無論你喜不喜歡看漫畫，當你站在台灣一代漫畫大師鄭問的畫稿前時，他那融合西方寫實和東方寫意的漫畫作品，大膽的筆觸搭配上氣勢磅礡的故事，無不讓人震懾！時光倒轉至2017年3月，這位崛起於1980年代的漫畫家，因心肌梗塞而離世，他的逝去旋即引發各界悼念，其筆下的漫畫世界從此絕響。然而為感念鄭問對台灣漫畫的啟發，其弟子與文化部自去年6月起即展開鄭問紀念展籌備工作，如今一年過去了，《千年一問 鄭問紀念展》終於正式在故宮展出，無論是《阿鼻劍》主人翁何勿生、《東周英雄傳》裡生存在動盪時代的英雄，還是《深邃美麗的亞細亞》中的潰爛王，每個人物角色在他筆下皆栩栩如生，盡展輝煌風采。

作為鄭問首次個人專展，團隊彙整鄭問散落台灣、日本等地的漫畫、插畫、素描手稿、劇本、雕塑等超過250件原件真跡，再加上個人物件、歷年出版代表作等共300件展品，完整呈現他多樣形式的創作軌跡與經典之作。展覽不單單是台灣第一個國家級漫畫展，更是全球漫畫首次進入故宮展出，除了表達對這位台灣國寶漫畫大師追思紀念外，也盼望藉此向拜訪故宮，來自世界各地的遊客展現台灣漫畫實力！

原先為室內設計師的鄭問，秉持著自身對漫畫的熱愛，於1983年在台灣《時報周刊》上發表第一篇漫畫作品《戰士黑豹》，自此開啟漫畫創作生涯。隨後率續出版的《鬥神》、《刺客列傳》、《東周英雄傳》等經典作品，讓他從台灣邁向國際，為日本、香港、北京漫畫界投下震撼彈，他的畫風就如同他筆下的瀟灑俠客，既充滿柔情又洋溢著豪邁俠意，中國水墨技法與西方繪畫技巧的結合，那他人模仿不來的美學，強烈的視覺衝擊，也為漫畫史創造出全新篇章。

《千年一問 鄭問故宮大展》分為六大主題展區，「漫畫鄭問」、「藝術鄭問」、「遊戲鄭問」、「千年一問」、「哲學鄭問」及「從鄭進文到鄭問」，除展出鄭問的知名代表作如《阿鼻劍》、《東周英雄傳》、《深邃美麗的亞細亞》精緻原稿外，更首度呈現鄭問多件從未曝光的遊戲設定手稿與各樣劇本、草稿、雕塑，以及生前使用的作畫用品。而在正式踏入展覽前，高兩公尺的《阿鼻劍》何勿生白色雕像，搭配著光雕投影呈現鄭問經典作品角色，彷彿向參訪者預示著即將踏入一一段令人驚艷並帶點超現實的觀展旅程。

｜六大展區簡介｜

第一區—漫畫鄭問

本區展出鄭問80年代至新世紀初的數部經典漫畫之作，包括1985年《最後的決鬥》、1986年《刺客列傳》、1989年《阿鼻劍》、以及2000年《大霹靂》等系列，創作主題橫跨歷史傳說、虛擬故事。

鄭問筆下的漫畫人物總透露一個氣質，比一般人物來的漂亮、端莊，可用「麗」來形容，例如展出作品《阿鼻劍》彩稿(1989)，畫中主角「何勿生」的臉部造型、《大霹靂》之〈花爵百鍊生〉，就較以往畫過的男子更英氣勃勃。「麗」到極致變成「利」而帶有殺傷力的美。如以武器來說，就像一把劍，一把當世無匹的劍。

第二區—藝術鄭問

要探究鄭問的圖像美學，得先瞭解他如何在時代推展下，不間斷的思考、運用各種媒材及各式工具，嘗試創新各種畫法，以求更適切地表現圖像的情感與意境，來啟動觀者的感官與想像力。他因此而開發許多繪製漫畫的新手法、開創出漫畫創作新局。

