五歲失去右手食指 專訪以快門撼動世界的傳奇戰地攝影師Steve McCurry!

專訪以快門撼動世界的傳奇戰地攝影師Steve McCurry!

許多人都看過這張照片,一位碧綠色眼珠的阿富汗少女。但很少人知道,拍攝這張照片的人,當代最知名的攝影師麥柯里(Steve McCurry),無法像常人用右手拍照,他的相機都是特製的。

 

「一個失去右手食指的男人,卻撼動世界。(A man lost his right index finger, but shot the world.)」,媒體這樣形容他。

 

麥柯里首度來台舉辦個展,本刊專訪這天,攝影記者特別準備他熟悉的哈蘇(Hasselblad)120相機請他拿著,他露出驚喜表情,接過來,用左手熟練的操作它。我們看見他5歲時受傷而失去功能的右手食指,短小且萎縮,這讓他必須以右手握住相機,反以左手按下快門。

 

為揭露真相穿梭戰地,曾數度被關、瀕臨死亡

從戰地攝影記者起家,他走進國際衝突前線,「一張照片,一個故事」是他的座右銘,善於用獨特的藝術觀點,在戰爭或廢墟中捕捉人性。

 

英國《星期日泰晤士報雜誌》曾評論:「他的照片讓地獄般的景象顯得神聖。」例如在殘酷的戰亂之地,他卻拍攝難民拿著書本,安靜閱讀的景象;他也曾經跟隨聖戰士,每天步行10幾個小時,記錄他們的革命情誼與信念。

 

個性剽悍的他,在1979年、蘇俄入侵阿富汗前,不惜冒著生命危險,喬裝成阿富汗人深入第一線戰區,將底片膠捲縫在衣服內攜出,成為首批揭露戰爭影像的攝影家,震驚世界。

 

他在阿富汗難民營內,發現一名12歲少女,剛歷經父母被炸死的慘劇,眼裡盡是恐懼,他抓住一瞬間拍攝,以完美的光影、構圖和色彩,登上《國家地理雜誌》封面,成為史上最著名的肖像照之一。他也創下拍攝同一主角,登上該雜誌3次封面的唯一紀錄。

 

其後,他在伊朗、伊拉克、黎巴嫩、柬埔寨等衝突之地穿梭拍攝,數度瀕臨死亡,在巴基斯坦被抓去關、在印度被圍毆暴打;他在前南斯拉夫時,還遭遇空難,一度傳出死訊。這些驚心動魄,只為了見證歷史。

 

相較許多攝影師拿著長鏡頭、躲在遠處拍攝,他說,唯有走入人群,才能傳達當地人的情感和故事。即便語言不通,他也盡可能交談,取得信任感。

 

不拍受苦、受傷、死亡,緊守尊重他人底線

「我生性害羞,但逼自己每天跟當地人對話,去觀察他們,降低錯誤詮釋。」他說,每分每秒都在拿捏尺度,「我認為那條線是尊重他人、不侵犯隱私,得不斷問自己:『拍這張照的意義是什麼?』所以我不會拍攝別人受苦、受傷、死亡的照片。」

 

他相信圖像會說話,將成為當地人發聲的管道之一,日後他更決定採取實際行動。2002年,他發起「尋找阿富汗少女」,從起初不知道姓名,只能憑照片尋人,還有不少女孩冒充身分,其後終於找到本人。

 

「那很令人興奮,我很感恩她還活著,能找到她就像是奇蹟。」他回憶。多年後重逢,他簡單說「哈囉」,但內心激動不已,之後資助少女、在當地開辦學校。不過,此舉也引發外界批評,認為他在消費被拍攝者。

 

「這(找尋她)絕對是對的,我想要幫助她和那裡的人,這完全是好事,從來沒懷疑過!」當我們引述外界的質疑,他情緒高昂的回應:「如果我給予幫助,別人卻要評論,我覺得那非常丟臉,我從來都沒有為此感到悲傷,從不!」他至今與她保持聯絡,「因為我覺得我們可以幫忙。」

 

這次來台展出,曾有廠商想製作「阿富汗少女」的周邊商品,被他嚴正拒絕。「他說,她12歲就是孤兒了,她還活著,不需要過度消費,那是他心中想要保護的人。」策展人陳昌仁轉述。如何與被攝者互動,麥柯里謹慎的拿捏界線。

 

面對修圖爭議,反問:為什麼想要標籤化我?

