奧塞美術館30週年大展就在故宮,你不能錯過的瘋狂藝術大師—梵谷與他的名畫故事!

瘋狂藝術大師—文森・梵谷(Vincent Van Gogh)與他的名畫故事

梵谷一生鬱鬱不得志,直到死後,才逐漸成為藝術史上的一代大師。帶你來看這位後印象藝術大師的生平故事,與他創作生涯中最值得一探的名畫秘辛。

 

才氣洋溢卻一生不得志、個性中帶著極端的愛與瘋狂,這就是著名後印象派畫家—文生・梵谷(Vincent Willem van Gogh,1853-1890)的生命寫照。


1853年,出生於荷蘭的梵谷,其實在成為畫家之前,曾經做過不同的工作,好比被伯父帶進歐洲最大藝術品交易公司上班、憑藉著高度的宗教狂熱向採礦工人傳教等等。從27歲開始,梵谷全心投入藝術創作,到37歲舉槍自盡之間,這短短十年時光,梵谷的生活可說是窮困潦倒,雖然他的叔伯輩在歐洲經營畫店、在市場取得良好聲譽,但個性倔強的梵谷卻與他們相處不來,這也進而導致梵谷活著的時候未能靠著繪畫獲得財富,除了偶爾賣出幾張素描外,生前僅售出過一幅油畫,而弟弟西奧(Theodore Van Gogh),便成為他最重要的經濟支柱來源。

 

看看這些文森・梵谷名畫背後的小故事,讓你下次與名畫相遇時,除了觀賞藝術之美外,也能走進畫裡的故事,和畫作人物一同悲喜。

 

《吃馬鈴薯的人》
創作年代:1885年
現藏位置:荷蘭梵谷博物館
這是梵谷心中最滿意的作品,也是他第一張展露繪畫才氣的創作,他用扭曲的線條、昏黃的色調傳遞出貧困農民生活。「我想傳達的觀點,是藉著油燈的光線,展現平民用工作的雙手,從盤內抓起馬鈴薯的畫面—他們誠實地自食其力。」梵谷說。雖然後人不斷傳頌說到,《吃馬鈴薯的人》傳遞出梵谷對人類、對土地的熱愛,但創作這幅畫的梵谷已經32歲,在老大不小的年紀過著藝術家的荒誕生活,讓長輩頗有微詞。

 

《在阿爾的臥室》
創作年代:1888年
現藏位置:荷蘭梵谷博物館
梵谷一共繪製了三幅《在阿爾的臥室》繪畫,創作時間落在1888~1889年,是他居住在法國普羅旺斯的阿爾時期,所繪製出來的系列畫作。有意思的是,去年美國芝加哥藝術學院博物館為了慶祝梵谷大展,在 Airbnb 推出「梵谷臥房」房型,內部色調與裝潢完全按照《在阿爾的臥室》來興建,一推出就引起媒體注目、旅客搶訂風潮,一晚僅要十美金票價;不過這房型目前已停止預定,沒有住過的梵谷迷就看看網路上的照片過癮一下吧。

 

《向日葵》系列
創作年代:1888~1889年
現藏位置:荷蘭梵谷博物館、英國倫敦國家畫廊、德國慕尼黑新美術館等
為了尋找心中的陽光,梵谷在1888年,從巴黎出發抵達法國南方的阿爾勒小鎮,畫出一系列的《向日葵》靜物油畫,當中有兩幅畫有15朵向日葵、一幅畫有14朵,而另外兩幅繪有12朵。隨著《向日葵》在國際藝術拍賣會上屢創佳績,它也成為梵谷的標誌創作,最著名的《花瓶裡的十五朵向日葵》,如今收藏於荷蘭梵谷博物館中。


《割掉耳朵後的自畫像》
創作年代:1889年
現藏位置:倫敦考陶爾德美術館
畫面中的梵谷,被繃帶包覆著耳朵,頭上戴著藍色的毛邊帽,身上穿著綠色外套,他的眼神凝視著畫面之外,蒼白而靜謐的神情,成為他最具代表性的自畫像。後人普遍相信,這幅畫的背景起因於,1888年12月聖誕節前夕,梵谷與同為畫家的好友保羅・高更(Eugène Henri Paul Gauguin)在一次劇烈爭吵後,高更憤而離去,沒想到梵谷因為情緒過分激動導致精神失常,在12月23日晚上揮著剃刀割下自己的耳朵,這一刀,也寫下近代藝術史上最著名的故事。

