「Nuit Blanche 白晝之夜」是全球的夜間城市藝術祭，2002 年創始於法國巴黎，在每年10月的第一個週六跨夜舉行。「白晝之夜」三大特色為：「跨夜舉辦」、「免費參加」及「公民參與」，透過多樣化的藝術作品及演出安排，讓人自然接觸藝術，自由穿梭於城市空間之中。「白晝之夜」在城市中塑造獨特的交流共享環境，透過藝術轉化都市空間，讓整個臺台北市化身一夜限定的大型美術館！

畫樂交鋒前線 Ligne de Front

當法國的即興畫家碰上臺灣的搖滾樂手，互飆創作的兩人將會擦出什麼樣的火花？
Ligne de Front 由法國畫家 Paul Bloas 與搖滾樂手 Teyssot-Gay 一同創造，結合搖滾樂與繪畫的大型行為創作演出，在吉他的激烈樂音下，Paul 將不斷穿梭來回於繪畫與音樂的世界中，在巨大木作畫板上繪製兩座受樂音扭曲的巨人像。

來到台北白晝之夜的 Paul，將與椅子 Chairs'樂團的 裘詠靖 一起完成這場創作，線條和色漿構築出的圖像在長達一小時的音場環繞中不斷相互質疑、干涉、回應，是圖畫，也是神祕難測的夢境！

Info│法國「巨人」藝術家─Paul Bloas

法國藝術家Paul Bloas 以著名的《silhouettes 》於1980年在布列塔尼的城市布列斯特開始發跡。他的作品最初是以白色外框描繪形體並散布在這海港城市中的廢棄大型牆面。於1990年宣布關閉的彭塔尼鳥監獄，隔年也因為Paul Bloas的藝術創作進駐，才又讓這個地方重生。藝術家Paul Bloas 習慣先於工作室描繪大型線條、添上色彩，隨後搬至藝術現場黏貼於主要物體上。 這種創作方式很快讓他被大眾所認識，因此自1990年開始，他的作品開始出現於柏林、布達佩斯、畢爾包和馬達加斯加。

與大部分藝術家的思維相左，與其讓藝術品與畫布可以永久留存，Paul Bloas 傾向 《期限限定》的想法。所有巨型畫作會在黏貼於牆上後，隨著時間漸漸消逝 – 即便還是會留下一絲痕跡，那也是陽光、風或雨水-屬於大自然的意願。

經典命題 vs. 前衛翻玩

白夜海浴 Les Baigneurs（注意！人偶內真的有藝術家，當晚請勿拍打餵食！）
在藝術史中，海水浴是近代繪畫的經典主題，例如畢卡索就曾以海水浴為題創作。而這次，來自法國的當代藝術家 Clédat & Petitpierre 將以網紗密集構築成大型穿戴式人偶雕塑，親自演繹經典的海邊浸浴情境！

這兩尊身穿復古直條紋泳衣的人偶，會在入夜後的台北街頭緩緩甦醒，圍繞著兩塊藍色大毛毯和一顆黃球，自在地漫步、嬉戲、做日光浴，就像孩童、海與日光在街頭召開的原始聚會。

打開夜晚的台北城，讓全世界的美進到我們家門

Nuit Blanche 白晝之夜，2002年創始於法國巴黎，在10月第一個週六夜晚舉行。活動初始構想為提供一般市民親近當代藝術的場域，根基於「都市創新」及「公共空間設計」兩大核心概念，讓市民在同歡中以嶄新視野深入認識自身生活的城市空間。

2016 年臺北市與國際接軌，於北門舊城區首度舉辦，引發巨大迴響，創紀錄成為台灣史上最多人上街參與的藝術文化活動。2017 年，白晝之夜將移師公館地區，串聯臺灣大學、溫羅汀街區及客家文化主題公園三大場域，建構屬於臺北城南的「時代精神軸線」，以公館城區所承載的多元文化底蘊及自由獨立精神為軸心，深入刻劃城南街巷獨有的文化與城市景觀。同時以當代藝術中的文化混種精神操作城市策展，大量引入跨文化、跨領域、跨世代的多樣展演作品，在蘊含豐富人文肌理的城南街區上交錯呈現，激盪白夜火花。

台北公館與你一起不睡

10/7（六）18:00～10/8（日）06:00，整個台北公館地區將化身夜間的城市美術館，並於空間定位上建構出一條屬於台北城南的「時代精神軸線」：臺灣大學—羅斯福路—客家文化主題公園。

當晚，人群將於臺大正中央的總圖書館前集結，沿椰林大道走過徹夜發光的臺大系所及博物館建築群，穿越承載民主時代記憶的臺大正門廣場進入溫羅汀獨立商圈的巷弄，在多元獨立的書店、咖啡館及音樂藝術表演空間中穿梭，感受台北城南揉合自由叛逆性格與精緻人文底蘊的獨有文化樣態。

