時尚攝影師的旅行觀點為何?《Fashion Eye》旅遊攝影集搜羅5大城市時尚風貌

時尚攝影師的旅行觀點—路易威登《Fashion Eye》旅遊攝影集

旅行的意義是觀看、是體驗,在途中細膩感受各種未知,進而累積成自己的生命底蘊。路易威登(Louis Vuitton)推出五本旅遊攝影集,選輯五位攝影大師與他們的旅行觀察,為你我呈現關於一座城市、一片地區或一個國家的絕美景致。

 

邂逅蒙地卡羅 ——Helmut Newton 

慾望與權力,是德國時尚攝影大師 Helmut Newton(1920-2004)最擅長傳遞的畫面,也由於他照片中那強烈的挑逗意味,讓他的創作被點評為「情色時尚」。回望二十世紀,深具影響力的他不僅曾為無數時尚媒體操刀,更引領當時的前衛風潮,至今無人能及。Helmut Newton 曾說,「我熱愛陽光,但陽光在巴黎已不復見。」於是 1981 年,他離開法國,與夫人 June(Alice Springs)移居氣候宜人的摩納哥,從摩天大樓 19 樓陽台俯瞰蒙地卡羅的絕美風光。此外,他也偏愛觀察建築工地與生活即景,在本次《Fashion Eye》攝影集中,模特兒將置身於泳池、棕櫚樹、建築物與藍天白雲之間,用最經典的 Helmut Newton 風格,演繹最挑逗的視覺語境。

 

神秘英屬哥倫比亞——Sølve Sundsbø

出身挪威,現以倫敦為根據地的前衛時裝攝影師與電影工作者 Sølve Sundsbø,常與國際媒體與一線品牌合作,風格簡練且富含情感深度,曾多次以個人或聯展方式在全球知名美術館與藝廊展出。獲路易威登邀請的他,前往加拿大英屬哥倫比亞拍攝,Sundsbø 用擅長的優雅視覺風格,在光影交錯之下,為你我揭開北國異境的神秘面紗。

 

Q:你是一個怎麼樣的攝影師?有偏愛的工作方式?

A:我屬於研究型的攝影師。保持源源不斷的好奇心很重要。要如何用嶄新方法望向傳統卻又不失真,其實是一件很困難的事情,我希望能從中找到完美平衡。

 

Q:當路易威登與你聯繫,希望用實驗概念完成攝影書,你的反應是?

A:真的很開心,因為這和我的創作理念十分貼近。前往英屬哥倫比亞不但帶給我精神上的滿足,能把這作品分享給讀者更是一件幸福的事。我認為,攝影要把你「看世界的觀點」分享給大家,這本書也證明了這件事。

 

Q:出身挪威的你目前定居倫敦,英屬哥倫比亞也與挪威有某種關聯,你怎麼想?

A:19 世紀時,許多挪威移民來到英屬哥倫比亞,因為它跟挪威感覺十分類似。雖說不是家,但心底感受依舊相當親切。好多人說,這些照片看起來像是在外星拍攝,某種程度也是,因為這些地點非常遙遠、寒冷且不適宜人類居住,但這也是它引人入勝的原因。

 

Q:在那裡拍照是什麼感覺?

A:寒冷、遼闊、美麗,有時還帶著點瘋狂。

 

Q:哪種風景最吸引你?

A:每種都很有趣,只要看得夠細膩或是做足功課。

 

Q:你特別喜歡哪位哲學家或藝術家?

A:很多,我可以從音樂、閱讀、藝術和哲學中找到靈感。但唯有觸動內心,才是最重要的關鍵。

 

Q:你從攝影師的工作當中學到什麼?

