，自己有幸從事運動相關設計，也是在時時提醒著自己必須勤奮不懈地面對自身工作，才能毫無愧疚地透過創意為選手致上敬意。

井口皓太（Kota Iguchi）

動態設計師、創意總監。1984年生，以紐約、東京兩地為據點從事設計活動。擔任總監的大型戶外裸視3D廣告「NIKE Air Max Day 2022」獲得高度討論與關注，亦以東京奧運競賽圖標的動態設計師而為人所知。聚焦於動態設計領域，作品獲得國內外多數獎項肯定。

^{文｜廖怡鈞
圖片提供｜井口皓太}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/7月號《運動的設計進行式》

Apple為最新力作iPad Pro推出的廣告影片〈Crush!〉，在歐美世界引發巨大爭議，許多知名演員、導演、作家等藝文界人士轉發庫克（Tim Cook）推文大力批評，不少Apple的科技同業也給出負面評價；最後，Apple發出道歉聲明：「很抱歉，我們的廣告並沒有達到預期的目標。」究竟這短短一分多鐘的影片為何引戰，甚至被認為是科技吞噬創意的縮影？

史上最強也最薄的iPad誕生

讓我們把時間倒轉回5月7日。當天Apple在倫敦近年最火紅的地標——巴特西發電站（Battersea Power Station），舉辦了創立以來第一場英國發表會，會上最大焦點非iPad Pro莫屬，它除了有超薄的5.1mm機身，更搭載全新M4晶片讓創作者能與AI高效協作。新品引人讚嘆的同時，Apple同天發布的新廣告〈Crush!｜iPad Pro〉卻引爆網路社群上的噓聲。

巨大液壓機粉碎創作工具

長約一分鐘的〈Crush!〉，襯著愜意樂曲，上演一台巨大液壓機將樂器、油漆罐、老式遊戲機檯、雕塑、模特人檯、數位相機……通通壓碎的情景，等到機器再次升起時，一臺iPad Pro現身，旁白說道：「史上最強大的iPad，同時也是最薄的。」（The most powerful iPad ever is also the thinnest.）

如果看過Apple以往的廣告，會明白詼諧、幽默是其中鮮明的個性，但〈Crush!〉的寫意在許多人眼裡卻是種殘忍，彷彿宣告著人類的創意、以及成就這些創意的生產工具（如油漆、樂器等），都將被機器與科技摧毀後取代。

觀眾怎麼說？

看過這則廣告的英國知名演員休葛蘭（Hugh Grant）說：「人類經驗（human experience）的毀滅，感謝矽谷。」；曾執導Amy Winehouse傳記電影《Amy》（2015）的知名紀錄片導演Asif Kapadia，則表示自己喜歡iPad，但不懂為何有人認為這影片是個好點子，「它誠實地暗喻了科技公司對藝術家、音樂家、作家、製片人們做的事：擠壓、利用他們，卻不給合理的報酬，奪走一切然後說這一切都是由自己創造的。」

把視線望向Apple在矽谷的「盟軍」，也就是Asif Kapadia口中的科技界人士，幾位有影響力的公司高層也跳出來批評，像是Airbnb、Reddit、Dropbox等知名公司幕後資助者Y Combinator創辦人Paul Graham就寫下：「賈伯斯（Steve Jobs）絕對不會發布這支廣告。」暗諷品牌現任掌舵者。

問題出在哪？時代背景、廣告策略或Apple的身份？

在影音爆炸、甚至是氾濫的年代，社群河道上不乏科技取代人腦的惡趣味內容，為什麼〈Crush!〉觸怒那麼多人？身在人類有史以來最接近科技奇點的社會，在人工智慧（AI）有可能取代人力與人腦的文明轉捩點，〈Crush!〉在部分觀眾眼裡形成一股惡意——畫面中那台液壓機粉碎的不只工具，更是人類的創意與靈魂，而這些都將被科技機器取代；更何況發布這則廣告的是Apple，當今全世界科技界的龍頭之一。

