「策展」概念的無限推衍，大家都知道那是怎麼一回事，那麼「佈展」呢？佈展在台灣如何成為一門專業？對於展覽的美感與風格能夠起什麼作用？想了解這些問題，我們必須認識陳懋璋，或是江湖名稱「懋」這個人。

「藝術領域這麼多工作和位置，為什麼你選擇從事佈展？」

「不是選擇，一開始進到這圈子，我就在做佈展。」懋打開一個小盒子，拿出一張黃色便條紙，上面寫著「姚瑞中，長安街⋯⋯」。這是一張18年前寫好的便條紙，彼時的懋是個有點茫然的高中生，就讀藝術傳統名校復興美工，卻鬱鬱不得志，還得罪了老師，差點被退學。轉往夜校後，他偶然看到《在台北生存的一百個理由》書裡藝術家姚瑞中的文章，開始對於進入藝術圈充滿嚮往。驚喜地在學校課堂上，遇到執教攝影課的姚瑞中，便在課後主動問老師「能否教我一些課堂外的東西」，姚瑞中聞言便給了這張便條紙，要懋週末到工作室找他。那張便條紙、那個星期六，就成了懋航向藝術的起點。

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在佈展中長大 80後的資深藝術人

1980年出生的陳懋璋，一頭捲髮加上細框眼鏡，身穿油布風衣和尖頭皮鞋，看來活脫脫是個「約翰藍儂」，他聽Oasis、Radiohead，並且堅持我們在字裡行間要稱呼他為「懋」，而不是什麼「公司負責人」。很難想像這麼年輕的他，佈展資歷長達18年，創辦了台灣第一家專責展場技術規劃與執行的公司，長期合作的客戶包括藝術家陳界仁、其玟畫廊、北師大美術館、獨立策展人鄭慧華等等。早在漢語語境尚不流行「策展」、「佈展」這類詞彙的時候，他就已經從事這件事，並且矢志不移地一路走來。「我不是典型的夜校生，白天拿著相機到處拍，累積攝影作品，晚上也不上課，而是去看展覽、聽演講，和藝術家鬼混，要不然就是幫他們弄展覽。」懋說，所有他具備的，關於佈展的知識、概念，包括和藝術家、策展人與展場單位溝通的方式，都不是從系統化的學習中得來，而是實務經驗中累積、觀察所得。

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有時是藝術家直接提出的要求，像是「這幅畫請處理到（離地）多少公分」；有時是觀察到藝術家的助理們如何處理展示空間、如何安排作品與展場的關係；有時則是發現亞洲和歐洲展場對於此類要求、安排的標準或做法不同等等，懋在大量佈展也看展、感受展覽的過程中，去理解「每一件事情的生成、姿態，背後有哪些原因」。他舉例，某次隨陳界仁到盧森堡展出，當時除了有影像作品在半開放的空間投影之外，還有一些文件要展出，但是展場可用的燈軌很有限，當懋思考著如何打亮文件的展示空間，策展人卻做了令他大感意外的指示：把燈打暗。「暗到你走進那個空間以後，眼睛必須適應一下光線，才能看到文件，但是觀看效果是好的。這讓我知道展示作品不一定要硬去打光，硬是調整到我們認知中的那個亮度。」懋說。

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懂藝術也懂技術 把佈展變成一門專業

2009年他在畢業後找來其他兩位有佈展經驗的朋友，一起成立工作室，為客戶提供展覽技術與執行的服務，後來再改為「藝術戰爭公司」。創業初期，因台灣藝術產業在佈展技術上的需求仍低，懋和同事們過了許多苦日子，但藝術畢竟會隨著科技發展而演進，當投影機解析度一路從480p、720p、1080p發展到如今的4K，可以想見放映影像作品所牽涉的技術問題，不是早期擅長陳列平面、立體或裝置作品的第一代展覽技術人員所能處理，機會於焉落向像懋這樣，90年代就一路參與中生代藝術家佈展工作。

