在這個人人皆可成名的時代，不少人選擇透過鏡頭直播放送自己每日的生活大小事，也有那麼一群人則選擇發揮自身的專長，運用「才華」來抓住粉絲的心。對現在的台灣而言，插畫似乎早成了當代藝術圈的顯學，當然插畫風格百百款，要想在之中脫穎而出，除了得有極高的辨識性，還得讓人打從心底對其有所共鳴。就拿有著「插畫界暖男」封號的喂，wei來說，大多數人第一眼見到他的插畫作品時，無不被那可愛滿溢的筆觸和童趣插畫氛圍所吸引，在他創造的插畫宇宙裡，彷彿充滿著各式天馬行空，能令人笑口大開的歡愉想像！

訪問當天，滂陀大雨圍困著整座台北，我們與喂，wei相約在市中心難得一間被綠意包圍的舒適空間－AGCT。初次見到被大雨淋得一身濕的喂，wei，不知怎的，腦中突然閃過「人如其畫」的感受，在他身上流露出一股大男孩氣息，笑容中帶著一絲靦腆，似乎有著能為週遭帶來歡樂的魅力，趁著喂，wei以插畫家身分出道5週年之際，La Vie也請他這位插畫界暖男與大家分享插畫家的日常，以及深藏他腦中那不受限的秘密想像空間！

微笑精靈的使命 用插畫散播歡樂

渾圓身軀，穿著印有微笑圖案的淺藍色連身裝，搭配著面無笑容的表情，逗趣反差的外在印象，正是喂，wei插畫創作中的當家角色─微笑精靈喂喂。就像是自己的分身一樣，有著濃烈童話色彩的微笑精靈，起初的誕生爆紅或許可說是誤打誤撞的經驗，「一開始微笑精靈其實是沒有名字的，主要是當時有個與相機App合作的案子，那時我想好像應該要為App創作出一個角色，而它就是在這個情況下誕生出來。」；微笑精靈的名稱由來，則是因為相機App推出後備受好評，在不辜負粉絲的期盼下，他開始認真設想角色背景，「微笑精靈其實是個不快樂的人，卻又希望帶給別人快樂，那種充滿矛盾的心態與反差很微妙，但它的誕生就是希望能帶給大家快樂。」喂，wei解釋。

「用插畫散播快樂」這件事一直是喂，wei創作的宗旨，不過在創作路上難免有不開心厭煩的時期，而這時畫畫便成了他抒發情緒上最好的媒介，「我創作的角色中天鵝王可以說比較有負面情緒，雖然被稱作插畫界暖男，但要我硬擠出說些正能量勵志的話，我還真的做不來，硬講也會非常假。其實粉絲團上那些鼓舞人心的圖文，大部分是在說給自己聽」，是因為有些沒自信？喂，wei點頭回答「一部分是，但另一部分是與其用淚水度日，倒不如選擇用正面微笑的態度去面對這個世界。畢竟開心也一天，不開心也是一天，那何不笑著好好過日子，把握當下。」。

把日子過得充實似乎成了他的人生目標之一，日常生活大小事都成了他創作上的靈感寶庫，不過他笑說自己腦中常常會有不少「少年喂，wei的煩惱」的小劇場，像是關於愛情與生死，或者試著去為眼前所見的人事物想像背景，這些生活感觸都進一步轉換成自己創作上的靈感，而當今厭世當道，難道沒想過轉成暗黑風格，他答道：「不會，因為風格很鮮明了，而那樣也不好接案！(笑)」。雖說從生活中汲取靈感，但要塑造出有故事的畫面同樣是一大挑戰，為此喂，wei表示自己著手插畫創作時，手機便成了他最好的良伴，有時候只是坐車時靈機一閃，他便會立即記錄在手機中，「應該說我第一時間不會有畫面，會有先感受，接著記錄成文字，再進一步去拼湊畫面。」。