除了上述爭議,近年另一爭議是,他的不少照片被發現有修片痕跡,甚至為了構圖完美,將片中部分人物刪除。這名享譽全球的攝影師,被同業大力抨擊。

 

我們問他:「修圖後的照片,還會是真實嗎?」他遲疑了一下:「當你是一個攝影記者,就是拍照、印出來,但我是自由工作者,現在沒有為一家新聞媒體工作。」他不再視自己是攝影記者,而是「視覺說故事者」(Visual Storyteller)。

 

我們追問:「所以是定位改變了?」他反問:「為什麼想要標籤化我?應該由你來告訴我:『我是誰』嗎?」他不願被歸類為紀實或藝術攝影,他認為一張照片既可有紀實,也能包含藝術元素,兩者沒有明顯界線,日後他為了美學,還是可能對照片進行微調。

 

國內知名攝影師何經泰解釋,麥柯里會受到極大爭議,是因為他以戰地攝影聞名,該形象深植人心,若是以新聞攝影來看,他跨越了職業道德的紅線,「修片是瑕疵,但不能因為這樣就全盤否認他,他創造許多經典照片,很不容易。」他說,隨著時代演變,攝影圈對真實的定義也有不同詮釋,例如「擺拍」在過去的新聞攝影不被認同,現在,卻越來越多人能接受。

 

年近七旬的麥柯里,正帶著太太和孩子遊歷世界拍攝。「別人怎麼評論我或作品,我都不在乎!」他說,如何找到下個值得記錄和分享給全世界的故事,才是眼前最重要的課題。

 

※精彩全文,詳見《商業周刊》1582期。

※本文由商業周刊授權刊載,未經同意禁止轉載。

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也趣藝廊推出《漂流(序曲)-沈昭良攝影展》,本次個展為藝術家自榮獲2024日本寫真協會國際獎,並於日本東川町文化藝廊舉辦大型回顧展後,首次於台灣完整展出「漂流」(Drifting)系列。

沈昭良於2015年啟動「漂流」系列,開啟地景攝影之路,展開對台灣近代歷史的敘情式書寫。此系列梳理過去十年來台灣內部包含殖民主義、國家認同、族群、冷戰、人權、原住民、生態、環境、能源等潛在課題,這些複雜且龐大的議題,都在沈昭良兼具寫實與敘情的拍攝視野中,轉為深邃的情感訴諸。本展邀請觀眾參與這場「漂流」,共同思索在歷史、政治與文化的漩渦中,台灣應如何尋找並確立自我認同與未來走向。

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地景,是歷史記憶的載體

「對台灣人來說,特別是在解嚴之後,國家認同與疆界一直是內部分歧和爭執的根源。包括過往的歷史和印記,這些看似不見卻又潛藏的真實,正在形塑我們的命運發展和可能願景。」 —— 沈昭良

在「漂流」系列中,沈昭良將台灣的地理景觀和文化符號,視為國家認同與歷史記憶的載體,跨越時空與歷史縱深,表達了不同族群在變遷中的情感波動與生活面貌,並折射出台灣在多重歷史脈絡中的複雜命運。

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沈昭良《漂流》系列,嘉義。(圖片提供:沈昭良、也趣藝廊)
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沈昭良《漂流》系列,新北市。(圖片提供:沈昭良、也趣藝廊)

「漂流」系列作品在歷史發展的脈絡下,援引直接或間接與具體歷史事件相關,或象徵、意喻和指涉的景觀,在視覺的編串中進行意義的置放,探討議題從殖民歷史到現代化的衝突、從族群關係到生態環境的變遷,所有這些台灣內部錯綜複雜的社會、文化與歷史面貌,皆在作品中得以交織,引領觀者進入一場具有強烈時代感的視覺旅程。

