「哇！就好像哆啦A夢的百寶袋一樣」，在訪談當下眼前這位頭戴平沿帽、蓄著小鬍子，穿搭洒落十足的日本關西的手繪藝術家CHALKBOY(チョークボーイ)，就像是魔法師般不停地從黑色包包裡拿出他的創作祕笈，能夠如此近距離地鑑賞到藝術家的貼身筆記，似乎有些奢侈吧！

藉著黑板粉筆畫打響名號的CHALKBOY，初見其作品的人，無不被其細緻卻帶點趣味的風格所吸引，看準他的手繪魅力，誠品《理想的文具》特展也順勢邀請他設計展覽形象視覺，並以文具7大用途(寫、消、切、載、黏、量、收)為靈感創作出生動有趣的圖示，而La Vie也有幸訪問到這位手繪鬼才，請他暢聊分享自身在手繪創作時的經驗與美學觀！

 

CHALKBOY（@chalkboy.me）分享的貼文 於 2016 年 11月 月 21 7:33上午 PST 張貼

CHALKBOY，顧名思義即為用粉筆進行創作的男孩，靠著粉筆塗鴉闖出一番名號的他，是否從小即對粉筆情有獨鍾，他說在中小學時期確實會拿著粉筆在黑板上塗鴉，只是好玩的成分居多，但自己從小便一直對藝術設計有濃厚興趣，因此高中、大學皆選擇進入設計專門學校，閒暇之餘也會閱覽各式文字以及圖像創作的書籍，不過要說起致使他下定決心深究粉筆創作的關鍵契機，則得從2009年他在大阪複合咖啡廳打工的經驗說起，當時他固定每天為店內的黑板繪製新的菜單與資訊，漸漸地加入插畫於其中，沒想到廣受客人們好評，基於一種想要變得更好的心態，他開始鑽研各式版畫創作與精進畫功，自此開啟了自己進入塗鴉藝術殿堂的大門。

 

CHALKBOY（@chalkboy.me）分享的貼文 於 2017 年 6月 月 11 5:46下午 PDT 張貼

多重視角的創作理念

看似單調的粉筆插畫，實則是如何在簡單的元素中呈現出生動豐富的視覺感，能夠在第一眼即吸引注客人的目光外，還得清楚地傳遞資訊內容，無疑是黑板粉筆畫創作上的一大難題，然而在創作時該如何拿捏圖文比例，為此他表示其實不管是哪種媒材，黑板、玻璃瓶甚至是要在三明治上創作，「一開始著手的主要還是文字，清楚地呈現主標題，好讓觀看的人可以快速理解想訴說的主題，再來才是輔助的圖像視覺，在這個步驟則會拆解成幾個區塊，當然不一定侷限於單純的文字或者圖案，而是看彼此拼湊起來的整體感覺是否夠和諧契合。」。

除了視覺創作還不夠，CHALKBOY也十分注重客人親臨現場的感受，畢竟若單單只站在創作者的角度，不一定能讓每位觀看者都心領神會，因此現場空間、整體氛圍甚至週遭環境變化，都成了創作時的可變要素。

 

CHALKBOY（@chalkboy.me）分享的貼文 於 2017 年 6月 月 10 7:16下午 PDT 張貼

親解誠品《理想的文具》幕後創作秘辛

如此著重的創作觀點，在這次的他特地為誠品《理想的文具》展覽設計的主視覺中似乎也能窺見一二，不過仔細看看主視覺上的7種使用文具手勢，怎麼都與平常大家習慣的使用手勢大相逕庭，對此他靦腆地笑說：「如果太認真嚴肅，顯得一板一眼就太不像CHALKBOY的風格了！」，因此他打破一般人對於使用文具的想像，例如在「寫」的表現手法上，他不以平時我們拿筆的姿勢下去描繪，反而以有點惡搞的方式壓著鋼筆來著墨。

那麼在7款圖示中，哪個讓他在創作上感到最困難，他想了一會回答：「應該是要表現『載』的筆記本」，他解釋筆記本是為了書寫而存在的，一般若想到筆記本的插畫，大多人會很直覺性地畫下用筆書寫在本子上的圖像，「但這樣就顯得太過一般了，像是這樣直接把筆記本亮出來，好像也挺霸氣，是個不錯的選擇。」。