只要有心誰都能當插畫家

談起喂，wei與成為插畫家的淵源，他表示自己在大學時創立粉絲團，那時便會不定期在上面分享插畫心情，沒想到卻意外被經紀公司發掘，順道開啟了「插畫生涯」。不過要在沒有科班經驗，甚至沒受過專業訓練下，以畫畫為生，除了得得仰賴自身對插畫的熱情，更得靠這份熱情於後天努力學習摸索。

回憶起最初剛接觸插畫、電繪軟體的情景，他說一開始線條很不流暢，但靠著慢慢練習之後便熟能生巧，然而在如何揣摩「各種動作角度」上，依舊是讓他感到有些困難的部分，每當碰到這種時刻，他會先蒐羅各方資料，看他人是如何描繪，從臨摹環節開始學習再慢慢轉化成屬於喂，wei的風格。畢竟若只是單純仿效，不但彰顯不出個人特色，更容易陷入繪畫創作上的泥淖。

他表示要想找到自己的插畫風格，懂得掌握畫畫技巧是第一要素，無論是電繪還是手繪技巧，先把基礎奠定好，再來想風格的事，那會如何定義自己的風格，「沒有定義，因為我只會畫可愛路線！」他大笑回答後，隨即又以正面樂觀的口吻補充，「像我這種半路起家的人都可以，那些想認真畫畫的人一定也沒問題！」。

從素人到擁有插畫家身分，這一路以來是否有曾懷疑自己的時刻？喂，wei直呼：「無時無刻！我是個閒不下來的人，很怕停下來，就沒有下一餐那種感覺。」，畢竟現在插畫潮勢頭正夯，要如何不被淹沒在浪潮中，是所有插畫家當前最棘手的課題，他也以過來人經驗表示要知曉「現實與憧憬是有落差」這件事相當重要，他說：「有些公司可能會在一開始畫美好的大餅，但沒有什麼事是絕對的，任何機會都充滿著風險。」，為了保障自己的權益，他也得試著掌管財務方面的事，因為光有夢想是無法支撐整個人生的運作。

喂，wei的肺腑之言時間

關於插畫於自己的意義，他想了想回答：「能夠看了開心又療癒，這也是我創作的初衷。」；那麼微笑精靈的角色呢？「一部分代表著我，一部分能夠帶給他人樂觀態度的那一面，是創造這個角色最想傳達的，但也不僅止於快樂，有點電影《腦筋急轉彎》裡『憂傷伴隨著快樂而來』的概念。」，是「憂歡派對」的感覺嗎？喂，wei爽朗笑著答道：「對！」。

Q：曾得到過最好的回饋？

A：粉絲因為自己的插畫作品得到小小力量，有粉絲曾洋洋灑灑寫滿三頁紙張，讓我發現原來自己的創作能夠讓某些人得到這麼多感觸，感到很窩心。

Q：對於身為一位插畫家，你是否想藉由這個身分達成怎樣的夢想？

A：成為亞洲區迪士尼大使！如果有主持節目機會也不排斥，要上山下海都可以，就是不能去鬼屋。

Q：之後的計畫？

A：在7月15日會在繪本咖啡｜嬉々café舉辦為期兩個月的展覽，8月底則會出版集結5年來的插畫圖文書籍；另外，和三麗鷗的合作也會很快跟大家見面！

還想知道更多關於喂，wei可愛又豐富的創意秘密嗎？現在你有機會能與這位暖男插畫家近距離面對面，聽聽他創作路上的精彩歷程與甘苦，深入了解插畫家究竟該具備哪些條件，以及該注意哪些事項，心動不如馬上行動，趕緊報名限時講座「哪來這麼多的可愛創意！走進喂，wei的繽紛插畫世界」，免費與他來場限時對談吧！

講座資訊｜哪來這麼多的可愛創意！走進喂，wei的繽紛插畫世界

日期：2017/07/29(六) 14:00-17:00 

活動地點：赫綵設計板橋學院(新北市板橋區中山路一段3號10樓)