在觀念上，隨著展覽工作的分工越來越細膩，妥善拿捏佈展工作中人際關係的職責分際，其實關係著「佈展」是否足以成為一門專業。創業前，懋曾在某次威尼斯雙年展的佈展工作中，見到藝術家和佈展人員意見不合，僵持之下，佈展人員把所有佈展人力調離現場，「把藝術家晾在那裡三天，讓他去焦慮。」原本並非該名藝術家佈展人員的陳懋璋最後看不下去，開展前還是出手幫忙，協助藝術家完成佈展。

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「這件事確立了我的想法。」「作品是藝術家的，藝術家說了算，我們只提供建議，不做決定。」不只是最後作品呈現的決定權，策展和佈展的分野，懋也了然於心。他認為策展人的職責是「為展覽撰寫論述、提供觀點，梳理出作品的脈絡」，策展人擅於使用理論，但多半欠缺佈展的技術和經驗，這就是佈展人員的專業範圍了。「我們的角色就是各方協調，和藝術家討論作品的呈現；和策展人協調空間分配和作品之間的關係；也和場地負責人確認可使用的資源以及需求。」懋在接到委託後，先是要求場勘、看藝術家資料與作品，接著就會繪製展場 3D 圖以方便和藝術家、策展人與展場單位討論作品空間的配置。

懋團隊思考的層面很廣，從展場的動線怎麼走、觀眾在哪裡停駐，乃至於影像作品適用哪種規格的投影機、喇叭與擴大器等等，關於展覽的細節，都事無巨細地一併規劃，並且在取得各方確認後負責執行。

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像水一樣 最好的佈展是沒有存在感

佈展涉及許多技術上的細節，但不能只懂技術。執行佈展時對於器材選擇、擺放位置與播放效果的思考，便會涉及美學上的判斷。2016 年台北雙年展中的陳界仁展場，有四個影像作品同時放在同一個開放式空間，如果喇叭按照往例，放在作品兩側，便會讓四組作品在觀賞過程中互相干擾。

於是懋對音場作了兩個層次的處理，其一是設計四個木製「音箱」，分別懸吊在四組影像前的觀眾席上空，將朝下的喇叭與擴大器放進音箱，區隔出四個音場；接著，以樂團混音的概念，針對四個影像中最具特色的聲音，來調整強弱。如此一來，開放式空間的四件影像擁有了各自的音場與「各展所長」的強弱調整，所以大幅地降低彼此干擾的程度。只是，展覽開始後，觀者並不會注意到這些影像的陳列與擺放有何特點，「被干擾的時候，觀眾才會覺得『好吵』『四個作品幹嘛放一起』。」懋說，最好的狀態就是「沒有人注意到『佈展』這件事的存在。」

對懋而言，風格不是刻意塑造什麼，而是「一個美感的判斷過程，一個減法的過程」，近期他受邀以展場技術做為演講主題時，總會放映李小龍的知名片段，片 子 裡 說：「Be formless, shapeless. Like Water.」像水一樣，沒有形狀、不拘形式，這才是強大。

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Info│陳懋璋
1980 年生，江湖人稱「懋」，藝術戰爭公司技術總監、負責人。官方說法是畢自復興美工、國立台北藝術大學。成立台灣目前唯一針對當代藝術展覽技術進行專業規劃與執行的團隊。團隊行跡遍佈各種指標性展覽，如義大利威尼斯雙年展、瑞典歌德堡雙年展
與瑞士巴塞爾藝術博覽會等，成員皆經手無數展覽與作品，經驗完整。

Text／賴韋廷

Photo / 張藝霖

圖片提供／陳懋璋​

 【更多精彩內容請見《LaVie》2017年4月號】

當運動遇上動態影像，皆以「動」為特質的兩者理當契合自如？操刀2020東京奧運競賽圖標動態設計的日本動態設計師井口皓太，道出用動態影像呈現運動主題的挑戰——正因為運動已是動態，怎麼用動態再創新意實為考驗。

2020東京奧運，井口皓太以競賽圖標的動態設計和閉幕式的球體無人機燈光秀演出漂亮的一役。在那之後，他陸續經手了諸多運動品牌、賽事的商業設計。串連起運動和動態設計兩者的關鍵字為何？井口皓太的回答是：「兩者都在追求極致。」