 

CHALKBOY（@chalkboy.me）分享的貼文 於 2017 年 6月 月 9 1:57上午 PDT 張貼

另外，在這次主視覺中出現的文具插畫中，也偷偷藏著CHALKBOY心目中的夢幻文具物件，「削鉛筆機是靠想像畫出來的，如果哪天真的實際開發出來的話，我應該會買來收藏。」；看似有著滿滿天馬行空想像，源源不絕創意的他，不免讓人好奇他在日常生活中是從何處汲取創作靈感，「如果太過直接去找尋靈感，可能會在不經意情況下有抄襲的可能性，像是接到案子時，會在聽取客戶想要的需求與背景後稍做整理，然後到完全無相關的地方，在那個場景透過觀察，吸收到可能派得上用場的元素。」CHALKBOY解釋道。

不侷限的藝術創作人生

雖然以粉筆藝術起家，但CHALKBOY不甘只是當個手繪家而已，他同樣也以「henlywork」的名號專攻音樂創作市場，甚至與好友、日本料理開拓家堀田裕介開創了結合音樂與美食的音樂祭「EATBEAT!」，將料理烹煮、享用時的聲音錄製進去，搭配他的手繪創作，交織成一場手繪與音樂跨界結合的別趣展演。

「如何將音樂跟繪畫更融洽地合在一起，一直是我努力思考的方向。當然在音樂這條路上，並不是為了創作而創作的存在，而是在自己有想法時才進行，如果是要成為眾所皆知的音樂人，我並沒有這部分的野心。」，雖然沒有想要大紅特紅的「野心」，但他不因此畫地自限，反而試著向影響他創作生涯甚鉅的美國創作家Buckminster Fuller看齊，「將自己的人生當成一場實驗，看自己能達成如何不一樣的成就。」，是他創作路上奉為圭臬的精神宗旨，就像是從粉筆開始，擴及更多創作媒材的可能，任何是都可以去嘗試而不受限。

 

CHALKBOY（@chalkboy.me）分享的貼文 於 2016 年 11月 月 6 12:11上午 PDT 張貼

最後我們問及手繪對他來說，最大的魅力為何？他收起淘氣的笑容，認真說道：「手繪能夠讓作品與觀賞者間帶來互動感，同時也有著愉悅感。像是手繪這件事，只要有紙與筆大家都能做得到。」，他冀望更多人能夠切實感受到這方面的樂趣，即使每個人的經驗背景不同，「但不用害怕美醜，大家畫出來或書寫的文字各自不同，各自有其獨特性，沒有必要否定每一個階段的創作。」。

關於CHALKBOY的5個小秘密

Q：是否受到某個欽佩的大師、美感偏好等影響呢？
A：Stefan Sagmeister、葛西薰等皆是我很欣賞的設計家，而擁有多重身分的Buckminster Fuller則對我的人生影響很大。

Q：在創作時，不可或缺的文具是？
A：最喜歡的還是鋼筆，當然粉筆也是很重要的。

Q：逛書店時哪個文具必看？
A：通常有新的文具販售都會繞過去看一下，但筆記本是每次一定會去看的重點。

Q：你的筆記本是哪個品牌？
A：挑選上，我會很注重筆記本翻開到尾端還能平攤的功能性，目前使用的則是Midori的筆記本。

Q：有無最喜歡畫哪個圖案或文字？
A：最喜歡畫E，有點像是倒3的形狀，感覺很俏皮可愛。

Text / Ian Liu

Photo / Eva Hung

日文翻譯協助 / 李培熏

場地協助  / 誠品 Eslite Cafe

當運動遇上動態影像，皆以「動」為特質的兩者理當契合自如？操刀2020東京奧運競賽圖標動態設計的日本動態設計師井口皓太，道出用動態影像呈現運動主題的挑戰——正因為運動已是動態，怎麼用動態再創新意實為考驗。

2020東京奧運，井口皓太以競賽圖標的動態設計和閉幕式的球體無人機燈光秀演出漂亮的一役。在那之後，他陸續經手了諸多運動品牌、賽事的商業設計。串連起運動和動態設計兩者的關鍵字為何？井口皓太的回答是：「兩者都在追求極致。」