費用：免費

報名網址：http://www.appedu.com.tw/event/weiwei/

文字 / Ian Liu

攝影、剪輯 / Cooper Chang

場地提供 / AGCT apartment 公寓咖啡館

近年的生成藝術狂潮之中，Refik Anadol絕對是站在浪尖的佼佼者。 他是第一位在公共空間使用AI技術，也是第一位受紐約現代藝術博物館（MoMA）典藏NFT作品的藝術家，更催生世界上第一間以AI為研究方向的博物館「Dataland」。他將數據、生成技術、建築融合美學為一爐，不斷挑戰觀者的視覺體驗，掀起一場21世紀的文藝復興。

Refik Anadol對數位藝術的著迷，源自於他對科技、記憶和建築之間關係的濃厚好奇。成長於東西文化和歷史十字路口的伊斯坦堡，他自小迷戀建築結構設計，常常幻想能為自己的房間——呆板的牆壁、窗戶和天花板注入生命。8歲那年因看了電影《銀翼殺手》，雷利．史考特鏡頭底下陰冷朦朧的賽博龐克世界及蘊含故事的哲學，徹底衝擊他的世界觀。

從「數據繪畫」至「數據雕塑」

在攻讀伊斯坦堡比爾基大學數位傳播設計碩士，以及加州大學洛杉磯分校媒體設計系的期間，他先是接觸到專門針對聲音、影像開發所設計的工具「Pure Data」，和透過圖像生成指令的軟體「VVVV」，提出「數據繪畫」和「數據雕塑」概念——結合建築、媒體藝術、光學研究，和基於數據分析之間的場域特定（Site-specific art）3D動態雕塑作品。「我對這些數據深深著迷，數據能否成為一種空間、打破物理界線，或者能否觸摸？透過不斷嘗試找到背後的意義。我認為理解機器如何相互溝通、如何記錄記憶，是人類即將面臨的挑戰。」

畢業後，Refik創立自己的工作室，延攬了一群跨領域專業的團隊，包含神經科學、AI工程師、數據科學家、建築師、視覺設計師。2016年他被Google遴選為AI計畫的駐村藝術家，成為了藝術生涯的轉捩點，讓他發現AI無窮盡的潛能。他隨後帶領團隊為SALT Research打造首件結合AI技術的公共空間作品——《Archive Dreaming》，以170萬份文件的圖像來訓練神經網絡，將機器的夢境視覺化，創造出模糊數位與實體之間界線的空靈景觀。「這件作品源自我內心深處的好奇：如果機器可以學習，它也可以做夢嗎？如果機器可以做夢，誰能定義何為真實或是虛幻？這些問題不斷推動我，探索超越傳統視覺 語彙的藝術創作。」

與龐大數據庫融合的大型公共空間

在過去的8年裡，Refik Anadol團隊在世界各地的地標場館、博物館和雙年展，推出一場又一場令人目眩神迷的大型投影或沉浸式空間，包含華特迪士尼音樂廳、哈默博物館、MoMA、高第巴特婁之家等，並跟諸多科技大廠和研究機構如Microsoft、NVIDIA、JPL/NASA、Intel、IBM緊密合作，將最新、尖端的科學技術融入作品，影像資料庫也越加龐大。

《Quantum Memories》採用2億張地球上的風景、海洋和大氣的圖像；在《Machine Hallucination-NYC》中，他們擷取1.13億張紐約市的公開影像來描繪這座城市的未來；在為洛杉磯愛樂合唱團設計的《WDCH Dreams》，工作室蒐集了樂團近百年的數據資料，這些檔案被解析為數百萬個數據點後重新組合，投影在華特迪士尼音樂廳外牆。

在2022年引起轟動的高第巴特婁之家光雕投影《Living Architecture-Casa Batllo》，團隊集結了約10億張圖像的資料集，包含高第的草圖、建築歷史的視覺檔案、學術檔案，以及在網路和社群媒體平台上找到的巴特婁之家的公開照片。「數據在我的作品中既是媒介也是敘事工具，提供記憶、想像與美學之間的連結。我的團隊會使用先進的機器學習演算法，以及自定義軟體『潛在空間瀏覽器』（Latent space）來管理和處理龐大的數據集，確保每一個數據都能與作品的概念框架相契合。」