再走過羅斯福路上電光數位藝術集結的台電大樓，沿汀洲路來到客家文化主題公園，這裡是城南的大院子，日治時期規劃的休閒運動公園，現今搭起了客家戲台，邀請市民在這一夜，搬個板凳看戲，或從跨堤平台遠眺新店溪、凝視蜿蜒流過台北城南的多元文化記憶。

via / 台北白晝之夜

2025大阪世博將於4月13日開幕，除了各具特色的國家館外，主題館（Signature Pavilions）展區也不能錯過！共8座主題館分別由日本建築、設計、音樂、影視等各界大師領銜，切入生命的各個面向，用趣味的互動式探索體驗，引領觀眾反思人類、藝術、自然、科技間的緊密連結。

Better Co-Being（Resonance of Lives）

由建築師妹島和世與西澤立衛共同創立的建築事務所SANAA操刀、金澤21世紀美術館館長長谷川祐子擔任策展人。展館位於世博會場中央的一片寧靜森林，以無屋頂、無牆壁的設計，模糊室內與戶外的界限，傳遞開放性與共享的理念。

展館主題聚焦於多元社會中的資源共享、互相尊重與人際關係，將結合3D觸覺科技互動裝置與專屬體驗APP等創新技術與藝術，讓觀眾體驗深層情感共鳴。展覽共分為三個展區：「人與人之間的共鳴」以多媒體藝術表現情感交流的可能性，幫助人們重新挖掘彼此的連結；「人與世界的共鳴」以象徵多元價值的彩虹視覺呈現未來願景，鼓勵對平等與包容的深思；「人與未來的共鳴」通過互動裝置，展現環境與人類之間的動態變化，啟發對未來生活模式的想像。

Future of Life（Amplification of Lives）

由日本人形機器人權威石黑浩領銜，這座展館描繪未來五十年間科技可能如何影響並擴展人類的生活。展館內的互動展覽探討科技與社會融合的多樣可能性，像是科技與日本文化的關聯、科技為生活創造的便利、存在於科技中的生命（機器人）、千年後生命的形態等，啟發性地呈現未來生活藍圖，鼓勵觀眾重新審視人類與科技的共存關係。

Playground of Life: Jellyfish Pavilion（Invigorating Lives）

由音樂家中島幸子策劃的「Playground of Life」以「水母」為靈感，建築外觀採用半透明膜結構，呈現萬物生命的柔軟流動性。展館主打創造力與遊戲性，致力於打造一個結合藝術、音樂與互動體驗的夢幻空間。

館內，二樓的「遊戲山」結合原生植被的攀爬設施與滑梯，觀眾可以盡情地攀爬，喚起童年時期的純真與活力；一樓則是現場音樂的表演場域。該展館致力塑造一間「未來地球學校」，不為年齡設限，讓觀眾在玩樂中體會學習的樂趣。

null2（Forging Lives）

該展館的核心設計概念是重塑「鏡子」的象徵意義，利用互動裝置與數位科技讓觀眾探索超越現實的景觀，讓人感受到自然與建築的交融。走進展館，觀眾的身體將被數位化，與有機變形的自己互動。

DYNAMIC EQUILIBRIUM OF LIFE（Quest of Life）

根據熱力學第二定律「熵增定律」，有序只會朝無序的方向移動。然而，唯有生命才是無視這法則、尋求維持秩序的力量；只有生物才會主動地同時分解、重塑自己，而這種「動態平衡」就是生命本身的本質。

該展館內容由設計顧問公司Takram策劃，通過互動燈光裝置展現「生命的動態平衡」。展館巨大的屋頂以輕柔漂浮的形象，象徵生命的循環與流動，而館內展覽則佈滿流動的燈光與多重感官體驗。觀眾將在此感受身體轉化為粒子，溶解到環境之中，重新審視個體生命在整體生態中所扮演的角色，並重新思考生命的短暫與無限。

LIVE EARTH JOURNEY（Totality of Life）

設計師河森正治策劃的展館，聚焦在宇宙、海洋、陸地上所有生命的連結，從以人為本的思考轉變回以全生命為本，強調保護和培育生命的重要性。展覽共分為四個展區：沉浸式XR體驗整合虛擬與現實空間；五感音樂劇場展現生命的活力與熱忱；4公尺的巨幕投影出太空中所看見的地球，與雞蛋內的生命成長情形，是人類感官所無法捕捉的時空尺度；最後一個展間則放大微生物的生長動態，揭開平日視線之外的生命循環。

EARTH MART（Cycle of Lives）

「Earth Mart」由建築師隈研吾與設計師八木保共同打造，其靈感源自於農村生活。展館以里山常見的茅草屋頂建成，象徵過往鄉村生活的繁榮。

「Earth Mart」內部設計如同一座未來市集，而觀眾可以在此認識糧食的循環議題。展覽內容涵蓋未來飲食模式、傳統文化與新興科技的比較、當前社會的糧食挑戰與創新解決方案等，並邀請觀眾以趣味的形式踏上這趟探索之旅，重新塑造新時代的生活見解。

Dialogue Theater –sign of life–（Embracing Lives）

最後一個展館由導演河瀨直美策劃，是一座參與式的對話劇場，每日設定不同主題，隨機邀請參觀者與預先招募的對話者共同展開討論，藉由個人經驗交流、全球議題討論，激盪出更多互動火花。策劃團隊表示，發生在這裡的都是「一生中只有一次」的偶然對話，也無法被預見。展期間的每次對話都將被留存，將傳承給未來人類。