不過，Apple為〈Crush!〉設定的廣告策略，真的含有惡的成分嗎？每則故事在每個人眼裡會看出不同寓意，而《Business Insider》資深科技與文化線記者Katie Notopoulos在一片罵聲之中，提出了有意思的觀點。她肯定觀眾對大公司廣告提出批判的閱聽意識，卻也直言：「這則廣告的目的很明顯是要炫耀新的iPad非常薄，還可以把一大堆應用程式打包在裡頭。」

看到這裡，我們不妨換個角度看〈Crush!〉——那些被液壓機粉碎的物件與工具（視覺上）確實被摧毀，但「毀滅」後卻也獲得了「新生」，並融入iPad之中，就如Katie Notopoulos所寫：「iPad不是要取代鋼琴，它是一台擁有GarageBand（音樂創作軟體）的平板電腦；也沒要取代繪畫，而是擁有平面設計App的工具。」

換句話說，iPad讓樂器、畫筆等創作工具換了個形式，被裝入一個更輕便的載體；而〈Crush!〉想表達iPad提供了有別於傳統的創作選擇，並透過科技的力量將數種工具的功能打包於超薄機身，目的是讓創作更有效率，而非消滅既有的工具。

只可惜，「這支廣告概念本身太無聊、也太淺顯。」Katie Notopoulos認為Apple這次傳達故事的手法太過「簡單暴力」，導致本意模糊，才是觸動藝文界人士神經的根本原因。另外也有網友表示，這支廣告直接得罪（offend）了iPad一大批核心用戶——這番話並不無道理，畢竟許多設計師、插畫家、藝術家、音樂人等，都以iPad作為第二（電腦以外）、甚至是主要的創作工具。

Apple這麼說

那Apple想透過〈Crush!〉傳達的訊息究竟是什麼？說來有點諷刺，我們可以從官方道歉聲明中知道：「創造力是Apple的DNA，我們設計的產品能為全世界的創作者賦能，對我們來說非常重要。我們的目標始終是讓使用者能透過各種方式表達自己，並透過iPad將想法化為現實。很抱歉，廣告並沒有達到預期的目標。」

爭議背後躁動的焦慮——我們真的會被機器取代嗎？

〈Crush!〉反射出科技與藝術、音樂、設計等創意領域的矛盾關係，甚至是機器與人類的對立，背後躁動的是人類擔心被機器替代的焦慮。近年許多爭議都是因此而起，在ChatGPT能快速整理資料、寫短文；midjourney能算出極其精緻的圖像；以及各種AI工具盛行的時代，引發各界工作模式的轉變，比如設計與藝術競賽順應時勢將AI作品納入評選，同時評估判斷人類、AI創作的標準；各領域工作者重新思考創作的意義，並試圖找尋與科技協作的方法。

未來AI會發展到何種境界，可以預見但難以斷言，〈Crush!〉爭議給了我們反思與科技之間依存關係的機會，也意外揭露了許多人仍用力擁抱人類思維的詩意、手工創作的價值，這是AI難以取代的（至少目前如此）。

最後，來看導演Reza Sixo Safai在X上分享的〈Crush!〉改編版本，他將腳本的情節順序調換，讓液壓機壓碎iPad Pro後，化為樂器、雕塑、遊戲機、顏料等創作工具；還特別把背景音樂換成Sonny & Cher在1965年發表的歌曲〈I Got You Babe〉，其中意涵不妨配著歌詞細細品味。

不抱著偏見與預設立場第一次看〈Crush!〉、看過評論家的觀點後回看，再看Reza Sixo Safai的改編版本，想必會有不同的感觸與想法。面對科技融入工作與生活，每個人有各自的操作守則，期待我們都能找到屬於自己的準則。

資料來源｜Business Insider、Variety、CNN