 

《星夜》
創作年代:1890年
現藏位置:紐約現代美術館
「Starry starry night,Paint your palette blue and gray⋯」這首由美國民謠詩人唐・麥克林(Don McLean)撰寫的動人歌曲〈文森特(Vincent)〉,除了獻給藝術家梵谷之外,在歌曲開頭也把名畫《星夜》給寫進其中。雖然這幅畫與歌曲展現出來的魅力無比魔幻,然而《星夜》的創作背景,卻可說是梵谷生命裡最低潮的一段時光⋯。

 

歷經與畫家高更的劇烈爭吵、割下自己的耳朵、用手帕包起送給一名妓女⋯,梵谷一連串的失控行為,終於讓他在1889年5月8日自願前往位於阿爾勒聖雷米精神病院進行治療,在那裡度過了漫長的108天

 

《星夜》正是那時期創作出來的代表畫作,從畫面上來看,當時藏在梵谷心中的深度憂鬱,透過藍色與粗重筆觸顯現,而夜空中的星體銀河更捲動成不同大小的漩渦,佔據畫作左下方的柏樹,更好像黑暗的巨型火焰不斷往上延燒,讓梵谷心中的躁動不安完整呈現


《午睡》
創作年代:1890年
現藏位置:法國奧塞美術館
《午睡》描繪農人在田裡睡著的時光,透過梵谷的流動筆觸與鮮活色調,細膩展現溫潤的農家生活質地。值得一提的是,如果你想要親眼望見這幅畫,可以前往台北國立故宮博物院的《印象・左岸—奧塞美術館30週年大展》,這幅大作不僅首度來台,更是本次展覽一大亮點。

 

圖片來源/Van Gogh Museum、wikipedia.org

※本文由Marie Claire美麗佳人,未經授權,請勿轉載

李·帕赫個展《失落與重現的樂園》探索酷兒未來之途!交織神話與殖民歷史,水流象徵性別流動

李·帕赫《失落與重現的樂園》安卓藝術展出!神話與殖民歷史交織,繪出酷兒通往未來之途

從神話、民間傳說、殖民歷史等汲取靈感,菲律賓視覺藝術家李·帕赫(Lee Paje)藉繪畫探討複雜的性別議題,她常在畫中以「水」包裹人體形象,暗示性別的流動性;藉油彩銅板畫若隱若現的金屬光澤、摺頁書開展的扉頁等媒材及形式,象徵歷史的複雜性及迭代,並進一步揭露殖民主義如何鞏固異性戀規範的社會結構。即日起至215日,李·帕赫台灣首個展《失落與重現的樂園》於安卓藝術展出。

李·帕赫《失落與重現的樂園》安卓藝術展出!神話與殖民歷史交織,繪出酷兒通往未來之途
(圖片提供:安卓藝術)

故事從哪說起?神話中一場摧毀社會的洪水

在《失落與重現的樂園》展覽中,李·帕赫重新探討性別與菲律賓殖民歷史之間的關聯,使歷史與神話交織並存。展覽名稱取自《靈魂之書》(The Soul Book)中記載的前殖民神話:一場洪水摧毀了社會,在故事中,「樂園」象徵豐收與人類與自然之間的和諧連結,並允許生命形態自由轉變。李·帕赫認為,這種轉變本質上蘊含「酷兒性」,並在作品中重新召喚這一概念,雖然洪水使樂園成為失落的場景,但「水」的流動仍回蕩於她的作品中。

李·帕赫《失落與重現的樂園》安卓藝術展出!神話與殖民歷史交織,繪出酷兒通往未來之途
(圖片提供:安卓藝術)

