人說「藝文之秋」，秋高氣爽的日子最適合的莫過於展覽巡禮。日前位於英國倫敦與巴黎的 Marian Goodman Gallery，兩地分別重現了日本藝術家杉本博司（Hiroshi Sugimoto）的劇院與海景系列攝影展。彷彿一切都經過稹心規劃的緊鑼密鼓，這位年近七十的藝術家，野心勃勃跨足建築界親手打造的展覽空間——「江之浦測候所」（Enoura Observatory），也在 10 月 30 日日本小田原市開幕！

歷史與時間一直以來都是杉本博司的創作母題。沖洗出的作品裡，看似極簡、無情的空與寂，實則是對歷史與時間的反思與探究。1976 年以來創作著名《劇場》（Theater Series）系列，取景的劇院遍佈歐美；除了早期的紐約作品、廢墟系列，在倫敦 Marian Goodman Gallery 的《Snow White》展覽，這次更闢整個樓層，陳列 2015 年義大利歌劇院的主題。其中包含位於波隆那的古老歌劇院 Villa Mazza Corrati，以及至今僅存的三座文藝復興劇院——維琴察城的奧林匹克劇院（Teatro Olimpico）、薩比奧內塔城的古代劇院（Teatro all’antica）、別具巴洛克風格的法爾內塞劇院（Teatro Farnese）。

雖名為《劇場》，但主題實為探索時間概念的黑白攝影。快門時間取決於電影的長度，影格流動於螢幕，長時間曝光之後留下一片白，古老劇院空間本身的細節，則因為長時間的曝光而更加明晰地保留下來。電影時間的流逝，映照著建築本身的歷史痕跡，虛實、真假的光影交錯間，讓人思考何謂片刻與永恆——以「空間」為命題，進行對「時間」的一場論述。

「海景系列裡，我要處理的對象是水與大氣——這兩樣可說是至今為止，對人而言變化最少的東西吧！」——杉本博司 

在 Marian Goodman Gallery 巴黎館的《Surface Tension》展覽，則展出杉本博司 1980 年以來知名的《海景》（Seascape）系列創作，更祭出 2017 年於塔斯曼海的系列新作品。《海景》系列紀錄他行跡所及的每個海域，捕捉海域所凝結的平靜時刻。每幅作品有著每個海域獨特的片刻，氤氳的光影與水氣、氣溫與濕度；而每幅的構圖又皆由平穩的海平線切隔海面與天空，述說著「同」與「不同」。「同」與「不同」，像是替亙古以來的人類記憶寫下一筆，企圖探求人們對海洋如鄉愁般的共同情感。

場景來到日本小田原市。具東京六十哩的東南海岸，江之浦測候所背著箱根山、面對相模海灣，呼應著杉本博司個人的創作情感根源：海洋。回顧著《海景》系列裡的創作根源，竟與此地也脫離不了關係。他曾在訪談裡談到，從前自熱海搭車到小田原，途中經過「眼鏡隧道」；透過隧道裡的小窗口，看見了這裡如電影影格般流動的海洋，一格格連結成一片海洋，造就了《海景》的創作想法，「腦海裡留下的強烈印象，也正是我的創作起點。」

於是，2009 年杉本博司在此成立了「小田原文化基金會」（Odawara Art Foundation），藉此推動建築、藝術與能劇在時代裡的交集。「現在，時代成長與發展到達了一個臨界點，藝術卻似乎失去了過去的純粹，失去自身的定位。藝術該陳述或表現什麼？我們無法簡單地回答。但我們可以再次回溯自我意識發生的當下、探索其泉源，從而畫出接續的路徑。這便是設計『江之浦測候所』的初衷。」以冬至、夏至、春分與秋分為設計中心——運用對周遭自然環境、氣候的判定，理解自己與空間、場域的關係，人類進而思考自我——而藉江之浦測候所，他期望能重現「自我意識覺醒」的過程。

立基於基金會的理念，包含展覽空間、能劇劇場、茶館以及藝術基金會辦公室，杉本博司藉此推廣日本傳統與創新、聯繫東西文化。冬至光遥拝隧道，再到夏至光遥拝１００公尺藝廊，四季於其中流轉，而人文與藝術也於其中循環蛻變，這便是杉本博司對這世界的有感有情。

正如他橫跨世界各洲的系列作品般，杉本博司的展覽與影響力，也將繼續橫跨古與今、東方與西方，在世界各地如繁花盛開。

Info│《Snow White》 

Marian Goodman Gallery, London/ 5-8 Lower John Street, London W1F 9DY
Opening Hours: Tue-Sat/ 10:00 am-06:00 pm
展期至 2017 年 12 月 22 日

Info│《Surface Tension》

Marian Goodman Gallery, Paris/ 79 rue du Temple, 75003 Paris.
Opening Hours: Tue-Sat/ 11:00 am-07:00 pm
展期至 2017 年 12 月 22 日

Info│「江之浦測候所」（Enoura Observatory）

250-0025 神奈川県小田原市江之浦 ３６２－１
Opening Hours: Thu-Tue/ 10:00 am-06:00 pm
11月-3 月 21 日/ 一日兩回，10:00・13:00
3 月 22 日-10 月/ 一日三回，10:00・13:00・16:00（採預約制）

Text /  Ya Tien

Photo / Hiroshi Sugimoto、designboom、The New York Times.