關於如何應對大型投影的不可控變因，他表示：「每個專案都會帶來不同挑戰，從技術限制到不可預測的環境因素。例如在華特迪士尼音樂廳的案子中，如何讓投影與Frank Gehry設計的經典建築和諧共存，而不會喧賓奪主，需要對光線、材質和動態進行細緻校準，才能在增強投影的同時，又尊重建築原有的特質。」

他認為，「一件作品的『完成』不在於是否至臻完美，而在於它所帶來的共鳴——當作品能夠捕捉到預期的情感或概念深度，並在觀眾心中引發有意義的回應時，它便是完整的。一件好的數位藝術作品結合了技術的精確性、概念的深度和情感的衝擊力，它必須能引起思考，能在多個層面上與人產生連結，並邀請觀者重新思考或想像身處的世界。」Refik透露，自己除了建築外牆之外，對於挑戰非傳統介面和材料也充滿興趣。「我特別被數據美學與自然環境結合的概念所吸引，希望終有一天能探索如水、風及有機材料等媒介。」

重新定義博物館與藝術創作

將於2025年問世的全球首間人工智慧藝術博物館「Dataland」，是Refik最新一項革命性嘗試，也是工作室成立10年的里程碑。他希望重新定義博物館，突破以保存和展示歷史作品為主的模式，打造一個充滿動態、持續演變的互動空間。

團隊將運用自行開發的AI模型——大型自然模型（Large Nature Model），從史密森尼學會、《國家地理》雜誌、倫敦自然歷史博物館等 機構，以及世界各地的熱帶雨林中，以符合道德規範的方式獲取數據圖像。除了視覺，Dataland還將從生態系統中捕捉聲音、透過AI產生氣味，譜出一場嶄新的感官交響曲。對於許多人詬病AI產業高耗能的問題，Refik也聲明將與Google合作，利用奧勒岡州的永續能源來供應AI運作，減少對化石燃料的依賴。

問及Refik如何看待AI發展和藝術創作之間的關係，他表示：「人工智慧和機器學習為創意開拓全新視野，讓我們能以過去難以想像的方式，將數據視覺化或模擬環境。藝術與科技始終處於不斷的對話之中，彼此塑造並重新定義對方。對我而言，這段關係最令人興奮的是它 能擴展人類想像力的邊界。」不過這位走在科技前線的藝術家也強調，「AI作為創意、敘事和解決問題工具的潛力令人鼓舞；但同時，AI在偏見、隱私性和永續性等方面的倫理問題，也必須時刻受到重視——雖然科技可以帶來良善的力量，但它必須以人類價值和地球福祉為終極方向。」這場以AI掀起的文藝復興，不只帶來改變，也讓人類更知曉那些必須守護的不變價值。

Refik Anadol

1985年生於土耳其伊斯坦堡，新媒體藝術家、藝術總監和人工智慧先驅。擅長將建築化作畫布，重塑空間感知並創造全新體驗，其作品圍繞人工智慧時代中的人類身分問題，探索群體記憶、機器學習和藝術之間的交會。創作形式包括數位雕塑、大型公共藝術和沉浸式裝置，與Google和NVIDIA等科技公司密切合作，作品足跡遍及紐約現代藝術博物館、蛇形藝廊及聯合國總部等。

_{企劃｜張以潔　文｜姜盈謙
攝影｜Efsun Erkilic　圖片提供｜Refik Anadol}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/2月號《跟著光，尋找創作靈感》

Thomas Demand 究竟是攝影家、模型家，還是雕塑家？或許都是。他以紙張製作歷史與日常場景的 1：1 模型，卻堅持拍攝後不保留就銷毀，藉此探問我們對歷史的記憶是否真確可靠。他的大型巡迴展《歷史的結舌》即將在臺北市立美術館登場，〈花見〉壁紙滿布一樓展廳入口，似櫻花又非花的錯覺將漫漶觀眾的感官。