以動態設計呈現身體張力

長年與NIKE合作的他，對於運動品牌的設計、概念策劃並不陌生。但在擔綱了東京奧運競賽圖標的動態設計後，再次認識到「運動」和「動態設計」兩者之間高度的契合。此外，在做奧運競賽圖標動態設計時，他翻閱大量相關參考資料，對於運動選手們在挑戰肉體極限下所展現的優美姿態留下深刻印象。也因此在近年多數的作品中，他更特別意識著如何在其中表現身體力度。

他替日本籃球協會（JBA）所設計的系列視覺作品「JBA Beyond for FIBA 2023」便是十分貼切的案例。配合著打擊樂，日本籃球國手的定格剪影在一個個節拍下加疊成逐格動畫，加上同時出現在畫面上「強大的自信」、「壓力越大越過癮/對手越強越好」等令人熱血沸騰的標語，在短短15秒的廣告內，呈現簡潔卻充滿力道的視覺效果。

井口皓太說明，在著手動態廣告之前，先進行了平面海報的拍攝。看著收到的海報草案時，他決定延續海報中捕捉動態瞬間的意圖，便以底片顯影的概念再現了選手移動的每個瞬間，營造出剎那的臨場感。而與之對比的是上方充滿躍動感的文字，時而呈現汗水的揮灑，時而詮釋高速移動下的空氣流動。文字、影像與音樂合而為一，精準傳達了運動場上的緊張與激昂情。

不被囚禁於螢幕，整個空間都是動態設計體驗

然而井口皓太也強調，從事運動廣告設計時，聚焦於競技固然重要，但也必須考量到與周邊圖像素材間的平衡。「為了不要破壞設計的視覺呈現，解讀 圖像本身既有的『時間』與『空間』維度也十分重要。」

如經手2023年底在銀座甫開幕的NIKE概念店「NIKE GINZA」整體設計時，井口皓太首先碰到的難題便是如何轉化「銀座」的古典形象。他說明，由於作為主視覺的「銀座」兩字是非常傳統的日文漢字字體，品牌方最初擔心是否難以在文字設計上賦予運動的動態要素。

面對此一挑戰，井口皓太提案將「座」一字中的「人」抽出，任其在畫面上高速奔跑、自由變形，藉此在畫面中帶入空間維度與動態力度。在這檔設計案中，他不只負責主視覺設計概念，更參與店內、車站電子螢幕的陳設規劃。他強調，作為動態設計師，重要的是必須意識到影像動畫的播放方式和地點。並不只是在影像螢幕 的框架內思考，而必須將路過的行人、停下腳步觀看的觀眾加入作品整體的一環著手構思。

在日本首間喬丹品牌旗艦店「World of Flight Tokyo Shibuya」中，正完整體現了他對於空間營造的巧思。店面入口通往商場長達25公尺的長廊內，搭設了整面的電子螢幕。慢動作運球、上籃的選手剪影帶有些許「霧裡看花」之感，但在大面積色塊的渲染與聲光效果加乘之下，一步步推漲了人們進入店面前的期待感。

井口皓太說明，美國波特蘭的品牌方希望在設計中加入日本的元素，於是他以和式紙門為核心概念，用半透明的濾鏡進行拍攝，並以燈光營造出朦朧的光影之美。

運動設計是向選手致敬的過程

運動和動態設計兩者乍看之下十分契合，但井口皓太認為正好相反。「動態設計的有趣之處在於『讓靜止的東西動起來』，也可以說是『讓看起來不會動的東西動起來』，進而從中創造驚奇與發現。但因為運動是動態的行為，人們反而會先入為主地想要捕捉其靜止的瞬間。」但他也強調，該如何突破此一固有觀念，替觀眾帶來新的體驗，正是設計師的職責所在。

問及是否有其他曾留下深刻印象的運動設計，井口皓太介紹了已故設計師野田凪2001年的「NIKE Swim Campaign」系列作品。「雖然是靜止的圖像，但透過水面折射放大了模特兒的身體呈現，這樣的詮釋方式直到現在都還深深烙印在我腦海裡。」此外，NIKE在2010年為世界盃足球賽製作的影像廣告「Write the Future」也是他會定期觀看的作品之一。他說這部影片「不論是劇情轉折、笑點、快慢適中的剪輯與音樂選用，都堪稱十分完美。」

