充滿力量毫不遲疑地在畫板上勾勒出第一道線條，即使週圍被眾多雙眼注目環視，然而眼前穿著白色簡潔合氣道服，充滿靈氣的作畫女子，只見她先是氣定凝神地跪地冥想，讓自己入魂到作畫境界，隨之瀟灑地抓起顏料，恣意地在金色屏風畫板上宣洩出專屬她才能見著的守護獸奇幻形體。而她正是有著「神隱少女成人版」之稱，享譽國際畫壇的日本藝術家小松美羽，其落筆率性又俐落的姿態，加上畫作中那細膩強大的美感能量，皆將透過《繪獸繪靈—小松美羽台灣首個展》震撼台灣畫迷的心！

出生日本長野縣的小松美羽，擅長用繽紛色調、奇幻畫面，展現令人驚嘆的美學世界，這次受白石畫廊台北空間之邀，首次在台灣舉辦《繪獸繪靈—小松美羽台灣首個展》。年紀輕輕的她，自小即在大自然環境中成長，而這也或多或少促使她能見到另個空間形體神獸的機緣，雖從小就擁有能接觸它個世界的能力，但因為當時懵懂無知並不知曉那有多「特別」，伴隨著年齡增長，她才逐漸意識到原來那些「無形」形體並非常人所能窺見。像是注定被給予的這份天賦能力，加上曾目睹動物與親人離世的經驗，使小松美羽對於生死、靈魂特別敏銳，而她也藉由創作一一描繪出來這樣靈感養分，用畫筆勾勒出各種形體的神獸，闡述特殊生死觀外，也構築出她獨特的畫中靈魂世界。

 

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畫中的獨特生死觀

宛若用畫譜寫出面對死亡的美麗詩篇，當看著小松美羽的作品時，無不被那豐富構圖和獨特筆觸畫風所吸引，而這也不免好奇她那深藏於畫作背後的故事底蘊究竟為何，對於自己的作品多與生、死有強烈連結，她表示：「我從小就很喜歡動物，可以說是在動物圍繞下成長，我想人類與動物沒有差別，誰比誰更為優秀這個觀念於我而言是不正確的。小時候當動物離世時，便可看到近似於靈魂出竅的瞬間，就像是一團能量。」，她繼續補充：「像是作品《四十九日》誕生的原因，是遇到我尊敬的書法家祖父過世時，當時我也見到了祖父靈魂出竅的一刻，那以能量方式存在的形式，讓我發現原來人與動物步入死亡時並無分別，無論是哪種形體，最終都會變成一團能量、回歸地球，在死亡的那一刻達到平等。」。

談及令她藝術家生涯聲名大噪的《四十九日》，這幅獻給已逝疼愛她的祖父的創作，其在命名上是否與往生到投胎的天數有關，對此她答道：「沒有錯，原來台灣與日本在對於死後的概念是相同的。面對死亡，每個人會選擇不一樣的情感去迎接，對我而言在祖父往生時所感受到的能量，讓我有了人與動物是平等的想法，藉此轉化為作畫靈感，希望將這樣的生死感觸畫下來，並用版畫方式呈現。在死後的四十九日間，亡者可能會在天堂或地獄接受審判，展開另一段旅程，我想傳遞這樣的想法給各位，因而有了《四十九日》這幅作品。」。

黑白到彩色的視界轉變

曾被日本報章雜誌以「恐怖的世界」來形容畫作風格的小松美羽，近年創作一改早期黑白色系風格，轉為濃郁艷麗色彩，對於顏色風格上有著如次大的轉變，她表示：「我很喜歡線條的呈現，所以學生時代我主要是做銅版畫。當時覺得神獸的世界用黑白色來呈現非常適合，然後有了到台灣和其他國家的旅行經驗後，反而覺得顏色很重要，可以表現出人的情感以及很多事情，因此開始使用多種顏色下去創作。」。

至於整體創作風格漸漸不再那麼恐怖，甚至帶有和平安定感，「約莫在28歲時，我開始『冥想』的習慣，變得不再是單純用第三隻眼看世界，而是以靈魂來感受這個世界，在心情上也變得較沉靜，我想這自然也反映在作品上。另外，過去我多是一個人作畫，然而現在有了團隊，不再是單打獨鬥，也開始嘗試各式媒材，在創作心情上想必與以往會有明顯不同。」小松美羽回答道。