以動態設計呈現身體張力

長年與NIKE合作的他，對於運動品牌的設計、概念策劃並不陌生。但在擔綱了東京奧運競賽圖標的動態設計後，再次認識到「運動」和「動態設計」兩者之間高度的契合。此外，在做奧運競賽圖標動態設計時，他翻閱大量相關參考資料，對於運動選手們在挑戰肉體極限下所展現的優美姿態留下深刻印象。也因此在近年多數的作品中，他更特別意識著如何在其中表現身體力度。

他替日本籃球協會（JBA）所設計的系列視覺作品「JBA Beyond for FIBA 2023」便是十分貼切的案例。配合著打擊樂，日本籃球國手的定格剪影在一個個節拍下加疊成逐格動畫，加上同時出現在畫面上「強大的自信」、「壓力越大越過癮/對手越強越好」等令人熱血沸騰的標語，在短短15秒的廣告內，呈現簡潔卻充滿力道的視覺效果。

井口皓太說明，在著手動態廣告之前，先進行了平面海報的拍攝。看著收到的海報草案時，他決定延續海報中捕捉動態瞬間的意圖，便以底片顯影的概念再現了選手移動的每個瞬間，營造出剎那的臨場感。而與之對比的是上方充滿躍動感的文字，時而呈現汗水的揮灑，時而詮釋高速移動下的空氣流動。文字、影像與音樂合而為一，精準傳達了運動場上的緊張與激昂情。

不被囚禁於螢幕，整個空間都是動態設計體驗

然而井口皓太也強調，從事運動廣告設計時，聚焦於競技固然重要，但也必須考量到與周邊圖像素材間的平衡。「為了不要破壞設計的視覺呈現，解讀 圖像本身既有的『時間』與『空間』維度也十分重要。」

如經手2023年底在銀座甫開幕的NIKE概念店「NIKE GINZA」整體設計時，井口皓太首先碰到的難題便是如何轉化「銀座」的古典形象。他說明，由於作為主視覺的「銀座」兩字是非常傳統的日文漢字字體，品牌方最初擔心是否難以在文字設計上賦予運動的動態要素。

面對此一挑戰，井口皓太提案將「座」一字中的「人」抽出，任其在畫面上高速奔跑、自由變形，藉此在畫面中帶入空間維度與動態力度。在這檔設計案中，他不只負責主視覺設計概念，更參與店內、車站電子螢幕的陳設規劃。他強調，作為動態設計師，重要的是必須意識到影像動畫的播放方式和地點。並不只是在影像螢幕 的框架內思考，而必須將路過的行人、停下腳步觀看的觀眾加入作品整體的一環著手構思。

在日本首間喬丹品牌旗艦店「World of Flight Tokyo Shibuya」中，正完整體現了他對於空間營造的巧思。店面入口通往商場長達25公尺的長廊內，搭設了整面的電子螢幕。慢動作運球、上籃的選手剪影帶有些許「霧裡看花」之感，但在大面積色塊的渲染與聲光效果加乘之下，一步步推漲了人們進入店面前的期待感。

井口皓太說明，美國波特蘭的品牌方希望在設計中加入日本的元素，於是他以和式紙門為核心概念，用半透明的濾鏡進行拍攝，並以燈光營造出朦朧的光影之美。

運動設計是向選手致敬的過程

運動和動態設計兩者乍看之下十分契合，但井口皓太認為正好相反。「動態設計的有趣之處在於『讓靜止的東西動起來』，也可以說是『讓看起來不會動的東西動起來』，進而從中創造驚奇與發現。但因為運動是動態的行為，人們反而會先入為主地想要捕捉其靜止的瞬間。」但他也強調，該如何突破此一固有觀念，替觀眾帶來新的體驗，正是設計師的職責所在。

問及是否有其他曾留下深刻印象的運動設計，井口皓太介紹了已故設計師野田凪2001年的「NIKE Swim Campaign」系列作品。「雖然是靜止的圖像，但透過水面折射放大了模特兒的身體呈現，這樣的詮釋方式直到現在都還深深烙印在我腦海裡。」此外，NIKE在2010年為世界盃足球賽製作的影像廣告「Write the Future」也是他會定期觀看的作品之一。他說這部影片「不論是劇情轉折、笑點、快慢適中的剪輯與音樂選用，都堪稱十分完美。」