其實井口皓太到高中為止都是一名棒球少年，他說，作為一名捕手，捕捉眼前所有動態現象的觀察能力、由靜轉動的力學知識等，都對日後的設計工作產生許多幫助。在組織設計團隊CEKAI時、從事設計總監工作時，也不時會回想起過往在球隊的團隊合作生活。

「為了追求完美表現，運動選手們將身體機能發揮到極致，這點其實與設計工作相同。為了追求美學的巔峰，設計師得去計較每一釐米、調整每一個畫格的差異，反覆碰壁之下才終於找出最佳解答。因此，我想『運動是為了什麼而存在？又是為了什麼而需要追求極致？』這個提問，也可以從設計師們身上得到解答。」他說，自己有幸從事運動相關設計，也是在時時提醒著自己必須勤奮不懈地面對自身工作，才能毫無愧疚地透過創意為選手致上敬意。

井口皓太（Kota Iguchi）

動態設計師、創意總監。1984年生，以紐約、東京兩地為據點從事設計活動。擔任總監的大型戶外裸視3D廣告「NIKE Air Max Day 2022」獲得高度討論與關注，亦以東京奧運競賽圖標的動態設計師而為人所知。聚焦於動態設計領域，作品獲得國內外多數獎項肯定。

^{文｜廖怡鈞
圖片提供｜井口皓太}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/7月號《運動的設計進行式》

Apple為最新力作iPad Pro推出的廣告影片〈Crush!〉，在歐美世界引發巨大爭議，許多知名演員、導演、作家等藝文界人士轉發庫克（Tim Cook）推文大力批評，不少Apple的科技同業也給出負面評價；最後，Apple發出道歉聲明：「很抱歉，我們的廣告並沒有達到預期的目標。」究竟這短短一分多鐘的影片為何引戰，甚至被認為是科技吞噬創意的縮影？

史上最強也最薄的iPad誕生

讓我們把時間倒轉回5月7日。當天Apple在倫敦近年最火紅的地標——巴特西發電站（Battersea Power Station），舉辦了創立以來第一場英國發表會，會上最大焦點非iPad Pro莫屬，它除了有超薄的5.1mm機身，更搭載全新M4晶片讓創作者能與AI高效協作。新品引人讚嘆的同時，Apple同天發布的新廣告〈Crush!｜iPad Pro〉卻引爆網路社群上的噓聲。

巨大液壓機粉碎創作工具

長約一分鐘的〈Crush!〉，襯著愜意樂曲，上演一台巨大液壓機將樂器、油漆罐、老式遊戲機檯、雕塑、模特人檯、數位相機……通通壓碎的情景，等到機器再次升起時，一臺iPad Pro現身，旁白說道：「史上最強大的iPad，同時也是最薄的。」（The most powerful iPad ever is also the thinnest.）

如果看過Apple以往的廣告，會明白詼諧、幽默是其中鮮明的個性，但〈Crush!〉的寫意在許多人眼裡卻是種殘忍，彷彿宣告著人類的創意、以及成就這些創意的生產工具（如油漆、樂器等），都將被機器與科技摧毀後取代。

觀眾怎麼說？

看過這則廣告的英國知名演員休葛蘭（Hugh Grant）說：「人類經驗（human experience）的毀滅，感謝矽谷。」；曾執導Amy Winehouse傳記電影《Amy》（2015）的知名紀錄片導演Asif Kapadia，則表示自己喜歡iPad，但不懂為何有人認為這影片是個好點子，「它誠實地暗喻了科技公司對藝術家、音樂家、作家、製片人們做的事：擠壓、利用他們，卻不給合理的報酬，奪走一切然後說這一切都是由自己創造的。」

把視線望向Apple在矽谷的「盟軍」，也就是Asif Kapadia口中的科技界人士，幾位有影響力的公司高層也跳出來批評，像是Airbnb、Reddit、Dropbox等知名公司幕後資助者Y Combinator創辦人Paul Graham就寫下：「賈伯斯（Steve Jobs）絕對不會發布這支廣告。」暗諷品牌現任掌舵者。