藝術生涯最大創作《五次元》台灣首展 眼睛成創作關鍵元素

第四次造訪台灣的小松美羽，此回《繪獸繪靈—小松美羽台灣首個展》則為第一個在台灣開辦的畫展，她表示每次來台都能充滿感受到自然、土地與人的能量，上回來台時她的腦內更自然地浮現閃閃發光的龍之模樣，隨後她便將這份想像轉為創作題材，並難得地使用銀色線條來描繪神獸的輪廓，因而創作出《台灣水龍》作品。而在此次個展中，小松美羽也為台灣獨家創作了多幅作品，其中最為搶眼，也是她藝術創作生涯中最大幅作品《五次元》更是讓人為之驚嘆。

由於《五次元》是一旁作品吽獅子、阿獅子系列演變成最終形態，之所以興起這系列創作，她說：「這系列作品我以神獸的嬰兒、孩童、成人，以及最大張的神獸家庭為概念，藉此告訴大家即使是一般人肉眼看不到的神獸世界也與人們無異，有著家庭、傳承延續的概念，而強大的神獸也以溫暖的力量守護著我們。」。

在小松美羽的作品中不難發現「眼睛」是極為重要的元素，不僅具有點睛的效果，更是將畫所想訴說的氛圍傳遞之關鍵核心，「眼睛除了能見到邪惡、不好的東西外，我認為人彼此之間也能通過眼神達到交流。看到一個人的眼睛富有力量時，也可以得到他的力量，因此眼睛這個元素才會成為我創作重要的要素之一。」。

 

Miwa_Komatsu（@miwa_komatsu_official）分享的貼文 於 2017 年 12月 月 7 4:01上午 PST 張貼

如同她所訴，雙眸能夠見識到好與壞，那麼比起一般人能看見更多的她，是否曾想過倘若有天無法再見識到另一種景色會是怎樣的情形？她想了一會答道：「在我們小的時候可能都有機會看到不一樣的世界、感受各種事物，然而隨著長大漸漸忙碌後，反而無法感受看到，我認為這蠻可惜的。也因此每次作畫前我都會進行冥想，這是個相當重要的步驟，因為可以幫助讓我的靈魂保持純淨，對於神獸抱持著尊敬外，也讓靈感能湧上來。為了不讓這樣的連結斷掉，我會去泰國和印度修行，一邊冥想一邊唸著箴言，與其擔心不如自然的面對，讓自己與那個世界連結，保持看得到的狀態。」。

神獸系列創作可望動畫化

被譽為「神隱少女成人版」的小松美羽，自言非常開心能有這樣的稱號，加上自己很喜歡動畫大師宮崎駿的作品，即使雖然有些害羞但卻也感到相當光榮。創作能量強大的她，被問及有否想過將神獸系列發展成更完整的動畫相關作品，她笑說先前在台灣有美術館館方人員向她這樣建議，自己在日本也曾與動畫相關人士接觸，對於這樣的想法不設限；而一旁的經紀人此時則補充《你的名字。》導演新海誠和小松美羽是相當交好的朋友，或許未來雙方有機會合作發展神獸系列相關影視作品。

對於此次來台首展並收到粉絲們熱烈支持與迴響，小松美羽開心表示台灣正進行的個展，對她來說是全新的冒險，並感謝大家在社群上幫忙宣傳。接下來想嘗的挑戰？「此次不僅是來開辦畫展，也希望自己此時能更上層樓，目前也有新合作企劃正在醞釀，今後還會有更多不一樣的事情發生，屆時也希望大家可以繼續支持。」。

Info | 《繪獸繪靈—小松美羽台灣首個展》

展期：2017.12.2-2018.1.7 免費參觀

時間：週二~週日 11:00-19:00 （週一公休）

地點：白石畫廊（台北市內湖區基湖路1號）

Photo via 白石畫廊

創作十逾年來，時永駿的每件作品都像是「夢」——他著迷也著於擺弄真真實物件，導演在平淡日常中暗藏突兀荒誕的戲碼。我們走進他面向河川的三層老房，看創作超現實的藝術家，陪伴現實日常的器物是什麽？它們又如何影響、乃至象徵著他的創作和生活？

時永駿的創作有點超現實，他的家也是。 

他作品中標誌性的、怪奇異質的玩偶與物件，四散三層樓的大房子，連不少尋常的生活器物——櫥櫃上的花瓶、茶几上的燭台、桌上的茶壺、角落的盆器⋯⋯在安坐目前的位子前，也都先出自於他的「畫面」。