其實井口皓太到高中為止都是一名棒球少年，他說，作為一名捕手，捕捉眼前所有動態現象的觀察能力、由靜轉動的力學知識等，都對日後的設計工作產生許多幫助。在組織設計團隊CEKAI時、從事設計總監工作時，也不時會回想起過往在球隊的團隊合作生活。

「為了追求完美表現，運動選手們將身體機能發揮到極致，這點其實與設計工作相同。為了追求美學的巔峰，設計師得去計較每一釐米、調整每一個畫格的差異，反覆碰壁之下才終於找出最佳解答。因此，我想『運動是為了什麼而存在？又是為了什麼而需要追求極致？』這個提問，也可以從設計師們身上得到解答。」他說，自己有幸從事運動相關設計，也是在時時提醒著自己必須勤奮不懈地面對自身工作，才能毫無愧疚地透過創意為選手致上敬意。

井口皓太（Kota Iguchi）

動態設計師、創意總監。1984年生，以紐約、東京兩地為據點從事設計活動。擔任總監的大型戶外裸視3D廣告「NIKE Air Max Day 2022」獲得高度討論與關注，亦以東京奧運競賽圖標的動態設計師而為人所知。聚焦於動態設計領域，作品獲得國內外多數獎項肯定。

^{文｜廖怡鈞
圖片提供｜井口皓太}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/7月號《運動的設計進行式》

Apple為最新力作iPad Pro推出的廣告影片〈Crush!〉，在歐美世界引發巨大爭議，許多知名演員、導演、作家等藝文界人士轉發庫克（Tim Cook）推文大力批評，不少Apple的科技同業也給出負面評價；最後，Apple發出道歉聲明：「很抱歉，我們的廣告並沒有達到預期的目標。」究竟這短短一分多鐘的影片為何引戰，甚至被認為是科技吞噬創意的縮影？

史上最強也最薄的iPad誕生

讓我們把時間倒轉回5月7日。當天Apple在倫敦近年最火紅的地標——巴特西發電站（Battersea Power Station），舉辦了創立以來第一場英國發表會，會上最大焦點非iPad Pro莫屬，它除了有超薄的5.1mm機身，更搭載全新M4晶片讓創作者能與AI高效協作。新品引人讚嘆的同時，Apple同天發布的新廣告〈Crush!｜iPad Pro〉卻引爆網路社群上的噓聲。

巨大液壓機粉碎創作工具

長約一分鐘的〈Crush!〉，襯著愜意樂曲，上演一台巨大液壓機將樂器、油漆罐、老式遊戲機檯、雕塑、模特人檯、數位相機……通通壓碎的情景，等到機器再次升起時，一臺iPad Pro現身，旁白說道：「史上最強大的iPad，同時也是最薄的。」（The most powerful iPad ever is also the thinnest.）

如果看過Apple以往的廣告，會明白詼諧、幽默是其中鮮明的個性，但〈Crush!〉的寫意在許多人眼裡卻是種殘忍，彷彿宣告著人類的創意、以及成就這些創意的生產工具（如油漆、樂器等），都將被機器與科技摧毀後取代。

觀眾怎麼說？

看過這則廣告的英國知名演員休葛蘭（Hugh Grant）說：「人類經驗（human experience）的毀滅，感謝矽谷。」；曾執導Amy Winehouse傳記電影《Amy》（2015）的知名紀錄片導演Asif Kapadia，則表示自己喜歡iPad，但不懂為何有人認為這影片是個好點子，「它誠實地暗喻了科技公司對藝術家、音樂家、作家、製片人們做的事：擠壓、利用他們，卻不給合理的報酬，奪走一切然後說這一切都是由自己創造的。」

把視線望向Apple在矽谷的「盟軍」，也就是Asif Kapadia口中的科技界人士，幾位有影響力的公司高層也跳出來批評，像是Airbnb、Reddit、Dropbox等知名公司幕後資助者Y Combinator創辦人Paul Graham就寫下：「賈伯斯（Steve Jobs）絕對不會發布這支廣告。」暗諷品牌現任掌舵者。