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沈昭良《漂流》系列,台東。(圖片提供:沈昭良、也趣藝廊)
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沈昭良《漂流》系列,新北。(圖片提供:沈昭良、也趣藝廊)

熟悉地景中藏有鄉土情愁、文化痕跡

「漂流」第一眼抓住你的或許是熟悉的天空、台灣特有的體感濕度、路燈;而後還看進了鄉土情愁與文化的斑斑痕跡,盡在細節裡隱隱發酵。每一處地景既是對台灣土地的真實呈現,更是對歷史記憶如何影響台灣人民的身份認同與文化傳承的細膩描繪。

沈昭良「漂流」攝影展在也趣藝廊!從地景切入,探討台灣歷史和命運的十年旅程
沈昭良《漂流》系列,台東。(圖片提供:沈昭良、也趣藝廊)

透過沈昭良的影像語言,《漂流》將台灣的地理與文化景觀帶入全球視野,並在全球化與當代政治歷史爭議的背景下,梳理出台灣在當代藝術語境中的獨特地位與深遠意涵。

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沈昭良《漂流》系列,新北。(圖片提供:沈昭良、也趣藝廊)

《漂流 (序曲) - 沈昭良攝影展》

展期|2025.02.13-03.22

地點|也趣藝廊(臺北市大同區民族西路141號)

日本攝影家水谷吉法專訪:拍下怪誕東京鸚鵡與罕見自然現象,捕捉日常生活裡的非日常瞬間!

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La Vie雜誌2月號以「跟著光,尋找創作靈感」為題,封面照片選自日本攝影家水谷吉法的《Voices of flowers》系列作品,看似太陽的柔和光暈,其實是一朵刻意失焦的鬱金香。他因《Tokyo Parrots》裡怪誕的東京鸚鵡廣受國際矚目,並持續以快門記錄下都市裡微不足道卻充滿張力的瞬間。談起攝影不可或缺的「光」,他說:「我選擇不以言語去定義光為何物,希望透過攝影來表現並呈現某種形式的光。」

來自日本福井縣的水谷吉法,18歲時離開家鄉赴日本大學經濟學系就讀,在此之前,他不曾接觸過攝影或藝術。直到畢業前夕求職不甚順利的過程中,偶然接觸到攝影師羅伯.法蘭克(Robert Frank)的攝影集《The Americans》後深受吸引,自此開啟了對攝影的興趣。於是在大學畢業後,他進入東京綜合寫真專門學校,就學期間持續將作品上傳TumblrFlickr等社群媒體。儘管並無師事任何知名攝影師,但靠著網路世界的傳播,他漸漸在海外展露頭角。

《Tokyo Parrots》(2013)為水谷吉法的代表作。(攝影:Yoshinori Mizutani)
《Tokyo Parrots》(2013)為水谷吉法的代表作。(攝影:Yoshinori Mizutani)

2012年從專門學校畢業,短短兩年後,水谷吉法獲得荷蘭《Foam》雜誌「Talent Call」、LensCulture年度50大新銳攝影師等殊榮,20152017年間更陸續在東京、比利時、北京、瑞士、倫敦及巴黎等全球各地舉辦個人攝影展。首部攝影集《TAXI DIRTY BOOK》,也是他向瑞士的出版社自我推銷,最終在海外成功發行。這也是為什麼水谷吉法的日文訪談中,常常可以在標題看見「逆輸入」一詞,意指其揚名海外後,才在日本國內受到矚目的「反向輸入」特殊經歷。

在不起眼的都市角落打上一道道聚光燈

廣受海外矚目的《Tokyo Parrots》系列作品,毫無疑問也是水谷吉法的生涯代表作。從「為什麼城市裡會有野生的鸚鵡?」此一疑問出發,他花了一年時間追蹤群聚於東京住家附近的野生鸚鵡。他在傍晚至夜間時分朝著樹枝、電線桿打上閃光燈,捕捉了羽毛顏色鮮豔的鸚鵡們,在振翅時帶有些許神祕、怪誕的氛圍。