近十年來，時永駿創作時始終堅持著一套儀式：先做立體雕塑裝置，拍攝，最後才轉成布面油畫。他喜歡拼接大量生活瑣碎物件，搜集現成物之外，也做陶，為了免去排隊燒窯的時間，狠心花大筆錢設下一座窯，就是為了能最親自、即時地燒製最理想尺寸的物件——多數時候是人偶，也有最適合人偶尺寸的各式器物。

為什麼這麼做？家中滿滿的一牆書藏有暗示，其中大多是關於建築、室內設計或景觀的主題，「我很喜歡看空間，在繪畫裡也希望有一個明示、暗示的空間感，所以會先把場景做出來，好像要參與到裡面，我才會決定要畫什麼。」理解世界的方式是體感的、直接的，時永駿也在意走進白盒子的觀者可以身歷其境，展出時，裝置往往會直接出現在畫作旁邊，作為對照，並列站在觀者面前。

此刻，樓下的工作室中，為了10月在首爾的展覽，3個場景正在搭建，「廚房、飯店走廊、咖啡廳，對我來說全都是很熟悉的場景，相信對大家也是，不用依賴文字論述，一看就知道怎麼回事。」由此，其中大量日常物件的出現也就理所當然。有了鍋碗瓢盆的陪伴，那些扭曲殘缺、比例不合維度的玩偶，顯得不全然是突兀割裂，反倒有些親切。

讓它們出去玩！

時永駿當然清楚自己戀物，「絕對是夠戀物才做得出這樣的作品。」

他試圖追溯原點。大學時，租屋處附近是廢棄的、靜待拆除的關渡自強新村，所有居民都已撤離，只留下非常多被遺棄的舊物。同為眷村小孩、當時自己老家也在拆遷的他，清楚如果沒有帶走的物件，不會回收也不會被處置，只會一起被夷為平地，「當時學生流行起用老東西，我們每天醒來就一群人當去雜貨店挑生活物件。」

從此，「東西一旦落入我手中，就很難拋棄它。」時永駿笑說，喜新和厭舊並不排斥吧？直到幾年前，他搬來人生第一個屬於自己的家，把40年老房翻新成通透明亮的模樣，對於物件的慾望，才更加克制了。「除非真的是破表的喜愛，才會帶回家！」請他挑一件近期最「破表」的，時永駿指向混進書櫃的一只馬克杯——很薄很薄的杯壁，在京都古屋市集遇見時一摸就著迷，他相中奶白的顏色很適合泡拿鐵，但每次用都實在太提心吊膽，才乾脆遠離廚房江湖，供奉到書櫃上。

他習慣這樣為各式飲料搭配不同杯子、不同飲料也絕不混用同一只杯子裝，另一頭的廚房裡，明明是獨居，但滿滿一大櫃的杯盤碗碟，透露也實現他的小講究，更呼應著他的畫作〈餐具的選擇障礙〉——小小的人偶面對滿牆的餐盤——正是他自己的經驗，「倒也不是說一定要那個儀式感，是想就算大部分時間是一個人吃飯，也不要這麼狼吞虎嚥、這麼草率，這件事可以從選擇餐具開始。」

櫥櫃裡，也不乏穿插著他過往為作品而燒出的陶器——如果尺寸恰巧合乎「現實」，每次展覽回來，也便會自然入列，變成藝術家實際使用的生活器物。然而，雖然是創造者，時永駿也從不擁有絕對的主控權，每次送出門，都不知道誰還會再回來，一旦被藏家買走就是永別，能有緣再回來被使用，都多了分命運的色彩。

對此，時永駿形容是「讓它們出去玩」，看著器物的角色在展品和生活物件、「去功能性」和「功能性」之間不斷切換，對他來說不僅是好玩，「隨著生活跟作品的界線越來越模糊，我也找出一個平衡——我好難坐下來直接把筆電打開，好痛苦，我希望工作就是不會讓我覺得現在在工作！（笑）也所以，我也一直堅持工作室和家要在一起。」藝術家花大把時間摸索調整、找出最適合自己的創作模式，如今都巧妙具象地體現在他的器物。