A:不要害怕,就算受傷,還是要堅持下去。

 

謎樣摩洛哥——Vincent Van De Wijngaard

由於閱讀了一篇飛機上的雜誌報導,時尚攝影師與雜誌作家 Vincent Van De Wijngaard  瞬間被摩洛哥的絢爛所吸引;又因為追尋野獸派畫家 Henri Matisse 曾著迷的光線,他甚至租下 Matisse 在丹吉爾住過的同一間房。這次 Vincent Van De Wijngaard 受路易威登邀請拍下的攝影書,更是他數度前往當地遊歷的結晶,結合他擅長的電影拍攝與敘事方式,呈現專屬於摩洛哥的神秘北非風情。

 

Q:時尚攝影是否為你帶來觀看世界的新方式?

A:也許是。當我拍攝時尚照片時,會去思考比較多的故事。但,要說它為我新的觀看方式,我又不這麼認為。反倒是街拍為我帶來更多想法,因為我必須不停去適應環境與光源變化,再去找到最佳解決方案。

 

Q:為什麼選擇摩洛哥作主題?

A:摩洛哥讓人想一去再去。從攝影來說,它也帶給我許多可能性,讓我想不斷挑戰。有趣的是,經過數次旅程後,我也越來越習慣當地的風土民情,拍攝摩洛哥也成為合理選擇。

 

Q:你總共去過摩洛哥幾次?它又帶給你什麼感受?

A:我去過不下四十趟,這本書選輯的照片只有一小部分。當我第一次到達摩洛哥,眼前所見一切真的非常與眾不同,它沒有被西方文化改變太多,有一種謎樣吸引力。

 

Q:這本書裡頭的照片你最喜愛哪張?描述一下背後的故事?

A:有一張照片是我在遊樂場拍攝的,記得在那裡拍照的時候,我真的感到無比驚艷。在圍籬後方,是它紅色與藍色的輪廓。這張照片帶著點奇妙的不確定性,你可以把想法投射其中,然後它會以另一則「故事」回應。

 

Q:你想透過照片訴說什麼?

A:除了有趣與新鮮,我從不在心底預先設定主題。我想這些照片帶出了神秘,還有關於時間流逝的感受。

 

Q:你最喜歡身為攝影師的哪一點?

A:可以捕捉生命的原貌,在每天生活裡找尋不同美感。

 

Q:要如何透過照片發聲?這對你來說也很重要嗎?

A:讓照片發聲,那是努力之後累積的結果。如果有足夠的動力和熱情,它就會自己浮現,無法透過設定去找到。而且這與能力培養更為相關,你必須信任直覺,進而去建構它—透過看見與相信,才能找到你的價值。

 

酷味柏林——Peter Lindbergh

「當代攝影師的責任,就是要從對青春與完美的恐懼中釋放女性、最終解放所有人。」出身德國的 Peter Lindbergh(1944-)藉由新寫實主義重塑攝影美學。Lingbergh 不僅是攝影大師、電影與紀錄片導演,更被盛讚為「魔力詩人」。在他的創作歷程中,曾受電影、記錄、街拍與新聞攝影等相關領域影響,作品往往傳遞出極為溫潤的人文關懷;回望當年,他也是首位將故事脈絡放進時尚大片裡的藝術家。這次,路易威登特邀這位德國攝影師,用最道地的眼光捕捉柏林景致。在他的鏡頭之下,不夜城柏林用挑逗姿態展開雙翼,而攝影集裡的每張面容、軀體、建築甚或風景,都寫下專屬於柏林的無盡生命力。

 

紐約的魔幻詩篇——Saul Leiter

「比起拍攝名人,被雨滴潑灑的窗戶更能引發我的興趣。」出身美國賓州匹茲堡的攝影師 Saul Leiter(1923-2013)擅長從日常生活中,找尋轉瞬即逝的微小故事,形塑另一重玄妙宇宙。被稱為「後印象派攝影師」的 Saul Leiter,起初想要成為畫家,後來卻以攝影聞名於世。五〇年代,他大膽提倡彩色照片,試圖顛覆黑白底片當時的崇高地位。低調的  Saul Leiter 對名利沒有太多慾望,偏愛坐在咖啡館裡觀察與閱讀。在他的攝影集中,讀者可以看見穿梭曼哈頓街頭的人群成為畫面主角,在隨心所欲之間,Saul Leiter 呈現專屬紐約的魔幻魅力,每幅畫面都令人驚嘆。