※本文由Polysh授權刊載，未經同意禁止轉載。

也趣藝廊推出《漂流（序曲）－沈昭良攝影展》，本次個展為藝術家自榮獲2024日本寫真協會國際獎，並於日本東川町文化藝廊舉辦大型回顧展後，首次於台灣完整展出「漂流」（Drifting）系列。

沈昭良於2015年啟動「漂流」系列，開啟地景攝影之路，展開對台灣近代歷史的敘情式書寫。此系列梳理過去十年來台灣內部包含殖民主義、國家認同、族群、冷戰、人權、原住民、生態、環境、能源等潛在課題，這些複雜且龐大的議題，都在沈昭良兼具寫實與敘情的拍攝視野中，轉為深邃的情感訴諸。本展邀請觀眾參與這場「漂流」，共同思索在歷史、政治與文化的漩渦中，台灣應如何尋找並確立自我認同與未來走向。

地景，是歷史記憶的載體

「對台灣人來說，特別是在解嚴之後，國家認同與疆界一直是內部分歧和爭執的根源。包括過往的歷史和印記，這些看似不見卻又潛藏的真實，正在形塑我們的命運發展和可能願景。」 —— 沈昭良

在「漂流」系列中，沈昭良將台灣的地理景觀和文化符號，視為國家認同與歷史記憶的載體，跨越時空與歷史縱深，表達了不同族群在變遷中的情感波動與生活面貌，並折射出台灣在多重歷史脈絡中的複雜命運。

「漂流」系列作品在歷史發展的脈絡下，援引直接或間接與具體歷史事件相關，或象徵、意喻和指涉的景觀，在視覺的編串中進行意義的置放，探討議題從殖民歷史到現代化的衝突、從族群關係到生態環境的變遷，所有這些台灣內部錯綜複雜的社會、文化與歷史面貌，皆在作品中得以交織，引領觀者進入一場具有強烈時代感的視覺旅程。

熟悉地景中藏有鄉土情愁、文化痕跡

「漂流」第一眼抓住你的或許是熟悉的天空、台灣特有的體感濕度、路燈；而後還看進了鄉土情愁與文化的斑斑痕跡，盡在細節裡隱隱發酵。每一處地景既是對台灣土地的真實呈現，更是對歷史記憶如何影響台灣人民的身份認同與文化傳承的細膩描繪。

透過沈昭良的影像語言，《漂流》將台灣的地理與文化景觀帶入全球視野，並在全球化與當代政治歷史爭議的背景下，梳理出台灣在當代藝術語境中的獨特地位與深遠意涵。

《漂流 (序曲) - 沈昭良攝影展》

展期｜2025.02.13－03.22

地點｜也趣藝廊（臺北市大同區民族西路141號）

La Vie雜誌2月號以「跟著光，尋找創作靈感」為題，封面照片選自日本攝影家水谷吉法的《Voices of flowers》系列作品，看似太陽的柔和光暈，其實是一朵刻意失焦的鬱金香。他因《Tokyo Parrots》裡怪誕的東京鸚鵡廣受國際矚目，並持續以快門記錄下都市裡微不足道卻充滿張力的瞬間。談起攝影不可或缺的「光」，他說：「我選擇不以言語去定義光為何物，希望透過攝影來表現並呈現某種形式的光。」

來自日本福井縣的水谷吉法，18歲時離開家鄉赴日本大學經濟學系就讀，在此之前，他不曾接觸過攝影或藝術。直到畢業前夕求職不甚順利的過程中，偶然接觸到攝影師羅伯．法蘭克（Robert Frank）的攝影集《The Americans》後深受吸引，自此開啟了對攝影的興趣。於是在大學畢業後，他進入東京綜合寫真專門學校，就學期間持續將作品上傳Tumblr和Flickr等社群媒體。儘管並無師事任何知名攝影師，但靠著網路世界的傳播，他漸漸在海外展露頭角。

2012年從專門學校畢業，短短兩年後，水谷吉法獲得荷蘭《Foam》雜誌「Talent Call」、LensCulture年度50大新銳攝影師等殊榮，2015～2017年間更陸續在東京、比利時、北京、瑞士、倫敦及巴黎等全球各地舉辦個人攝影展。首部攝影集《TAXI DIRTY BOOK》，也是他向瑞士的出版社自我推銷，最終在海外成功發行。這也是為什麼水谷吉法的日文訪談中，常常可以在標題看見「逆輸入」一詞，意指其揚名海外後，才在日本國內受到矚目的「反向輸入」特殊經歷。

在不起眼的都市角落打上一道道聚光燈

廣受海外矚目的《Tokyo Parrots》系列作品，毫無疑問也是水谷吉法的生涯代表作。從「為什麼城市裡會有野生的鸚鵡？」此一疑問出發，他花了一年時間追蹤群聚於東京住家附近的野生鸚鵡。他在傍晚至夜間時分朝著樹枝、電線桿打上閃光燈，捕捉了羽毛顏色鮮豔的鸚鵡們，在振翅時帶有些許神祕、怪誕的氛圍。