生於美術與建築世家，Thomas Demand從小陶養出對藝術與空間的敏銳直覺。他曾在德國著名的攝影家搖籃——杜塞道夫藝術學院就讀，但當時卻以雕塑為主修。他起初只是為了記錄作品而自學攝影，直至1993年，才確立「拍攝紙雕塑」的創作模式。「當我在藝術學校開始製作雕塑時，我並不確定自己要投入這領域多久，所以選擇使用非常輕便、便宜、短暫且普通的材料來創作，這樣即使必須與作品告別也不會讓我心碎或破產。」雕塑的儲存空間令人頭痛，而且他的生涯經常移動，紙在表達理念後即可拋棄，需要時再重新製作，對他而言是輕巧而優雅的作法。

紙是如此容易取得、便宜且無所不在的材料，Thomas形容，「每個人每天手中至少都會有一張紙，有時我們甚至會以雕塑的方式使用它，比如把一封寫壞的信揉成一團丟掉，沒有兩個紙團會完全相同。」紙的質地喚起人們視覺與觸覺記憶中，那份熟悉不過的親切感受。當被問及為何總是在拍下模型後全部銷毀，不嘗試保留並展示時，他反問：「你不需要看到一個魔術師從帽子裡變出白兔的內部過程，對吧？」他相信藝術本就源於想像，攝影留下的雕塑紀念照片，正賦予觀眾想像空間。

以紙模型翻寫歷史與記憶

談到巡迴展《歷史的結舌》(The Stutter of History) 的命名緣起，Thomas說明，就像歷史學家在編纂編年史時，必須銜接各個關鍵事件點，可過程中那些點與點之間，實際上可能什麼都沒發生，而這些空白最後會被新的解讀填補上去。尤其在20世紀後，大眾媒體影像已經揮之不去，人們記憶中的時間是緩慢流動、逐漸褪色的，似乎與全球媒體的快速步調形成對比，創作者面對這樣的歷史張力一時也難以說清。「結舌是無法控制的，唯一能有效對話的方式，就是耐心等待結巴的人把話說完。」重製歷史影像的方式貫穿了他的創作生涯，他著迷於那些表面之下暗藏另一層故事的媒體照片，像是他重現揭露美國政府監視計畫的吹哨人Edward Snowden在俄國尋求庇護時暫時居所的〈避難所〉 (2021)，「這些作品引發我們思考：記憶是如何被保存的？影像如何引導著我們的認知？什麼樣的呈現方式會讓我們覺得一個影像是『真實』的？這些思考又反過來影響我們如何理解和認識這個世界。」

有趣的是，他堅持打造1：1等比例的紙模型。「製作小型模型雖然比較容易，但這會讓你像獨眼巨人或超級英雄般俯視你製作的物件，這就是為什麼玩具屋、建築模型等總是具有誤導性。」在手作過程中，他得以充分運用他對現實世界的全部感知與理解，超越對紙張媒材、藝術形式表面的探索。乍看之下，Thomas的影像彷彿就是那些新聞照片的原樣，然而細看後，會發現他清空人的活動痕跡與特定細節，同時，鉛筆跡、紙張摺痕等痕跡卻被刻意保留，呈現出與真實世界迥異的質地。他倒不是要愚弄觀眾，而是想打造「虛假即真實」的觀看經驗，「我想讓你理解這個世界的某些面向及其被描繪的方式，進而能夠反思自己的經驗、感知與記憶是如何建立的。」

以手作開啟建築與藝術的對話

「隨著社群媒體的發展，我們對攝影媒介的認知有了新的轉變， 人們開始以更為主觀的方式來消費和傳播那些生活瑣事與日常經驗的影像。」Thomas認為，現在人人都能用手機上傳快照，令影像成為浩瀚海洋，帶來了深遠的衝擊。「有趣的是，當數位化讓影像更容易操作時，攝影不僅沒有消亡，反而迎來新的發展。」於是，2008年前後，他開始研究這些個人且私密的日常影像，以自己手機照片為基礎創作《日常》系列。Thomas形容它們就像簡練的日本俳句，所有象徵、意涵都內蘊於影像中，不用更多解釋了，開放給觀眾感受那份詩意。例如〈日常#22〉，「那冰淇淋杯自信地佇立在信箱上，遠比一次性容器該有的樣子更顯堅實，引人注目的紫色和綠松石色顏色組合在夕陽下散發著獨特的光彩。」他認為日常片段就存在於歷史事件的縫隙之間，正如法國作家普魯斯特從中提煉出深刻的記憶與感受，這些看似微不足道的片刻，就是人們所擁有的一切。