水谷吉法從「為什麼城市裡會有野生的鸚鵡?」此一疑問出發,拍下《Tokyo Parrots》(2013)。(攝影:Yoshinori Mizutani)
水谷吉法從「為什麼城市裡會有野生的鸚鵡?」此一疑問出發,拍下《Tokyo Parrots》(2013)。(攝影:Yoshinori Mizutani)

水谷吉法提到,每一張照片都是即興拍攝,「拍了整整一年,大概可以掌握到鸚鵡會在什麼時候、從什麼方位回到鳥巢,也曾嘗試過定點拍攝,但永遠沒辦法完全掌握鸚鵡的習性。」他也說明,最一開始其實並沒有加入人造光源,但發現打光才能呈現出夕陽西下時鸚鵡的鮮亮螢光色,便決定在拍攝中採用閃光燈,加強作品炫目、迷幻的要素。

《Tokyo Parrots》(2013)的鸚鵡品種來自印度和斯里蘭卡,原本商人引進日本作為寵物卻遭棄養或自行逃離,如今在東京繁衍成龐大族群。(攝影:Yoshinori Mizutani)
《Tokyo Parrots》(2013)的鸚鵡品種來自印度和斯里蘭卡,原本商人引進日本作為寵物卻遭棄養或自行逃離,如今在東京繁衍成龐大族群。(攝影:Yoshinori Mizutani)

正如《Tokyo Parrots》所示,水谷吉法十分擅長從都市中發掘題材。除鸚鵡之外,他也曾拍攝過計程車司機的執業登記證、罩上防塵罩的汽車及爬滿常春藤的建築。他說:「踏上攝影之路後,我開始仔細地『觀看』周遭,對映入眼簾的所有人事物都充滿好奇。」他一一捕捉這些散落於都市角落、易於被眾人忽視的光景,再帶來令人眼睛一亮的呈現。

《YUSURIKA》(2014)以閃光燈捕捉到肉眼難以發現的搖蚊。(攝影:Yoshinori Mizutani)
《YUSURIKA》(2014)以閃光燈捕捉到肉眼難以發現的搖蚊。(攝影:Yoshinori Mizutani)

2014年《YUSURIKA》及2016年《Voices of flowers》系列作品,也是水谷吉法在擷取都市風景時所誕生的。「YUSURIKA」意指常棲息於水邊的搖蚊,某一天,他在白天以閃光燈拍攝自然景致時,突然發現了映照在成像中如雪花般的白色光點,才發現是相機捕捉到了搖蚊的身影。「雖然攝影常是為了忠實地記錄下映入眼簾的景象,但這系列作品透過捕捉自然中的光點,更有巧思地重新詮釋了自然神祕之美。」

《YUSURIKA》(2014)重新詮釋了自然神祕之美。(攝影:Yoshinori Mizutani)
《YUSURIKA》(2014)重新詮釋了自然神祕之美。(攝影:Yoshinori Mizutani)

Voices of flowers》系列則擷取了在東京、倫敦等公園拍攝的花草景緻,以色彩豐富的自然風景,重現水谷吉法心中春天的柔和景象。本期雜誌的封面正是收錄於此攝影集中的亮點之一,他在東京某處以長焦距鏡頭取景,讓畫面中央的鬱金香刻意失焦,藉此呈現出獨特的光暈美感。

La Vie雜誌2月號封面選用《Voices of flowers》(2016)此張系列作品。(攝影:Yoshinori Mizutani)
La Vie雜誌2月號封面選用《Voices of flowers》(2016)此張系列作品。(攝影:Yoshinori Mizutani)
《Voices of flowers》(2016)在倫敦、東京的公園拍攝,水谷吉法說:「花能帶來幸福的感覺,是我最喜歡的拍攝對象。」(攝影:Yoshinori Mizutani)
《Voices of flowers》(2016)在倫敦、東京的公園拍攝,水谷吉法說:「花能帶來幸福的感覺,是我最喜歡的拍攝對象。」(攝影:Yoshinori Mizutani)