模糊與流動

最近，時永駿從姊姊家的大掃除中搶救回一只來歷已成謎、小到無用的袖珍陶瓷印花茶杯，嘗試放進他正埋頭搭建的最新場景中，尺寸完美地適配站在吧台後的娃娃。好奇這樣從木作搭景、燒陶、與現成物混合，到定案最終擺置後開始動筆成畫，要花多久？「誇張一點，一天到晚換擺飾，反覆試，可能拍5、60張照片決定配色，1、2個月才能得到1張，最終決定要成為繪畫的定格。」

但偶爾他也會放手。一次在作品〈廚房〉（一個迷你的木作廚房加上黏土餐具的雕塑作品）中，布展時，時永駿邀請畫廊員工來自由地擺，「大家都問不是應該由藝術家來？但我其實也希望看到大家是怎麼詮釋。果然最後的邏輯跟我完全不同，酒器從我預想的最上方去到第一層！」更多時候，對於物的配置，其實他毫不執著，「我的作品只是我自己給出的一個版本，但它沒有正確答案嘛，每個人的生活態度或經 驗不同，使用器皿的邏輯也就完全不同，相信如果藏家買回去，也一定忍不住不重擺吧？」

好在生活也是這樣，無需定格，始終在流動。現在，許多人進到時永駿家，會忍不住指認出曾在哪個展覽、哪件作品中看過哪件器物，他自嘲，「反正一般最粗糙、歪七扭八的就是我做的啦！」每當這時，他也覺得很有意思，「好像真正做到把工作跟日常合在一起了。」

生活與工作，物件的功能性與藝術性，一切都是模糊的，這就是屬於這個家的超現實。每一天，時永駿繼續為每一杯飲料、每一餐搭配器皿，也轉身安置小空間裡的布景。久了，他對空間的思考也寬廣，「只要能裝東西的就是容器？每個作品場景是，這個家也是——重點是裝在裡面的事。」

陪伴創作日常的24hr器物們

 咖啡杯〔 08:00 - 09:00 〕

咖啡杯為了避免天黑還在工作會覺得自己很可憐（笑），我儘量早起，讓工作都集中在日落前。每天起床的第一杯咖啡，其實本來最愛用一只白杯裝，但幾年下來杯底的沉澱很難洗掉，偏偏我很愛洗刷器物，最後乾脆換了這隻深色的（來自選物店Everydayware & co）。

 大～水杯〔 10:00 〕

吃完早餐，我就會開工！因為廚房和起居空間在二樓，工作室在樓下，我會用我在東京跳蚤市場買的、也是我擁有最大的一個杯子，倒一大杯飲用水帶著，工作時備在手邊，這樣就不用一直上上下下。

 小菜碟&湯碗〔 18:00 〕

天黑了，我就會把樓下全部收拾乾淨上來煮晚餐。餐桌上固定一定會出現的就是這兩位：我通常一個人吃飯，醃漬物比較方便，這個小菜碟（左）是自己做的，尺寸很適合把好幾種全部放在一起享用；另外我喜歡喝湯，在「舊目立屋」買到這只湯碗。

 清酒杯〔 22:00 〕

睡前，我最喜歡喝清酒。這是朋友送的，很多清酒杯都小小的，一直倒有點麻煩（笑），但它夠大，有點深、同時又全透明的顏色也很美。另外，我絕不會拿它來裝水和茶——不覺得每種飲料都用專屬的、最適合的杯子裝，會特別好喝嗎？

時永駿

1978年生於台北，臺灣藝術大學畢。創作媒材涵蓋繪畫、雕塑、裝置、攝影與文字，偏好將真實生活中的物件融入，創造出偽寫實作品。作品形式大多以電影與戲劇的拍攝手法進行前置作業。曾多次獲澳洲白兔美術館、上海龍美術館，與臺灣國立歷史博物館等館藏。

_{文｜李尤　攝影｜林科呈　圖片提供｜YIRI ARTS}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/4月號《從器物開始的理想生活》

「臺南國家美術館籌備處」於2025年3月25日正式掛牌成立，將以臺南市美術館2館為基地，展開臺灣第一座專責近現代美術發展、也是第二座國家級美術館的籌備工作。未來館內常設展將聚焦臺灣美術1895至1960年代作品，全面且系統性建構臺灣藝術發展脈絡；值得一提的是，大量典藏由前輩藝術家家屬無償捐贈，表達對臺南國家美術館最有力的支持。