本區展出多件由日本講談社率先發表的經典創作，《東周英雄傳》、《深邃美麗的亞細亞》、《萬歲》與《始皇》。鄭問此時的作品，已經拋開了世人眼中漫畫的常規，結合了西洋寫實繪畫與中國寫意水墨，走進了前所未有的藝術領域。讓當時候的日本媒體讚譽為「亞洲至寶」、「鬼才、異才」。也是這段時期 ，鄭問影響了各國漫畫大師，掀起一波使用毛筆作畫的風潮。

第三區—遊戲鄭問

鄭問於2003年起擔任中國線上遊戲《鐵血三國誌》製作人時期，帶領「三國遊戲工作室」繪製出人物、場景設定手稿二百餘張。本區摘選人物及場景手稿計26張，搭配完成或半完成的數位彩稿、及遊戲畫面，重組建構出沈浸式《鐵血三國志》現場。而多張從未公開的遊戲設定原稿、與鄭問親手繪製設定手稿終於回到台灣。

鄭問此系列之作，開啟了中國及東方元素的開創性運用，畫風充滿華麗創意性。而在人物設定上，鄭問發揮深厚的藝術功底和獨特的畫風，勾勒出角色的形象與造型，包括服裝、盔甲、翅膀等畫風誇張卻華麗的視覺衝擊。

在「魔王」身上，獨特的頭盔是由京劇的花冠轉換而來、裙擺則是由旗幟與官服融合而成的；主角「豪杰」身上，肩膀裝飾取自宮殿屋頂的神獸，全身則以神獸的魚鱗、翅鬚來結構統一。其他諸如，門板上的『門鈸』、中式的『窗格』花樣、『青花瓷』圖樣等，在人物造型設計上，處處可見東方元素與符號的引用，遊戲中甚至還有一『青銅四方鼎變形金剛』！

第四區—千年一問

本區展出《鄭問之三國誌》全套原稿116件。1994年鄭問應日本電玩遊戲公司GameArts邀請， 為三國故事主題的遊戲，設定及繪製人物肖像與著名事件場景。角色繁多卻可見每一人物臉型、骨骼輪廓皆不相同，性格與獨特氣質清楚顯露；重要歷史場景如官渡之戰、赤壁之戰等，鄭問以蒼茫的天地、奔馳的千軍萬馬、及飛揚的旗幟來佈局，重新表達、詮釋眾人所熟知的三國歷史。

《鄭問之三國誌》 在日本創下以台灣畫家姓名作為遊戲名稱的先例。鄭問將他先前建立的數種繪畫風格，完全展現於此，有厚彩西畫也有筆墨淡彩國畫，中西畫法或融合或碰撞的無法分辨是水墨還是西畫。鄭問只取各種畫派強項而用，讓融合的不只是產在一張畫上，更是將一百多張作品視為一張圖來融合。 

鄭問一直在作品中、訴說著自己的人生哲學觀。藉漫畫由文字與畫面組成的特質，發揮他在繪畫方面的天分，輔用文字、故事來隱喻或直敘他對千年歷史故事的觀點、對傳奇人物心境的比擬。本區展示多件鄭問的手寫劇本、漫畫對白等文稿，加上挑選自《東周英雄傳》、《深邃美麗的亞細亞》兩部漫畫的片段，試圖呈現出鄭問對歷史的思考、並在人生面對困頓之時，內心所需的抉擇等嚴肅議題，是如何透過畫面與文字，或戲謔、或深沈的顯示他以人為本的創作理念。鄭問漫畫中的對白，不時出現的哲學意味也是他創作的一大特色。

第六區—從鄭進文到鄭問

本區意在揭露鄭問創作背後，那不為人知的學習經歷與創作累積、探尋「鄭問」到底是如何誕生的？而展件包括青年時期從事室內設計工作繪製的景觀圖、早年為報紙繪製的插圖、在創作漫畫前親手捏製參考用的雕塑、供毫芒繪畫使用的放大鏡等，希冀讓大眾回顧鄭問，作為一個熱愛創作與說故事的藝術家，曾如此踏實地走在自己選擇的創作之路上。