畫中的性別流動意象:水流 X 金屬光澤 X 巴貝蘭文化

「水」常是李·帕赫作品視覺與隱喻的核心,並在《丈量、裁切,卻未曾分離》中達到視覺的巔峰;另在雙聯作《風吹開了天堂之門》中,身著教袍的牧師佇立在告解室,目光投向岸邊模糊的人影,且李·帕赫採用銅片作為創作媒材,其光澤與油畫層次也成為探討性別流動性的象徵。

李·帕赫《失落與重現的樂園》安卓藝術展出!神話與殖民歷史交織,繪出酷兒通往未來之途
Lee Paje《被測量,被切削,但永不分隔 Measured, Cut but Never Divided》。(圖片提供:安卓藝術)

·帕赫以海潮幻化成的人形,暗示著他們獨特的身份與靈性,彷彿前殖民時期擔任巫師或祭司角色的群體——「巴貝蘭」(babaylan),其意指舊時擔任巫師或祭司角色的群體,這一身份可為順性別女性,也可為穿著並扮演女性的男性,突顯了菲律賓前殖民時期性別流動的特質,同時解釋李·帕赫作品中「水」所包裹的人體形象——水流是對性別流動性的視覺回應;衣飾般的紋理則代表人們社會表演的外衣,反映出信仰傳統、殖民主義及原住民文化如何縱橫交錯梳理與定義性別。

李·帕赫《失落與重現的樂園》安卓藝術展出!神話與殖民歷史交織,繪出酷兒通往未來之途
Lee Paje《風吹開了天堂之門 The Door to Paradise Blew Open》。(圖片提供:安卓藝術)

回到17世紀,藉藝術重構酷兒歷史

透過挖掘歷史檔案,李·帕赫藉《相擁》一作重新講述一則鮮為人知的故事:17世紀時,有一位來自台灣的中國官員——樓蘇,因頻繁出入西班牙殖民時期的馬尼拉華人區尋求性關係,最終因「雞姦罪」於1670年被判有罪;而樓蘇之後成功脫罪,部分原因是來自他與鄭經的親屬關係,西班牙當局因外交考量而未追究。

李·帕赫《失落與重現的樂園》安卓藝術展出!神話與殖民歷史交織,繪出酷兒通往未來之途
Lee Paje《相擁 Embrace》。(圖片提供:安卓藝術)

在《相擁》中,兩個人物臥於床上,水的形象流動於他們之間,地上散落的衣物及物件呼應了床頭畫中聖米迦勒大天使刺殺中國魔鬼的意象,據稱這類圖像象徵了西班牙傳教士對菲律賓華人居民的焦慮。儘管此作引用了樓蘇的故事,但它只是藝術家所揭示的酷兒壓迫微敘事之一,這些微敘事也成為重建酷兒歷史的努力。

探討性別表達自由,反思殖民歷史

在本次展覽中,李·帕赫以油彩繪於銅板與紙本裝置之上,書寫出一幅多層次的當代敘事畫卷,重新檢視性別流動性與菲律賓殖民歷史之間的交互關係,並通過歷史與神話的交織,揭示被忽視的文化與性別敘事。

李·帕赫《失落與重現的樂園》安卓藝術展出!神話與殖民歷史交織,繪出酷兒通往未來之途
Lee Paje《BIRTHING》。(圖片來源:leepaje.com)

菲律賓藝術研究學者Gianpaolo L. Arago指出,李·帕赫並未將性別與殖民歷史視為單純的變遷,而是揭示殖民主義如何鞏固異性戀規範的社會結構,若僅以「殖民者原住民」或「異性戀酷兒」的二元對立來解讀李·帕赫的作品,過於簡化;她透過多層次的語境,汲取前殖民時期的神話和被遺忘的歷史軼事,梳理出細膩且豐富的詮釋。「樂園或許失落,但李·帕赫將之重新尋回:無論是性別表達的自由,還是對後殖民主體的反思。於此,神話成為通往酷兒未來的一道可能之門。」

「失落與重現的樂園」李.帕赫

展期|2025年1月4日-2月15日

地點|安卓藝術(台北市內湖區文湖街20號1樓)