 

Info│關於《Fashion Eye》旅遊攝影書

路易威登(Louis Vuitton)再度邀請五位攝影大師,在不同國度或城市展開旅行,呈現他們的獨到觀察與視覺美學。包括 Helmut Newton 與蒙地卡羅、Peter Lindbergh 與柏林、Sølve Sundsbø 與英屬哥倫比亞、Vincent Van De Wijngaard 與摩洛哥,以及 Saul Leiter 與紐約。每冊《Fashion Eye》攝影書收錄 50 至 100 張照片,於路易威登店面、louisvuitton.com 及精選書店販售。

 

via美麗佳人 Marie Claire

圖片提供/路易威登 Louis Vuitton

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谷公館推出何宇森個展《骨骼與根莖》!人體與植物糾纏、現實也超現實的雕塑實驗

谷公館何宇森雕塑展《骨骼與根莖》!人體與植物糾纏超現實藝術實驗

雕塑藝術家何宇森個展《骨骼與根莖》即日起至2025年4月12日於谷公館展出,展覽由8件全新雕塑與相呼應的架上創作組成。長滿細毛的面容、柔軟坍塌的側臉、如毛怪的不知名生物體、下肢與植物交纏的健美先生……,何宇森將消融的人體雕塑骨架與根莖意象結合,以寫實的手法,創造出現實世界裡的超現實人物,挖掘隱於形體之下的內在力量。

谷公館何宇森雕塑展《骨骼與根莖》!人體與植物糾纏超現實藝術實驗
何宇森個展《骨骼與根莖》展覽現場。(圖片提供:谷公館)
谷公館何宇森雕塑展《骨骼與根莖》!人體與植物糾纏超現實藝術實驗
何宇森,《樁接》,2024,玻璃纖維強化塑膠、汽車清漆,21x18x23cm/何宇森,《裂接》,2024,鋼鐵、玻璃纖維強化塑膠、汽車清漆,18x15x37cm。(圖片提供:谷公館)

骨骼與根莖,糾纏而生的力量

《骨骼與根莖》系列作品的出發點來自偶然的瞬間。陽光灑進工作室放置已久的油土人體雕塑,雕塑在光和熱的作用下逐漸融化,形體慢慢消失,最終露出裡面的骨架。這個過程,好像是關於生命的,也好像是關於結構本身的。融化的一刻,骨架,或者說支撐結構,開始變得突出,成了形體最後的痕跡,成了某種持續的力量。

谷公館何宇森雕塑展《骨骼與根莖》!人體與植物糾纏超現實藝術實驗
何宇森,《皮接 2》,2025,玻璃纖維強化塑膠、汽車清漆,15x18x26cm。(圖片提供:谷公館)

作品以金屬和樹脂為材料塑造,同時使用了翻模技術。何宇森將這些消融後的骨架重新塑型,讓它們和根莖的形態融為一體。在塑造過程中,骨架和根莖之間慢慢滲透彼此,逐漸模糊了邊界;而翻模的過程,彷彿是一種記錄,將暫時性的形體固定下來,但那又不是靜止的——因為那些形態本身是在生長的。而隱藏在形體和結構裡的,是人們很少關注、藝術家希望能召喚出的內部力量,而不只停留在形體的表面。

谷公館何宇森雕塑展《骨骼與根莖》!人體與植物糾纏超現實藝術實驗
何宇森,《皮接 1》,2024,玻璃纖維強化塑膠、汽車清漆,38x23x81cm。(圖片提供:谷公館)