其實鄭問便如同達文西、米開朗基羅，有著畫家，建築師，雕塑家，等多重的身分。還有融合了近四十年來產生的漫畫知識，雖然漫畫現在普遍還視為離純藝術較遠的名詞，就像當初印象派，野獸派，這些名稱的來由，其實都是當初傳統畫派羞辱他們的名詞，後來反而變成畫派的名稱，但到今天我們聽起來，已經感覺不到那個惡意了。反而變成一個崇高的藝術名詞。

如同文學家吳明益所說：「在藝術評論上，漫畫至今仍被認為不是一種『高尚藝術』（當然，漫畫也不一定要受到那些菁英評論的肯定才能自我立足），因此當我知道故宮將舉辦鄭問作品展時，不禁感到激動。因為或許數十年、百年之後，這將會被視為是洞見的、具有推動台灣漫畫藝術的一次決定。」。

Info│《千年一問 鄭問紀念展》

地點：國立故宮博物院 圖書館文獻大樓一樓特展區

日期：2018-06-16(六)～2018-09-17(一)

時間：09:00-17:00(16:30停止售票及入場)

照片：Ian Liu

近年的影視作品中，復古未來主義（Retro-futurism）以懷舊而前衛的姿態反覆現身，它既描繪飛天汽車與銀白城市的烏托邦，也映照冷戰陰影下的焦慮與諷刺。而對漫威美術指導Kasra Farahani來說，這樣的世界構築不只關乎風格與美學，更是一場關於想像力的實驗——在矛盾的時間縫隙裡，為觀眾開啟一個帶有溫度與真實的科幻宇宙。

駕駛著飛天汽車、身穿太空服的人們在飄浮城市的高塔間穿梭；老舊的機器人端著銀色托盤，為顧客送上今日的膠囊餐點⋯⋯。在許多電影裡，我們似乎都曾見過這樣的「未來」。那是一個由金屬與夢想構築的世界，一切閃爍著科技的光澤，卻隱隱流露出懷舊的氣息，甚至帶有幾分荒謬的滑稽。這種看似矛盾的視覺語彙，其實正是復古未來主義最令人著迷的地方——它帶領人們回到那個相信「一切皆有可能」的時代，再次凝視那從未真正被實現的未來。

太空夢、霓虹雨與超級英雄

復古未來主義的美學最早可追溯至20世紀初期的科幻小說與視覺藝術。當時人們見證了飛機、收音機與電視的誕生，對於未來的想像前所未有地樂觀而宏大；進入冷戰時期後，太空競賽更將這股科技信仰推向巔峰，從包浩斯建築到家電廣告，設計語言開始被「太空時代」的形象徹底占據，金屬、流線、圓頂與閃亮的銀白色，成為象徵進步與希望的符號。

然而，隨著80年代個人電腦的普及、冷戰的陰影與能源危機的延續，人們不再仰望太空，而是轉向螢幕與數位世界，也讓過去那些關於科技烏托邦的願景顯得天真而遙遠。在這樣的時代背景下，復古未來主義的概念逐漸興起，成為人們重新理解「過去如何想像未來」的一種文化視角，也成為日後許多電影與設計取材的靈感來源。

雖然復古未來主義起源於對未來的樂觀想像，但當這份願景顯得過於理想化，許多創作者也開始以它構築出一種帶著憂鬱與諷刺的「未來幻象」。在電影《銀翼殺手》（1982）中，日式霓虹、工業廢墟與陰雨都市，交織出一個被科技與記憶腐蝕的世界，人工智慧與複製人的出現，引領觀眾反思人性與存在的界線；而在《巴西》（1985）裡，被管線纏繞的大樓與無處不在的監控看似是荒誕的寓言，實際上卻是對早期科技信仰的深刻反諷。這些作品共同揭示了復古未來主義的另一面——它並非單純的懷舊，而是一面映照人類焦慮與理想的鏡子。