問題出在哪？時代背景、廣告策略或Apple的身份？

在影音爆炸、甚至是氾濫的年代，社群河道上不乏科技取代人腦的惡趣味內容，為什麼〈Crush!〉觸怒那麼多人？身在人類有史以來最接近科技奇點的社會，在人工智慧（AI）有可能取代人力與人腦的文明轉捩點，〈Crush!〉在部分觀眾眼裡形成一股惡意——畫面中那台液壓機粉碎的不只工具，更是人類的創意與靈魂，而這些都將被科技機器取代；更何況發布這則廣告的是Apple，當今全世界科技界的龍頭之一。

不過，Apple為〈Crush!〉設定的廣告策略，真的含有惡的成分嗎？每則故事在每個人眼裡會看出不同寓意，而《Business Insider》資深科技與文化線記者Katie Notopoulos在一片罵聲之中，提出了有意思的觀點。她肯定觀眾對大公司廣告提出批判的閱聽意識，卻也直言：「這則廣告的目的很明顯是要炫耀新的iPad非常薄，還可以把一大堆應用程式打包在裡頭。」

看到這裡，我們不妨換個角度看〈Crush!〉——那些被液壓機粉碎的物件與工具（視覺上）確實被摧毀，但「毀滅」後卻也獲得了「新生」，並融入iPad之中，就如Katie Notopoulos所寫：「iPad不是要取代鋼琴，它是一台擁有GarageBand（音樂創作軟體）的平板電腦；也沒要取代繪畫，而是擁有平面設計App的工具。」

換句話說，iPad讓樂器、畫筆等創作工具換了個形式，被裝入一個更輕便的載體；而〈Crush!〉想表達iPad提供了有別於傳統的創作選擇，並透過科技的力量將數種工具的功能打包於超薄機身，目的是讓創作更有效率，而非消滅既有的工具。

只可惜，「這支廣告概念本身太無聊、也太淺顯。」Katie Notopoulos認為Apple這次傳達故事的手法太過「簡單暴力」，導致本意模糊，才是觸動藝文界人士神經的根本原因。另外也有網友表示，這支廣告直接得罪（offend）了iPad一大批核心用戶——這番話並不無道理，畢竟許多設計師、插畫家、藝術家、音樂人等，都以iPad作為第二（電腦以外）、甚至是主要的創作工具。

Apple這麼說

那Apple想透過〈Crush!〉傳達的訊息究竟是什麼？說來有點諷刺，我們可以從官方道歉聲明中知道：「創造力是Apple的DNA，我們設計的產品能為全世界的創作者賦能，對我們來說非常重要。我們的目標始終是讓使用者能透過各種方式表達自己，並透過iPad將想法化為現實。很抱歉，廣告並沒有達到預期的目標。」

爭議背後躁動的焦慮——我們真的會被機器取代嗎？

〈Crush!〉反射出科技與藝術、音樂、設計等創意領域的矛盾關係，甚至是機器與人類的對立，背後躁動的是人類擔心被機器替代的焦慮。近年許多爭議都是因此而起，在ChatGPT能快速整理資料、寫短文；midjourney能算出極其精緻的圖像；以及各種AI工具盛行的時代，引發各界工作模式的轉變，比如設計與藝術競賽順應時勢將AI作品納入評選，同時評估判斷人類、AI創作的標準；各領域工作者重新思考創作的意義，並試圖找尋與科技協作的方法。

未來AI會發展到何種境界，可以預見但難以斷言，〈Crush!〉爭議給了我們反思與科技之間依存關係的機會，也意外揭露了許多人仍用力擁抱人類思維的詩意、手工創作的價值，這是AI難以取代的（至少目前如此）。

最後，來看導演Reza Sixo Safai在X上分享的〈Crush!〉改編版本，他將腳本的情節順序調換，讓液壓機壓碎iPad Pro後，化為樂器、雕塑、遊戲機、顏料等創作工具；還特別把背景音樂換成Sonny & Cher在1965年發表的歌曲〈I Got You Babe〉，其中意涵不妨配著歌詞細細品味。

不抱著偏見與預設立場第一次看〈Crush!〉、看過評論家的觀點後回看，再看Reza Sixo Safai的改編版本，想必會有不同的感觸與想法。面對科技融入工作與生活，每個人有各自的操作守則，期待我們都能找到屬於自己的準則。

資料來源｜Business Insider、Variety、CNN