李明則大型個展《走自己路的》!11公尺巨幅聯屏、20組新作打開超時空漫遊的任意門

李明則大型個展《走自己路的》!11公尺巨幅聯屏、20組新作打開超時空漫遊的任意門

以台灣民間日常、在地文化為創作靈感的藝術家李明則,自2025年1月4日起於安卓藝術推出大型個展《走自己路的》(Walk Your Own Path),一次展出包含水墨畫作、複合媒材創作等的20組新作。

2009年至今首個大型個展

李明則出生於高雄,1980年代曾生活於台北,隨後又在1990年代返回故鄉。其創作雜揉生活所見所感、廟宇彩繪的圖法佈局以及章回小說的敘事氛圍,以神話般的手法展現常民文化豐富的層次深度。

李明則大型個展《走自己路的》!11公尺巨幅聯屏、20組新作打開超時空漫遊的任意門
李明則《走自己路的》展覽現場(圖片提供:安卓藝術)

1996年,李明則於台北市立美術館推出個展《台灣頭.台灣尾》,同年於台北雙年展《台灣藝術主體性─認同與記憶》展出,1997年前進威尼斯雙年展台灣館《台灣,台灣:面.目.全.非》,2009年於高雄市立美術館舉辦《我愛台灣.更愛南台灣》個展。而本次《走自己路的》是繼高美館大型個展後,李明則又一次結合繪畫、複合媒材與立體創作的大型展覽,同時也是安卓藝術15周年的首場活動。

李明則大型個展《走自己路的》!11公尺巨幅聯屏、20組新作打開超時空漫遊的任意門
李明則《走自己路的》展覽現場(圖片提供:安卓藝術)

《走自己路的》展覽同名新作發表

這次展出,觀眾將能見證李明則耗時三年籌備的20組新作,其中六聯屏的同名鉅作《走自己路的》寬達11公尺,融合藝術家一直以來吸納在地風情與紋理的空間表現,也刻劃他喜愛的江湖遊俠和卡通漫畫英雄人物,更融入近年曾熱議的話題如台海危機、黃色小鴨等。作品的構圖與技法延續了水墨畫的敘事傳統與線描法,以橫向的視線引導,傳遞時空交疊、虛實共生的世界,凸顯李明則獨特的創作性格。

李明則大型個展《走自己路的》!11公尺巨幅聯屏、20組新作打開超時空漫遊的任意門
寬達11公尺的六聯屏鉅作《走自己路的》(圖片提供:安卓藝術)

以高雄道路命名為靈感的《一心》到《十全》

李明則擅長在有限畫幅內,創造出無盡想像的超時空旅程,《一心》《十全》系列水墨畫也是如此。該系列以高雄道路命名典故為靈感,集結了各種水墨畫譜的技法,在源自傳統形式的描繪中透過拼貼式的構圖和手法翻轉出水墨的嶄新語彙和生命。雖然墨色單純,李明則仍能運用大量線條,創造出多面向的時空漫遊,一幅幅畫作彷彿任意門般,帶給觀者無盡的想像。

李明則大型個展《走自己路的》!11公尺巨幅聯屏、20組新作打開超時空漫遊的任意門
《一心》到《十全》系列水墨畫(圖片提供:安卓藝術)

除了畫作,李明則也在本次展覽中發表數件全新的複合媒材創作,結合民俗故事的人物造型,在玻璃纖維材質上以紗布和紙黏貼覆蓋,再用拼接、黏貼的技法輔以焚燒的痕跡,處理出如補丁般的肌理,用獨特而風趣的視角展現舊時代的美好回憶。

李明則大型個展《走自己路的》!11公尺巨幅聯屏、20組新作打開超時空漫遊的任意門
結合民俗故事的人物造型的複合媒材創作(圖片提供:安卓藝術)
李明則大型個展《走自己路的》!11公尺巨幅聯屏、20組新作打開超時空漫遊的任意門
藝術家在玻璃纖維材質上以紗布和紙黏貼覆蓋,再用拼接、黏貼的技法輔以焚燒的痕跡(圖片提供:安卓藝術)

李明則個展《走自己路的》

展覽日期|2025年1月4日至2025年2月27日
開放時間|週二至週六13:00–18:00
展覽地點|安卓藝術(台北市內湖區文湖街20號1樓)

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