在近10年的影視作品中，復古未來主義也再度崛起。無論是《明日世界》（2015）的懷舊太空城設計、《銀翼殺手2049》（2017）對原作的視覺復刻與延伸，還是《小行星城》與影集《明天會更好！》（2023）中幽默荒誕的科幻敘事，都展現了復古與未來並行的奇異錯置。而隨著漫威電影宇宙的擴張，這樣的風格也被重新詮釋於超級英雄的世界之中。從《星際異攻隊》（2014）的70年代太空歌劇氛圍，到《洛基》（2021）中結合粗獷主義與中世紀現代風格的「時間變異管理局」（TVA），再到今年７月上映的《驚奇４超人：第一步》，皆帶領觀眾投入復古未來主義的無限想像。

《洛基》：一個凍結於過去與未來之間的時空

「我認為復古未來主義的迷人之處，在於那種單純而真誠的驚奇與敬畏感。」Kasra Farahani接受La Vie專訪時說道。作為《洛基》與《驚奇4超人：第一步》的美術指導，Kasra過去也曾參與《黑豹》、《星際異攻隊2》與《阿凡達》等多部作品的製作；他擅長從建築與文化脈絡出發，將抽象的世界觀化為具體的空間。

在《洛基》的核心場景「時間變異管理局」中，他以混凝土牆面、暗橘色燈光與泛著金屬光澤的控制面板，打造出同時屬於過去與未來的矛盾空間。這些元素融合了粗獷主義與中世紀現代主義，靈感來自建築師Marcel Breuer、Pier Luigi Nervi與Paul Rudolph的結構語彙，以及經典科幻電影《2001：太空漫遊》中對未來秩序的想像，構築出一種彷彿停滯於太空時代的氛圍。

「就像大學或政府機關，在興建或整修時常獲得大量經費，但完成後的數十年間卻幾乎不再改變，整個環境彷彿被凍結在那個時代的瞬間。」Kasra如此形容他對TVA世界觀的思考。從色彩、家具到牆面的材質，機構裡的一切都停留在一個過去的未來之中，就連影集經典角色「Miss Minutes」，也延續了這份時代錯置的幽默：她以50年代美國汽車產業公共宣傳片（PSA）的擬人動畫風格登場，溫柔卻略帶詭異的語調、鮮明的色彩與手繪質感，讓「人工智慧」的形象多了一層懷舊。「在我看來，構築世界觀最重要的原則就是一致性。要思考的是，在那個時空中的人，會如何想像『未來』？」他補充道。

《驚奇4超人：第一步》：一座科幻摩天樓裡的小木屋

如果說《洛基》探索的是時間與秩序的荒謬，那麼《驚奇4超人：第一步》則將復古未來主義推向另一個高峰。這一次，Kasra為一個靈感來自60年代的平行宇宙「地球－828」建構世界：紐約上空飛著汽車，街道閃烁著銀藍光芒，整座城市既現代又帶著古典的浪漫氣息。電影的核心場景「巴克斯特大樓」更是這種氣質的縮影。

「我認為『未來感』最明顯地體現在誇張的室內尺度，以及戲劇性、曲線感強烈的表面與輪廓；但在材質上，我選擇保留那些在當時的普通住宅裡也隨處可見的熟悉元素。」他將這座超級英雄總部重新想像為「頂樓裡的小木屋」，以木質牆面、中央壁爐與下沉式談話區構築出家的溫度，讓觀眾在科幻的未來裡仍能感受到生活的真實。

「我們希望這裡更像『家』，而不只是炫目的豪宅。」Kasra進一步說明，為了營造這份親切感，他選用了中世紀現代主義常見的自然元素，如天然石板、暖色木料與植栽，並搭配金色與黃銅細節，與外部銀白的城市形成鮮明對比。其中最具象徵性的空間之一，莫過於4超人每週共享家庭晚餐的廚房：半球形烤肉架、自動蛋糕轉盤，以及在燈光下閃爍的金屬桌面，都彷彿重現了1964年紐約世博會的未來願景，讓觀眾回到那個充滿希望的年代。