「讓材料自己說話,塑形的過程由材料引導」

何宇森的雕塑語彙獨特,他的創作聚焦於材料與形態之間的關係,藉由流體材料的液化與固化過程,探索雕塑材料與造型的不同樣態,並挖掘物質世界中的隨機性與未知可能,試圖在自然與人工之間找到平衡。

谷公館何宇森雕塑展《骨骼與根莖》!人體與植物糾纏超現實藝術實驗
何宇森,《疊接》,2024,鋁、鐵、玻璃纖維強化塑膠、汽車清漆,58x56x120cm。(圖片提供:谷公館)

他曾在展覽自述中寫道:「我喜歡讓這些材料自己說話,讓它們的重力、流動和凝固自然發生,像是塑形的過程由材料來引導。」就如《南方雪》系列雖以植物形象為創作起點,作品像是從一根乾枯的花開始生長,不銹鋼骨架是其支撐;但創作過程中,何宇森讓流動的石膏與水混合,形成不可預測的狀態,讓石膏的曲線、鋼索的拉力、多層漆面的散光共同塑造作品。他認為這並不是在「復刻」植物,而是在建構一種新的結構和形態。《骨骼與根莖》系列也承襲同樣精神,讓消融的人體雕塑骨架與根莖糾纏、生長,表現出人的肉體與內心世界連結的狀態——時而堅韌發達,時而纖細柔弱。

谷公館何宇森雕塑展《骨骼與根莖》!人體與植物糾纏超現實藝術實驗
何宇森《南方雪》系列作品。(圖片來源:谷公館官方網站)

《骨骼與根莖 Skeletons and Rhizomes

展期|2025.03.0104.12

地點|谷公館(台北市松山區敦化南路1214樓之2

營業時間|週二至週六 11:0019:00,每週日、週一公休

無聲卻不沉默!二次元的建築,本身就是敘事者:專訪動畫藝術策展人Stefan Riekeles

無聲卻不沉默!二次元的建築,本身就是敘事者:專訪動畫藝術策展人Stefan Riekeles

在一部動畫中,背景美術通常被視為功能性大於藝術性的存在,但從2007年至今,德國策展人Stefan Riekeles持續探索、推廣這個領域,將一幀幀本沉默的風景帶進歐美也展回日本,而畫面中的建築,更是他關注的核心——這其中,是什麽讓他著迷?

20年前,世紀剛翻篇的2005年,Stefan Riekeles首次造訪日本。來自德國的青年立即被眼前截然不同的文化與美感所吸引,但還想不到,除了現實世界,即將對自己敞開大門的,還有更深邃無邊的另一個次元。

當時,他渴望能停留更久,卻眼看要沒有經費,恰巧一位正策劃動畫展覽的友人遞來邀請,順勢成為研究助理的Stefan,人生初次接觸日本動畫,便奇妙地走進東京多家動畫工作室,走進動畫幕後製成的核心。

一次,在《攻殼機動隊》(1995)美術指導小倉宏昌的工作室,那座虛構的2040年代巨型賽博龐克城市,以原作手稿的方式鋪展在他面前,極其複雜細膩的畫工和細節布局,憑空創造出一個既真實又異質的世界,那一刻,Stefan強烈意識到,「它們不只是動畫中的功能性元素,本身就是了不起的藝術。」

《攻殼機動隊》(1995)場景NO.683。(圖片提供:Riekeles Gallery © 1995 Shirow Masamune / KODANSHA • BANDAI VISUAL • MANGA ENTERTAINMENT.All Rights Reserved.)
《攻殼機動隊》(1995)場景NO.683。(圖片提供:Riekeles Gallery © 1995 Shirow Masamune / KODANSHA • BANDAI VISUAL • MANGA ENTERTAINMENT.All Rights Reserved.)