探索數位相機獨一無二的表現方式

水谷吉法從20歲開始接觸攝影,除了初期曾短暫嘗試過底片相機外,近乎所有的作品都是以數位相機拍攝。他說明,這或許和他從15歲就開始用手機拍照有關,自然地更習慣操作數位相機。此外,他也積極活用數位相機獨有的功能,如2018年的《HDR_nature》正是使用HDRHigh Dynamic Range Imaging,高動態範圍成像)技術之下誕生的作品集。

《HDR_nature》(2016~2018)以數位相機的HDR技術拍攝。(攝影:Yoshinori Mizutani)
《HDR_nature》(2016~2018)以數位相機的HDR技術拍攝。(攝影:Yoshinori Mizutani)

HDR指的是透過組合不同曝光程度的照片,用以保留照片明亮和陰影部分的細節,生成出最接近肉眼所見畫面的功能。水谷吉法在HDR拍攝的曝光過程中刻意地移動相機,任由相機從數個不同焦距、曝光的瞬間,拼湊出肉眼不可見的流動構圖和魔幻氛圍。「和相機忠實紀錄影像的特質正好相反,HDR功能可以創造出新的色彩、光線與世界觀,是數位相機獨有的創作方式。」

《HDR_nature》(2016~2018)組合不同曝光程度的照片,保留照片明亮和陰影部分的細節。(攝影:Yoshinori Mizutani)
《HDR_nature》(2016~2018)組合不同曝光程度的照片,保留照片明亮和陰影部分的細節。(攝影:Yoshinori Mizutani)

2021年的《Higashikawa》系列作品中,水谷吉法更嘗試了在鏡頭前加入彩色膠片。此系列作品是參加北海道東川町駐村計畫時的紀錄,他提到,駐村期間曾有藝術家說:「看著彷彿畫布的雪白大地,就很想在上頭揮灑色彩。」對這句話深有同感,水谷吉法最終摸索出的解答正是使用彩色膠片,替東川町的冬日景緻染上一道道光彩。

《Higashikawa》(2021)為水谷吉法在北海道東川町駐村時的拍攝。(攝影:Yoshinori Mizutani)
《Higashikawa》(2021)為水谷吉法在北海道東川町駐村時的拍攝。(攝影:Yoshinori Mizutani)
水谷吉法使用彩色膠片,替東川町的冬日景緻染上一道道光彩,拍下《Higashikawa》(2021)。(攝影:Yoshinori Mizutani)
水谷吉法使用彩色膠片,替東川町的冬日景緻染上一道道光彩,拍下《Higashikawa》(2021)。(攝影:Yoshinori Mizutani)

持續捕捉自然的罕見現象

比起攝影師的頭銜,水谷吉法或許更適合被稱為都市裡的觀察者、記錄者,所有映入眼簾的人事物,都有可能成為他快門捕捉的對象。他對於童年時期穿透樹葉間隙灑下的陽光、反射在水田上的粼粼波光都記憶猶新,也熱衷於從建築中找出攝影題材。他特別鍾愛墨西哥建築師路易斯.巴拉(Luis Barragán)的作品,時常觀察其在空間中如何分配、調和色彩以及計算光線。

問及未來是否有任何想拍攝的題材,水谷吉法的回答依舊富有其個人風格想拍攝「鐵氧化細菌」。這種微生物會在河川表面形成看似油脂的薄膜現象,在自然光的折射下,於水面映照出彷彿彩虹的光圈。他說:「這種自然的神祕現象非常有趣,但因為罕見,也很難發現。」儘管至今並沒有直接以「光」為主題的創作系列,但透過每一幀照片,他已為許多習以為常或難以察覺的生活一角,映照出炫目光景。

水谷吉法經常以都市裡各式自然為題進行創作。(圖片提供:Yoshinori Mizutani)
水谷吉法經常以都市裡各式自然為題進行創作。(圖片提供:Yoshinori Mizutani)

水谷吉法

1987年出生於日本福井縣。以都市裡各式自然為題進行創作。2013年獲頒JAPAN PHOTO AWARD2014年入選Foam magazine Talent Call。在日本國內、英國、法國等世界各地舉辦個人攝影展。

企劃|張以潔 文|廖怡鈞
攝影|Yoshinori Mizutani

更多精彩內容請見 La Vie 2025/2月號《跟著光,尋找創作靈感

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