→南美館「福爾摩沙時代」大展集黃土水《甘露水》、陳澄波之作等200件作品

為什麼臺灣需要一座國家級近現代美術館？

綜觀國際美術館發展趨勢，成立專題或斷代美術館，是國家美術發展達成熟階段的必然作為，例如羅浮宮收藏19世紀中葉以前廣義的古典藝術、奧塞美術館專責收藏1848年至1914年間的藝術作品、荷蘭國家博物館主要收藏荷蘭黃金時代藝術等。

2018年，臺灣啟動「重建臺灣藝術史」工作，展開對臺灣藝術文化、歷史的自我理解、詮釋工程，至今完成蒐藏前輩藝術家作品867件、檔案史料9萬件、修復作品文物8000件。前輩藝術家後代也大力響應，如順天美術館董事長許照信為完成父親許鴻源「為臺灣人留下一份文化遺產」的心願，將670件館藏全數無償捐給國家；許多前輩藝術家家屬也紛紛表示願意捐出珍藏作品。

目前臺灣僅有一座國家級美術館，即位於臺中的國立臺灣美術館（國美館），其自1988年開館至今累積豐富典藏，不過礙於現有館舍空間有限，臺南國家美術館成立後，將可適度減輕國美館典藏及展覽壓力。歷經各方協調，考量新建館舍曠日費時，為盡快以國家級資源典藏臺灣藝術家作品，最終由臺南市政府主動提出將臺南市美術館2館無償撥用給文化部，作為臺南國家美術館使用。

聚焦臺灣美術1895至1960年代作品

未來臺南國家美術常設展將聚焦臺灣美術1895至1960年代作品，持續研究、蒐藏及展示前輩藝術家作品，並完整、系統性地呈現臺灣藝術史發展脈絡；包含近現代領域的定義及研究、場館發展規劃、典藏制度訂定在內等工作，預計於2027年完成。

掛牌記者會上，陳澄波、郭柏川、郭雪湖、蒲添生、張萬傳、潘春源、潘麗水、潘瀛洲、鄭世璠、陳夏雨、黃歌川、楊英風、陳陽春、蒲浩明等前輩藝術家家屬，已陸續表達捐贈作品意願，並在眾人見證下，共同簽署捐贈典藏意向書，期盼未來由國家保存、研究及常態展示臺灣美術史重要美術資產。

首展集結黃土水《甘露水》、陳澄波之作等200件作品

隨著臺南國家美術館籌備處正式成立，館方委託臺南市美術館策劃的首檔展覽「福爾摩沙時代—臺灣近現代美術的知識啟蒙」同步揭幕。展覽內容橫跨日治時期到戰後的各種藝術樣式與思潮，討論「地方色彩」、「國族意識」與「現代性」等議題，回顧臺灣美術如何在外來與本土的雙重影響下，逐漸發展出獨具特色的藝術風格，並強調藝術家在各個歷史時期的創作歷程與精神，期盼喚起大眾對本土文化的深刻思考與認同。

「福爾摩沙時代」集結多件國寶級作品，包含陳澄波逾30年未曝光的《南海普陀山》、黃土水《甘露水》、張大千《廬山圖》等，這些藝術作品既是臺灣美術歷史的縮影，也見證藝術家的創新精神與對當時社會的深刻反思。

「不管別人要如何稱呼我們，但我們絕不會低人一等。」

文化部長李遠於掛牌記者會致詞時，特別取玉山社出版《曙光來臨之前》序文說道：「黃土水、陳澄波、陳植棋等人入選帝展時的心情，其實就像是陳傑憲在胸前比出框框的感覺：我們只是還沒有自己的名字，但絕不會低人一等。」2024年李遠陪著黃土水作品《甘露水》回到母校東京藝術大學，同場也展出陳澄波、李梅樹、李石樵、郭柏川、顏水龍、陳植棋等藝術家的自畫像，當他仰望著前輩藝術家們年輕、充滿自信的模樣，彷彿回到一百年前，看見他們彼此扶持、鼓勵並昂首闊步，在臺灣被日本殖民統治的時代，心懷志氣走出自己的路。

臺南市美術館將擴建，保有城市美術館主體性

談及臺南市美術館未來動向，文化部表示，臺南市美術館將持續營運臺南市美術館1館，在臺南國家美術館籌備處正式營運前，也將協助館內策展，未來館舍將擴展至農水署嘉南管理處現有空間，保有臺南專屬的城市美術館主體性。

資料來源｜臺南市立美術館