水谷吉法提到，每一張照片都是即興拍攝，「拍了整整一年，大概可以掌握到鸚鵡會在什麼時候、從什麼方位回到鳥巢，也曾嘗試過定點拍攝，但永遠沒辦法完全掌握鸚鵡的習性。」他也說明，最一開始其實並沒有加入人造光源，但發現打光才能呈現出夕陽西下時鸚鵡的鮮亮螢光色，便決定在拍攝中採用閃光燈，加強作品炫目、迷幻的要素。

正如《Tokyo Parrots》所示，水谷吉法十分擅長從都市中發掘題材。除鸚鵡之外，他也曾拍攝過計程車司機的執業登記證、罩上防塵罩的汽車及爬滿常春藤的建築。他說：「踏上攝影之路後，我開始仔細地『觀看』周遭，對映入眼簾的所有人事物都充滿好奇。」他一一捕捉這些散落於都市角落、易於被眾人忽視的光景，再帶來令人眼睛一亮的呈現。

2014年《YUSURIKA》及2016年《Voices of flowers》系列作品，也是水谷吉法在擷取都市風景時所誕生的。「YUSURIKA」意指常棲息於水邊的搖蚊，某一天，他在白天以閃光燈拍攝自然景致時，突然發現了映照在成像中如雪花般的白色光點，才發現是相機捕捉到了搖蚊的身影。「雖然攝影常是為了忠實地記錄下映入眼簾的景象，但這系列作品透過捕捉自然中的光點，更有巧思地重新詮釋了自然神祕之美。」

《Voices of flowers》系列則擷取了在東京、倫敦等公園拍攝的花草景緻，以色彩豐富的自然風景，重現水谷吉法心中春天的柔和景象。本期雜誌的封面正是收錄於此攝影集中的亮點之一，他在東京某處以長焦距鏡頭取景，讓畫面中央的鬱金香刻意失焦，藉此呈現出獨特的光暈美感。

探索數位相機獨一無二的表現方式

水谷吉法從20歲開始接觸攝影，除了初期曾短暫嘗試過底片相機外，近乎所有的作品都是以數位相機拍攝。他說明，這或許和他從15歲就開始用手機拍照有關，自然地更習慣操作數位相機。此外，他也積極活用數位相機獨有的功能，如2018年的《HDR_nature》正是使用HDR（High Dynamic Range Imaging，高動態範圍成像）技術之下誕生的作品集。

HDR指的是透過組合不同曝光程度的照片，用以保留照片明亮和陰影部分的細節，生成出最接近肉眼所見畫面的功能。水谷吉法在HDR拍攝的曝光過程中刻意地移動相機，任由相機從數個不同焦距、曝光的瞬間，拼湊出肉眼不可見的流動構圖和魔幻氛圍。「和相機忠實紀錄影像的特質正好相反，HDR功能可以創造出新的色彩、光線與世界觀，是數位相機獨有的創作方式。」

在2021年的《Higashikawa》系列作品中，水谷吉法更嘗試了在鏡頭前加入彩色膠片。此系列作品是參加北海道東川町駐村計畫時的紀錄，他提到，駐村期間曾有藝術家說：「看著彷彿畫布的雪白大地，就很想在上頭揮灑色彩。」對這句話深有同感，水谷吉法最終摸索出的解答正是使用彩色膠片，替東川町的冬日景緻染上一道道光彩。

持續捕捉自然的罕見現象

比起攝影師的頭銜，水谷吉法或許更適合被稱為都市裡的觀察者、記錄者，所有映入眼簾的人事物，都有可能成為他快門捕捉的對象。他對於童年時期穿透樹葉間隙灑下的陽光、反射在水田上的粼粼波光都記憶猶新，也熱衷於從建築中找出攝影題材。他特別鍾愛墨西哥建築師路易斯．巴拉（Luis Barragán）的作品，時常觀察其在空間中如何分配、調和色彩以及計算光線。

問及未來是否有任何想拍攝的題材，水谷吉法的回答依舊富有其個人風格—想拍攝「鐵氧化細菌」。這種微生物會在河川表面形成看似油脂的薄膜現象，在自然光的折射下，於水面映照出彷彿彩虹的光圈。他說：「這種自然的神祕現象非常有趣，但因為罕見，也很難發現。」儘管至今並沒有直接以「光」為主題的創作系列，但透過每一幀照片，他已為許多習以為常或難以察覺的生活一角，映照出炫目光景。

水谷吉法

1987年出生於日本福井縣。以都市裡各式自然為題進行創作。2013年獲頒JAPAN PHOTO AWARD，2014年入選Foam magazine Talent Call。在日本國內、英國、法國等世界各地舉辦個人攝影展。

_{企劃｜張以潔　文｜廖怡鈞
攝影｜Yoshinori Mizutani}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/2月號《跟著光，尋找創作靈感》