「這是一個關於樂觀與烏托邦的故事，讓我們得以從那些常見的反烏托邦題材中暫時抽離。」

對Kasra而言，美術設計的首要任務是服務於敘事，並支撐每一場戲的情感意圖。「無論借鑑何種美學靈感，只要『故事』是核心考量，最終的設計就會自然成為該故事獨有的風格。」

從《洛基》到《驚奇4超人：第一步》，復古未來主義不再只是懷舊的表象，而是一種以「想像」為核心的創作語言。「我不確定它是不是一種潮流，但它確實捕捉了一個充滿創新的黃金時期。」他認為60年代後大眾文化逐漸轉向悲觀，未來常被描繪為冷酷、荒蕪，甚至被機器統治的世界；而復古未來主義之所以迷人，或許正在於那份帶著浪漫與希望的無限想像。

「我很想創造一個設定在1920年代的『未來』，或一個發生在西元3000年的世界——這兩種想像都充滿挑戰，卻也令人極度興奮，不是嗎？」

Kasra Farahani

伊朗裔美術指導與設計師，現居於洛杉磯。早年學習工業設計，曾於多個設計領域工作，後轉入電影產業。曾參與《黑豹》、《星際異攻隊2》、《阿凡達》等多部作品，並擔任《洛基》與《驚奇4超人：第一步》美術指導，擅長從建築與文化脈絡出發，將抽象世界觀化為具體場景。

從城市街道到山林越野，跑步是一種跨越世代和文化的共同本能，努力往前奔跑揮汗的姿態，更在某些時刻達到鼓舞人心的能量。以此為想像，英國藝術家Julian Opie的全新LED影像裝置作品《Marathon. Women.》，則讓銀座GINZA SIX的挑空中庭化身為「懸浮空中的跑道」！

作品極具辨識度的Julian Opie，其極簡線條搭配鮮明色彩，強烈簡約風格讓人看過後就印象深刻；其作品靈感來自生活四面八方，從古典肖像畫、埃及象形文字、日本浮世繪，到公共指標與道路標誌等，經由他之手，都能被轉化一件件簡潔明快的視覺創作。

在空中展開一場無止境的馬拉松

本次《Marathon. Women.》同樣依循Julian Opie的視覺語彙，以英國國家田徑代表隊選手為靈感的影像裝置，只見7位女性跑者化為擁有鮮豔色彩與簡潔線條的人物形象，並各自以不同的顏色與速度，在彷彿漂浮於半空中的長方形螢幕上不斷奔馳，形成一場沒有終點的賽跑。

《Marathon. Women.》從人類最原始的肢體動作「奔跑」出發，之所以聚焦此項主題，Julian Opie表示是自己過往在公園拍攝城市行走者時，被跑者穿越鏡頭時自然且富節奏的擺動吸引；當時，他便心想若能將跑者在奔馳的速度、姿勢與細節，提煉為極簡的線條與色彩，應該會是相當有趣的創作。

Julian Opie認為「跑」這個動作深深扎根在人們的本能裡，而GINZA SIX開放挑高的中庭空間，更能將這份動態能量放大，擴散至整個空間；為了讓人們能切實感受跑步的速度感，他選擇讓作品動起來，以長 10 公尺、寬 8 公尺、高 1 公尺左右的 LED 螢幕箱體作為主要架構，搭配有著紅、藍、黃、綠等不同顏色的跑者人物，帶來強烈的躍動感與沉浸式體驗。

裝置作品充分運用 GINZA SIX 中庭的建築特性，當從不同樓層和角度觀賞時，人們的目光很快便能被螢幕上，有著不同色彩的跑者時所吸引，並開始追著某個特定顏色看，在心中默默為目光鎖定的跑者加油打氣，進而對作品產生共鳴互動與新鮮感受。

《Marathon. Women.》預計將一路展出至2026年秋天，有機會造訪銀座的人，不妨走進GINZA SIX，近距離欣賞這場永無止境的空中賽跑。

資料來源｜GINZA SIX