問題出在哪？時代背景、廣告策略或Apple的身份？

在影音爆炸、甚至是氾濫的年代，社群河道上不乏科技取代人腦的惡趣味內容，為什麼〈Crush!〉觸怒那麼多人？身在人類有史以來最接近科技奇點的社會，在人工智慧（AI）有可能取代人力與人腦的文明轉捩點，〈Crush!〉在部分觀眾眼裡形成一股惡意——畫面中那台液壓機粉碎的不只工具，更是人類的創意與靈魂，而這些都將被科技機器取代；更何況發布這則廣告的是Apple，當今全世界科技界的龍頭之一。

不過，Apple為〈Crush!〉設定的廣告策略，真的含有惡的成分嗎？每則故事在每個人眼裡會看出不同寓意，而《Business Insider》資深科技與文化線記者Katie Notopoulos在一片罵聲之中，提出了有意思的觀點。她肯定觀眾對大公司廣告提出批判的閱聽意識，卻也直言：「這則廣告的目的很明顯是要炫耀新的iPad非常薄，還可以把一大堆應用程式打包在裡頭。」

看到這裡，我們不妨換個角度看〈Crush!〉——那些被液壓機粉碎的物件與工具（視覺上）確實被摧毀，但「毀滅」後卻也獲得了「新生」，並融入iPad之中，就如Katie Notopoulos所寫：「iPad不是要取代鋼琴，它是一台擁有GarageBand（音樂創作軟體）的平板電腦；也沒要取代繪畫，而是擁有平面設計App的工具。」

換句話說，iPad讓樂器、畫筆等創作工具換了個形式，被裝入一個更輕便的載體；而〈Crush!〉想表達iPad提供了有別於傳統的創作選擇，並透過科技的力量將數種工具的功能打包於超薄機身，目的是讓創作更有效率，而非消滅既有的工具。

只可惜，「這支廣告概念本身太無聊、也太淺顯。」Katie Notopoulos認為Apple這次傳達故事的手法太過「簡單暴力」，導致本意模糊，才是觸動藝文界人士神經的根本原因。另外也有網友表示，這支廣告直接得罪（offend）了iPad一大批核心用戶——這番話並不無道理，畢竟許多設計師、插畫家、藝術家、音樂人等，都以iPad作為第二（電腦以外）、甚至是主要的創作工具。

Apple這麼說

那Apple想透過〈Crush!〉傳達的訊息究竟是什麼？說來有點諷刺，我們可以從官方道歉聲明中知道：「創造力是Apple的DNA，我們設計的產品能為全世界的創作者賦能，對我們來說非常重要。我們的目標始終是讓使用者能透過各種方式表達自己，並透過iPad將想法化為現實。很抱歉，廣告並沒有達到預期的目標。」

爭議背後躁動的焦慮——我們真的會被機器取代嗎？

〈Crush!〉反射出科技與藝術、音樂、設計等創意領域的矛盾關係，甚至是機器與人類的對立，背後躁動的是人類擔心被機器替代的焦慮。近年許多爭議都是因此而起，在ChatGPT能快速整理資料、寫短文；midjourney能算出極其精緻的圖像；以及各種AI工具盛行的時代，引發各界工作模式的轉變，比如設計與藝術競賽順應時勢將AI作品納入評選，同時評估判斷人類、AI創作的標準；各領域工作者重新思考創作的意義，並試圖找尋與科技協作的方法。

未來AI會發展到何種境界，可以預見但難以斷言，〈Crush!〉爭議給了我們反思與科技之間依存關係的機會，也意外揭露了許多人仍用力擁抱人類思維的詩意、手工創作的價值，這是AI難以取代的（至少目前如此）。

最後，來看導演Reza Sixo Safai在X上分享的〈Crush!〉改編版本，他將腳本的情節順序調換，讓液壓機壓碎iPad Pro後，化為樂器、雕塑、遊戲機、顏料等創作工具；還特別把背景音樂換成Sonny & Cher在1965年發表的歌曲〈I Got You Babe〉，其中意涵不妨配著歌詞細細品味。

不抱著偏見與預設立場第一次看〈Crush!〉、看過評論家的觀點後回看，再看Reza Sixo Safai的改編版本，想必會有不同的感觸與想法。面對科技融入工作與生活，每個人有各自的操作守則，期待我們都能找到屬於自己的準則。

資料來源｜Business Insider、Variety、CNN