靜態影像無法表達的，他則陸續製作12部動畫和短片，這次展出的其中兩部作品不乏幽默詮釋。 《太平洋豔陽號》（2012）的靈感來自一則YouTube上廣為流傳的，遊輪因暴風雨劇烈擺盪、桌椅物品左右亂移的監視器錄影，「我被它彷彿精心編排過，卻又充滿隨機性的畫面深深吸引，讓我聯想到迪士尼早年的動畫特效，就像《魔法師的學徒》中掃帚走下樓梯的經典一幕。」至於《氣球》（2018）飄蕩的影片，則是受一段美國加州生日派對的Instagram短片啟發。對Thomas而言，他虛構的攝影創作是現實的影子，「《氣球》完美解釋了柏拉圖洞穴寓言的概念，只是以更貼近日常生活的方式呈現。」

在建築與藝術的邊界游移

Thomas觀察到，一些建築師對電腦渲染出的完美演算感到倦怠，轉而關注手作過程中的激盪，正好與他產生對話。他早在2010年就跨足建築領域，與倫敦建築事務所Caruso St John在瑞士蘇黎世構思〈釘子戶〉(Nagelhaus)公共裝置，到了2022年他們順利在丹麥完成以紙製品為靈感的「三重狂想」(TheTriple Folly)展館。2011年，他也在洛杉磯蓋蒂研究所駐留期間，開始拍攝美國建築大師John Lautner的建築模型，後來更與Rem Koolhaas、SANAA等建築名家合作，發展為 《模型研究》系列。

他強調：「那些不是為展示給客戶而精心製作的完美模型，而是他們在內部溝通和設計過程中使用的粗糙模型。」他更感興趣的是發掘建築師的思考軌跡。近年Thomas也善用大型壁紙與展場空間對話，像是滿盈北美館一樓展廳入口的〈花見〉(2014)、鋪滿展牆成為其他作品背景的〈圓管〉(2018)，真實與虛幻交錯的視覺效果模糊了展間之間的界限，「這樣的空間設計既能讓觀眾沉浸其中，體驗影像的人為建構感，又能清楚理解各個元素是如何交織在一起的。」

然而，科技不斷迭代，Thomas是否曾擔心過紙張「承載內容」的功能會被新科技取代，像是AI生成影像？這讓他想起數位攝影剛出現時，許多人也預言那將是攝影的終結。他不否認AI令人著迷的一面，但也指出其局限。由於AI的運作機制，它將不斷自我複製，「AI非常無趣，就像在迴聲室裡待上一週，它既無法賦予藝術真正的意義，也無法與人類的核心情感產生共鳴。」可AI透過整合龐大的人類資料庫，卻也揭示許多人類認知上想像不到的複雜性。他坦言，這樣的科技終將顛覆人類仰賴長期積累與激盪的藝術創造過程。不過，正如他從與建築師的對話中得到啟發，「我們或許還有一線希望，就是重新反思什麼是奢侈品的意義，並透過影像創作，讓手作的價值比起量產化的影像更受青睞。」

Thomas Demand

1964年生於德國慕尼黑，現居柏林與洛杉磯。自2011年起擔任德國漢堡美術學院(HFBK)雕塑系教授。經常從歷史或社會事件取材，以紙張和硬紙板製作實物尺寸模型場景，拍攝後再將模型銷毀，探討攝影的客觀性與現實重現之間的張力。曾於紐約現代藝術博物館、東京國立近代美術館、柏林新國家美術館等國際重要美術館舉辦個展，並代表德國參加2004年聖保羅雙年展。

《托瑪斯．德曼：歷史的結舌》

展期｜2025.01.18－05.11

地點｜臺北市立美術館 一樓1A、1B展覽室