但大眾普遍將動畫背景視為敘事的一部分,更關注最終的影像效果。不忍無數精美畫作,在動畫上映後似乎就這樣結束生命,Stefan動念,並在往後的日子漸漸確立方法:透過策展和出版,保存、推廣這個在日本動畫藝術中被低估的面向。

建築會說話

隨著逐年在動畫美術世界中的踏察與研究,Stefan也開始特別在意起其中的「建築」,「建築不只是裝飾布景,更能傳遞出作品的世界觀,直接影響觀眾如何感受故事的基調。 」

2016 年,Stefan於柏林建築製圖博物館策展《Anime Architecture》,並促成同名書籍(中譯:《日本經典動畫建築:架空世界&巨型城市》)在2020年出版,收錄近400張的珍貴草稿、原圖、分鏡、取材照片,空前地揭開了1988~2010年代日本科幻動畫經典的背後,美術設定與場景設計的面紗。

其中的作品,多是賽博龐克題材與風格,何以選題?Stefan解釋,「正因為賽博龐克動畫往往很依賴『建築景觀』來表達複雜的主題,它們本身就是一種敘事工具,能體現人們對於現代化的焦慮,也探索人性與科技之間的交互作用,創造出一個個既反映現實社會問題、又帶有沉浸感的世界。」

《AKIRA》場景NO.2211,2019年重建於東京灣上的反烏托邦都市「新東京」,大野廣司繪。(圖片提供:Riekeles Gallery © 1988 MASH • ROOM / AKIRA COMMITTEE All Rights Reserved)
《AKIRA》場景NO.2211,2019年重建於東京灣上的反烏托邦都市「新東京」,大野廣司繪。(圖片提供:Riekeles Gallery © 1988 MASH • ROOM / AKIRA COMMITTEE All Rights Reserved)
Stefan於2020年出版的著作《Anime Architecture》,在他的不懈拜訪和說服下,成功收錄近400張動畫珍貴草稿與幕後影像;收錄作品的年代,多落在Stefan認為是動畫背景手繪藝術巔峰期的1980∼2000年代。(圖片提供:Riekeles Gallery)
Stefan於2020年出版的著作《Anime Architecture》,在他的不懈拜訪和說服下,成功收錄近400張動畫珍貴草稿與幕後影像;收錄作品的年代,多落在Stefan認為是動畫背景手繪藝術巔峰期的1980∼2000年代。(圖片提供:Riekeles Gallery)

Stefan舉例,導演押井守便善用建築來營造氛圍與情緒,在《攻殼機動隊》中,他大量使用標誌性的「純背景」畫面,其中的2040年代城市「新濱市」,混合了真實的香港市景和未來主義元素,「狹窄擁擠的街道、被雨水浸透的都市景觀,讓人產生迷失感,營造疏離和脫節的氛圍,呼應了故事對身分認同和科技發展的探討。」

《攻殼機動隊》場景NO.341,小倉宏昌筆下的2040年代城市「新濱市」,是座混合了真實的香港市景和虛構未來元素的迷失之城。(圖片提供:Riekeles Gallery © 1995 Shirow Masamune / KODANSHA • BANDAI VISUAL • MANGA ENTERTAINMENT.All Rights Reserved.)
《攻殼機動隊》場景NO.341,小倉宏昌筆下的2040年代城市「新濱市」,是座混合了真實的香港市景和虛構未來元素的迷失之城。(圖片提供:Riekeles Gallery © 1995 Shirow Masamune / KODANSHA • BANDAI VISUAL • MANGA ENTERTAINMENT.All Rights Reserved.)