觀看作品時你會習慣先閱讀作品說明嗎？有時候，語言（文字）並不能完全表達藝術家的想法，試著用感覺來理解，而不僅是依賴語言的解釋，觀展過程中可能會有不一樣的發現。

台北當代藝術館（當代館）於2025年1月17日至5月4日推出「No Language」展覽，由黃彥穎擔任策展人，邀集14組臺灣中生代與新生代創作者，突破語言表達的束縛，透過視覺、觸覺與共同經驗的連結，帶領觀眾感受藝術純粹而直觀的力量，發掘日常生活中微小的不平凡。

所有語言的確都是抽象的，只不過某些語言比其他的來得更抽象。 —喬治．歐威爾（George Orwell）

策展人黃彥穎說明：「科學家可以告訴我們大象溜下滑梯的重力加速度，但他沒辦法告訴我們這為什麼好笑，我想『No Language』大概就是在說這個。這個展覽並非是一場藝術創作對抗語言系統分類的陳述過程，而是針對藝術家如何在物質中追求精神性、在詮釋中追求啓發性，以及在現實中追求超越性的身影。」

從日常的縫隙打開無窮的想像空間

入口處展出陳松志《奢侈的墮落》，展檯上畸形有機的口香糖團塊散發著人工香氣，藝術家將過往「咀嚼」的行為轉化為「踩踏｣，引發對感官秩序的深刻思考。

黃萱《隨著風》以樹枝和風扇表現風的動態，《一小部分的霧島》將撿拾的石頭嵌入二手鞋底，延續記憶的旅程，《Flat #3》探討變形物品帶來的陌生感，而《經過》則透過飛機雲的數位影像，將不同時空的日常經驗串聯。

蘇育賢的作品以日常生活的荒誕瞬間為出發點，將瑣碎記憶幻化為如夢般的景象，讓平凡生活散發浪漫光彩。

李婷歡《As the Light Went Through It》將燈光、物件與不同質地的影像進行錯置，透過光影與記憶的交疊，挖掘平凡景象中的感性張力。

日常景象與社會集體意識

江忠倫《很久很久以前》探索記憶、風景與物品之間的微妙關聯，以抽象的畫面和符號結構，帶領觀眾進入藝術家記憶中的電影場景。

劉文瑄擅長以細膩的物質性表現形體與媒材的可能性，展出的三件作品以紙張為主要媒材，巧妙地展現藝術家對自我不同階段的詮釋，其中《媽媽咪呀》是自2011年創作以來，首次公開展出。

陳萬仁《這不是一個幌子》擷取城市街道招牌使人眼花撩亂的印象，行人、腳踏車騎士在招牌間移動穿梭，反映當代社會資訊過載與視覺衝擊的現象，從而喪失對深度與細節的關注。

空間物件與感官的對話

吳聯吟《健身房》將健身器材視為現代身體的雕塑，以器材訓練局部肌肉的功能性加以延伸，重新佈署精神化的身體造型。

陳為榛《夾板實驗場：熱幾何》使用塑膠浪板、磁磚、木板等裝潢材料，建立裝潢工程中「內部」與「未完成」的視野，在冷峻形式的線條基礎上，將有機的路徑介入幾何造型的秩序。

黃海欣《動物園》系列以繪畫記錄動物園沒看到動物或動物正在睡覺的景象，用幽默而真實的方式呈現集體經驗與期待之間的落差。

何彥諺《席地而坐》源自藝術家在學運期間久坐於柏油路面，促使其重新觀察日常中未曾留意的地面質感，將腳底接觸的路面、木地板及球場地面材質轉化為壁面，邀請觀眾以觸覺或其他感官，探索身體如何感知情感與記憶的痕跡。

崔廣宇《系統生活捷徑─表皮生活圈：城市精神》用一系列荒謬的測試行動來挑戰都市空間中的隱形規範，提出不同的觀點重新呈現城市空間的使用方式，進而審視自身與周遭環境的關係。

黃立穎《轉折》以石墨、色鉛筆為媒材繪製於樓梯間，上下移動時能夠看見作品隨著光影進行變化，讓時間不再是線性概念，而是身體動態與空間感知的交織。

廖建忠《運転生活終點站3.0 K-us》用廢棄的冰箱、洗衣機、除濕機、電鍋、熱水瓶等多種家電改造為遙控車，幽默地批判現代消費文化及其隱藏的代價。

另外，展覽期間也將舉行藝術家面對面、工作坊與多場導覽活動，邀請觀眾透過不同互動式活動一同化身為自己的旁觀者，專注於那些平時忽略的細節，在生活中發掘全新的感受。各項活動訊息可至當代館官網查詢。

台北當代藝術館新年首展「No Language」
展覽時間：2025/01/17 （五）～05/04（日）
展覽地點：台北當代藝術館       
更多資訊可至展覽網頁查詢

_{資料提供｜台北當代藝術館、文字整理｜Adela Cheng}