而 《AKIRA》(1988)中,設定在2019年的城市「新東京」(Neo Tokyo),則充滿高聳的摩天大樓、破敗的街區,氛圍狂亂,同時呈現出「進步」和「崩潰」,反映日本經濟繁榮時期快速都市化的集體焦慮,也鏡射出電影「破壞與重生」的主題,其中的建築設計則是受丹下健三等現代主義建築師之作影響。

還有靈感來自1927年德國同名科幻默片的《大都會》(2001),在人類與機器人共存的未來,導演林太郎將閃閃發光的烏托邦和工業化的反烏托邦並置,「這種二元性反映出社會的不平等,也是對不受控的技術革新的批判。」Stefan分析,「在其中,建築作為視覺意象,象徵城市的控制者和勞動階層間日漸擴大的鴻溝。」

《大都會》背景概念手稿,草森秀一繪,故事設定在人類與機器人共存的未來,是個烏托邦和工業化的反烏托邦並置的世界。(圖片提供:Riekeles Gallery © 2001 TEZUKA PRODUCTIONS / METROPOLIS COMMITTEE. All Rights Reserved.)
《大都會》(2001)背景概念手稿,草森秀一繪,故事設定在人類與機器人共存的未來,是個烏托邦和工業化的反烏托邦並置的世界。(圖片提供:Riekeles Gallery © 2001 TEZUKA PRODUCTIONS / METROPOLIS COMMITTEE. All Rights Reserved.)
《大都會》(2001)場景12,第7cut,成品版背景。(圖片提供:Riekeles Gallery© 2001 TEZUKA PRODUCTIONS / METROPOLIS COMMITTEE. All Rights Reserved.)
《大都會》(2001)場景12,第7cut,成品版背景。(圖片提供:Riekeles Gallery© 2001 TEZUKA PRODUCTIONS / METROPOLIS COMMITTEE. All Rights Reserved.)

從手繪到數位

Stefan坦言,自己迷戀的日本動畫,更多是誕生自手繪時代——那些繪者一筆一畫,用鉛筆、筆刷、廣告顏料在紙張上實現的創作,讓城市景觀除了敘事功能,更多了一層真實性和藝術價值。

而自1990年代末起,數位工具興起,數位繪畫、3D建模和CGI技術讓製作流程更加高效,也提升了視覺的錯綜層次。他舉例,《大都會》和《惡童當街》(2006)便是混合手繪技術和數位工具完成,畫面前所未有地細膩,「不過,儘管數位工具能實現更高的實驗性和精準度,有時卻缺少手繪的溫度和不完美——而這種帶有手感、甚至是個人化的質地,也正是我和許多合作藝術家(Stefan視動畫背景為一門藝術,也以『藝術家』稱背景美術師們)一致認為的、『前數位時代』動畫所擁有的情感厚度。」

(圖片提供:Riekeles Gallery)
Stefan參訪小倉宏昌的工作室,藝術家本人正翻閱與分享其手稿;Stefan目前正進行的最大計畫即是出版其職業生涯的大型專著。(圖片提供:Riekeles Gallery)

有趣的是,Stefan曾問小倉昌宏,他是否能憑藉畫風指認出自己的作品?但即便如他一樣經驗豐富、50年來繪製過成千上萬幅動畫背景的藝術家,常常也難以篤定某幅畫是否出自自己之手。

「我參訪諸多動畫工作室的其中一個目的,就是試圖釐清哪幅背景畫是由誰負責——這比想像中難得多!」Stefan感嘆,雖然繪者各有風格,但要在動畫中創造一個虛擬世界,是一項龐大的、需仰賴大量協作的工作,往往需一整個背景團隊在美術指導的帶領下緊密合作, 讓每一幀背景都達到一致的水準、呈現出統一的視覺風格。

「事實上,小倉老師的不確定,恰恰證明了一個動畫團隊的成功。」他點出,這種合作性是動畫作為一種藝術形式的重要特徵之一,也凸顯了純藝術畫家和動畫美術指導之間的一大差異,「前者發展與眾不同的個人風格,而後者則必須抑制個人性,為作品創造統一的視覺語言。」

2021年,Stefan創辦Riekeles Gallery,致力提升動畫背景美術師的個人創作地位,強調其作品的技術性和藝術價值,同時獨家發行、販售高品質複製作,希望讓這門藝術形式受到更多關注。如今畫廊代理4位藝術家——小倉宏昌、大野廣司、水谷利春、草森秀 一,前三者都出身傳奇動畫美術指導小林七郎的「小林Production」,在那裡,他們養成透過簡約畫風帶出敘事深度的創作語言。

Stefan解釋,目前畫廊作品多聚焦賽博龐克主題,是因他個人對「動畫建築」研究計畫的著力,但這些藝術家們皆善於創造多樣的世界觀,畫廊即將更廣泛地展售他們其他畫風的作品,如近期即展出大野廣司在《魔女宅急便》中繪製的古樸海港小鎮風光;畫廊今年更將迎來多位新藝術家的作品,6月將展出林孝輔的《謝謝你,在世界的角落找到我》、《蒼鷺與少年》,他也正在籌劃《神隱少女》、《藍色恐懼》等背景擔當山本二三的回顧展,將其首次帶至歐洲。

《魔女宅急便》場景NO.141, 以斯德哥爾摩為原型的海港小鎮科里克市全景,大野廣司繪。(圖片提供:Riekeles Gallery© 1989 Eiko Kadono - Studio Ghibli - N)
《魔女宅急便》場景NO.141, 以斯德哥爾摩為原型的海港小鎮科里克市全景,大野廣司繪。(圖片提供:Riekeles Gallery© 1989 Eiko Kadono - Studio Ghibli - N)

矛盾與心動

在Stefan20年來策劃的多場展覽中, 2023年於日本谷口吉郎.吉生紀念金澤建築館的《動畫背景美術中的城市景觀》展,無疑是特別的——作品們回到了它們的原產國,但不再以隱身動畫中的一個環節,而是純藝術的角色被定格、單獨欣賞。Stefan分享,當時許多日本動畫業內人士,包括部分原畫藝術家,都對於這樣的詮釋感到好奇與驚喜。

自認是一位外來者(outsider)的他觀察,相比動畫產業已經和商業娛樂高度連結的日本,來自異文化、特別是歐美的觀眾,更傾向將背景美術視為獨立的藝術作品,能跳脫情節欣賞它們的工藝與細節。

但同時,他也以「做家務」比擬動畫建築的成功,「總是做得不夠好時,你才會注意到——它們還是必須支撐故事、激發預期的情感共鳴,且不能分散觀眾的注意力。」正是如此的矛盾性讓動畫背景迷人,也激發Stefan持續鑽研下去。他也相信,動畫建築富想像力又具功能性的設計,展現了空間結構能如何形塑氛圍和情感,也能為現實世界的建築設計帶來啟發。

那探索了20年後,好奇此刻什麼樣的動畫建築會讓這位研究者心動?

「老實說,這麼多年都待在『反烏托邦世界』,我現在更渴望多一些綠意和療癒——我想這也是為什麼在長期接觸《AKIRA》後,《魔女宅急便》會這麼吸引我的原因。」沒變的是,他始終對押井守曾說的一句話深感共鳴:「角色背後沉默的世界,才是導演傳達核心理念的地方。」而其中的建築,就是Stefan提煉給大家的,走入那個世界的密碼。

(圖片提供:Riekeles Gallery)
(圖片提供:Riekeles Gallery)

Stefan Riekeles

策展人,專注於動畫藝術領域,2021年創立位於德國波茨坦的Riekeles Gallery,致力保存與展示手繪動畫背景美術。2011年策展「Proto Anime Cut:Spaces and Visions in Japanese Animation」,是歐洲首個呈現經典日本動畫原始概念設計與背景美術的展覽;2020年出版 《Anime Architecture》 一書,現已成為動畫藝術愛好者的重要參考文獻。其策展項目還包括「AKIRA - The Architecture of Neo Tokyo」(柏林,2022;美國,2024)及「Cityscapes in Anime Background Art」(日本,2023)。

文|李尤 圖片提供|Riekeles Gallery

更多精彩內容請見 La Vie 2025/3月號《建築還能怎麼觀看?》

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